На протяжении долгого времени Малевича постоянно упрекали в рационализме. Основание для этого довольно просто найти. Основание дают особенности его творческого пути, умозрительный характер супрематизма, а также склонность великого мастера Малевича к теоретизированию. Складывается такое ощущение, что наследие художника как будто распадается на разнородные части.
Однажды один из критиков А. Эфрос высказал мысль о том, что «никакого «художника Малевича» нет вообще, что это некий собирательный образ, что есть несколько лиц, носящих имя и фамилию «Казимир Малевич». Конечно, этим словам давно никто не верит. Но сколько бы людей не пытались это сделать, все равно объяснить творчество Малевича невозможно. Малевич начинал свой творческий путь еще со времен романтизма, он сильно увлекался работой на натуре. Не раз Малевич говорил о себе: «как кончится служба, прямо бегу, несет меня к этюднику, краскам. Схватишь и несешься на этюды. А огромной силы, невероятной, может достигать это живописное чувство. Прямо взорвать человека может».
Копирование натуры безумно не было его занятием. Малевич не раз повторял: «Скопировать природу — вот взять и так написать, как она есть — а вот она как хороша! А напишешь — будет неинтересно. Нужно что-то внести» такие слова на протяжении долгого времени Малевич говорил своим ученикам. Без осмысления своей живописной практики Малевич не мог бы носить гордое призвание художника. В 1916 году ему удалось сформулировать свою жизненную и творческую позицию: «Художник должен знать теперь, что и почему происходит в его картинах». Малевичу удавалось отдаваться полностью любому творческому порыву.
Он считал, что настоящий художник должен уметь ставить цели и добиваться их, а также анализировать свой труд и его плоды. Художник должен был быть и творцом, и теоретиком в одно и тоже время. Малевич не раз советовал своим коллегам «приводить все в систему». Система была одни из любимых понятий Малевича. Своих учеников Малевич заставлял осваивать системы французской живописи, как когда-то делал сам. «У меня чисто моего остается супрематизм, а остальное — не мое. Но я ничего не потерял от того, что проходил строго эти системы», — говорил художник в начале 1929 года. «Прохождение» систем имело не просто учебный характер. Малевич считал, что в живописи, также как и в науке: новое возникает на основе того, что было сделано ранее. Только следование «магистральным», объективно важным тенденциям искусства способно сделать индивидуальное творчество значимым. Не стоит им сопротивляться. «Нравится или не нравится — искусство об этом вас не спрашивает, как не спросило, когда создавало звезды на небе», — писал художник в 1916 году.
Он как будто вовсе не сомневался, что звезды сделаны искусством. Но изучение систем — не самоцель, оно является лишь подготовкой к созидательному творчеству. Очень трудно найти свой путь в лабиринте современных изгибов. Для Малевича главную роль играет самопознание, которое осуществляется погружением в себя, включением интуиции. В определенный момент каждому художнику необходимо отстраниться от «чужого» искусства, а также от любых внешних воздействий. Точные и правильные творческие решения возникают по «внутренней необходимости».
В Гинхуке Малевич практиковал «инкубацию». Он старался изолировать учеников, когда они работали. Судя по всему, Малевич тоже пользовался таким приемом. По воспоминаниям всех, кто окружал его в поздние годы, он любил долго бродить один, на таких прогулках Малевич обдумывал свои работы, а затем быстро писал (зачастую возвращаясь к законченным картинам и на новом этапе решая поставленную когда-то задачу). Большинство картин сначала разрабатывалось им в графической технике. Малевич очень трепетно относился к созданию рисунков, особенно в период кубофутуризма и супрематизма. Именно эти течения выявили в Малевиче остроту композиционного мышления, открыли в нем дар изобретателя. Однажды Н.А. Удальцова вспоминала: «Малевич страстно верил в то, что выдумывал. Как-то пришла к нему. Малевич открывает стол, а там бесконечное количество бумажек. Все это были композиции, которые он переводил на холст …:. Мне всегда казалось, что в его вещах выдумка переходит органически в какой-то творческий момент … Вот он выдумал тогда свой квадрат. Наверное, это был момент какой-то гениальности». Каждый из выдающихся художников способен на то, чтобы создавать новую систему.
Малевич считал, что существуют некоторые категории талантливых художников. В одной из них они работают в рамках чужой системы — он называл их «пустотелыми». Но собственная система не должна быть закреплена только на создателе. Художнику не стоит обращаться внимание на узнаваемости своего стиля, своей манеры. Малевич считал, что не стоит бояться потерять лицо. А вот другую заботу, Малевич считал стремлением к коммерческим успехам. Настоящий художник должен быть всегда готов к новизне.
Долгое время Малевич считал, что супрематизм завершил историю живописи, действительность опровергла его представления. Малевич в свои последние годы уже не диктатор, который зовет соратников под знамена супрематизма. Теперь его отличительная особенность — интерес, который он проявляет в самые разные направление живописи. В свои последние годы Малевичу нравится писать полотна в стиле старых мастеров, на одном из портретов он предстает перед нами в образе художника эпохи Возрождения. На другом же полотне можно увидеть Малевича современником Рембрандта или Хальса.
Теперь он относится без предвзятости даже к методу натурализма и выполняет в его ключе несколько этюдов и портретов. В будущих экспериментах Малевич основывается на прочной базе технических навыков. Эти навыки Малевичу удалось получить в годы учебы в школе Ф.И. Рерберга. Сам же Рерберг был не только опытным живописцем, но и одним из выпускников Академии художеств. Также он был экспертом по производству красок.
Многие исследования показывают, что картины Малевича были написаны традиционным методом послойного письма. Иногда присутствовало применение классических лессировок. В творчестве Малевича часто боролись или мирно соседствовали импульсивность и рассудочность. У Малевича в технике начинали играть развитый рисунок, активный и динамичный мазок, сложные колористические и фактурные построения. В своей живописи Малевич был многогранен и целеустремлен, также как и в других сферах своей жизни.
Винсент Ван Гог (1853−1890) является всемирно известным нидерландским художником-постимпрессионистом. Сегодня это классик живописи, чьи произведения продаются за миллионы долларов. Биография Ван Гога — классический пример непонятого современниками гения, прожившего жизнь изгоем и страдальцем. Картины художника известны сегодня всем, а вот его жизнь остается загадкой, будучи окутанной мифами.
Мы знаем только о сумасшествии Ван Гога, отрезанном ухе, да самоубийстве. Между тем этот человек имел широкий круг интересов, сегодня его биография довольно неплохо изложена историками. А самые известные заблуждения и мифы о личности Ван Гога обретают настоящий смысл. Ведь даже первые биографы мастера, умышленно или нет, способствовали появлению легенды.
Ван Гог видел мир не как обычный человек, а завитками и мазками. Этот миф объясняет, почему художник создавал такие своеобразные картины. Однако первые творения Ван Гога относились к жанру «крестьянской живописи». Художник пытался отобразить жизнь обычных жителей деревни. И там нет никаких завитков, ярких красок. Сами картины довольно темные и даже мрачные. Так что говорить об особенном зрении не приходится. Все творчество Ван Гога заключено в поисках новой формы выражения. Сам он писал: «Я ищу. Я стремлюсь. Я в этом всем своим сердцем». Вполне вероятно, что в определенный момент брат Ван Гога, Тео, сам успешный арт-дилер, дал совет Винсенту отойти от избитой тематики крестьянской живописи в пользу более модного импрессионизма. Светлые и яркие картины привлекали к себе внимания, оставалось дождаться лишь признания общественности.
Избыток желтого цвета в картинах Ван Гога обусловлен пристрастием художника к абсенту. Любовь к этому спиртному напитку, как считается, могла вызвать галлюцинации и изменить восприятие человеком цвета. Однако так и непонятно, в каком объеме и как часто надо употреблять абсент чтобы дойти до такого состояния. И не только Ван Гог злоупотреблял абсентом, но обвиняют в неверной цветопередаче только его. Более того, как раз в момент обострения психической болезни художник и не мог творить. Пристрастие только мешало ему, а не помогало.
Ван Гог жил в нище и умер абсолютно безвестным. Фактически Ван Гог в нищете не жил. Его финансово обеспечивал младший брат, так что Винсент не хватался за любую работу, разменивая талант. Лео видел явные способности брата, выплачивая ему ежемесячное пособие, приобретя краски, книги по искусству, материалы. Хватало денег даже на проституток. И хотя модным и популярным Ван Гог действительно не стал, но он тесно общался с самыми перспективными и молодыми художниками, которых еще ждала слава: Дега, Гогеном, Писсарро, Тулуз-Лотреком. И в самом конце жизни Ван Гог был все же замечен критиками, которые стали выделять его творчество. Богатым он так и не стал, тем не менее положение мастера было лучше, чем у многих других его коллег-современников.
Ван Гог был настоящим безумцем, который просто выплескивал эмоции на холст. В своих письмах к брату Тео Винсент постоянно рассуждал о живописи, творчестве, техниках и материалах, постановке задач. Да и с самого детства художник изучал языки и брал уроки рисования. Он считался весьма трудолюбивым, упорным и неглупым. Депрессия у Ван Гога и припадки эпилепсии из-за чрезмерной любви к абсенту появились только в конце жизни. Сам художник писал, что до такого состояния он доводил себя умышленно, так как в спокойном состоянии его взгляд становился пустым. Тут свою роль играла и непризнанность публикой. Но сегодня многие сходят с ума и от меньших проблем. А породил миф искусствовед Юлиус Мейер-Грефе. Он рассказал, что Винсент творил буквально в слепом упоении, выплескивая темперамент на холст. Сам Ван Гог был настоящим трудоголиком, утверждая, что в искусстве надо «работать, как несколько негров, спуская с себя кожу». В последние месяцы жизни художник мог создать картину за несколько часов, но при этом повторяя, что работал годами, чтобы научиться творить стоящее за такой короткий срок. О работе по наитию не было речи — Ван Гог долго и напряженно трудился над одним мотивом. Тех же «Подсолнухов» было создано несколько вариантов. Ван Гог создавал продуманные с творческой и коммерческой стороны серии. А Гоген писал о друге: «Вы единственный думающий художник из всех».
Ван Гог в припадке безумия отрезал себе ухо и отдал его проститутке. Этот экстравагантный поступок стал визитной карточкой художника. Не все помнят его картины, но этот факт навсегда стал ассоциироваться с Ван Гогом. Легенда гласит, что некоей проститутке нравились уши художника. Этой даме Ван Гог и подарил своей ухо, не имея средств на приобретение рождественского подарка. В реальности же он потерял не ухо, а только его часть, мочку, да и то — при загадочных условиях. Считается, что в то время жилье у Ван Гога снимал Гоген. Художники много творили вместе, горячо споря об искусстве. И вот однажды, в пылу спора, эмоциональный Гоген полоснул товарища по уху. Сам он был опытным драчуном, обладая большим опытом подобных стычек в матросских тавернах. Так что версия о припадке Ван Гога, и о том, что тот гонялся с лезвием за коллегой по квартире, было придумано самим Гогеном. В таком свете история его оправдывала. Да и Ван Гог любил товарища, поэтому вполне мог скрыть его дурной поступок. Под корень отрезать ухо означало истечь кровью, ведь медицинская помощь художнику была оказана лишь через 10 часов. И во врачебном заключении говорится как раз об отрезанной мочке.
Ван Гог покончил с собой. Классической является история о самоубийстве Ван Гога. 27 июля 1890 года он на прогулке выстрелил себе в сердце из пистолета, приобретенного для отпугивания птиц. Пернатые мешали творить на свежем воздухе. Художник в сердце не попал и сумел добраться до гостиницы, где успел еще проститься с братом. Но эта версия в 2011 году получила альтернативу. Американские историки искусства, лауреаты Пулитцеровской премии, Стивен Нафех и Грегори Смит в своей книге написали, что никакого самоубийства не было. В это не поверил и судмедэксперт, который отметил отсутствие ожогов на руках, которые должны были бы появиться в таком случае. Да и сам пистолет найти не удалось, как и очевидцев произошедшего. Непонятно, зачем устраивать себе такую мучительную смерть, а не выстрелить в голову? С большой вероятностью можно полагать, что стрелял кто-то из подростков-хулиганов, которые пили с Ван Гогом в местных забегаловках. Они могли играть с огнестрельным оружием в ковбоев. Сам художник в свое время умолчал о проступке Гогена, вероятно, решив пожалеть и мальчишек. В это время Ван Гог пребывал в глубочайшей депрессии, ему попросту ничего не было интересно. Обвинять кого-то он не стал и смиренно расстался с жизнью.
Ван Гог был не признан современниками. В последние годы художник получил определенную известность. С 1888 года известные критики Феликс Фенелон и Гюстав Кан, обозревая творчество независимых авангардистов, выделяли яркое творчество Ван Гога. Критик Октав Мирбо даже посоветовал Родену приобрести работы необычного мастера. Картины Ван Гога были в коллекции Эдгара Дега, весьма тонкого ценителями искусства. Еще при жизни художника в газете «Меркюр де Франс» о нем написали, как о великом художнике, наследнике Рембрандта и Халса. Творчеству голландца была посвящена целиком статья звездного критика Анри Орье. Сам он собирался работать над биографией Ван Гога, но так и не смог, скончавшись от туберкулеза.
Ван Гог пытался познать Бога и народ, служа проповедником у шахтеров. Эта история стала основой для богоискательской легенды о Ван Гоге. В 1879 году он действительно служил проповедником в бельгийском шахтерском городе Боринаж. Биографы увидели в этом желание страдать вместе с убогими и нищими, порвав со своей родной средой. На самом деле Винсент в те годы решил стать священником, как и его отец. Но для получения сана требовалось пять лет проучиться в семинарии или же пройти ускоренный трехлетний упрощенный и бесплатный курс в евангельской школе с полугодовой службой миссионером. Так Ван Гог и оказался среди шахтеров. Он старался им помочь, но сближаться не планировал, оставаясь представителем своего среднего класса. А по истечении срока Ван Гог отправился в школу. Вот только условия изменились, и появилась плата за учебу для голландцев. Ван Гог принял решение оставить религию и стал художником. Его временное миссионерство было необходимым шагом для духовной карьеры, а не порывом души.
При жизни была продана только одна картина Ван Гога. Этот миф является частью образа непризнанного гения. В 1890 году Тео за 400 франков продал пейзаж «Красные виноградники в Арле». Картина была написана за 2 года до этого. Однако факты говорят, что художник все же имел больший успех. Как минимум одна его картина была продана в Англии. Речь идет об одном из автопортретов Ван Гога. Некие лондонские дилеры Салли и Лорри приобрели картину малоизвестного голландца. Популярностью пользовались рисунки Ван Гога, но все же этого не хватало для полной независимости от брата.
Ван Гог был человеком из народа, бунтарем и даже анархистом. Тот же биограф Юлиус Мейер-Грефе постоянно менял акценты на истории жизни Ван Гога. Легенда внедрялась в Германии, где художника никто не знал. Сперва Ван Гог представал человеком из народа, провозвестником модерна. Но этот жанр вскоре выдохся. Тогда Ван Гог стал называться бунтарем-авангардистом, что нравилось богеме, но не обывателям. И только в 1921 году появился образ гениального безумца, чьей рукой управлял сам Бог. На самом деле Ван Гог окончил частную гимназию, свободно общался на трех языках и много читал. Коллеги прозвали художника Спинозой. За спиной Ван Гога всегда была семья, которая поддерживала его в начинаниях. Дед создавал переплеты старинных манускриптов для королевских домов, дяди торговали предметами искусства, в семье был даже адмирал. Сам художник рос прагматичным человеком.
В своей последней картине Ван Гог сообщил о будущем самоубийстве. Картину «Пшеничное поле с воронами» Ван Гог закончил за 19 дней до своей смерти. В фильме «Жажда жизни» показано даже, как художник, закончив работу над картиной, убивает себя. Но нет никаких доказательств того, что депрессивная картина является предсмертным посланием. Да и теперь последней работой считаются «Пшеничные поля», что стало ясно из переписки художника с братом. Стоимость полотна составляет теперь не менее 20 миллионов долларов. Но никакой связи картин со смертью Ван Гога не обнаружено. Свое последнее письмо он направил брату за четыре дня. Там упоминались Сад Добиньи и «коттеджи с соломенными крышами», никаких мистических знаков и намеков не содержалось.
Ван Гог работал по ночам, устанавливая свечи в свою шляпу. Этот миф появился в 1922 году в книге французского журналиста Гюстава Коко. Он пересказал анекдот о работе Ван Гога в шляпе со свечами во время работы на «Звездной ночью». Но сам художник рассказывал, что работал при свете обычного газового фонаря.
Картина «Комната в Арле» доказывает безумное состояние художника. Неестественно искривленное пространство предъявляют в качестве доказательства сбоя в психике Ван Гога. Однако оказалось, что он весьма реалистично изобразил действительность. В доме в Арле, где жил Ван Гог, стены и потолок действительно оказались скошенными.
Ван Гог перегрелся под открытым небом, из-за чего и сошел с ума. Известно, что Ван Гог любил работать под открытым небом. Он плохо переносил запах скипидара, которым разводили краски. И этот факт лег в основу нового мифа. Биографы писали, что Ван Гог настолько любил свой источник вдохновения, солнце, что даже не покрывал свою голову. В результате сгорели все волосы, а незащищенный череп планомерно напекался лучами, что и свело с ума художника. Однако на поздних автопортретах Ван Гога и на портретах уже мертвого художника заметно, что волосы на его голове присутствовали до конца жизни.
Ван Гог считал себя одиночкой и не хотел заводить семью. Сотрудники музея Ван Гога отмечают, что больше всего на свете художник хотел иметь как раз семью с детьми. Мужчина очень тяжело знакомился с посторонними и редко кого допускал в свой внутренний мир. В его короткой жизни было всего полтора года «игры» в семью. Роль жены исполняла бывшая проститутка и модель Син Хурник, уже со своим ребенком. После того, как продолжительные отношения подошли к концу, Ван Гог уже не мог построить гармоничных и долговременных отношений с женщинами. Новость о том, что он станет дядей, для Винсента стала радостной. Он даже написал полотно «Цветущие ветки миндаля» под впечатлением. Теперь эта картина украшает семейную коллекцию наследников.
Русский художник-самоучка Владимир Третчиков с пяти лет не бывал в России, он жил в Китае, Сингапуре, на Яве, в ЮАР. На Западе его картины пользовались большим успехом, он провел 52 персональные выставки. Тем не менее, Третчиков не получил признания в профессиональной среде — ни одна из его работ не была приобретена музеем или художественной галереей. Его называли «королем китча», «Пикассо супермаркетов» и «художником больших денег». С последним сложно поспорить — Третчикова считают одним из самых коммерчески успешных художников ХХ века.
Владимир Третчиков родился в 1913 г. в Петропавловске, после революции его семья покинула Россию и бежала в Маньчжурию. Мальчик рано осиротел и был вынужден самостоятельно зарабатывать себе на хлеб с 12 лет. Он устроился помощником художника в Харбинский оперный театр, занимался иллюстрированием учебников, писал портреты. Его работы привлекли внимание руководства Китайско-Восточной железной дороги, и Третчикова отправили на учебу в СССР, снабдив солидной суммой.
До СССР Третчиков так и не доехал. В Шанхае родной брат убедил его остаться и вложить деньги в бизнес. Вместо этого он обманул его и скрылся с деньгами. Третчиков устроился карикатуристом в местную газету, а позже основал рекламную студию. В 1934 г. Третчиков подписал контракт с рекламной фирмой и переехал в Сингапур. Помимо этого, он преподавал в художественной школе и писал портреты. Там он прожил недолго — после начала Второй мировой войны он уехал на остров Ява.
До конца войны Третчиков жил в Батавии (ныне — Джакарта, столица Индонезии). Там он рисовал карикатуры для газет, занимался оформлением театральных спектаклей, писал портреты местных жителей. После войны ему удалось отыскать свою семью — жену и дочку — в Кейптауне. В ЮАР Третчиков прожил до конца своих дней. В России с тех пор он так никогда и не был, хотя до конца жизни отлично говорил по-русски.
Именно в ЮАР к Третчикову пришла популярность. В 1948 г. он с успехом провел первую персональную выставку, со временем его выставки в ЮАР побили все рекорды по сборам и посещаемости. При этом национальная галерея ЮАР не купила ни одной его работы, так как «Третчиков не является южноафриканским художником», хотя он прожил в этой стране 60 лет
В 1953—1955 гг. художник провел выставочное турне по США и Канаде. В 1961 г. в Лондоне на его вернисаж пришло 205 тысяч человек, выстроившихся в гигантскую очередь. Его работы пользовались большим спросом, особенно портреты. Ими украшали стены кафе, офисов, парикмахерских, отелей, салонов красоты
По коммерческому успеху своего творчества Третчиков уступал только Пикассо. Его «Китаянка» («Зеленая леди») была продана в Лондоне за миллион фунтов стерлингов. Эта работа стала одним из самых известных символов западной поп-культуры и самой продаваемой репродукцией в мире. Она украшала стены гостиных в Великобритании, Канаде, Австралии, Новой Зеландии, Сингапуре, ЮАР.
В Западной Европе и США его считали культовым художником, в России о нем мало кто слышал. В профессиональной среде его работы не получали высоких оценок, критики разносили его выставки в пух и прах. Первые русские публикации о Третчикове появились только в 1990-х., из 52 персональных выставок ни одной не было проведено в России.
Утопая в воздушном платье, она со скучающим видом смотрит мимо нас с балкона на одной из самых известных картин Эдуарда Мане. Берта Моризо была не только любимой моделью знаменитого живописца, но и одной из самых выдающихся художниц XIX века, женщиной, которой удалось почти невозможное: успешно сочетать семью, карьеру, дружбу, оставаясь верной себе и своим убеждениям.
Первые уроки
Отец Берты Моризо был чиновником высокого ранга, мать — преданной мужу и детям хозяйкой дома. Берта, родившаяся в 1841 году, и ее старшие сестры, Ив и Эдма, получили образование, полагающееся девушкам из приличного общества: музыка, танцы, вышивание, уроки рисования. Эдма и Берта проявили способности к живописи. Для них наняли учителя. Мадам Моризо хотела, чтобы дочери смогли нарисовать что-нибудь ко дню рождения отца. Уроки шли своим чередом, но однажды преподаватель высказал свои опасения в письме к мадам: «У девочек такие способности… Они станут художницами. Вы понимаете, что это значит? В вашем кругу это будет революцией, даже катастрофой».
Учитель несколько драматизировал ситуацию, но был не так далек от истины. Одно дело живопись как развлечение для барышень, другое — профессия. Слишком многие были готовы подписаться под словами Эдмона де Гонкура: «Гениальных женщин не существует, те, кто демонстрирует признаки гениальности, обманывают природу, потому что на самом деле они мужчины». Художницам не разрешалось учиться в Академии изящных искусств, рисовать обнаженную натуру, не рекомендовалось изображать мужчин, даже одетых. Француженка Роза Бонер была вынуждена переодеваться в мужской костюм, чтобы свободно писать с натуры на ярмарке лошадей. Девушки даже не могли показаться без сопровождения в Лувре, чтобы копировать работы мастеров, как того требовали каноны обучения художников.
Мадам Моризо проигнорировала предупреждение учителя и позволила дочерям реализовать их таланты. В саду их дома была построена студия для юных художниц, а путешествия семьи планировались с тем расчетом, чтобы девушки могли работать на пленэре.
Полезные связи
В 1868 году в Лувре Берта Моризо познакомилась с Эдуардом Мане. Тогда написать обнаженную женщину, пририсовать рядом амурчика и сказать, что это Венера, было в порядке вещей. А вот обнаженная женщина в такой же позе, которая дает понять, что это современница и куртизанка (как сделал Мане в знаменитой «Олимпии»), абсолютно неприлично.
Несмотря на одиозность своих картин, Эдуард Мане был респектабельным представителем высшей буржуазии, настоящим денди и завсегдатаем модных салонов и кафе. Он впечатлился талантом мадемуазель Моризо, ее особенной красотой и тотчас же уговорил ее позировать. В общей сложности он написал не менее 10 портретов Берты. Несмотря на взаимное притяжение, между ними не могло быть ничего, кроме дружбы: Мане был женат. Берте оставалось отпускать язвительные замечания о его жене в письмах сестре и разделять с Эдуардом общую страсть к живописи. Мане нельзя назвать учителем Берты, хотя его идеи оказали на нее сильное влияние. Девушка была достаточно самостоятельна, чтобы понимать значимость собственного стиля. Однажды она собиралась отправить свою работу на выставку, но была не удовлетворена картиной. Мане, едва увидев полотно, вызвался исправить погрешности. Результат привел Берту в отчаяние: картина стала, возможно, более совершенной, но это было уже не ее творчество. Она признавалась сестре: «Мама находит ситуацию забавной, меня же она раздражает. Единственная надежда, что жюри отвергнет работу».
Мане познакомил Моризо с импрессионистами. Моне, Ренуар, Сислей, Дега, Писсарро, Сезанн — их живопись отличалась от всего, что считали эталонным: краски слишком ярки, линии недостаточно четки, сюжеты, взятые из повседневной жизни, совсем не возвышенны. Их картины не покупались, и те, кто не имел другого дохода, были вынуждены жить впроголодь. Берта была принята в их круг. Порой ее присутствие смягчало жаркие споры, которые рисковали перейти в рукопашную. Даже язвительный женоненавистник Дега отзывался о Берте с уважением.
Известными широкой публике становились лишь те, кто выставлял свои работы в Салоне — на ежегодной парижской выставке Академии изящных искусств. В жюри, которое занималось отбором работ, входили художники старой школы, не признававшие новых веяний и отвергавшие картины, которые не соответствовали классическим канонам. Берте повезло, и первые два пейзажа, которые она отправила в Салон, были приняты. И потом она выставлялась неоднократно. Картины Моне и Ренуара чаще отвергались, чем принимались, работы Мане вызывали насмешки, Сезанн не был принят ни разу.
В апреле 1874 года открылась первая выставка импрессионистов. Берта была единственной женщиной среди тридцати ее участников. Мане отказался выставляться, пытался отговорить от этого и Берту, убеждал ее, что, связывая свое имя с кучкой отверженных художников, она навсегда закроет себе дорогу к настоящему признанию. Экспозиция вызвала скандал, критики соревновались в остроумии, советуя беременным женщинам воздержаться от посещения, чтобы не родить раньше срока от пережитого потрясения. Через два года состоялась вторая выставка, критики были по?прежнему неумолимы: «Пять или шесть сумасшедших, среди них одна женщина, сговорились выставить свои работы на обозрение». Берте тоже досталось: «Мадам Моризо — женщина, и я когда-то читал, что женщин нельзя бить ничем, даже цветами. В таком случае мне будет тяжело сочетать долг критика и галантного джентльмена».
С 1874 по 1886 год состоялось восемь выставок импрессионистов, Берта пропустила только одну из них, когда приходила в себя после рождения дочери. Все эти годы Моризо оставалась верной самой себе и своим друзьям, для чего требовалось немалое мужество и сила духа. Сейчас картины Моне, Ренуара, Сислея стоят миллионы, тогда же они ценились едва ли не меньше, чем сам холст. Однажды известный ресторатор и приятель художников устроил лотерею, где главным призом была работа Писсарро. Женщина, вытянувшая выигрышный билет, предпочла взять вместо картины пирог.
Лишь к середине 80-х новое направление начало завоевывать признание. Берту Моризо называли импрессионисткой par excellence — в полном смысле слова. Ее нежные, меланхоличные картины, изображающие жизнь женщины из высшего общества, как нельзя лучше передавали идеи течения. Критик писал о ее работах: «Берта Моризо никогда не заканчивает картину, она будто создает предисловия к книгам, которые никогда не напишет». Но многие находили эти предисловия прекрасными. «Мадам Моризо — единственная женщина-художник, чьи картины нельзя уничтожить, не нанеся невосполнимую потерю в истории живописи», — писал другой ценитель.
В начале 1890-х годов признание стало более ощутимым: организуется персональная выставка работ Берты Моризо, одну из ее картин купил государственный музей. Через год после смерти художницы ее дочь и друзья открыли вторую персональную выставку, которая имела небывалый успех у публики и критиков.
Семейные сцены
Члены семьи Моризо были очень близки друг с другом. Когда Эдма вышла замуж за морского офицера, ей пришлось забыть про живопись, она писала сестре: «Я с тобой, дорогая Берта, в мыслях я следую за тобой по студии. Как бы мне хотелось сбежать пусть даже на четверть часа, чтобы вдохнуть воздух, которым мы дышали столько лет». Пример замужества сестры (кстати, счастливого замужества!) не вдохновлял Берту: она не мыслила свою жизнь без живописи, а для женщины считалось невозможным совмещать карьеру и семью. Мать беспокоилась: Берте исполнилось 30, но о браке она не помышляла, хотя недостатка в поклонниках не было. «Она казалась бесконечно гордой и сдержанной, но ее холодность была так пленительна, что было невозможно остаться равнодушным», — говорил поэт Стефан Малларме.
Мы вряд ли узнаем, как удалось Эжену Мане, младшему брату Эдуарда Мане, убедить Берту изменить скептическое отношение к браку, но вскоре после их свадьбы в 1874 году она писала: «Я вышла замуж за прекрасного, честного молодого человека. Думаю, он искренне меня любит. Я долго гонялась за иллюзиями, которые не сделали меня счастливой, теперь начинается настоящая жизнь». Эжен носил ее мольберт, когда она работала на пленэре, заказывал рамы для картин, следил, как развешивают ее работы на выставках, подбадривал жену и восхищался ее талантом. Их единственный ребенок родился через четыре года после свадьбы, когда Берте было уже 37 лет.
Семейные сцены были ее излюбленным сюжетом, моделью выступала сестра Эдма, позднее — муж и дочь Жюли. Любимое дело помогло Берте пережить раннюю смерть Эжена в 1892 году. Три года спустя она умерла от воспаления легких. Ее последнее письмо было к дочери: «Моя маленькая Жюли, я люблю тебя, я буду любить тебя, даже когда умру. Умоляю, не плачь, это расставание было неизбежным».
Иероним Босх — наверное, самый загадочный художник в мире. До сих пор исследователи спорят о сути его творчества, о том, почему он выбирал такие странные и пугающие сюжеты… Его называют религиозным еретиком, магом, алхимиком, пришельцем, контактером…
Член Братства Богоматери
Настоящее имя живописца было Ерун ван Акен. Он родился около 1450 года в голландском городе Хертогенбос, входившем тогда в состав Бургундского герцогства. Семья ван Акенов происходила из немецкого города Ахен. Художниками были и дед Еруна, Ян ван Акен, и его отец Антоний.
Впервые имя молодого ван Акена упоминается как «Jheronimus» в архивных документах за 1474 год. В 1478 году отец Иеронима скончался, и сын унаследовал его художественную мастерскую. В основном ван Акены занимались выполнением различных заказов — стенных росписей, золочения деревянных скульптур, изготовления церковной утвари.
Согласно документам, в 1480 году Иероним взял себе псевдоним Босх. Это было всего лишь производное от сокращенного наименования его родного города Хертогенбос — Den Bosch.
В 1486 году живописец вступил в Братство Богоматери («Zoete Lieve Vrouw»), куда входили как люди духовного сана, так и миряне. Возможно, Босхом двигал коммерческий интерес: ему стали поручать оформление различных церемоний, росписи в храме
Скончался Босх в 1516 году. После него сохранилось около 25 картин и 8 рисунков. Среди них — триптихи, фрагменты триптихов и, наконец, отдельные полотна.
Рисующий ад
Многие полотна Босха созданы на заказ по религиозным сюжетам. Так, свой знаменитый триптих «Страшный Суд» он предположительно писал по заказу тогдашнего правителя Нидерландов и короля Кастилии Филиппа I.
«Искушение Святого Антония» — по заказу сестры короля Филиппа Маргариты Австрийской, ставшей после кончины брата наместницей в Нидерландах.
Первое, что обращает на себя внимание в работах живописца — изобилие разнообразных демонов и чудовищ, хаотические сочетания частей человеческого тела, растений и животных… Его называли художником, рисующим ад.
Возьмем одно из самых известных полотен Босха — «Сад земных наслаждений». На нем изображены гигантские чудовища, на фоне которых копошатся обнаженные люди.
Или монстр, тело которого представляет собой надколотое яйцо, а ноги — древесные стволы. Внутри чудища виден кабак, заполненный посетителями, которые пьют и едят…
Свет иных измерений
Изображения Апокалипсиса встречаются у многих живописцев, но трактовка Босха весьма далека от общепринятых христианских канонов.
На одной из расписанных им фресок, сохранившейся в соборе Хертогенбоса, толпы людей во мраке с простертыми вверх руками наблюдают за снижающимся конусообразным объектом, внутри которого мерцает яркий белый шар. Внутри него виднеется фигура без одежды, лишь частично похожая на человека.
Голландский профессор истории и иконографии Эдмунд Ван Хооссе предположил, что Босх предвидел контакт землян с инопланетянами (который, правда, еще не состоялся).
А американский парапсихолог и уфолог Джордан Хардс утверждает, что художник и сам был пришельцем, а все его картины изображают не что иное как космические путешествия…
Алхимик, еретик, провидец?
В наше время интерес к Босху даже выше, чем среди его современников. Одни исследователи полагают, что художник был сюрреалистом эпохи Возрождения, и все чудовищные образы извлекались им из глубин подсознания.
Другие видят в произведениях Босха различные символы, связанные с магией, астрологией, алхимией. Третьи убеждены, что Босх был еретиком. Якобы он состоял в Братстве Свободного Духа, членов которого называли также адамитами — секте, возникшей еще в XIII столетии.
Какую же символику на самом деле можно увидеть в творениях Босха? Так, лестница в эзотерике обозначает путь к познанию. Перевернутая воронка — мошенничество или ложную мудрость. Ключ — познание. Отрезанная нога — ересь. Стрела — зло.
А на что указывают изображения животных? Например, сову принято считать символом мудрости, но у Босха она встречается в контексте, скажем, коварства и греха. Поэтому логично предположить, что сова, хищная и ночная птица, символизирует темную сторону человеческой природы.
То же символизируют и черные птицы, которые тоже присутствуют на полотнах художника. Жаба в Средние века считалась безусловно «дьявольским» созданием и в алхимии символизировала серу, которая в религии ассоциируется с преисподней…
На картинах в достаточном количестве встречаются сухие деревья и скелеты животных. Это не что иное как символы смерти.
Американская исследовательница, автор книги «Тайная ересь Босха» Линда Харрис считает, что живописей обладал так называемым визионерским (пророческим) даром. Так, картины Страшного Суда она соотносит с войнами и катаклизмами современной эпохи.
Пустая могила
Еще одна тайна связана с могилой художника. Останки его были захоронены в приделе храма Святого Иоанна, который он некогда расписывал.
В 1977 году захоронение вскрыли археологи, и выяснилось, что внутри пусто! По словам руководителя раскопок Ханса Гаальфе, странным выглядел и плоский камень, не похожий на гранит или мрамор, который в те времена обычно использовали для надгробий.
Когда осколок камня поместили под микроскоп, тот безо всякого воздействия начал испускать слабое свечение и нагрелся на три с лишним градуса.
Продолжить исследования захоронения не дала церковь: она восприняла эти манипуляции как осквернение могилы знаменитого художника. Сегодня в храме Святого Иоанна можно увидеть надгробную плиту с написанным на нем именем живописца и годами его жизни.
А наверху находится выполненная им когда-то фреска, изображающая распятие, окруженное странным зеленоватым светом…
На стенах- картинки разные.
На столе ракушки лежат.
Стихи в переплётах страстные
На полках спокойно спят.
Куда-то ушли хозяева.
Часы одиннадцать бьют.
В посуде играет марево,
По форточке тюли бьют.
Размалёваны картинки
Все- под старину.
Стульев выгнутые спинки-
У чехлов в плену.
Пахнет маминым вареньем,
Из садов- дурман.
Дети с кажущимся рвеньем
Моют кран…
Солнце в окнах маленьких,
Одуванчиков шары.
Ставень крылья стареньких
К ним прикреплены.
Пятна трав бушующих,
Дикий виноград…
И стрекоз танцующих
Маленький отряд.
Тициан написал «Любовь небесную и любовь земную» в 1514 году и долгие годы она считалась аллегорией. Лишь в XX веке исследователи предположили, что у полотна была конкретная цель — сгладить скандал в светских кругах Венеции…
Сюжет и название
На переднем плане картины — две женщины. Они очень похожи, но одеты по-разному. Одна облачена в характерный для Венеции наряд замужней дамы, а другая обнажена. Их разделяет Купидон. Женщины сидят на саркофаге, украшенном великолепным барельефом. Он наполнен темной водой. В нее погрузил руку беспокойный бог любви.
[more]
Знакомое нам название — «Любовь небесная и Любовь земная» — картина получила в 1693 году. Ориентируясь на него, женщин с одинаковыми лицами искусствоведы отождествляли с двумя ипостасями богини любви.
Однако впервые полотно было упомянуто в 1613 году с названием «Красота приукрашенная и неприукрашенная», а как именовал свой шедевр сам художник нам и вовсе неизвестно.
Загадки и символы
Лишь в XX веке исследователи обратили внимание на обилие свадебной символики и герб венецианской семьи на полотне.
Давайте тоже присмотримся к картине повнимательнее. Итак, фон полотна — зеленая равнина. Слева она плавно переходит в гору, на которой возвышается замок. Приглядевшись, можно увидеть ушастых кроликов, всадника на коне человека и ожидающую его группу людей.
Справа равнина перемежается с пригорками. Внимательный наблюдатель и здесь разглядит двух всадников и загоняющую зайца собаку.
Женщина слева одета в платье с поясом верности, на её руках перчатки.
Венок. Вечнозеленый мирт — растение Венеры, символизирующее любовь и верность. Сплетенные из него венки были атрибутом свадеб в Древнем Риме.
Для современников Тициана символика была бы очевидна:
Дорога в гору — трудный путь благоразумия и нерушимой верности, равнина — телесные наслаждения в браке.
Кролики — плодородие.
Платье с поясом верности и перчатками — брак.
Мирт (растение Венеры) — любовь и верность. Сплетенные из него венки — атрибут древнеримских брачных ритуалов.
Искусствоведы также обратили внимание на саркофаг и герб венецианской семьи на нём.
Они сделали вывод, что владелец герба, секретарь Совета десяти Николо Аурелио, заказал картину Тициану по случаю женитьбы в 1514 году на Лауре Багаротто, молодой вдове из Падуи.
Как отмечал венецианский хронист того времени Марин Санудо, эту свадьбу «обсуждали повсеместно» — слишком уж непростое прошлое было у новобрачной.
В 1509 году, в разгар военного конфликта Венецианской республики со Священной Римской империей, первый муж Лауры падуанский аристократ Франческо Борромео выступил на стороне императора. Падуя подчинялась Венеции, потому Борромео был арестован и, вероятно, казнен по приговору Совета десяти как изменник.
В тюрьму и ссылку попали многие родственники Лауры. Её отец Бертуччо Багаротто, профессор университета, был повешен на глазах у жены и детей по тому же обвинению, в его случае несправедливому. Избранницей высокопоставленного чиновника стала Лаура Багаротто. Она была вдовой падуанского аристократа, казненного за восстание против венецианских властей во время войны с Римской империей.
Та же участь постигла и её отца. Невиновного профессора повесили на глазах у его семьи.
Разрешение на брак высокопоставленного венецианского чиновника со вдовой и дочерью государственных преступников обсуждала комиссия во главе с дожем, и оно было получено. Конфискованное ранее богатое приданое Лауре стараниями жениха вернули за день до свадьбы. Картина, заказанная у самого престижного и отнюдь не дешевого художника Венеции, вероятно, должна была добавить браку респектабельности в глазах сограждан.
По мнению экспертов, саркофаг напоминает о невинно убиенном отце невесты. А вытекающая из него вода символизирует появление новой жизни.
В 1608-м у картины появился новый владелец. Ее купил итальянский кардинал Шипионе Боргезе. С тех пор она хранится в римской галерее, которая носит его фамилию.
Ничто не вечно под луной,
Обманчивой и неживой
Монетой римской под ногой
Титана Неба.
Да, я расстался не с тобой,
А лишь с унылою тоской
Бродячей болью под рукой,
С дарами Феба.
Не плачь, Дюймовочка моя!
Приходит Вечная весна.
И ласточка твоя жива
Так, как я не был.
Сюжет
Боттичелли изобразил Ад в виде воронки. Некрещеные младенцы и добродетельные нехристиане в лимбе преданы безболезненной скорби; сладострастники, попавшие во второй круг за похоть, терпят кручение и истязание ураганом; чревоугодники в третьем круге гниют под дождём и градом; скупцы и расточители перетаскивают тяжести с места на место в четвертом круге; гневливые и ленивые вечно дерутся в болотах пятого круга; еретики и лжепророки лежат в раскалённых могилах шестого; всевозможные насильники, в зависимости от предмета надругательства, мучаются в разных поясах седьмого круга — кипят во рву из раскаленной крови, терзаемы гарпиями или изнывают в пустыне под огненным дождем; обманщики не доверившихся томятся в щелях восьмого круга: кто влип в кал зловонный, кто кипит в смоле, кто в цепи закован, кто мучим гадами, кто выпотрошен; и девятый круг уготовлен тем, кто обманул. В числе последних и вмёрзший в лед Люцифер, который терзает в трёх своих пастях предателей величества земного и небесного (Иуду, Марка Юния Брута и Кассия — предателей Иисуса и Цезаря соответственно).
Карта Ада была частью большого заказа — иллюстрирования «Божественной комедии» Данте. Неизвестны точные даты создания манускриптов. Исследователи сходятся, что Боттичелли начал работу над ними в середине 1480-х и с некоторыми перерывами был занят ими до смерти заказчика — Лоренцо Великолепного Медичи.
Сохранились не все страницы. Предположительно, их должно быть около 100, до нас дошло 92 манускрипта, из них полностью раскрашено четыре. Несколько страниц с текстом или цифрами пусты, что говорит о том, что Боттичелли не завершил работу. Большинство же — это эскизы. В то время бумага была дорогой, и художник не мог просто взять и выбросить лист с неудавшимся наброском. Поэтому Боттичелли сначала работал серебряной иглой, выдавливая рисунок. На некоторых манускриптах видно, как менялся замысел: от композиции в целом до положения отдельных фигур. Только когда художник был удовлетворен эскизом, он обводил контуры чернилами.
На оборотной стороне каждой иллюстрации Боттичелли указал текст Данте, который пояснял рисунок.
Контекст
«Божественная комедия» — это своего рода ответ Данте на события его собственной жизни. Потерпев фиаско в политической борьбе во Флоренции и будучи изгнанным из родного города, он посвятил себя просвещению и самообразованию, в том числе изучению античных авторов. Неслучайно в «Божественной комедии» проводником является Вергилий, древнеримский поэт.
Темный лес, в котором герой заблудился, — это метафора грехов и исканий поэта. Вергилий (разум) спасает героя (Данте) от страшных зверей (смертные грехи) и проводит через Ад в Чистилище, после которого на пороге рая уступает место Беатриче (божественная благодать).
Судьба художника
Боттичелли был из семьи ювелиров и должен был заниматься золотом и другими драгоценными металлами. Однако выполнять эскизы, рисовать мальчику нравилось гораздо больше. Погружаясь в мир фантазий, Сандро забывал об окружающем. Он превращал жизнь в искусство, и искусство становилось для него жизнью.
Среди своих современников Боттичелли не воспринимался как гениальный мастер. Да, хороший художник. Но то был период, когда творили многие, ставшие впоследствии известными мастера. Для XV века Сандро Боттичелли был надежным мастером, которому можно было доверить роспись фресок или иллюстрацию книг, но никак не гений.
Боттичелли покровительствовали Медичи, известные ценители искусства. Считается, что пока живописец последние годы жизни провел чуть ли не в нищете. однако есть сведения, что Боттичелли был не таким бедным, каким хотел казаться. Тем не менее ни своего дома, ни семьи у него не было. Сама идея брака его пугала.
В после знакомства с монахом Джироламо Савонаролой, который в своих проповедях убедительно призывал покаяться и отказаться от прелестей земной жизни, Боттичелли и вовсе впал в аскезу. Скончался художник на 66-м году жизни во Флоренции, где и сегодня покоится его прах на кладбище церкви Всех Святых.
В природе свет создаёт цвет. В живописи цвет создаёт свет.
Билибин как иллюстратор сказки
Иллюстраторов детской книги много. Один из таких художников-иллюстраторов — Иван Яковлевич Билибин. Но именно его иллюстрации помогли создать детскую книгу нарядной и доступной.
Родился он 140 лет назад 4 (16) августа 1876 в имении Тарховка близ Петербурга. Выходец из старинного купеческого рода.
Гениальность Билибина заключается в том, что он ориентируясь на традиции древнерусского и народного искусства, разработал логически последовательную систему графических приемов, сохранявшуюся в основе на протяжении всего его творчества. Эта графическая система, а также присущее Билибину своеобразие трактовки былинных и сказочных образов дали возможность говорить об особом билибинском стиле.
Сын военно-морского врача, потомок древнего рода, И. Я. Билибин предполагал стать юристом и закончил полный курс юридического факультета Петербургского университета (1896−1900). Но одновременно занимался в Рисовальной школе при ОПХ, в мастерской А. Ашбэ в Мюнхене, в школе М. К. Тенишевой у И. Е. Репина.
Русской сказочной теме художник посвятил все свое творчество, серьезно для того подготовившись: много ездил по России, особенно по Северу, с интересом изучал русское народное и декоративное искусство.
Билибин рано выработал свой графический стиль, основанный на тщательно прорисованном и подробном узорчатом контурном рисунке, расцвеченном акварелью. Стиль этот получил название «билибинский», сделался популярным и породил немало подражаний.
Сам художник перенес его из иллюстраций к сказкам в журнальную и промышленную графику (открытки, рекламные плакаты, календари и пр.), а также в политическую карикатуру, которой занимался в годы первой русской революции. Его же он использовал и в своих театральных работах, тем более что Билибину предпочитали заказывать декорации к спектаклям на темы русских сказок или русской старины.
Правда, первой его работой в театре были декорации к средневековому мираклю «Действо о Теофиле» (1907). Затем он оформил оперные спектакли «Золотой петушок» (1909) и «Садко» (1914) Н. А. Римского-Корсакова, «Руслан и Людмила» М. И. Глинки (1913) и стал признанным театральным художником.
Издания сказок относятся к типу небольших по объему крупноформатных книжек-тетрадей. С самого начала книги Билибина отличались узорностью рисунка, яркой декоративностью. Художник создавал не отдельные иллюстрации, он стремился к ансамблю: рисовал обложку, иллюстрации, орнаментальные украшения, шрифт — все стилизовал под старинную рукопись.
Названия сказок исполнены славянской вязью. Чтобы прочесть, надо вглядеться в затейливый рисунок букв. Как и многие графики, Билибин работал над декоративным шрифтом. Он хорошо знал шрифты разных эпох, особенно древнерусские устав и полуустав.
Ко всем шести книгам Билибин рисует одинаковую обложку, на которой располагает русские сказочные персонажи: трех богатырей, птицу Сирин, Змея-Горыныча, избушку Бабы-Яги. Все страничные иллюстрации окружены орнаментальными рамками, как деревенские окна резными наличниками.
Они не только декоративны, но и имеют содержание, продолжающее основную иллюстрацию. В сказке «Василиса Прекрасная» иллюстрацию с Красным всадником (солнышко) окружают цветы, а Черного всадника (ночь) — мифические птицы с человеческими головами. Иллюстрацию с избушкой Бабы-Яги окружает рамка с поганками (а что еще может быть рядом с Бабой-Ягой?).
Но самым главным для Билибина была атмосфера русской старины, эпоса, сказки. Из подлинных орнаментов, деталей он создавал полуреальный-полуфантастический мир. Орнамент был излюбленным мотивом древнерусских мастеров и главной особенностью тогдашнего искусства. Это вышивки скатертей, полотенец, раскрашенная деревянная и глиняная посуда, дома с резными наличниками и причелинами.
В иллюстрациях Билибин использовал зарисовки крестьянских построек, утвари, одежды, выполненные в деревне Егны.
В разгар революционных событий, осенью 1917 г., Билибин уехал из Петрограда в Крым, где владел участком земли, а в начале 1920 г. ему удалось добраться до Египта. Он жил сначала в Каире, потом в Александрии — оформлял балетные спектакли для труппы Анны Павловой, делал эскизы росписей для православного храма.
В 1925 г. переехал в Париж, где интенсивно работал — оформил 10 спектаклей, среди которых наибольшую известность приобрели оперы «Сказка о царе Салтане» (1929) и «Сказание о граде Китеже и леве Февронии» (1934) Н. А. Римского-Корсакова, «Князь Игорь» А. П. Бородина, «Борис Годунов» М. П. Мусоргского (обе 1930), а также иллюстрировал народные сказки, в том числе и французские.
В 1936 г. Билибин вернулся на родину и был хорошо принят. Он получил место профессора графической мастерской ИЖСА в Ленинграде, в 1939 г. стал доктором искусствоведения. Тогда же художник оформил спектакли «Сказка о царе Салтане» (1937) и «Полководец Суворов» (1939), выполнил иллюстрации к роману А. Н. Толстого «Петр I» (1937) и к «Песне про купца Калашникова» М. Ю. Лермонтова (1939). Сергей Эйзенштейн задумал привлечь его как художника к работе над фильмом «Иван Грозный», но смерть Билибина не позволила осуществиться этой идее. Билибин Иван Яковлевич умер 7 февраля 1942 года — в первую же блокадную зиму в Ленинграде, от голода…
И сказочника Билибина следует благодарить за то, что двуглавый орел, изображенный на гербе ЦБ РФ, на рублевых монетах и бумажных купюрах — выглядит не как зловещая имперская птица, а как сказочное, волшебное существо. А в картинной галерее бумажных денег современной России на десятирублевой «красноярской» купюре четко прослеживается билибинская традиция: вертикальная узорчатая дорожка с лесным орнаментом — такие рамки окантовывали рисунки Билибина на темы русских народных сказок. Кстати сказать, сотрудничая с финансовыми органами царской России, Билибин передал фабрике «Госзнак» авторские права на многие свои графические разработки.
В заключение можно сказать, что Билибин был первым из художников, кто непосредственно создал детскую книгу, в основе которой лежит самый популярный вид литературы — народная сказка. Тематика, большой тираж, ясный, доступный изобразительный язык иллюстраций, «праздничный» характер оформления — все свидетельствует о том, что книги Билибина предназначались предельно широкому кругу читателей. Причем особая заслуга художника заключалась в том, что он не делал при этом скидок «на доступность». Его книги несут ту «благородную роскошь изданий», которая до этого была принадлежностью только «богатой» книги для избранных. Билибин первый из мирискусников применил обширный опыт изданий высокохудожественных книг для работы над детской книгой.
Черный цвет по своей природе — это сочетание всех цветов воедино, и несет он в себе ассоциацию с ночью и темнотой, иногда с разрушением, смертью, пустотой и печалью. Данное толкование берет свое начало с первобытных времен, когда в представлении древних людей ночь ассоциировалась со злом и враждебными силами. Но так ли страшен на самом деле этот цвет? Обратившись к истории живописи, можно постичь всю суть и красоту черного.
«Зонтики» Огюста Ренуара — симфония черного
Практически каждое творение художников имеет в своей основе историю, которая вдохновляет их на творчество. Так однажды к Огюсту Ренуару в мастерскую ворвались возбужденные студенты художественной школы и начали говорить наперебой, что они вдохновленные светло-прозрачной палитрой художника, «выбросили тюбики с черной краской в Сену!».
Ренуар в свою очередь пытался доказать молодым бунтарям насколько важен черный цвет в природе, а в живописи особенно, так как в зависимости от освещения, он имеет множество различных оттенков и придает работе неповторимое звучание.
«Зонтики».1881−1886). Национальная галерея. Лондон. Автор: Огюст Ренуар.
Под впечатлением от этого спора Ренуар напишет картину «Зонтики», которая станет настоящей симфонией черного цвета. И, как видим — в шелке и в бархате, в глубине корзины, на полях шляпы и на верхушках раскрытых зонтов, в кожаных перчатках и в детских сапожках он прозвучал по-разному. Однако чисто черного цвета мы на картине совершенно не увидели, так как художник создал его иллюзию при помощи других цветов и оттенков.
«Зонтики». Фрагмент. Автор: Огюст Ренуар.
К слову, в 20 веке это полотно исследователи просвечивали рентгеном и доказали, что художник писал его в 2 захода с интервалом, как минимум в 5 лет. Чувствуется его разная манера письма в противоположных углах холста. Да и в одежде некоторых персонажей получилась нестыковка во времени в связи со сменой моды. Но эта разница едва уловима и воспринимается только зорким взглядом эксперта. Но в целом это полотно создает очень мощное живописное впечатление.
Девушки в черном. 1881 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина. Автор: Пьер Огюст Ренуар.
Затронув черный цвет в творчестве Ренуара, невозможно не вспомнить об еще одной его картине «Девушки в черном», где также не прослеживаются признаки чисто черного. Эксперты эти два полотна приписывают к периоду творческого кризиса Ренуара, когда он заявил, что «дошёл до конца импрессионизма».
Но как бы там ни было — «Зонтики» стало одним из самых гармоничных полотен художника, которое еще при жизни мастера заняло достойное место в музее — рядом с произведениями признанных мастеров живописи.
Немного о природе черного цвета
Как уже доказано, черный поглощает энергию человека и оставляет зрение бессильным, что является угнетающим фактором. Поэтому этот цвет во многих странах является символом зла, смерти и скорби. Но есть народы, позитивно относящиеся к черному и всему тому, что с ним связано. К примеру, древние египтяне боготворили черный цвет, так как он вызывал у них ассоциации с плодородием земли. Африканские племена связывали этот цвет с дождевыми тучами и со счастливым браком.
На особом счету стоит черный цвет в мусульманских странах Востока. Он считается антиподом белому, который при ярком солнце ослепляет и приравнивается ко тьме. Китайцы черный ассоциируют с цветом неба и почитают его как царя всех цветов.
Черный цвет в изобразительном искусстве.
Из вышесказанного напрашивается вывод, что в западных культурах и их традициях черный цвет несет в себе траур и меланхолию, а в восточной — философский божественный смысл.
Однако такая четкая категоричность не всегда уместна, ибо отношение к этому цвету во все времена было противоречиво, вне зависимости от культуры. Так, к примеру, в раннем средневековье в Европе было полное неприятие этого цвета. Но уже с 14 столетия он стал весьма популярным. Это произошло по той причине, что черная краска была гораздо дешевле, нежели другие, которые использовались при окрашивании тканей.
Богоматерь. Утешение. Автор: Бугро Адольф Вильям
К тому же в странах Западной Европы усилился культ Богоматери, символом которой являлся черный цвет. Но особую лепту в популяризацию этого цвета внесли итальянские купцы, относящиеся к непривилегированному сословию. И согласно закону, им запрещалось носить одежды пурпурного цвета. В знак протеста они облачились исключительно в черные платья.
Портрет принца Дона Карлоса. Автор: Санчес Коэльо.
Неожиданно все заметили, что черный — весьма изысканный и соблазнительный. Вся Италия, а позже и Европа была поглощена модой на костюмы и платья из черной ткани. И 15 век стал триумфом черного: от членов монарших семей и до людей низших слоев общества — все имели в своем гардеробе множество вещей черного цвета, так как он стал считаться самым достойным, самым добродетельным цветом.
Черные рясы духовных сановников символизируют умерщвление плоти ради блаженства души в будущем. Поэтому этот цвет навсегда сохранился в одежде священников, чиновников и судей, всех тех, у кого он, по уже сложившейся традиции, символизирует высокую нравственность.
Дама в мехах. Автор: Эль Греко.
И, так как мастера кисти всегда шли в ногу со временем, популярность черного отразилась в полной мере в их произведениях. Заглянув в историю искусства тех далеких веков, можно увидеть, что на полотнах европейских живописцев преобладают портреты прекрасных дам и кавалеров облаченных в черные одежды.
Автопортрет. Автор: Рембрандт.
«Банкет офицеров стрелковой роты св. Георгия». Автор: Франс Халс.
Историки искусства особенно выделяют среди других художников голландца Франса Халса (1582 — 1666) как непревзойденного мастера черного цвета. Установлено, что на его картинах встречается более сорока оттенков черного. Картина «Банкет офицеров стрелковой роты св. Георгия» считается лучшей его работой, принесшей живописцу настоящий успех.
А еще справедливости ради стоит заметить, что передача черного цвета в живописи — непростое дело. Например, Казимир Малевич на создание пресловутого «Черного квадрата» потратил не мало времени. Впоследствии он создал еще три «Черных квадрата», однако все варианты не были похожи друг на друга ни фактурой, ни цветом.
Вся суть этого творения заключалась в смешивании красок и пропорциональном их отношении.
«Сад земных наслаждений» — одно из самых известных произведений великого художника Иеронима Босха (1450−1516). Свой триптих нидерландский художник посвятил греху и религиозным представлениям об устройстве мироздания. Примерное время написания 1500−1510 г. Дерево, масло, 389220 см. В настоящее время триптих представлен в Музее Прадо в Мадриде.
Как на самом деле назвал своё творение Иероним Босх — неизвестно. Исследователи, которые изучали картину в XX веке, назвали его «Сад земных наслаждений». Так работа называется и сегодня. Исследователи и ценители искусства Босха до сих пор спорят о значении данной картины, её символических сюжетах и загадочных образах. Данный триптих считается одним из самых загадочных произведений самого загадочного художника эпохи Возрождения.
Садом земных наслаждений картину назвали по центральной части, где как раз представлен некий сад с наслаждающимися людьми. По бокам находятся другие сюжеты. В левой части изображено сотворение Адама и Евы. На правой створке изображён ад. Триптих имеет огромное количество деталей, фигур, загадочных существ и до конца не расшифрованных сюжетов. Картина представляется настоящей книгой, в которой зашифровано некое послание, творческое видение художника на бытие в мире. Через множество деталей, которые можно рассматривать часами, художник выражает главную идею — суть греха, ловушка греха и расплата за грех.
Фантастические сооружения, странные существа и чудовища, карикатурные изображения персонажей — всё это может показаться гигантской галлюцинацией. Данная картина в полной мере оправдывает мнение, что Босх считается первым сюрреалистом в истории.
{yandex}
Картина вызвала много толкований и споров среди исследователей. Одни утверждали, что центральная часть может представлять или даже прославлять телесные наслаждения. Таким образом Босх изобразил последовательность: создание человека — торжество сладострастия на земле — последующее наказание ад. Другие же исследователи отвергают такую точку зрения и указывают на тот факт, что церковь во времена Босха приветствовала эту картину, а это может означать, что на центральной части изображёны не земные утехи, а рай.
Последней версии придерживаются немногие, так как если присмотреться к фигурам на центральной части картины, то можно увидеть, что Босх в аллегорической форме изобразил губительные последствия земных удовольствий. Обнажённые люди, которые развлекаются и предаются любовным утехам, имеют некоторые символические элементы гибели. К таким символическим аллегориям наказания могут относится: раковина, которая захлопывает любовников (раковина — женское начало), алоэ, которое впивается в человеческую плоть и так далее. Всадники, которые едут на различных животных и фантастических существах — круговорот страстей. Женщины срывающие яблоки и поедающие фрукты — символ греха и страсти. Также на картине в иллюстративной форме продемонстрированы различные пословицы. Многие пословицы, которые задействовал в своём триптихе Иероним Босх, не сохранились до нашего времени и поэтому образы не удаётся расшифровать. Для примера, одним из образов-пословиц является изображение с несколькими любовниками, которые закрыты стеклянным колоколом. Если бы данная пословица не дожила до нашего времени, образ так и не смогли бы расшифровать: «Счастье и стекло — как они недолговечны».
Подводя итог, можно сказать, что Босх изобразил на своей картине губительность любострастия и прелюбодеяния. На правой части картины, которая изображает сюрреалистические ужасы ада, художник показал результат земных наслаждений. Правая створка получила название «Музыкальный ад» из-за наличия здесь нескольких музыкальных инструментов — арфы, лютни, нот, а также хора душ во главе с монстром с рыбьей головой.
Все три изображения являются внутренней частью «Сада земных наслаждений». Если створки закрыть, то появляется ещё одно изображение. Здесь изображён мир на третий день после того, как бог сотворил его из пустоты. Земля здесь находится в некой сфере, она окружена водой. На земле уже вовсю растёт зелень, светит Солнце, но пока ещё нет ни животных, ни людей. На левой створке надпись гласит: «Он сказал, и сделалось», на правой «Он повелел, и явилось».