Живопись слишком слаба, чтобы изобразить человека.
И в деформации предмета,
И в обобщённом силуэте
Не отыскать всего ответа.
А заключён он в красках этих:
Оранжевый и красный, синий,
Да фиолетовый, зелёный
И жёлтый. Без цветов красивых,
Таких, фовист ты недостойный.
От них пронзает взрыв эмоций
И необычность ощущений.
Повсюду пятна, с их пропорций
Не избежать нам настроений.
Тут колорит и экспрессивность
Сияющего всюду цвета.
Захватывает дух наивность
Безумно яркого сюжета.
-
Сергей Прилуцкий, Алатырь, 2015
ДЮШАН Марсель. Великий новатор
(1887−1968), французский художник, крупнейший представитель дадаизма и сюрреализма и один из величайших новаторов в искусстве 20 в. Родился 28 июля 1887 близ Руана в Нормандии в семье художника; учился в Академии Жюлиана в Париже. В 1910 - 1911 увлекся физикой и математикой; тогда же Дюшан вместе со своими братьями, художником Гастоном (известным под именем Жак Вийон) и скульптором Раймоном Дюшан-Вийоном, и другими молодыми художниками организовал «Салон золотого сечения». Целью этого художественного объединения было исследование идеальных пропорций и золотого сечения, а также математических основ искусства в целом. В ранний период творчества Марсель Дюшан под влиянием живописи Поля Сезанна и Анри Матисса писал очень яркие и смелые по цветовому решению полотна. В 1912, экспериментируя с формами и цветами, художник создал одно из самых противоречивых своих произведений, Обнаженная, спускающаяся с лестницы, где движение передано при помощи следующих одна за другой пересекающихся плоскостей. Картину не приняли на Салоне независимых 1912, и тогда Дюшан отправил ее на Армори-шоу 1913 в Нью-Йорк, где один критик язвительно назвал ее «взрывом на макаронной фабрике». Сам автор объяснял концепцию картины как «организацию кинетических элементов, передачу времени и пространства через абстрактное изображение движения». Уже в 1913, когда проходило Армори-шоу, двадцатипятилетний Дюшан почувствовал, что исчерпал возможности станковой живописи. В результате возникла концепция изделия «ready-made» (редимейдов) - готового продукта (термин возник из торговой рекламы), прославившая Марселя Дюшана, которая состояла в том, что любой обычный предмет, выбранный из своей среды или группы предметов, подписанный и выставленный художником, может быть назван произведением искусства. «Готовые продукты» Дюшана - скребок для снега, вешалка для шляп, сушка для бутылок и велосипедное колесо - были вызовом тому, что он считал напыщенным и пустым традиционным искусством. Наиболее монументальным из них была стеклянная конструкция Невеста, раздетая своими собственными холостяками, иногда называемая также Большое стекло (1915−1923). Эта композиция, которая считается одним из лучших произведений Дюшана, - сложная и мастерски исполненная шутка: несколько «холостяков», помещенных в нижней части, «домогаются «невесты», представленной наверху. Среди самых скандальных выходок Дюшана, направленных против общественного мнения и искусства вообще, - нарисованные на репродукции Моны Лизы усы и борода. На нью-йоркской Выставке независимых в 1917 художник представил писсуар под названием «Фонтан». Ироничное название этого объекта придавало ему статус «произведения искусства». В 1923 Дюшан решил отказаться от занятий искусством, объявив, что оно подпало под влияние бизнесменов и, что еще хуже, принято средним классом. В 1920-е - 1940-е годы он организовал несколько выставок современного искусства. Его «постановки» сюрреалистических выставок 1942 и 1947, в которых должны были участвовать зрители, предвосхитили не только хэппенинги 1950-х и 1960-х годов, но и концепцию современного искусства, согласно которой зритель играет в создании произведения столь же активную роль, как и художник. С возникновением в 1960-х искусства поп-арта слава Дюшана возросла; прошли две большие ретроспективные выставки (1966 - Лондон, галерея Тэйт; 1973−1974 - Нью-Йорк, Музей современного искусства). Пожалуй, лучшее выражение идеи Дюшана нашли в его разрозненных заметках, изданных в 1934 под названием Зеленый ящик. Умер Дюшан в Нейи во Франции 1 октября 1968.
Иван Вениаминович смотрел на картину Кандинского. «И я так могу, - думал он. - Боже мой, и я ведь так могу!»
Он шёл домой и продолжал думать: «Где же мои краски? Надо купить краски. Столько лет зря потеряно…»
Спустись в каюту, Айвазовский!
Кричат матросы: скоро шторм!
Но отвечает живописец:
Мне норм
Чтобы живописать бурю, незачем живописать каждую волну, достаточно дать картину взволнованного моря.
Кто такой Босх?
Жизненный и творческий путь Иеронима (Иероена) ван Акена неразрывно связан с его родным Хертогенбосом небольшого ныне голландского городка близ бельгийской границы, а в те времена - одного из четырех главных городов герцогства Брабант. Окончание его названия и послужило основой для псевдонима Босх.
Иероним родился около 1460 г. в большой семье потомственных художников. Живописью занимались дед Босха Ян ван Акен и его брат, двое дядей, отец - Антонис ван Акен и брат Гооссен, который в 1478 г. унаследовал отцовскую мастерскую. Mать происходила из семьи резчика по дереву. Иероним был с детства окружен художественной средой, приобщился к семейным художественно-ремесленным традициям.
Затем последовало обучение в нидерландских городах Харлеме и Делфте, где молодой художник познакомился с искусством Рогира ван дер Вейдена, Дирка Боутса, Гертгена тот Синт Янса, влияние которых ощущалось потом в разные периоды его творчества. В 1480 г. Босх вернулся в Хертогенбос уже свободным мастером-живописцем.
Ни одна из дошедших работ Босха не датирована им самим. Поэтому, предположительно, первые известные его картины, носившие сатирический характер, относятся к середине 1470-х гг. Созданные в 1475 - 1480 гг. картины «Семь смертных грехов», «Брак в Кане», «Фокусник» и «Удаление камней глупости» («Операция глупости») носят ярко выраженный нравоучительный характер с элементами иронии и сатиры.
Еще острее Босх высмеял церковников в картине «Корабль дураков» (1490−1500гг.), где подвыпившие монашка и монах горланят песню в компании простолюдинов на утлом суденышке, управляемом шутом.
Резко осуждавший развращенность духовенства, Босх все же вряд ли являлся еретиком, как утверждал современный немецкий искусствовед В. Френглер. Хотя свой путь к постижению Бога он искал вне официальной церкви.
В 1486 - 1487 гг. художник вступил в Братство Богоматери в Хертогенбосе, основанное группой светских и духовных лиц. Это религиозное братство было создано в 1318 году, на основе культа Девы Марии; его члены много занимались благотворительной и просветительской деятельностью. Босх состоял почетным членом Братства и выполнил ряд работ по его заказу: цветной витраж для капеллы в церкви Святого Иоанна, роспись и позолоту алтаря, картину с сюжетом «Распятия» и др.
Как член Братства Богоматери Босх был, несомненно, знаком с богословской литературой, знал жития Святых, описания их видений. Кроме того, он был осведомлен о достижениях современных ему наук, интересовался алхимией, астрологией, народной медициной, имел понятия об инженерном и строительном деле. Но самое главное - он был знатоком народной мудрости: пословиц, загадок, притч. Одним словом, Иероним Босх был образованным человеком своего времени. Для нас особенно важно, как он претворял свои познания в мир фантастических образов.
Одним из примеров претворения этих знаний в художественные образы является трехстворчатый алтарь, названный Босхом «Воз сена». Сюжет его, видимо, основывался на старой нидерландской пословице: «Мир - стог сена, и каждый старается ухватить с него сколько может». Это было первое крупное произведение мастера зрелого периода, в котором он выступает великолепным рассказчиком, объединяющим основной темой множество занимательных эпизодов и символов.
Внешние створки алтаря (закрытого) изображали будничную, хорошо знакомую зрителю сцену: по дороге - символу земной жизни - бредет усталый, оборванный путник. Вокруг он видит множество примет торжествующего зла: грабежи, насилие, казни, злобно рычащую на него собачонку, кружащееся над падалью воронье. Впоследствии этот образ найдет свое развитие в картине «Бродяга», или «Блудный сын», 1510 г.
Трудно судить о том, насколько художник был понят своими современниками. Известно лишь, что при жизни Босха его произведения пользовались широкой популярностью. Наибольший интерес к творчеству художника проявился в Испании и Португалии. Там сложились самые большие коллекции его полотен. Фантастические, страшные сцены картин Босха были близки и интересны преисполненному религиозных чувств испанскому зрителю.
Серьезное изучение творчества Босха началось на рубеже XIX и ХХ веков. К этому времени он был практически забыт, его имя почти не упоминалось ни в энциклопедиях, ни в учебниках. Cобратья-художники как бы не замечали его, и в истории искусства фигуру этого мастера долгое время обходили молчанием или снабжали противоречивым комментарием.
Но, независимо от всех этих мнений и оценок, сегодня Босх признан непревзойденным изобретателем образов, замечательным колористом и рисовальщиком, большой и самобытной личностью, размышлявшей о мире и его противоречивой сложности, о человеке и его незащищенности перед лицом духовной и физической опасности.
Диего Веласкес. Испанский гений
Диего Веласкес (Диего Родригес де Сильва и Веласкес) родился в известном испанском городе Севилье в 1599 году, на смене эпох. Точной даты рождения не сохранилось, однако доподлинно известна дата крещения - 6 июня 1599 года. Она и принята как день рождения, по правилам тех времен ребенка крестили практически сразу по рождению.
«Испанский живописец, которого отличало от всех его смелость, возможность проникнуть в душу и характер модели. Обладая уникальным чувством гармоничности и тонкости, а также неповторимого колорита, он мог создавать потрясающие образы. Которые просто блещут своей естественностью и живостью».
Тяга к искусству, живописи стали очевидны, и отец Веласкеса определил Диего в мастерскую известного художника Ф. Эрреры. Однако обучение здесь не продлилось долго, и уже через год молодой Диего Веласкес продолжал обучение у другого мастера живописи Франсиско Пачеко. Обучаясь у него, вплоть до 1627 года, молодой Диего много рисует. По совету учителя оттачивание рисунка производит в живописи на бытовые темы - бодегонес. Так появляются картины «Завтрак», «Старая Кухарка», «Музыканты», «Завтрак двух юношей», «Служанка мулатка», «Водонос».
В 1622 году Диего Веласкес впервые посещает испанскую столицу город Мадрид. Однако достойного места применить свой феноменальный талан на тот момент не нашлось. Но Диего смог написать портрет знаменитого испанского поэта Луиса де Гонгоры. Чем привлек внимание вельмож, дворян. И уже в следующем, 1623 году, Веласкеса пригласил в Мадрид герцог де Оливарес, для написания портрета короля. После чего он стал придворным живописцем.
Вскоре популярность Веласкеса возросла, стало зазорным не иметь его работ. Всвете чего появилась целая плеяда портретов вельмож и знаменитых людей того времени. Среди них «Граф Оливарес» 1625 год, «Шут Калаба-Сильяса» 1626−1627 год. А также портреты Лопе де Вега, Кальдерона, Кеведо, Тирсо де Молина. На ряду с этим в 1629 году Диего Веласкес пишет необычное полотно, не свойственное испанской традиционной живописи. Картину на античный сюжет - «Вакх».
В 1628 году Диего Родригес де Сильва и Веласкес встречается с Рубенсом, который прибыл в Мадрид в качестве дипломата. Скорее всего он и посоветовал отправиться в Италию. Диего упросил короля Филипа дать разрешение на эту поездку. Первый Итальянский период жизни продлился с августа 1629 года по январь 1631 года. Поездка пошла на пользу. Зрелый художник Веласкес много почерпнул из творчества итальянских мастеров кисти. Он стремится влить жизнь в схемы парадных изображений. Небольшие пейзажи вилл Медичи и Прадо. Конные и охотничьи портреты короля и его семьи, герцога Оливареса.
По приезду продолжал создавать портретные шедевры. А также написал одну из самых значительных картин европейской живописи в жанре исторического реализма. Это «Сдача Бреды» 1634- 1635 годы.
В течение 1630−1640 годов Диего Веласкес написал серию портретов шутов и карликов. Великий мастер раскрыл кистью богатый душевный мир этих людей, обиженных природой. Перенес на холст переживания, душевное состояние, вплоть до скорбного трагизма «Барбаросса», «Эль. Бобо дель Кориа», «Эль Примо», «Себастьяно дель Морра», «Мальчик из Вальескаса», «Хуан Австрийский».
К этому же периоду относится и великий шедевр «Венера с зеркалом». Это редчайшее в истории испанской живописи изображение обнаженного тела женщины, сюжет, на то время запрещенный святой инквизицией.
1650 годы это время высочайших творческих достижение Диего Веласкеса. Поздние женские и детские портреты королевских особ отмечены смелостью живописных находок, вдохновенным артистизмом. Портрет стареющего Филипа Четвертого отмечен глубокой психологической характеристикой.
Главнейшими произведениями позднего периода Веласкеса являются величайшие крупномасштабные произведения. «Пряхи» и «Менины», написанные в 1656 - 1657 году. Сейчас обе находятся в музее Прадо.
В начале 50-х, в 1652 году Диего Веласкес был назначен королевским обер-гофмаршалом. Его обязанности входило подготовка празднеств при дворе. Исполняя свои обязанности на празднике в честь бракосочетания Марии-Терезии с Людовиком Четырнадцатым живописец тяжело заболел. По возвращению в Мадрид художник скончался 6 августа 1660 года.
Что есть истина? Христос и Пилат
Картина «Что есть истина? Христос и Пилат» написана Николаем Ге в 1890 году. И тогда же он выставляет ее на 18-й Выставке передвижников. Сразу же начинаются громкие дискуссии вокруг нового полотна художника. Император Александр Третий покровительствовал передвижникам и посетил выставку до ее открытия. Сохранилось предание о высказывании Александра об этой картине: «Ну какой же это Христос? Это больной Миклухо-Маклай». Кстати, император ценил раннюю «Тайную Вечерю» Николая Ге, написанную во Флоренции и приобретенную Александром Вторым для музея Императорской Академии художеств.
Спустя некоторое время после августейшего посещения выставки вышел цензурный запрет на картину. Это произошло из-за письма обер-прокурора Святейшего Синода Победоносцева царю, в котором художник обвиняется в надругательстве над тем «образом Христа Богочеловека и Спасителя, который выше всего сердцу христианина и составляет сущность христианской веры». В результате последовало изъятие полотна из каталога и запрет на его экспонирование по России.
Чем же не понравился Синоду Христос на картине Николая Ге? Традиционно Иисуса Христа изображали молодым, сильным, одухотворенным человеком. А тут критик Суворин видит перед собой «озлобленного и полоумного бродягу», а потому называет картину лишенной художественности. Вот какие страсти разгорелись из-за нового произведения художника.
Немногие принимали скептическую улыбку и насмешливое презрение Пилата то ли к вопросу, то ли к оборванному и измученному человеку. Полемика приняла ярко выраженный внехудожественный характер. Главным обвинением против Николая Ге стало несоответствие каноническому прочтению. Ге защищал свое произведение, ссылаясь на трактаты Святых Отцов, утверждавших, что самый заурядный, ничтожный и смиренный человек может носить в себе великие духовные сокровища.
Только благодаря настоянию Льва Толстого картину приобретает
Первая в мире художница Артемизия Джентилески
В XVII веке папы, стремясь превратить Рим в красивейший город христианского мира, покровительствуют искусству. В Риме работает множество художников, а самый знаменитый из них - Караваджо, вокруг которого вскоре образовалась целая школа. Лучшим и талантливейшим учеником этой школы считается Орацио Джентилески Ломи, отец Артемизии. В Риме им написаны фрески для Ватиканской библиотеки.
В семье Джентилески у 30-летнего Орацио и его 18-летней жены Пруденции 8 июля 1593 г. родилась дочь Артемизия. После нее в семье родилось еще четверо сыновей, двое из которых умерли в младенчестве. Детство и девичество Артемизии совпали с огромными изменениями в судьбе Рима: создавались крупные архитектурные ансамбли, церкви и дворцы, которые Орацио часто расписывал вместе с Караваджо. Просвещенный Орацио дал Артемизии хорошее образование, а в мастерской отца она научилась технике живописи. Ей исполнилось 12 лет, когда в декабре 1605 года во время родов умерла ее мать и с этого времени Артемизия становится ученицей своего отца.
Мастерство молодой художницы росло так быстро, что к шестнадцати годам она стала настоящей художницей. Так же, как у отца, ее работы создавались под влиянием Караваджо. И уже в 1609 году Артемизия пишет большую картину «Мадонна с младенцем». Через год появляется «Сусанна и старцы». В 1610 году начата картина «Играющая на лютне», напоминающая «Лютниста» Караваджо.
Отец считал, что Артемизии необходимо получить уроки построения перспективы у его приятеля художника Агостино Тасси. С ним вместе они в 1611 - 1612 годах расписывали стены дворца Распильози в Риме, где на фреске «Концерт Аполлона и муз» моделью одной из муз была Артемизия.
Учеба у художника Тасси, отличавшегося предосудительными нравами, обернулась для Артемизии печальной историей: учитель обесчестил ученицу. Отец, будучи в курсе происшедшего, надеялся, что Тасси женится на его дочери, и долго не мог поверить в вероломство своего компаньона. Только после настойчивых просьб дочери он подал на Тасси в суд. В суде выяснилось, что Тасси давно женат, о чем не подозревали ни Артемизия, ни ее отец. Чем всё закончилось - известно.
После окончания судебного процесса отец выдал Артемизию замуж за флорентийского художника Пьерантонио Стиаттези и, как поговаривали, небезвозмездно. Свадьба состоялась 29 ноября 1612 года (через два дня после заключения Тасси в тюрьму). Артемизия отказалась от фамилии отца, но не приняла и фамилию мужа, а взяла фамилию дяди Аурелио, который сократил свою полную фамилию до просто Ломи. Правда, в дальнейшем она все-таки подписывала свои картины и фамилией Джентилески.
Через пару недель после венчания молодожены переехали во Флоренцию, где Артемизия проявила себя как успешная художница. Но события, которые сказались на ее эмоциональном состоянии, отразились в картине «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» (1612 - 1613 гг). На полотне изображена Юдифь в момент, когда она отрубает голову Олоферну. Ее решимость, ее твердая рука, потоки крови и блестяще выписанные ткани, свет, освещающий сцену насилия, - всё выполнено в стиле Караваджо, но значительно жестче, чем у великого мастера. Интересна картина и тем, что в образе Юдифи Атремизия изображает себя, а в образе Олоферна - ее обидчик Тасси. И в дальнейшем Атремизия много раз изображала женщин, подвергшихся мужскому насилию, или тех, которым удалось одержать верх над мужчинами.
Во Флоренции у Артемизии сложились хорошие отношения с наиболее уважаемыми художниками того времени. Ей покровительствует герцог Козимо II Медичи, с его дочерью Кристиной она в дружеских отношениях. Она дружит и состоит в активной переписке с приближенным к дому Медичи Галилео Галилеем (сохранились 28 писем к нему). Именно Галилей уговорил Козимо II Медичи заказать у Артемизии новый вариант картины «Юдифь, обезглавливающая Олоферна». Ее значимость как художницы выросла настолько, что в 1616 году она стала первой женщиной-академиком флорентийской Академии живописного искусства.
В флорентийский период жизни Артемизией создаются прекрасные картины: «Святая Катерина», божественной красоты «Ангел» и «Минерва», «Кающаяся Магдалина», «Иаиль и Сисара». Она в прекрасных отношениях с племянником Микеланджело - Буонаротти-младшим, который заказал художнице серию картин для Дома Буонаротти.
О том, каковы были ее взаимоотношения с мужем в этот флорентийский период, известно немного. Он появляется тогда, когда ему требуются деньги и ей приходится регулярно оплачивать его долги. Даже рождение детей (из четырех выжили только две дочери Пальмира и Пруденция) не изменили его. Финансовые проблемы, не прекращающиеся из-за мотовства мужа, нарастали и Артемизия принимает решение покинуть Флоренцию.
С 1621 года она работала в Генуе, где ею написаны «Лукреция» и «Клеопатра». Затем Артемизия перебралась в Венецию, где знакомится с Антонисом Ван Дейком и Софонисбой Ангиссолой. В 1622 году вместе с мужем и дочерьми она возвращается в Рим, где ее считают выдающейся художницей и первоклассной портретисткой. Через год для мужа Пьерантонио Стиаттези снимается новое жилье и с этого момента они живут порознь.
Во Флоренции Артемизия начала работу над портретом главы правительства республики и заканчивает его в Риме. Кроме того, в Риме был закончен заказанный еще Козимо II Медичи второй вариант картины «Юдифь и служанка» и выполнена картина «Магдалина - аллегория Меланхолии».
В 1630 году Артемизия Джентилески переезжает в Неаполь. К этому году она стала столь знаменитой, что ей заказывают полотна знатные особы, среди которых Филипп IV Испанский, Людовик XIII, представители духовенства. Она впервые получила заказ на фресковую роспись церкви в городке Поццуоли под Неаполем. Там она выполнила три больших картины.
Ее работы настолько популярны, что многие заказчики просят их повторить: так появляются авторские копии Юдифи, Клеопатры и Магдалины.
В последующие 2−3 года создаются «Благовещение Марии», «Рождество Иоанна Крестителя», «Слава».
Артемизия много лет не видела своего отца, который с 1625 года служил придворным художником английского короля Карла I. И когда художница получила от него письмо, от единственного мужчины, которого искренне любила, - от своего отца, Артемизия в начале 1638 года, бросив всё, уезжает к нему в Лондон.
В письме Орацио Джентилески писал, что уже стар и не может самостоятельно закончить начатые картины для потолка большого вестибюля в королевской резиденции в Гринвиче и что его замысел «Аллегории Мира и Искусства», где надо написать огромное количество муз, может воплотить в жизнь только его дочь. И Артемизия, создавая то, что задумал отец, превзошла его в мастерстве.
Здесь, в Лондоне, художнице пришлось пережить много горестных минут: в феврале 1639 года внезапно умер ее отец. После его смерти она оставалась в Англии почти два года, заканчивая картины в Гринвиче и подписывая их «Орацио и Артемизия Джентилески».
В Англии началась гражданская война. Агрессия пуритан, направленная против католиков и принадлежащих им произведения искусств, заставила Артемизию возвратиться на континент.
Через 10 лет после ее отъезда кальвинисты, казнившие короля Карла I, устроили небывалые в истории живописи аукционы, распродавая картины из королевских коллекций. На одном из аукционов всего за 20 фунтов была выкуплена кредитором короля картина, созданная Артемизией еще в 1630 году «Автопортрет в образе аллегории Живописи». Позднее она была возвращена уже Карлу II и сейчас находится в Лондоне, в королевской коллекции дворца Кенсингтон.
С 1642 года, вернувшись в Неаполь, Артемизия много работает, создавая такие произведения, как «Эсфирь перед Агасфером», «Самсон и Далила», «Сусанна», несколько вариантов купающейся Вирсавии.
До конца жизни Артемизию сопровождали непонимание, несправедливость и денежные затруднения. Интерес к художнице, гордой и независимой, добившейся европейского признания, имевшей множество покровителей и поклонников, постепенно угас. Ее могила в Неаполе потеряна. Точная дата ее смерти - неизвестна. Возможно, она умерла в 1653 году от чумы.
По-настоящему любил ее лишь отец, предопределивший судьбу дочери дважды: сначала, когда назвал девочку Артемизией (по-латыни - горькая полынь), и тогда, когда в 12 лет начал учить ее живописи.
Интерес к живописи Артемизии Джентилески возник снова лишь в прошлом столетии, когда итальянский искусствовед Роберто Лонги отметил роль художницы в распространении караваджизма в Европе. В 1970 году международная феминистская организация назвала Артемизию первой феминисткой в истории человечества.
О ее жизни написано много романов, пьеса, снят фильм. Весной прошлого года в музее Майоля в Париже была открыта большая выставка художницы. А в Берлине находится отель «Артемизия 3», где всего восемь номеров и куда его владелица принимает только женщин.
Творчество выдающейся художницы XVII столетия и ее жизнь настолько переплетены, что понять ее живопись без знания ее драматической биографии невозможно, как невозможно понять искусство барокко без Караваджо и его последовательницы - Артемизии Джентилески.
Главный признак авангардизма: картина ничего не теряет если смотреть на неё вверх ногами.
Gabriel Picart. Художник-реалист
Габриэль Пикарт считается классическим художником-реалистом. Картины художника, городские пейзажи и натюрморты, получили высокую оценку зрителей и критиков, но его главный интерес, по прежнему, заключается в изображении человеческой фигуры.
Его работы находятся в постоянной экспозиции в нескольких крупных галереях различных стран и заслужили особый интерес со стороны крупных коллекционеров.
Габриэль Пикарт родился в Барселоне, Испания, в 1962 году, где живет и работает по сей день. Он начал свою карьеру художника в двадцать лет, когда начал работать как иллюстратор над публикациями для журналов из разных европейских стран, особенно из Голландии, Германии и Скандинавии. Вскоре после этого его работами заинтересовались рекламные агентства и издательства из США и Канады, рынка, который требовал работать более интенсивно, но давал все возможности для успешного роста карьеры художника. Начиная с 1996 года, Пикарт занимается исключительно живописью.
Леонардо да Винчи долго не мог найти натурщиков для того, чтобы списать с них двух центральных фигур «Тайной вечери».
Наконец он нашел модель для образа Христа среди певцов в церковном хоре.
А вот модель для Иуды Да Винчи не мог найти еще 3 года.
Однажды он увидел в луже грязного пьяницу. Он пригласил его в кабак и тут же начал писать с него Ииду.
Когда пьяница пришел в себя, он признался, что оказывается он уже позировал художнику.
Это было 3 года назад, когда он еще пел в церковном хоре, и тогда Леонардо писал с него Христа.
Войтек Ковальчик (Wojtek Kowalczyk). Графика
Войтек Ковальчик родился в 1960 году в Кракове (Польша). С 1979 по 1986 год он учился в Кракове политехническом университете, который окончил дипломированным архитектором. С 1986 по 1989 год он работал в Институте сохранения исторических памятников, который находится под управлением политехнического университета.
С 1989 Войтек работает как свободный художник. Войтек Ковальчик представлял свои работы на выставках по всей Польше, а также у него прошли три выставки в Германии и в октябре 2008 его графические работы были выставлены в Bergano, Италия. У него были отдельные показы в Мюнхене, Германия, Бергамо, Италия и Стокгольме, Швеция. В 2013 году его работы были выставлены в художественном салоне First Autumn Artistic Salon в Сан-Паулу (Бразилия), где он получил поощрительную премию. Бойтек Ковальчик сотрудничает с художественными галереями в США и Испании. Его работы появляются в многочисленных печатных изданиях, журналах, каталогах, а также издаются книги и альбомы, посвящённые его творчеству.
Художник Ольга Маланчева
Родилась, живет и работает в Москве.
Член Международного Художественного фонда, Профессионального Союза художников.
Провела несколько персональных выставок, в том числе в Московской Городской Думе (2010,2011), Международном художественном фонде (2011), участвовала в выставках в ЦВЗ «Манеж», ЦДХ, выставочном зале МОСХа на Беговой, Международном фонде славянской письменности и культуры, Доме