Вот прекрасная картина:
Звёздный свет и луч луны
И красавицы невинной
Глазки радости полны.
В них, как в озере глубоком
Отражение небес
И волшебного потока
Добрых сказочных чудес.
Грациозно, словно кошка
Ветвь берёзы оседлав.
В майке, в джинсах, в босоножках
Обнимает взглядом явь —
Всю реальность летней ночи:
Космос, рощу, дом и двор.
Ветер личико щекочет
И ведут свой разговор
Вечно юные светила
С той которая сама
Как звезда светла и мила,
Но загадочна как тьма.
Картина Павла Андреевича Федотова «Сватовство майора» сейчас находится в Третьяковской галерее. У нее нет недостатка во внимании и зрителях. Тем интереснее экскурсия, которую проводит сам художник в стихотворении собственного сочинения «Рацея». Оно было написано специально для рассказа о картине и прочитано в 1849 году на выставке Академии художеств.
«Вот извольте посмотреть!»
Рацея, то есть назидание, нравоучение, касается того, что происходит на полотне. Перед зрителем разыгран целый спектакль — со множеством действующих лиц, с недосказанностью или, наоборот, излишней вычурностью, с иронией, которую вложил в произведение автор — не просто живописец, но еще и драматург.
«Честные господа, пожалуйте сюда!
Милости просим, денег не спросим:
Даром смотри,
Только хорошенько очки протри».
Сюжет разворачивается вокруг купеческой невесты и бравого майора, пожаловавшего свататься. Федотов, как мастер критического реализма, не мог обойти вниманием обычай договорного брака, где у каждой из сторон прослеживался материальный интерес.
«Экскурсию» Федотов начинает с рассказа о доме, в котором происходит действие: «вот купецкий дом, — всего вдоволь в нем, только толку нет ни в чем». Купец, заработавший большое состояние, недоволен своим социальным статусом и собирается улучшить его, выдав дочку за обнищавшего дворянина, а то «своя борода — мне лихая беда. На улице всякий толкает».
Купец, несмотря на притязания, не вполне готов к новой роли, и потому выглядит смешно:
«Не сладит с сюртуком,
Он знаком больше с армяком;
Как он бьется, пыхтит, застегнуться спешит:
Нараспашку принять — неучтиво».
Мать невесты, выторговав для дочки «хоть майора», тоже не в своей тарелке:
«Не нашла, знать, по головке чепца.
По-старинному — в сизом платочке.
Остальной же наряд у француженки взят
Лишь вечор для самой и для дочки».
Дочка, одетая во все французское, к вниманию и общению не привыкла, «наша невеста не найдет сдуру места», а потому в смущении пытается убежать, «а умная мать за платье ее хвать!».
В соседней горнице жених, и о нем у Федотова тоже яркая характеристика:
«Майор толстый, бравый, карман дырявый, крутит свой ус:
„Я, дескать, до денежек доберусь!“»
Совершающаяся на глазах зрителя сделка, которая не имеет ничего общего с любовью и вообще какими бы то ни было возвышенными чувствами, а касается лишь обмена статуса на материальные блага и наоборот, высмеивается Федотовым как неприглядное явление времени.
Картина дополнена персонажами, которые прибавляют сцене достоверности, завершенности. Это, в первую очередь, сваха — непременный участник «взаимовыгодных» браков.
«Как, справа, отставная деревенская пряха,
Панкратьевна-сваха, бессовестная привираха,
В парчовом шугае, толстая складом,
Пришла с докладом».
Отдельно Федотов обращает внимание зрителей на обстановку дома. Это накрытый к приходу жениха стол, картины, развешанные по стенам, на одной из которых — «батюшка Кутузов, что первый открыл пятки у французов», а «на средине висит высокопреосвященный митрополит».
И в конце своего рассказа художник указывает на персонаж, который приковывает внимание не меньше, чем жених и невеста — кошку, которая «рыльце умывает». Как и положено в рацее, не обходится без напутствия —
«У нее бы не худо немножко
Деревенским барышням поучиться
Почаще мыться».
Картина «Сватовство майора» имела огромный успех, Академия художеств присвоила за нее Федотову звание академика. А «экскурсия» завершается так:
«А что, господа, чай устали глаза?
А вот, налево, — святые образа…
Извольте перекреститься
Да по домам расходиться…»
Ночь тебя составила
на своём мольберте,
угольком оставила
тени на портрете,
и пером красиво
на углу холста
чёрными чернилами
имя нанесла.
Я дополню мысленно
твой портрет пейзажем,
где деревья с листьями
выведены сажей,
утром на мольберте
красок набросаю:
в ярком силуэте
я тебя познаю.
Окончена жизнь, снимаются маски,
Душа наполнется тишиной…
Готова картина: сгущаются краски
Свободы… Но какою ценой…
Прекрасная картина,
Великолепно передан характер настроение.
Перед Уходом. Мать
Печаль и Память Грусть и Сожаление …
Утихло половодье чувств.
Так есть. Одна воочию.
Домой приспело ждать
Молодец Художник
Тициан написал «Любовь небесную и любовь земную» в 1514 году и долгие годы она считалась аллегорией. Лишь в XX веке исследователи предположили, что у полотна была конкретная цель — сгладить скандал в светских кругах Венеции…
Сюжет и название
На переднем плане картины — две женщины. Они очень похожи, но одеты по-разному. Одна облачена в характерный для Венеции наряд замужней дамы, а другая обнажена. Их разделяет Купидон. Женщины сидят на саркофаге, украшенном великолепным барельефом. Он наполнен темной водой. В нее погрузил руку беспокойный бог любви.
[more]
Знакомое нам название — «Любовь небесная и Любовь земная» — картина получила в 1693 году. Ориентируясь на него, женщин с одинаковыми лицами искусствоведы отождествляли с двумя ипостасями богини любви.
Однако впервые полотно было упомянуто в 1613 году с названием «Красота приукрашенная и неприукрашенная», а как именовал свой шедевр сам художник нам и вовсе неизвестно.
Загадки и символы
Лишь в XX веке исследователи обратили внимание на обилие свадебной символики и герб венецианской семьи на полотне.
Давайте тоже присмотримся к картине повнимательнее. Итак, фон полотна — зеленая равнина. Слева она плавно переходит в гору, на которой возвышается замок. Приглядевшись, можно увидеть ушастых кроликов, всадника на коне человека и ожидающую его группу людей.
Справа равнина перемежается с пригорками. Внимательный наблюдатель и здесь разглядит двух всадников и загоняющую зайца собаку.
Женщина слева одета в платье с поясом верности, на её руках перчатки.
Венок. Вечнозеленый мирт — растение Венеры, символизирующее любовь и верность. Сплетенные из него венки были атрибутом свадеб в Древнем Риме.
Для современников Тициана символика была бы очевидна:
Дорога в гору — трудный путь благоразумия и нерушимой верности, равнина — телесные наслаждения в браке.
Кролики — плодородие.
Платье с поясом верности и перчатками — брак.
Мирт (растение Венеры) — любовь и верность. Сплетенные из него венки — атрибут древнеримских брачных ритуалов.
Искусствоведы также обратили внимание на саркофаг и герб венецианской семьи на нём.
Они сделали вывод, что владелец герба, секретарь Совета десяти Николо Аурелио, заказал картину Тициану по случаю женитьбы в 1514 году на Лауре Багаротто, молодой вдове из Падуи.
Как отмечал венецианский хронист того времени Марин Санудо, эту свадьбу «обсуждали повсеместно» — слишком уж непростое прошлое было у новобрачной.
В 1509 году, в разгар военного конфликта Венецианской республики со Священной Римской империей, первый муж Лауры падуанский аристократ Франческо Борромео выступил на стороне императора. Падуя подчинялась Венеции, потому Борромео был арестован и, вероятно, казнен по приговору Совета десяти как изменник.
В тюрьму и ссылку попали многие родственники Лауры. Её отец Бертуччо Багаротто, профессор университета, был повешен на глазах у жены и детей по тому же обвинению, в его случае несправедливому. Избранницей высокопоставленного чиновника стала Лаура Багаротто. Она была вдовой падуанского аристократа, казненного за восстание против венецианских властей во время войны с Римской империей.
Та же участь постигла и её отца. Невиновного профессора повесили на глазах у его семьи.
Разрешение на брак высокопоставленного венецианского чиновника со вдовой и дочерью государственных преступников обсуждала комиссия во главе с дожем, и оно было получено. Конфискованное ранее богатое приданое Лауре стараниями жениха вернули за день до свадьбы. Картина, заказанная у самого престижного и отнюдь не дешевого художника Венеции, вероятно, должна была добавить браку респектабельности в глазах сограждан.
По мнению экспертов, саркофаг напоминает о невинно убиенном отце невесты. А вытекающая из него вода символизирует появление новой жизни.
В 1608-м у картины появился новый владелец. Ее купил итальянский кардинал Шипионе Боргезе. С тех пор она хранится в римской галерее, которая носит его фамилию.
Тем, кто едет в Париж и собирается посетить Лувр, я даю полезный совет. К знаменитому музею надо попасть незадолго до открытия, войти туда в числе первых, но направиться не к началу осмотра. В Лувре никто не запрещает входить в музей и с противоположной стороны. Быстро пройдя по еще пустому коридору, можно оказаться почти что наедине с «Моной Лизой», ради которой в Лувр приходит 99 процентов туристов.
Считайте, что вам повезло. Вы можете любоваться «Джокондой» минут пятнадцать, пока зал не станет наполняться публикой. После этого можно уходить к другим шедеврам, которых в Лувре немало. До недавнего времени многие из них находились в одном зале с «Моной Лизой «, и их мало кто замечал. Все взгляды устремлялись на прославленную «Джоконду». Я бы сказал, чрезмерно прославленную.
Хотя картина Леонардо, без сомнения, гениальна. Первыми ее оценили коллеги по живописному цеху. Рафаэль, например, позаимствовал для нескольких своих портретов и композицию картины Леонардо, и технику исполнения. Король Франциск I купил «Джоконду» за небывало высокую для того времени цену. Нынешние же искусствоведы заявляют, что она бесценна.
Но так было не всегда. В начале 20-го века самым знаменитым экспонатом Лувра считалась Венера Милосская. Ее держали в качестве эталона красоты и тиражировали для широкой публики в виде статуэток. А «Мона Лиза» висела себе в так называемом «квадратном зале». Сюда заходили посетители, но более всего этот зал приглянулся художникам.
Среди таких был и Луи Беру (Louis Beroud) (1852−1930), художник, вполне успешный в те годы и не до конца забытый в наше время. Во вторник, 22 августа 1911 года, он пришел в «квадратный зал», чтобы сделать наброски для сатирической картины, одним из «участников» которой должна была стать «Мона Лиза», недавно застекленная для пущей сохранности. Л. Беру придумал забавный сюжет: парижский модник (а может быть, модница) поправляет прическу, глядя в картину Леонардо, как в зеркало.
Но на том месте, где недавно висела картина, зияла пустота. Л. Беру поинтересовался, где картина. «Вероятно, у фотографов» — ответили ему. Художник проявил настойчивость, и выяснилось, что у фотографов картины нет. «Мона Лиза» пропала! Похищена!
Музей закрыли. Полиция начала обыск и, в конце концов, установила картину преступления. Похититель зашел в музей в воскресенье, переночевал в одном из закоулков на первом этаже. На похитителе был халат служащего. Поэтому он, не вызывая интереса окружающих, зашел в «квадратный зал», снял картину с крюков, вынес ее на одну из боковых лестниц, освободил от рамы и от стекла и вынес на набережную.
Однако дальше следствие не продвинулось. Известная парижская газета объявила награду в 40 тыс. франков наличными тому, кто принесет украденную картину в редакцию или 20 тыс. франков указавшему ее местонахождение.
И тут в редакцию пришло письмо. Автор выбрал себе псевдоним «Вор» и констатировал, что охрана в Лувре никудышная. «Вор» признавался, что сам похитил из музея несколько иберийских статуэток. «Я продал статуэтки парижскому художнику, моему другу. Он заплатил мне очень мало, всего 50 франков, которые я проиграл в ту же ночь».
Как потом оказалось, автор этого письма — Жери Пьере (Gery Pieret), приятель поэта Гийома Аполлинера. Перье был авантюристом и искателем приключений на свою задницу, чем и привлек эксцентричного Аполлинера. Парижским же художником, упомянутым в письме, был Пабло Пикассо. Узнав о письме, Г. Аполлинер и П. Пикассо не на шутку струхнули. Попадать в полицию по обвинению в ограблении Лувра им, иммигрантам без французского гражданства, было никак нельзя. Купленные задешево артефакты были утоплены в Сене.
Что, впрочем, не спасло Г. Аполлинера от ареста. Кто-то донес, что поэт называл музеи кладбищем и призывал сжечь Лувр. Этого было достаточно для ареста по подозрению в краже «Моны Лизы». Г. Аполлинера выпустили только после заступничества нескольких известных писателей и журналистов.
Благодаря сенсационной краже «Джоконда» не сходила с первых страниц газет и газетенок в течение долгого времени. «Информационный шум» принес свои плоды. Количество посетителей Лувра после исчезновения бесценного шедевра возросло. Часто люди приходили только в «квадратный зал», чтобы поглядеть на место, где висела знаменитая картина.
А пресса не давала сенсации остыть. Поскольку преступника искали, но не находили, журналисты начали выдвигать гипотезы одну фантастичнее другой. Кражу картины приписывали немецким шпионам, которые сделали это, дабы унизить великую Францию… Картину вывезли в Америку и продали знаменитому мультимиллионеру Моргану… И все это обсуждалось и перемалывалось, тысячу раз проходя через людские уши и головы. И название картины в головах застревало. И рождалась мысль: действительно, великая картина, если вокруг нее столько шума.
Срабатывал также принцип, сформулированный великим Козьмой Прутковым: «Что имеем, не храним, потерявши, плачем». Те, кому посчастливилось увидеть «Джоконду», делились воспоминаниями о ней. Ценность утраты непрерывно росла. «Мона Лиза» медленно, но верно становилась в общественном сознании лучшей картиной Лувра! Лучшей картиной Франции! Лучшей работой Леонардо да Винчи! Ставки росли. Может быть, искусствоведы нашего времени безмерно печалились бы о потере самой лучшей картины в мире, если бы «Джоконда» не обнаружилась в декабре 1913 года!
При этом обошлось без погонь и перестрелок. Флорентийский торговец антиквариатом Альфредо Джери (Alfredo Geri) получил из Парижа письмо за подписью некоего Винченцо Леонарди. В письме предлагалось продать «Джоконду». Джери, приняв все это за шутку, пригласил автора в свою флорентийскую контору. 10 декабря 1913 года автор письма, худой тридцатилетний человек с усами, одетый в черный, не слишком новый костюм, явился к Джери и представился как Леонарди. За украденную картину он попросил 500 тысяч франков, упирая, однако, на то, что как итальянец-патриот, он рад возвратить на родину произведение итальянского искусства, украденное французами во времена Наполеона. По-видимому, вор не знал о том, что «Мона Лиза» была честно куплена у автора французским королем Франциском I.
По словам похитителя, картина находилась в его гостиничном номере. Вместе с экспертом, директором галереи Уффици Джованни Поджи, антиквар пошел в гостиницу, где Леонарди достал картину из чемодана с двойным дном. Убедившись в подлинности картины, антиквар сообщил в полицию, и вора задержали вместе с «Моной Лизой». Его настоящее имя было Винченцо Перуджиа (Vincenzo Peruggia) (1881−1947). Живя в Париже, он некоторое время работал в Лувре столяром и стекольщиком, но к моменту кражи в штате не состоял. Потому и подозрение на него не пало.
На суде Перуджиа утверждал, что кражу совершил, желая восстановить справедливость и вернуть итальянцам произведение великого итальянского художника. Поскольку суд проходил во Флоренции, а не в Париже, патриотические заявления свое дело сделали. Похититель отделался наказанием довольно мягким: один год и пятнадцать дней тюрьмы. По-видимому, у многих итальянцев «подвиг» Перуджиа вызвал одобрение. По крайней мере, вскоре появилась минеральная вода (со слабительным действием) под названием «Джоконда», на которой кроме прославленной картины был изображен и хитрый мужчинка с усами, весьма похожий на «похитителя столетия».
Сама же «Мона Лиза» уже 20 декабря 1913 года возвратилась в Лувр. И возвратилась настолько известной, что плоды этой известности туристам приходится пожинать и поныне. Вряд ли сейчас можно по-настоящему разглядеть великое творение Леонардо без маленьких хитростей, о которых я написал в начале статьи.
— Худшая из катастроф?
— Не вписался.
— В поворот?
— В её картину мира.
По легенде, Элизабет Сиддал, с которой Джон Эверетт Милле писал тонущую Офелию, вскоре после завершения полотна скончалась. И хотя риск воспаления легких был вполне реален - девушка часами позировала, лежа в ванне, - к счастью, модель осталась жива, правда, не очень здорова. Для прерафаэлитов, стремившихся к предельному натурализму и писавших только с натуры, страдания натурщиков (их роли исполняли в основном друзья и родственники) были обычным делом. В целом как и страдания зрителей, совершенно растерявшихся при виде нового искусства, взбудоражившего Викторианскую Англию в 1850-х годах.
Сюжет
Из шекспировского «Гамлета» Милле не нашел сцены лучше, чем гибель Офелии. Сошедшая с ума девушка, не дождавшаяся любви принца и потерявшая отца, сплела венок и предала себя воле волн. Искаженное лицо, сведенные судорогой руки, растрепавшиеся волосы и разметавшиеся цветы - таков образ агонии.
Несколько дней Милле писал по частям пейзаж, выбрав место у реки Хогсмилл, в графстве Суррей. При этом неизвестно, был ли художник точен в часах. По всей видимости, он писал в течение нескольких дней каждый раз в разное время суток, а затем «склеивал» этюды в мастерской.
Вот как Милле описывал свои впечатления от пленэров: «В течение одиннадцати часов я сижу в костюме под зонтиком, отбрасывающим тень размером не больше, чем полпенни, с детской кружечкой для питья… Мне угрожает, с одной стороны, предписание предстать перед магистратом за вторжение на поля и повреждение посевов, с другой - вторжение на поле быка, когда будет собран урожай. Мне угрожает ветер, который может снести меня в воду и познакомить с впечатлениями тонувшей Офелии, а также возможность (впрочем, маловероятная) полного исчезновения по вине прожорливых мух. Мое несчастье усугубляют два лебедя, упорно разглядывающие меня как раз с того места, которое я хочу рисовать, истребляя по ходу дела всю водную растительность, до которой они только могут дотянуться».
Для Офелии позировала 19-летняя Элизабет Сиддал, для которой было специально куплено старинное расшитое платье. Девушка терпеливо лежала в ванне, которую подогревали лампами. Есть история, что однажды одна из ламп перегорела, Элизабет замерзла и заболела туберкулезом. Однако есть версия, что Сиддал болела и до позирования. Как бы то ни было, Милле пришлось оплатить лечение.
Каждый цветок в венке Офелии не только выписан так, что ботаник не придерется, но еще и наделен средневековым символизмом. (Правда, тут надо оговориться, что в Викторианской Англии уже мало кто помнил эту «цветочную азбуку»). Так, лютики - символ неблагодарности, инфантилизма; ива - отвергнутой любви; крапива - боли; маргаритки - невинности; розы - любви и красоты; фиалки и незабудки - верности; адонис - горя.
Контекст
Джон Эверетт Милле был одним из основателей братства прерафаэлитов. Объединенные этим красивым словом авторы - причем не только живописцы, но также поэты, архитекторы, издатели
Восстав против Королевской академии художеств, определявшей лицо британского искусства, они выступали против условности «образцовых» произведений. По их мнению, искусство должно было способствовать возрождению духовности в человеке, нравственной чистоты и религиозности, не скованной обрядностью. Видимо поэтому они вольно трактовали евангельские сюжеты, отступая от принятых композиционных и колористических канонов. Правда, зрителям не все было понятно. Например, почему привычный им Иисус вдруг превратился в «рыжеволосого еврейского паренька, как написала критика о картине «Христос в родительском доме».
В качестве тем прерафаэлиты предпочитали сюжеты со скрытой драмой. Особенно о неразделенной или отвергнутой любви. Обращаясь к историческим сюжетам, прерафаэлиты старались быть максимально точны в изображении костюмов. Конечно, они не проводили дни напролет в архивах, но, например, во время путешествий в Италию копировали фрески, с которых потом брали материал для своих полотен.
Старые мастера, которым поклонялось братство, не знали того, что в XIX веке было само собой разумеющимся в живописи: перспектива, свето-теневая лепка лица, пропорции тела. И прерафаэлитам, желавшим смотреть на мир, как это делали художники до Возрождения, надо было все это забыть. Однако, конечно, эта была абсолютная утопия.
Прерафаэлиты выбирали в качестве моделей друзей или родственников. На их картинах нет вымышленных или случайных лиц. Настаивали они и на необходимости писать только с натуры. Пейзажи требовали от живописцев выносливости. Шутка ли, сидеть или стоять часами под палящим солнцем, дождем или ветром?! Вероятно, поэтому пейзаж довольно быстро был оставлен.
Критика писала, что декларируя следование правде и приверженность простоте природы, прерафаэлиты на самом деле «рабски имитируют художественную неумелость». Несмотря на это, братству удалось сформировать новый стиль жизни и новый тип женской красоты.
Просуществовали прерафаэлиты недолго. Вскоре после признания публикой братство распалось, и ни одна попытка воссоединения не увенчалась успехом.
Судьба автора
Милле был гением - в Королевскую академию художеств его приняли в 11 лет, и это при том, что уроки рисования он начал брать лишь за два года до того. Проведя восемь лет как прилежный живописец, в 1848 году на одной из выставок Милле познакомился с Холманом Хантом и Данте Габриэлем Россетти. Именно им принадлежит идея организации братства прерафаэлитов.
Поначалу критика - и, как следствие, отсутствие заказчиков - не беспокоила Милле. Все изменилось после женитьбы на Эффи Грей. Кстати, Милле увел ее у Джона Рескина. История эта достойна мелодрамы. После 5 лет брак Грей и Рескина так и не был консумирован. Это, а также супружеская неверность Эффи, стало причиной развода и последующей женитьбы с Милле.
Новобрачным нужно было на что-то жить, и тогда Милле начал писать быстро и продаваемо. Это означало отречение от идеалов прерафаэлитов, что вполне неплохо окупалось примерно по 30 тыс. фунтов в год. На портретах и пейзажах Милле заработал не только состояние, но и титул баронета, а затем и пост президента Королевской академии художеств.
«Старый гитарист» - известная картина испанского художника Пабло Пикассо. Картина была написана 1903 году. Холст, масло. Размеры: 121,3×82,5 см. В настоящее время находится в Чикагском институте искусств.
Картина «Старый гитарист» была написана в «голубой» период творчества Пабло Пикассо. В этот период великий художник тяготеет именно к невесёлым переживаниям, пишет много работ, главными героями которых становятся страдающие от душевных мук, от болезней или несправедливости общества. Данная работа написана в голубых оттенках. В центре сюжета полотна - старый мужчина, который играет на гитаре.
Картина была написана вскоре после того, как покончил с собой близкий друг Пикассо. Тогда ему было 22 года и он впал в глубокую депрессию, что отразилось в его полотнах. Сам художник, тогда ещё малоизвестный, жил в нищете. Возможно, именно своё состояние он и передал в этой картине, от которой веет безысходностью. Исхудавший от бедности человек в порванной одежде, понуро склонив голову, будто играет свою последнюю песню. Кажется, что гитара - это последнее, что осталось у человека в жизни, и единственное удовольствие, которое он получает от жизни - это его собственная музыка. Его глаза закрыты, как будто он не желает видеть окружающий мир. Беспросветность и нищета окружающего мира так сильно одолели старика, что единственное, что имеет для него значение - это собственная гитара. По этой причине Пикассо выделил гитару особым цветом. Если всё вокруг, включая и самого старика, выполнено в голубом цвете, указывая на бренность всех материальных вещей, то гитара, которая издаёт музыку и уводит мысли старика далеко за пределы этого мира, является настоящим лучом тёплого света. Гитара для старика является единственным утешением даже в самые плохие времена.
«Старик с гитарой» является знаковой картиной «голубого» периода творчества Пабло Пикассо. Эксперты полагают, что эта картина является автопортретом Пикассо, причём не автопортретом, который отражает внешность художника, а его состояние в тот период, ощущение страдания, безысходности, депрессии и бедности.
«Постоянство памяти» - одна из самых известных картин испанского художника-сюрреалиста Сальвадора Дали. Многим эта картина также известна под названием «Мягкие часы». Другие названия: «Твёрдость памяти» и «Стойкость памяти».
Картина «Постоянство памяти» с мягкими часами была написана в 1931 году. Холст, гобелен ручной работы. Размеры: 24 33 см. Находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Пожалуй, именно эта картина, в числе некоторых других, является одной из самых знаменитых у Сальвадора Дали и буквально считается его визитной карточкой. Картина известна даже тем, кто мало знаком с творчеством этого художника. Знаменитые расплавленные часы часто публикуются на афишах выставок художника, обложках книг и так далее. Жена Сальвадора Гала Дали, когда впервые увидела эту небольшую картину, сразу сказала, что никто, хоть раз увидев картину «Постоянство памяти», уже никогда её не забудет.
На картине мы можем увидеть пейзаж с Порт Лигат. На переднем плане находятся часы, которые имеют форму расплавленного сыра. Именно сыра, так как такие ассоциации возникли у Дали при виде плавленного сыра. Об этом же говорит и его высказывание, что происхождение сюжета картины связано с его размышлениями о природе сыра камамбер. Также на переднем плане мы можем увидеть абстрактное изображение самого Сальвадора Дали.
Сам смысл картины говорит об уходе от линейного понимания времени, текучести времени, его изменчивости. Дожидаясь своей жены из кино, Сальвадор Дали вдруг заметил на столе кусок тающего сыра, что вызвало у него ассоциации с долго идущим и тянущимся временем. Так и появилась картина, которая сегодня признана мировым шедевром живописи и одной из самых знаменитых картин сюрреалиста Сальвадора Дали. Ещё одним заметным элементом на картине являются карманные часы в левой части картины, которые покрыты муравьями. Данный образ Дали объяснил, как связь муравьёв, пожирающих человеческую плоть, с беспрерывно текущим временем. На дальнем плане мы можем увидеть бескрайнее море, которое символизирует бесконечность пространства и времени, а также горы, которые не только контрастируют своей твёрдостью с мягкими часами, но также символизируют постоянство, которое неподвластно времени.
«Мир Кристины» Эндрю Уайета (1917−2009 гг.) - культовая картина американской живописи.
Для американцев она имеет такое же значение, как для нас «Утро в сосновом лесу» Шишкина или «Девочка с персиками» Серова.
Так что же в ней необычного?
Да все. И история героини. И техника, в которой она создана. И то, как картина воспринимается зрителем.
Первый взгляд на «Мир Кристины»
Картины Уайета интровертны. Они «не кидаются в объятия» зрителю с первого взгляда. Потому что в них нет яркости.
Выжженная трава. Некрашеные, ветхие дома. Ветер. Один-два предмета. Редко люди.
Вы не увидите в них главного с разбегу. Вам нужно постоять, приглядеться. И только через какое-то время Вы рассмотрите то, что «спрятано» во втором слое картины.
Я сама на себе это испытала.
Я увидела «Мир Кристины», когда ничего не знала ни о художнике, ни тем более о какой-то там Кристине. И, конечно, картина сразу мне НЕ раскрылась.
Мне показалось, что передо мной стройная девушка с густыми волосами, отдыхающая в праздной позе. Она как будто выразительно поддалась вперёд. На фоне блеклого пейзажа, видимо, чтобы не отвлекать внимание от девушки.
И только приглядевшись, меня словно холодом обдало. Как я могла увидеть праздность?
Волосы грязны и нерасчесаны, отсюда и иллюзия густоты.
Какая там стройность! У девушки болезненная худоба.
В волосах - виднеется проседь. Да это вовсе и не девушка (Кристине на тот момент было за 50)…
Потом я пригляделась к её пальцам. Они, серые от пыли, впиваются в землю. В этом явно нет ничего романтичного. Это борьба и большое усилие…
После этого открываешь компьютер и читаешь о картине…
Вот так постепенно она раскрылась. Не сразу. Но поразив до глубины души.
Как возникла идея «Мира Кристины»
Однажды Энди Уайет выглянул в окно своего летнего дома в штате Мэн, близ города Кушнер.
И увидел на поле женскую фигуру. Она лежала и видимо отдыхала. И вдруг фигура встрепенулась и … поползла в сторону виднеющейся вдали фермы. Она цеплялась за землю пальцами и волочила за собой свои ноги.
Уайет понял, что это его соседка Кристина Олсон. Он знал, что она частично парализована. Но не ожидал, что она вот так, без инвалидной коляски и сопровождающих передвигается по окрестностям.
Сначала он испытал приступ жалости и хотел броситься помочь. Ведь эта фигурка в розовом платье и болезненной худобой была похожа на омара. Выброшенного на берег и раздавленного безжалостным сапогом. Но он был жив и изо всех сил продолжал ползти в искореженной скорлупе…
Но что-то остановило художника. Он не бросился на помощь. Он понял, что этой женщине она не нужна. Это был её каждодневный вызов судьбе.
Кристина Олсон
Кристина заболела полиомиелитом в 3 года. Она выжила. Но в подростковом возрасте у неё начались проблемы со здоровьем. Она начала спотыкаться и падать. Болезнь прогрессировала. К 30 годам она уже еле-еле делала 2−3 шага.
Диагноз ей так и не смогли поставить. Но сейчас врачи, изучив её медицинские карты, считают, что она страдала моторно-сенсорной нейропатией. При которой в течение жизни у человека постепенно деградирует двигательная активность.
На картине Кристине - 55 лет. Она ещё проживет после этого 20 лет. И продолжит отстаивать своё личную свободу и независимость от других.
Только представьте. Кристина жила не в квартире со всеми удобствами. Она жила на ферме. Без горячей воды, стиральной машины, посудомойки и прочих благ цивилизации.
И тем не менее была самостоятельной и почти полностью ухаживала за собой сама. И даже немало делала по ведению хозяйства.
Вот об этом картина. О силе духа. Несмотря на казалось бы непреодолимые жизненные обстоятельства, человек нашёл силы достойно прожить жизнь. Без нытья и жаления самого себя.
Уайет не мог не написать эту картину. История Кристины не отпускала художника. Перед его глазами все стояла эта маленькая фигурка на поле.
Как Уайет создавал «Мир Кристины»
Картину Уайет писал долго. Только над одним полем он работал целых пять месяцев.
Художник писал тонкой сухой кистью. На кончике она состояла лишь из одного волоска. Писал темперой (краской на основе яичного желтка), которая в отличие от масляной краски, позволяет прорабатывать очень мелкие детали.
Он даже подумывал не изображать на поле Кристину. А чтобы оно само передавало её незримое присутствие
И даже когда на его картине появилась Кристина, он долго не хотел показывать ей то, что получилось. Он боялся её реакции на слишком реалистичные детали: серые от пыли пальцы, неестественно вывернутые ноги.
Ведь она не видела даже набросков. Конечно, он не решился просить её позировать. Эту роль выполнила жена.
И вот картина готова. Почему же «Мир»?
У нас и вправду создаётся ощущение целого мира. За счёт совмещенной перспективы. Ферму вдали мы видим глазами человека на земле. Как бы снизу. От этого расстояние до неё кажется очень большим. Особенно для человека, ползущего по земле.
При этом саму Кристину мы видим сверху. Именно со второго этажа своего дома её когда-то увидел Уайет.
В результате получается разворачивающееся сначала к Кристине, а потом вдаль от неё широченное пространство с далеким горизонтом.
Но в нем помещается так мало: поле, небо и дом с сараем. Вот и весь мир Кристины. Огромный для человека-инвалида. Скудный и в то же время величественный.
«Мир Кристины» сегодня
Уайета никогда не привлекали обычные человеческие мотиваторы: деньги, слава, признание. Он работал в своём темпе. И главное в своём стиле.
Это очень удивляло искусствоведов и критиков. Как можно работать в стиле реализма в эпоху модернизма?
Как можно выписывать каждую травинку, когда небрежность - главная «фишка» современной живописи 20 века?
Но Уайет был безразличен к их мнению. Он писал, как хотел и как чувствовал.
А музеи все равно покупали его работы. Тихо, без шумихи, чтобы не прослыть старомодными.
Так случилось и с «Миром Кристины». Директор музея современного искусства (МОМА) купил работу в 1949 году всего за 1800 долларов…
Она так и осталась единственной работой художника в этом музее. Среди работ Поллока, Лихтенштейна и современных инсталляций «Кристина» смотрится чужестранкой.
Но это не мешает ей привлекать до сих пор толпы восторженных зрителей
Виртуозно украденная картина придаёт гениальность художнику.
«Тыкать в экран пальцем для зрителя сейчас привычнее, чем стоять перед неподвижной картиной»
Московский музыкант, художник и создатель странно звучащих механизмов.
Странный вопрос! Конечно же там, где эта картина находится: в Милане, в монастыре Санта-Мария-делле-Грацие. В 1495 - 1498 годах одну из стен трапезной этого доминиканского монастыря расписал Леонардо да Винчи. Работу художника оплатил его покровитель, герцог миланский Лодовико Сфорца.
Сюжет, выбранный Леонардо, очень подходил для монастырской трапезной. На картине был изображен традиционный пасхальный ужин Иисуса с учениками, который оказался последней трапезой в его земной жизни.
На иврите эта праздничная трапеза называется «седер». Слово «седер» означает «порядок». Пасхальная трапеза у евреев происходит по строго расписанному регламенту. Но в этом достаточно жестком порядке имеется большой простор и для импровизации, и для обсуждения вопросов веры. Настоящий седер - это не только обильная и вкусная еда, но и умная беседа, которая начинается с изложения истории Исхода из Египта, а дальше может извиваться очень прихотливо в зависимости от ума восседающих за столом с традиционными пасхальными блюдами.
В «Тайной вечере» никакой еды, кроме хлеба, на столе нет. Да и хлеб, изображенный Леонардо, мало напоминает мацу, коржи из бездрожжевого теста, которые находятся на еврейских столах в течение всей пасхальной недели. Впрочем, подобные анахронизмы в те времена никого не волновали. Евангелия рассказывают, что разламывая мацу, как того требует традиция, Иисус сказал, что хлеб - его тело. А выпивая один из положенных четырех бокалов вина, назвал это вино своей кровью. Что означали для учеников эти слова? Это было прощание? Завещание? Из этих слов во всех христианских религиях родился один из важнейших обрядов - причастие хлебом и вином (евхаристия).
А всего за несколько мгновений до «преломления хлебов» Иисус сказал о том, что один из учеников предаст его. Драматический момент! Каждый из сидящих за столом воспринимает это известие по-своему. Что и изобразил Леонардо на своей картине. Изобразил, без сомнения, мастерски.
Фигура Иисуса размещена так, что на нее обращено все внимание зрителей. Линии перспективы на картине сходятся в одной точке. Именно в этой точке расположена голова Иисуса. Все апостолы сгруппированы по три, и за спиной Иисуса три окна, и сама его фигура - треугольник. Так Леонардно зашифровал в своей картине символ троицы. А для того, чтобы картина выглядела более реальной, свет, который освещает всю изображенную сцену, падает слева. В реальной трапезной свет тоже падал слева, из настоящего окна. Тем самым события, описанные в Евангелиях, связывались с тем днем, в котором живут зрители картины Леонардо.
Картина эта прославилась едва ли не сразу же после того, как была закончена. Мастерский рисунок, многоцветье одежд персонажей, идеально прорисованная перспектива - все это делало картину необыкновенно похожей на реальность. Думается, что на зрителя 15-го столетия «Тайная вечеря» действовала сильнее, чем на зрителя современного. Зритель 15-го века безусловно верил в евангельскую историю. И картина, столь удивительно похожая на реальность, была для него словно фотография с места события.
К сожалению, есть еще одна причина, по которой зрители 21-го века могут завидовать зрителям, разглядывавшим картину 500 лет назад. За прошедшие годы «Тайная вечеря» изрядно пострадала, и прежнее великолепие в ней разглядеть нелегко.
«Тайную вечерю» часто называют фреской, но это не так. Фреску пишут по свежей, еще влажной штукатурке. Отсюда и название, происходящее от итальянского слова «fresco» («свежий»). Однажды сделанный мазок на фреске исправить нельзя. Леонардо же покрыл стену специальным грунтовочным слоем, по которому потом писал темперой, минеральными красками, замешанными на яичном желтке. Подобный способ сделал цвета на картине более сочными и яркими, чем они бы получились на фреске. Эта яркость цветов тоже пленяла зрителей.
Однако подобное новаторство пагубно подействовало на картину. «Тайная вечеря» стала разрушаться всего несколько лет спустя после завершения работ. Краска начала отслаиваться, и уже через 20 лет работа Леонардо лишилась прежней яркости. В 1652 году в стене, на которой была сделана роспись, проделали дверной проем. Позже этот проем заложили кирпичом и заштукатурили.
Ступни Иисуса нынешние зрители не увидят никогда. В 1668 году работу Леонардо решили защитить и закрыли ее занавесом. Хотели как лучше, получилось - как всегда. Занавес перекрыл естественную циркуляцию воздуха, и под ним повысилась влажность. Краска стала шелушиться. Когда занавес отодвигали, он при движении сдирал отставшие кусочки краски. Картину Леонардо несколько раз пытались реставрировать, и не всегда удачно. В 1821 году роспись даже попытались перенести в специально оборудованное помещение. С фресками подобный фокус удавался, но «Тайная вечеря», как уже было сказано, фреской не являлась. Так что пришлось оставить ее на прежнем месте.
Кстати, о том, что «Тайная вечеря» нарисована на стене и потому увезти ее невозможно, очень жалел Наполеон Бонапарт. Он захватил Милан в июне 1796 года, увидал роспись Леонардо и, несмотря на довольно плачевное состояние этой картины, пришел от нее в восторг. Не будучи слишком отягчен правилами морали, Наполеон вывез бы шедевр из Италии во Францию, как он это часто делал.
Но ломать стену в монастырской трапезной было бессмысленно. Наполеон придумал другое решение. В 1806 году он, уже император, заказал римскому мозаичнику Джакомо Рафаэли (Giacomo Raffaelli) (1753−1836) большую мозаику с точной копией понравившейся ему картины. Мозаичную «Тайную вечерю» Наполеон решил разместить в Лувре.
Джакомо Рафаэли был одним из трех римских мастеров, освоивших венецианскую технику микромозаики. Эта техника состояла в изготовлении специальных заготовок из цветного стекла самых разнообразных цветов и оттенков. Нагревая заготовки, из них вытягивали нити различной толщины. Из этих нитей нарезали стеклянные кусочки, а из этих кусочков складывали мозаичную картинку. Благодаря тому, что кусочки мозаики были очень мелкими, а их цвета - очень разнообразными, техника микромозаики позволяла изготавливать красивые картинки, которые выглядели, словно живые. Технику микромозаики применяли для создания прекрасных мозаичных картин в ватиканском соборе святого Петра.
За восемь лет заказ Наполеона был выполнен. Огромная картина Леонардо размером 460 на 880 сантиметров была в точности скопирована на 12 больших мозаичных плит общим весом в 20 тонн. Дж. Рафаэли восстановил поврежденное в некоторых местах изображение по нескольким копиям росписи, сделанным в разное время. Благодаря этому, зрители смогли увидеть, например, узоры на коврах, которые висели на стенах, и ноги Иисуса, выглядывающие из-под стола. Леонардо, намекая на близкую гибель Иисуса, изобразил ноги Спасителя так, как будто бы он уже распят.
Восемь лет - большой срок. В 1814 году, когда Рафаэли завершил свою работу, империи Наполеона уже не существовало, а сам заказчик пребывал очень далеко и от Франции, и от Италии - на острове Святой Елены, посреди Атлантического океана.
Аховое положение! Кому передать заказ? Кто оплатит работу?
К счастью для художника, в 1809 году Наполеон Бонапарт расстался со своей первой женой Жозефиной де Богарне (1763−1814), а в 1810 году женился на одной из дочерей императора Австрии, Франца II. В те времена среди европейских монархов ходила шуточка относительно австрийского императора: все войны он проигрывает, зато очень удачно выдает замуж дочерей.
Император Франц II выкупил заказ своего заточенного в узилище зятя. Первоначально он хотел поместить мозаичную копию «Тайной вечери» в венском дворце Бельведер. Но когда оказалось, что мозаика слишком велика для этого дворца, ее передали церкви общины миноритов (Minoritenkirche), расположенной в центре Вены, недалеко от императорского дворца Хофбург. Община миноритов входила в орден нищенствующих монахов, основанных святым Франциском из Ассизи. Таким образом, справедливость в некотором смысле восторжествовала. Копия картины великого художника Италии оказалась в церкви, посвященной самому знаменитому святому, уроженцу Италии.
Именно сюда, в Вену, в Миноритенкирхе, стоит прийти, чтобы во всех подробностях разглядеть знаменитую «Тайную вечерю» и насладиться этой картиной в полной мере, как это доводилось первым зрителям творения гениального Леонардо да Винчи.