Цитаты на тему «Исполнители»

Этот мрачного вида человек, игрок и дебошир, совершенно преображался, взяв в руки скрипку. Даже тем, кто считал, что его слава лучшего скрипача в мире раздута, приходилось смириться, когда им доводилось услышать его игру. Для людей, в музыке не разбиравшихся, он устраивал настоящие представления с звукоподражанием — «жужжал», «мычал» и «разговаривал» струнами…

Родился будущий гений в семье мелкого торговца в Генуе. Его отец безуспешно пытался учить музыке старшего сына, Карло. Но когда Никколо подрос, отец забросил занятия с Карло, чему тот, несомненно, был рад. Как вырастить гения и виртуоза? Можно увлекать и развлекать одаренного ребенка, как делал это отец Моцарта. А можно запирать его в кладовке, до тех пор, пока он не выучит особенно сложный этюд.

Именно в такой атмосфере растили Никколо. У мальчика практически не было детства, все его дни проходили в бесконечных изнуряющих занятиях музыкой. От рождения у него был потрясающе тонкий слух, он погружался в мир звуков и пытался повторить его с помощью гитары, мандолины и скрипочки.

Первый концерт Никколо Паганини состоялся в двенадцать лет. Концерт вундеркинда, исполнявшего свои вариации известных произведений, потряс публику. У мальчика появились знатные покровители. Джанкарло де Негро, негоциант и меломан, даже обеспечил его возможностью продолжать обучение у виолончелиста Гиретти. Учитель заставлял талантливого ученика сочинять мелодии без инструмента, слышать музыку в голове.

Завершив обучение, Никколо становился все известнее. Он начал зарабатывать хорошие деньги, давая концерты по всей Италии. Музыкант обещал раскрыть секрет своего мастерства, когда закончит свою карьеру, и этим только подогревал интерес публики.

Таинственным в нем казалось все. Его внешность — мертвецки бледная кожа, запавшие глаза, выдающийся нос крючком и невероятно длинные пальцы, дерганные движения тощей фигуры. Его игра на скрипке — от Бога или от дьявола, но она определенно была нечеловечески хороша.

Его образ жизни и пристрастие к азартным играм, из-за которого он часто сидел на мели. И его отрешенное, возвышенное состояние, когда он стоял на сцене, сливаясь с инструментом воедино.

Путешествуя и выступая, маэстро сочинял музыку. В то время (1801−1804) он жил в Тоскане и, гуляя по залитым солнцем улицам, сочинял свои знаменитые каприсы для скрипки. На некоторое время (1805−1808) Никколо даже стал придворным музыкантом, но потом снова вернулся к концертам.

Своеобразная, легкая и непринужденная манера исполнения и виртуозное владение инструментом вскоре сделали его самым популярным скрипачом Италии. За шесть лет (1828−1834) он дал сотни концертов в европейских столицах. Паганини вызывал восхищение и восторг у коллег-музыкантов. Ему посвящали восхищенные строки Гейне, Бальзак и Гёте.

Его творческий путь оборвался стремительно и трагично. Из-за туберкулеза Паганини пришлось вернуться в Италию, а приступы кашля не давали ему разговаривать. В родную Геную он вернулся глубоко больным человеком. Ужасно страдая от тяжелейших приступов, Никколо прожил еще три года.

Музыкант умер в Ницце, 27 мая 1840 года. Папская курия долго не позволяла похоронить его в Италии из-за образа жизни. Два месяца забальзамированное тело лежало в комнате, еще год — в подвале его дома. Его несколько раз перезахоранивали, и спустя 36 лет Никколо Паганини обрел покой в Парме.

После смерти Паганини человечеству осталось в наследство 24 каприса, множество вариаций на оперные и балетные темы, шесть концертов для скрипки с оркестром, сонаты, сонаты для скрипки и гитары, вариации и вокальные композиции.

Кстати, незадолго до смерти Паганини раскрыл свой секрет великолепного владения скрипкой. Он заключается в полном духовном слиянии с инструментом. Надо смотреть и ощущать мир через инструмент, хранить воспоминания в грифе, самому становиться струнами и смычком. Кажется, что все просто, но далеко не каждый профессиональный музыкант согласиться принести свою жизнь и личность в жертву музыке.

Ниже — удивительные факты из биографии великого маэстро:

1. Композитор родился в многодетной семье (был третьим по счету ребенком из шести); его отец сначала работал грузчиком, а позже открыл лавку в порту. Однако при переписи населения Генуи указали, что Антонио Паганини был «держателем мандолин» — так приказал сам Наполеон.

2. С 5 лет отец начал учить мальчика играть на мандолине, а с 6 — на скрипке. Если верить исследователям жизни Паганини (Тибальди-Кьеза в серии «Жизнь замечательных людей»), музыкант позже вспоминал: когда он не проявлял должного прилежания, отец его наказывал — впоследствии это отразилось на слабом здоровье скрипача.

3. Первый публичный концерт (или, как тогда говорили, академию) музыкант дал 31 июля 1795 года в театре Сант-Агостино г. Генуи — вырученные средства пошли на то, чтобы мальчик (а Никколо в тот год исполнилось только 12) отправился в Парму — обучаться у Алессандро Ролла (известного скрипача и педагога).

Когда семейство Паганини (отец и сын) приехали к Алессандро Роллу, тот отказался их принимать, т.к.был болен. Но рядом с комнатой преподавателя лежала скрипка и ноты только вчера написанного сочинения.

Тогда Никколо взял инструмент и тут же сыграл произведение — удивленный педагог, услышав исполнение Паганини, вышел к гостям и сказал, что он уже не может ничему научить мальчика — тот и сам все умеет.

4. На концертах Паганини устраивал настоящее шоу. На публику это производило настолько сильное впечатление, что некоторые теряли сознание в зале. Каждый номер и выход он продумывал до мельчайших деталей.

Всё было отрепетировано: от репертуара, состоящего исключительно из собственных композиций, до эффектных трюков, вроде лопнувшей струны, расстроенной скрипки и «привета из деревни» — подражания звукам животных.

Паганини научился имитировать гитару, флейту, трубы и валторны и мог заменить собой оркестр. Влюбленная публика прозвала его «Южным колдуном».

5. Паганини категорически отказывался писать псалмы для церковников, поэтому добрые католики злобно поливали его грязью:

«Все лучшее и высокое в мире связано с христианством. Лучшие музыканты нашего века пишут церковные гимны. Нет ни одного классического композитора, который не писал бы оратории и мессы.

Реквием Моцарта, оратории Баха, мессы Генделя свидетельствуют о том, что Господь не оставляет Европы и что вся наша культура строится на началах христианской любви и милосердия.

Но вот появился скрипач, который сворачивает с этой дороги. Всем своим поведением, ненасытной алчностью, упоительным ядом земных соблазнов Паганини сеет тревогу на нашей планете и отдает людей во власть ада. Паганини убивает младенца Христа».

6. Никколо Паганини был масоном. Он написал масонский гимн и исполнил его в ложе Великого Востока Италии; документы общества тоже подтверждают его принадлежность к масонам.

7. Первой (а возможно, и самой сильной) любовью композитора стала знатная дама, чье имя он всегда скрывал и с которой он прожил 3 года в ее поместье в Тоскане. В те годы он открыл для себя гитару и написал для нее и скрипки 12 сонат, а также пристрастился к картам.

Никколо Паганини говорил, что у него были отношения с Элизой Бонапарт — старшей сестрой Наполеона. Музыкант был капитаном ее личной гвардии и имел титул «придворного виртуоза»: давал концерты и руководил спектаклями.

8. Паганини был любимцем не только народных масс, но и титулованных особ. Каждый европейский монарх считал своим долгом пригласить его для личного выступления.

Конечно, он получал невероятные гонорары, но из-за несдержанности в азартных играх часто попадал в ситуации, когда ему не хватало денег за еду. Ему приходилось неоднократно закладывать свою скрипку и просить помощи у друзей. С рождением сына он стал спокойнее и к старости смог скопить состояние.

Музыкант активно гастролировал по Европе и везде его концерты пользовались невероятной популярностью. После своей смерти в 1840 году он оставил состояние в несколько миллионов франков.

9. Маэстро предпочитал не записывать свои произведения на бумаге, чтобы оставаться единственным исполнителем (а тех, кто мог исполнить мелодии Паганини даже с нотами, было ничтожно мало). Представьте себе удивление мастера, который услышал собственные вариации в исполнении скрипача и композитора Генриха Эрнста! Возможно ли, что вариации были подобраны им на слух?

Когда Эрнст пришел с визитом к Паганини, тот спрятал рукопись под подушку. Удивленному музыканту он сказал, что после его выступления стоит опасаться не только его ушей, но и глаз.

10. Паганини мог исполнять произведения, даже если на скрипке не хватало одной или нескольких струн (например, когда на его концерте лопалась струна, он продолжал играть, не прерываясь). А ко Дню рождения императора маэстро написал сонату «Наполеон» для одной струны (соль).

11. Для одних Паганини был несомненным гением, для других — удобной жертвой для нападок. Его родителям таинственные «доброжелатели» присылали письма с описаниями кутежей и разврата, в которых якобы погряз их сын. Вокруг него вились слухи, один удивительнее другого.

Например, о том, что Никколо Паганини оттачивал свое мастерство не изнурительными занятиями в детстве и юности, а развлекал себя музыкой, сидя в тюрьме, не знал только ленивый. Эта легенда оказалась такой живучей, что даже нашла свое отражение романе Стендаля.

12. Газеты часто печатали сообщения о смерти Паганини. Началось все со случайной ошибки, но журналисты вошли во вкус — ведь газеты с опровержением расходились двойным и тройным тиражом, а популярность скрипача из-за этого только росла.

Когда Паганини скончался в Ницце, газеты привычно напечатали его некролог с припиской: «Надеемся, что скоро, как обычно, опубликуем опровержение».

13. В 1893 году гроб с маэстро опять откопали, потому что люди якобы слышали странные звуки, доносившиеся из-под земли. В присутствии внука Паганини, чешского скрипача Франтишека Ондржичека, прогнивший гроб вскрыли. Ходит легенда, будто тело музыканта к тому моменту истлело, но лицо и голова были практически невредимы.

Конечно, после этого еще не одно десятилетие по Италии ходили самые невероятные слухи и сплетни. В 1896 году гроб с останками Паганини вырыли еще раз и перезахоронили на другом кладбище Пармы.

14. Свою любимую скрипку работы Гварнери виртуоз завещал родному городу, Генуе (маэстро не хотел, чтобы на ней кто-то играл после его смерти). Позже инструмент получил имя «Вдова Паганини». Также в коллекции скрипок виртуоза были работы Страдивари и Амати.

В конце августа один из основателей группы Pink Floyd Роджер Уотерс приедет в Россию в рамках мирового тура UsThem — увидеть его новое шоу смогут зрители в Москве и Петербурге.

В преддверии концертов легендарный рок-музыкант поговорил с порталом «Известия» о том, что объединяет русских и американцев, почему сам он выступает против демонизации России, и заодно рассказал о планах на пробежки в московских парках.

— В первую очередь хочу спросить у вас о предстоящем концерте — о вашем шоу, в том числе о спецэффектах, очень много положительных отзывов. Многие журналы предлагают за него вручить вам «Оскар». Как вы готовились к этому проекту и сколько времени в итоге ушло на подготовку?

— Всё началось с того, что пару лет назад музыкальная компания Goldenvoice из Калифорнии попросила меня выступить в городе Палм-Спрингс на фестивале Desert trip. У Пола Толлета, руководителя компании, была идея организовать фестиваль подобный Coachella, который проводится весной и на котором я выступал в 2008 году.

Но в этот раз он хотел, чтобы событие пришлось на осень и чтобы на нем выступало минимум артистов. В итоге он запланировал выступление шести коллективов, три из которых были хедлайнерами.

Мне кажется, его идея была в том, чтобы собрать The Beatles, Rolling Stones и Pink Floyd, а на вторых ролях поставить Боба Дилана, Нила Янга и группу The Who. Это просто сумасшедшая идея! Пол связался со мной и попросил представлять Pink Floyd, и я согласился. Маккартни он сказал: «Ты будешь „Битлз“, ничего страшного».

В итоге мы выступили. Я считаю, что это была великолепная возможность сделать что-то выдающееся. Desert trip стал отправной точкой того, что мы делаем сейчас. Там я первый раз предложил идею появления на концертах декорации в виде электростанции Баттерси — она стала своего рода символом военно-промышленного комплекса, который я не одобряю из-за его разрушительной силы.

Потом модель электростанции отправилась с нами на концерты в Мехико, а сейчас мы думаем, как нам сделать так, чтобы электростанция могла появляться и на сценах, которые находятся в помещении. Я думаю, что в России, и в Москве, и в Санкт-Петербурге, эта часть декораций будет представлена.

Концерт Роджера Уотерса в Риме.

— Вы готовите что-то особенное для концертов в России? Они будут чем-то отличаться?

— Для каждой страны мы стараемся сделать что-то особенное. Например, в шоу появляется летающая свинья, которая делает круги над той самой электростанцией Баттерси и у которой на боку написано: «Оставайся человеком или умри». Мы хотим перевести эту надпись на русский язык.

Также на протяжении всего концерта и во время антрактов мы будем показывать, с какими трудностями люди сталкиваются в нынешних условиях, какое беспечное сейчас отношение к человеческим жизням. Напоминать о том, что мир балансирует на грани полного исчезновения, которое может случиться в том числе из-за нынешней борьбы с русскими.

— Вы приедете в Россию в сложное для нас время, как вы думаете найдутся ли люди, которые скажут, что вы направляетесь в логово врага?

— Почему вы сказали, что в России сейчас тяжелое время?

Парк в Солсбери, в котором 4 марта 2018 года были обнаружены без сознания Сергей Скрипаль и его дочь Юлия

— Санкции, «дело Скрипалей», провокации в Сирии и так далее…

— Но почему это должно усложнять жизнь в России, это же нонсенс? Что атака на Скрипалей — это чушь, понятно даже человеку с одним полушарием. Но у многих отсутствует даже одно полушарие, и поэтому они верят в этот абсурд!

Я бы хотел всему миру заявить: «Вы хотите начать войну с русскими? Вы что, сумасшедшие? Вы хоть знаете, с кем имеете дело? Русские освободили вас от фашистов ценой жизней 20 млн своих граждан! И вы хотите с ними воевать? Что плохого они вам сделали? О чем вы вообще говорите?».

То же самое можно сказать и по поводу Украины. Виктория Нуланд (официальный представитель Госдепартамента США в 2011—2013 годах. — Прим. ред.) во всем виновата, она всё это организовала, и теперь страна там разделена на две части.

Я не знаю, как Украина выйдет из всей этой ситуации, но обвинять в этом Россию просто смешно. Однако у американцев это хорошо получается, и люди им верят, потому они контролируют прессу и могут выкручивать ситуацию так, как им выгодно.

Сам я считаю, что мы не будем воевать с Россией. Русские такие храбрые, стойкие и непреклонные. У вас реально большая и очень сильная страна.

В свое время его шлягеры звучали везде. Его хрипловатый голос был известен всем советским поклонникам таланта этого певца. Артисту удалось добиться известности не только как исполнителю, но и как композитору. Его зовут Вячеслав Добрынин.

Военно-полевой роман

Будущий певец Вячеслав Добрынин появился на свет в январе 1946-го в столице. Его родители познакомились во время войны, на фронте. Его мама, Анна Антонова, тогда служила при штабе легендарного маршала Рокоссовского. Отец, Галуст Петросян, был боевым офицером.

Влюбленные расписались в одном из военно-полевых ЗАГСов. Их брак длился всего лишь три года. Войну они закончили в Кенигсберге. После чего мама музыканта отправилась домой, в Москву, не зная, что уже ждет ребенка. Отец же продолжал воевать. На тот момент — с Японией. Когда Страна восходящего солнца капитулировала, он также вернулся на родину, в Армению. Его родственники были настроены против Анны и не хотели признавать ее. В результате бывшие влюбленные больше никогда не увиделись.

В элитной школе

Биография Вячеслава Добрынина свидетельствует о том, что при рождении мальчик получил фамилию матери. Большое влияние на его увлечения оказывала именно мама Анна. Ей удалось заинтересовать сына творчеством, музыкой.

А началось с того, что трехлетний Слава, услышав какую-то мелодию, начинал подбирать ее на губной гармошке. Таким образом, Анна, заметив у сына способности, приглашала педагогов по музыке.

Когда юному Вячеславу исполнилось семь, его отдали в общеобразовательную школу. Кстати, он попал в класс, где учились дети известных академиков — Панкратов, Топчиев, Несмеянов. А его соседом по парте вообще был сын известного ученого Ландау.

Через некоторое время в стенах школы Слава записался в баскетбольную секцию. В результате он даже возглавил всю команду.

Не забывал он и о творчестве. Стал посещать музыкальную школу. Вначале упражнялся на скрипке, потом — на пианино, затем — на виолончели. В итоге выбор Славы остановился на баяне, который в те времена считался более чем уважаемым инструментом. С его помощью будущий музыкант начал сочинять свои первые песни. Позднее он освоил игру на гитаре.

Школа мастерства

Получив аттестат зрелости, Вячеслав стал студентом МГУ. В стенах университета он специализировался на истории искусств и впоследствии даже окончил соответствующую аспирантуру.

Кроме этого, ему как-то удавалось совмещать обучение в университете с занятиями в одном из музыкальных училищ. Причем именно там он смог освоить две специальности. Речь идет о дирижерско-хоровом и народном (по классу баяна) отделениях.

Также он продолжал развивать свой композиторский и вокальный таланты, играя в различных молодежных ВИА.
Состоявшийся композитор

Биография Вячеслава Добрынина рассказывает, что когда Вячеслав получил диплом, он очень недолго трудился по своей специальности — «История искусств». Так как он быстро устроился гитаристом в легендарный оркестр под руководством Олега Лундстрема. Также параллельно он возглавил и музыкальный коллектив под названием «Лада».

В те же времена познакомился с Аллой Пугачевой. А через некоторое время это знакомство превратилось в настоящее сотрудничество. В результате в репертуаре будущей примадонны советской эстрады появились композиции Вячеслава.

Спустя некоторое время Добрынин начал выступать с коллективом «Бременские музыканты». Именно тогда заговорили о нем, как о сложившемся композиторе.

Благодаря такой репутации, многие музыканты начали обращаться к Вячеславу за помощью. И вскоре его композиции исполняли такие музыканты и группы, как София Ротару, Роксана Бабаян, Лев Лещенко, Иосиф Кобзон, «Акварель», «Голубые гитары» и многие другие.

Официальный дебют композитора

Биография Вячеслава Добрынина рассказывает, что в 1972-м композитор решил сменить фамилию. Он взял творческий псевдоним Добрынин. Это имя было внесено и в паспорт. Через некоторое время состоялась судьбоносная встреча с песенником Леонидом Дербеневым.

Вячеслав Григорьевич Добрынин дал поэту аудиокассету со своими творениями, которые очень сильно понравились песеннику. Как итог, появился первый виниловый альбом «Веселых ребят». На пластинке была включена и композиция Добрынина под названием «На земле живет любовь». Таким образом, состоялся официальный дебют Вячеслава как композитора. Он и сейчас считает, что Дербенев — его крестный отец в музыке. Заметим, что сотрудничество с именитым поэтом длилось много лет. И закончилось оно только тогда, когда самого Дербенева не стало.

После этой успешной пластинки карьера Добрынина начала набирать обороты. Так, на композитора обратил внимание Юрий Маликов, который являлся на тот момент руководителем ВИА «Самоцветы». И Добрынин стал участником этого музыкального проекта. Для коллектива он написал ряд песен. Но самыми популярными были «Червона рута» и «У нас, молодых…».

К этому времени Вячеслав Григорьевич Добрынин стал одним из популярнейших композиторов на территории Советского Союза. Очередь из певцов и коллективов, которые хотели исполнить его очередную песню, стала просто огромной.

Дебют певца

В 80-х популярность Добрынина ничуть не ослабела. В эти годы он написал такие «нетленки», как «Ягода малина», «Робинзон», «Не волнуйтесь, тетя», «Желтые кораблики» и многие другие. Также одну из песен, которая называется «Большая медведица», спел Михаил Боярский. К слову, он невольно способствовал Добрынину вначале его песенной карьеры. Это было в 1986-м. Боярский тогда собирался записать добрынинскую композицию «Спасатель» для передачи «Шире круг». Но в силу некоторых обстоятельств он не смог приехать. Тогда руководство телеканала предложило исполнить песню самому автору — Вячеславу Добрынину. Так и случилось. После такого дебюта пришло огромное количество писем с настоятельной просьбой продолжать свое эстрадное творчество.

А уж когда на одной из телепрограмм Добрынин спел свою песню «Бабушки — старушки», его слава как исполнителя еще более укрепилась. Эта композиция была настоящим хитом в Советском Союзе.

С этих пор биография Вячеслава Добрынина сильно изменилась, так как композитор утвердился и в статусе популярного певца. Он отправлялся в бесконечные гастрольные туры по стране. И самое главное — повсюду на его концертах были аншлаги.

Когда написал Вячеслав Добрынин хиты «Не сыпь мне соль на рану», «Колдовское озеро» и «Синий туман», его популярность уже просто зашкаливала. Так, в конце 80-х вышли две его пластинки. Семимиллионный тираж был распродан буквально мгновенно.

«Доктор Шлягер»

После триумфа Добрынин сформировал свой собственный музыкальный коллектив. Он назывался «Доктор Шлягер». С этой группой он поныне записывается и выступает.

В 90-х количество хитовых композиций, которые исполнила группа Вячеслава Добрынина немного поубавилось. Тем не менее сегодня певец продолжал творить и выпускать альбомы, среди которых известные релизы «Никто тебя не любит», «Браво, маэстро» и многие другие.

В конце 90-х в качестве эксперимента вышла совместная работа композитора и коллектива «Руки вверх».

С 2000-х Добрынин остается в отличной творческой форме и продолжает записывать новые композиции. К созданию нового релиза он теперь подходит основательно и не намерен никуда не торопиться.

На данный момент его дискография насчитывает семнадцать альбомов.

Счастливый дедушка

Добрынин дважды был женат. Первый брак зарегистрирован в далеком 1973-м. Его избранницей была Ирина, с которой он уже встречался на протяжении нескольких лет. Через четыре года у четы Добрыниных появился первенец. Девочку назвали Катей. К сожалению, чета рассталась.

К 1985 году личная жизнь Вячеслава Добрынина снова наладилась. Во всяком случае, он снова женился. Супругу также зовут Ириной. По профессии она архитектор. Пара и сегодня вместе. Они живут в столице.

Кроме того, с 2000-го Добрынин является дедушкой. Дочь Катя от первого брака подарила ему внука и внучку. Кстати, она окончила одну из школ манекенщиц. Также серьезно занималась английским языком и хотела стать адвокатом. Но в результате начала учиться во ВГИКе на курсе блистательного Алексея Баталова.

Когда Екатерина получила диплом, она снималась в отечественных фильмах и сериалах. Но впоследствии ради семьи решила прекратить актерскую карьеру. Ее избранник — американский телеоператор Шейн Макгаффи. Между прочим, своим детям, внукам композитора, они решили дать двойную фамилию — и папину, и мамину.

Юрий Шевчук — советский и российский рок-музыкант, автор собственных песен и лидер группы «ДДТ». Основной тематикой стихотворений Шевчука является социальная сатира и оппозиционное мнение. Он исполняет много патриотических песен, в которых выражает протест войне, насилию, ненависти между людьми.

Родился Юрий в поселке Ягодное Магаданской области. В семье было еще двое детей — сестра Наталья и брат Владимир. Маленький Шевчук с детства тянулся к творчеству. Сначала он сильно увлекся рисованием, а когда семья переехала в Нальчик, к художественной школе добавил еще и музыкальную.

Когда Юрию было 13 лет, он вновь сменил прописку и переехал в Уфу. Там подросток продолжил заниматься изобразительным искусством при Доме пионеров и играть на баяне и гитаре в школьном ансамбле «Вектор». Уже в том возрасте Шевчук показывал бунтарский характер. В 8 классе он нарисовал на футболке распятие и сделал подпись «Иисус был хиппи», за что Юрия арестовала милиция.

После школы юноша решил стать профессиональным художником и поступил в Башкирский пединститут на художественно-графический факультет. Высшее образование он получил, но в студенческие годы любовь к картинам проиграла любви к вошедшему в моду рок-н-роллу. Шевчук играет в любительских группах «Вольный ветер» и «Калейдоскоп», получает премии за тексты своих песен, но нещадно критикуется властями за музыкальный жанр и злободневную тематику композиций.

Музыка

В 1979 году Юрий Шевчук входит в состав безымянной группы, которая репетировала при местном ДК «Авангард». Через год коллектив получает название «ДДТ» и записывает пробный магнитоальбом. В 1982 году парни отправляют на конкурс записи нескольких песен, и композиция «Не стреляй», написанная о скрываемой в Советском Союзе войне в Афганистане, имеет оглушительный резонанс.

Записанный на подпольной студии альбом «Компромисс» быстро становится популярным и ставит «ДДТ» в один ряд с признанными питерскими рок-группами. У Юрия Шевчука возникали постоянные конфликты с властями, так как они рассматривали песни как способ показать протест против действующей власти.

Ополчились на певца «компетентные органы», когда он записал альбом «Периферия», в котором показал неприглядную жизнь в глубинке. Сочинителя обвинили в социальном непримирении и в поддержке религии за песню «Наполним небо добротой».

С наступлением Перестройки подпольные группы вышли на большую сцену, и «ДДТ» стал одним из культовых коллективов русского рока. Песни «Мальчики-мажоры», «Я получил эту роль», «Рождённый в СССР», «Оттепель (Ленинград)», «Актриса Весна» становятся любимыми в стране. Но самые громкие композиции, ставшие визитками Юрия Шевчука, вышли уже в 90-х годах. Это «Дождь», «В последнюю осень», «Что такое осень», «Агидель (Белая река)», «Ночь-Людмила» и другие.

Несмотря на демократические перемены в стране, Шевчук продолжал критиковать власть. Под сатиру певца попали и президент Борис Ельцин, и война в Чечне, выразившиеся в песне «Мертвый город. Рождество».

Еще одной стороной сочинительства деятеля является противостояние с поп-исполнителями. Это выразилось в композициях «Фонограммщик» и «Попса», критике в прессе.

Юрий умудрился нанести «удар» Филиппу Киркорову. Вместе с бывшим звукорежиссером короля поп-сцены он опубликовал в Сети запись настоящих звуков, издаваемых Филиппом под звукозапись.

Затем ансамбль участвовал в составлении законопроекта, регламентирующего использование фонограммы на выступлении.

В 1999 году биография автора пополнилась изданием сборника стихотворений «Защитники Трои». Спустя 10 лет он издал вторую книгу «Сольник».

В XXI веке композитор и певец продолжает активно заниматься творчеством. В новых песнях чувствуется влияние философии. Шевчук поднимает вопрос ничтожности или величия человека в мире, религиозные мотивы, любовь к жизни. Студийные альбомы группы «ДДТ» выходят с завидной регулярностью, причем Юрий не переиздает старые композиции, а постоянно предлагает слушателям новинки, из которых отдельно стоит отметить «Родившимся этой ночью», «Песня о свободе», «Этот город», «Пропавший без вести».

3 марта 2008 года композитор выступил с «Маршем несогласных» в Санкт-Петербурге после оглашения результатов выборов.

Ярко в прессе освещалось событие, произошедшее в мае 2010 года. Тогда Юрий участвовал во встрече с премьер-министром Владимиром Путиным в театре Северной Пальмиры. Шевчук задал вопрос Путину, собирается ли тот по-настоящему демократизировать страну, и будет ли гонение на «Марш несогласных» снова. Вице-президент ничего конкретного не ответил. Зато вопрос Путина Шевчуку: «А как вас зовут, извините?», — стал знаменитым мемом.

Незадолго до этого власти отменили рок-фестиваль, который организовывался при помощи Юрия. После этого деятель пошутил, что если бы он вышел на сцену с инструментом от ансамбля «Любэ», то власть бы это оценила.

К тому же Юрию Шевчуку дают ничтожно мало времени в телеэфирах для интервью, демонстрации видеоклипов и концертов.

В 2011 году журнал «Forbes» внес Шевчука в список «50 главных российских знаменитостей» и заявил, что доход Юрия составляет 1 млн долларов в год. Музыкант выступил с опровержением.

Затем в 2012 году сорвали концерты коллектива в городах Сибири.

Пробовал силы Юрий Шевчук и в кинематографе. Он участвовал как камео в проектах и снимался как актер. Юрий сыграл главного персонажа Ивана Христофорова в мистической драме «Духов день», появлялся в комедии «Вовочка», исторической мелодраме «Жила-была одна баба» и телесериале «Батюшка», для которого написал саундтрек.

Юрий Шевчук писал музыку и специально для фильмов, например, «Географ глобус пропил», «Generation П», «Господа офицеры», «Азазель» и других.

Личная жизнь

Еще в Уфе Юрий Шевчук познакомился со своей первой супругой Эльмирой Бикбовой. Девушке на тот момент было только 17 лет, и она училась на балерину. После свадьбы у супругов родился сын Петр. В 24 года, после продолжительной онкологической болезни, Эльмира скончалась. Скоропостижно умершей жене Шевчук посвятил альбом «Актриса Весна», в память о ней написал песни «Беда», «Вороны» и «Когда ты была здесь».

Юрий воспитывал сына самостоятельно, а когда мальчик подрос, то поступил в Кронштадтский Морской кадетский корпус, некоторое время служил в морской пехоте, но впоследствии стал программистом.

Позднее музыкант сошелся с российской актрисой Марьяной Полтевой, которая родила ему в 1997 году второго сына Федора. Но связь артистов продлилась не слишком долго, и сейчас Юрий видит второго ребенка редко: они с матерью живут в Германии.

На сегодняшний день Юрий Шевчук живет с женщиной, которую зовут Екатерина. Он не распространяется о личной жизни, тем более что новая любовь музыканта — человек непубличный, не общается с журналистами, но постоянно сопровождает мужа на гастролях и в поездках. Детей от Екатерины у Юрия нет. В беседе с тезкой — Юрием Дудем — Шевчук сказал, что счастлив в браке.

У ансамбля «ДДТ» есть зарегистрированный микроблог в «Инстаграме». Там участники коллектива делятся с подписчиками фото с выступлений, снимками из закулисья и домашними видеозарисовками.

Артист много сил и средств тратит на благотворительность, но при этом делает это чуть ли не скрытно, не рассказывая о подобных поступках прессе и не рекламируя себя за счет трагедии других людей. Он за свой счет возил пострадавших в Чечне людей на лечение, покупал протезы и инвалидные коляски, перечислял заработки с концертов в фонд помощи жертвам войн в Чечне, Осетии

Юрий Шевчук сейчас

В марте 2018 года Юрий Шевчук представил клип на песню «Когда ты была здесь». Композиция посвящена первой супруге певца — Эльмире Бикбовой.

Ранее в Интернете Шевчук столкнулся с лидером рок-группы «Ленинград» Сергеем Шнуровым. Юрий заявил, что коллектив Сергея нельзя назвать рок-ансамблем, это сплошная попса, которую невозможно слушать.

Шнуров не остался в долгу и на критику Шевчука сказал, что после прослушиваний композиции «ДДТ» хочется еще больше тишины.

В июне 2018 года в поселке Эммаус Тверской области состоится рок-фестиваль «Нашествие». Коллективу «ДДТ» уже не впервой выступать на фестивале, но в этот раз организаторы сделали Юрия Шевчука хедлайнером «Нашествия».

В конце 2017 года видеоблогер Юрий Дудь взял большое интервью у лидера «ДДТ». Блогер и музыкант обсудили ряд социальных и политических вопросов и затронули некоторые аспекты личной жизни композитора.

31 июля исполняется 81 год легенде эстрады, народной артистке СССР Эдите Пьехе. Наверное, нет человека, который не слышал бы ее песен. Ее называют женщиной без возраста, иконой стиля, первой дамой советской эстрады. О ней написано так много, что сложно добавить что-то новое. Однако в ее биографии были и такие факты, о которых вспоминают редко.

Наверное, всем известно то, что родители Эдиты Пьехи — поляки, но родилась она не в Польше, а во Франции, куда семья отправилась в поисках работы. Там Эдита провела первые 9 лет своей жизни. Отец хотел назвать ее Эдитой, а мать — Марией, и при рождении она получила двойное имя, но представлялась всегда Эдитой.

Ее первое выступление на публике состоялось в 7 лет: в честь окончания войны она прямо на площади спела «Марсельезу». В 4 года Эдита потеряла отца и пообещала, что назовет сына в его честь. Но у нее родилась дочь, а Станиславом назвали внука.

В 1946 г. Эдита вместе с матерью, братом и отчимом вернулась в Польшу. До 17 лет она не говорила по-русски — до тех пор, пока не решила участвовать в конкурсе на продолжение учебы в СССР. Там она поступила в Ленинградский государственный университет и была принята в ансамбль студентов Консерватории под руководством Александра Броневицкого. Первая популярность пришла к ней, когда в новогоднюю ночь 1956 г. она выступила в Ленингардской консерватории с песней «Красный автобус» на польском языке. В том же году она записала первые пластинки.

В 1957 г. ансамбль Броневицкого «Дружба» завоевал золотую медаль на Всемирном фестивале молодежи и студентов в Москве, а спустя 2 года коллектив расформировали за «пропаганду джаза» и искажение певицей русского языка (ей так и не удалось избавиться от акцента, который вскоре стал ее визитной карточкой). Позже Эдита Пьеха рассказывала: «Пока выступали как самодеятельные артисты — все шло гладко. Но стоило нам начать выступать от „Ленэстрады“, как посыпалась критика. Слово „джаз“ считалось тогда чуть ли не ругательным, и статьи о нас пестрели фразами такого рода: „Эту кабацкую певицу надо хорошенько выстирать по самое декольте“, „Это — подражание буржуазному джазу“, „Нам не нужны микрофонные шептуны“. Тут и чиновники от культуры опомнились, начали нас ругать и в 59-м вовсе дисквалифицировали».

В 1976 г. Эдита Пьеха организовала свой ансамбль. Ее пластинки расходились миллионными тиражами, на фирме «Мелодия» было записано более 10 дисков-гигантов. За рекордные тиражи грамзаписей Пьеха была удостоена в Каннах высшей награды — «Нефритового диска». Во многом она была новатором — первой певицей, которая сняла микрофон со стойки и пела, свободно перемещаясь по сцене, первой начала общаться со зрителями на концертах, первой исполнила твисты и шейки, первой из всех советских артистов выступила в Афганистане и Боливии, первой спела на сцене концертного зала «Олимпия» в Париже. Ее называли главной модницей и первой дамой советской эстрады, так как она всегда умела эффектно и элегантно выглядеть и сотрудничала с Вячеславом Зайцевым.

Эдита Пьеха не только выступала на сцене, но и снималась в кино — в ее фильмографии больше 10 работ. Их могло быть намного больше, если бы первый муж певицы, Александр Броневицкий, не был таким ревнивым. В большинстве случаев он не разрешал жене сниматься, особенно если партнеры по съемкам вызывали у него подозрения. Он не волновался только тогда, когда в комедии «Неисправимый лгун» она играла вместе с Георгием Вициным, известным своим пуританским нравом.

Однажды Пьеху пригласили сниматься в фильме «Анна и Командор» и выслали ей сценарий, а Броневицкий спрятал его от жены на антресолях. В результате роль досталась Алисе Фрейндлих, а певица узнала об упущенном шансе только несколько лет спустя, когда нашла сценарий.

Ей часто приписывали несуществующие романы с сильными мира сего. Мол, у Пьехи всегда были высокопоставленные покровители — потому и продержалась столько лет на эстраде. Сама она признавалась: «Покровитель — это тот, кто помогает. Мне всегда помогали простые люди. А высокие покровители… Я могла, может быть, нравиться Брежневу, он мне даже подарил розы в ГДР, в посольстве, и поцеловал в щечку. Но на этом все покровительство и закончилось. Послы многих стран, где я побывала, мне симпатизировали. Я — как мягкая кошка, которую можно погладить, чтобы снять стресс, но не более. Никогда не пользовалась моментом, оказавшись рядом с человеком, правящим этим миром, чтобы что-нибудь у него попросить…».

Эдита Пьеха и в зрелые годы прекрасно выглядит и не боится появляться перед камерами — принимает участие в ток-шоу и телепередачах, дает интервью, иногда выступает на сцене. Лучшим отдыхом певица считает долгие пешие прогулки. Она не любит светской тусовки и не посещает модные заведения. Уже 20 лет Пьеха живет за городом, так как своим источником энергии считает природу и тишину. Часть своего дома она отвела под «павильон воспоминаний», где хранит концертные платья, афиши и награды.

Договор с дьяволом — сюжет популярный не только в Средневековье, но и в наши дни. Во многом своей славе он обязан доктору Фаусту, персонажу немецких легенд, чьей историей вдохновился Иоганн Гете. Кто-то просит у дьявола бесконечных знаний, кто-то — власти или любви, а кто-то — таланта. В том числе музыкального…

27 октября 1782 года в итальянском городке Генуя родился Никколо Паганини, человек с «мефистофелевским обликом», скрипач-виртуоз, гитарист и композитор. Паганини был одним из многих, чей талант люди «оправдывали» сатанинской помощью. Мы вспоминаем трех великих музыкантов, которых людская молва сделала приспешниками зла.

«Дьявол водил моей рукой»

Никколо Паганини был третьим ребенком в семье. Его отец сначала работал грузчиком, а потом держал лавку, где продавал мандолины. Заметив у сына талант, он начал учить его музыке. Еще ребенком Паганини написал несколько произведений для скрипки, которые были трудны для других музыкантов. Мальчик играл на богослужениях в церквях, причем исполнял не только духовную, но и светскую музыку.

Есть подозрение, что Паганини не посещал школу, поэтому читать и писать научился сильно позднее, чем играть на скрипке. Игра мальчика поражала профессиональных музыкантов настолько, что те отказывались его обучать — уже нечему. Чтобы совершенствовать свое мастерство Паганини придумывал и выполнял сложные упражнения. Причем делал их до тех пор, пока не падал ниц в полном изнеможении.

Кроме скрипки Паганини виртуозно владел гитарой и написал для нее не только дуэты со скрипкой, но и сольные произведения.
Однако современники считали, что не скрупулезная ежедневная работа сделала из Паганини великого скрипача, а сделка с дьяволом.

О музыканте судачили, что он продал душу дьяволу, чтобы стать великим скрипачом и заработать миллионы. И даже сама внешность музыканта, которую окрестили «мефистофелевской», будто бы подтверждала слухи.

«Он был в темно-сером пальто до пят, из-за чего фигура его казалась очень высокой. Длинные черные волосы спутанными локонами падали на плечи и, словно темной рамой, окружали его бледное, мертвенное лицо, на котором гений и страдание оставили свой неизгладимый след», — описывал поэт Генрих Гейне свою встречу с Паганини.

По его словам, самый точный портрет скрипача создал глухой художник Лизер. «Дьявол водил моей рукой», — говорил Лизер. О самом художнике стоит сказать отдельно — несмотря на глухоту, он был страстным любителем музыки и даже служил музыкальном критиком в одной известной гамбургской газете. О том, насколько исполнение удачно, Лизер читал по движениям пальцев музыкантов.

Современники также отмечали необычную походку Паганини — «будто у него железные кандалы на ногах». Ходили слухи и об окружении скрипача. В одно из турне Паганини взял с собой сочинителя комедий и собирателя анекдотов Георга Гарриса, чтобы тот руководил финансовой стороной вопросов. Это был низенький, благодушный человечек, немного приторный и слащавый.

На Паганини он поглядывал со страхом, но скрипача не покидал. Художник Лизер, славившийся своей саркастичностью, немедленно окрестил Гарриса самим дьяволом, который сопровождает Паганини в разных телесных оболочках. На самом же деле, Гаррис был секретарем музыканта — на тот момент дела скрипача пошли в гору, и он уже не мог справиться в одиночку.

Лизер же чуть ли не преследовал Паганини. Он рисовал его в костюме и обнаженным, без кожи и просто скелетом, но со скрипкой в руках.

На выступлениях Паганини всегда был аншлаг. Публика приходила в зал задолго до выхода маэстро на сцену. Вот как описал Генрих Гейне концерт Паганини в гамбургском Театре комедии:

«На эстраде появилась темная фигура, которая, казалось, только что вышла из преисподней. Это предстал Паганини в своем черном парадном облачении: черный фрак, черный жилет ужасающего покроя, — быть может, предписанный адским этикетом при дворе Прозерпины. Черные панталоны самым жалким образом свисали вдоль его тощих ног.

В угловатых движениях его тела ощущалось что-то пугающе деревянное и в то же время что-то бессмысленно животное, так что эти поклоны должны были неизбежно возбуждать смех; но его лицо, казавшееся при ярком свете рампы еще более мертвенно-бледным, выражало в этот момент такую мольбу, такое немыслимое унижение, что смех умолкал, подавленный какой-то ужасной жалостью».

Кем был Паганини? Этот вопрос мучил современников. Одни считали его несчастным человеком, который из последних сил — а Паганини страдал множеством хронических болезней — пытался позабавить шикующую публику. Другие же уверяли, что музыкант никто иной, как «мертвец, вставший из гроба, вампир со скрипкой в руках».

Гораздо позже ученые объяснили происхождение «дьявольской внешности» Паганини. Музыкант страдал редким генетическим заболеванием — синдромом Марфана. Для этой болезни характерны длинные конечности, сколиоз, подвижность в суставах и проблемы со зрением.

Трели сатаны

Паганини был не первым скрипачом, которого обвиняли в сделке с дьяволом. В 1692 году в городе Пирано (ныне — Словения) родился Джузеппе Тартини, будущий скрипач и композитор.

У Тартини интересная судьба. Семья хотела, чтобы мальчик выбрал церковную карьеру, однако тот поступил на юридический факультет. А через год учебы похитил племянницу кардинала Корнаро и заключил с ней брак, из-за чего Тартини пришлось скрываться от римской полиции. Прятался он в одном из монастырей и под чужим именем.

Тартини внес большой вклад в искусство скрипичной игры. Он усовершенствовал конструкцию смычка и выработал основные приемы владения им. Музыкант написал огромное количество произведений — одних только сонат для скрипки было 175.

Наибольшей популярностью пользуется его соната Sonate du diable, то есть «Дьявольская соната». Тартини рассказывал, что сам дьявол исполнил для него ее во сне. Отсюда и слухи.

Блюз перекрестка

Отправимся теперь из Старой Европы на берега Миссисипи, то есть в США начала XX века — время расцвета блюза. Именно там — в небольшом городке Хейзелхерст — в 1911 году родился Роберт Джонсон, величайший блюзмен XX века и «основатель» небезызвестного Клуба 27, куда потом «вступили» Курт Кобейн, Джим Моррисон, Джими Хендрикс и другие музыканты, сгоревшие в 27 лет.

История Роберта Джонсона началась летом 1930 года в Робинсонвилле, когда с мимо проезжающего грузовика спрыгнул Сон Хаус. Ярчайший представить дельта-блюза, так и не достигший особой популярности, но оказавший огромное влияние на развитие блюза. Сон Хаус приехал к своему закадычному другу Вилли Брауну, с которым вскоре они начали выступать на блюзовых вечеринках.

Джонсон был настолько загипнотизирован игрой музыкантов, что всюду за ними таскался, мечтая выступать на одной сцене. Хаус с Брауном относились к нему снисходительно, но со смехом — парень совсем не умел играть. Через какое-то время начинающий блюзмен исчез, а когда вернулся уровень его мастерства многократно возрос.

На все вопросы Джонсон отвечал, что на магическом перекрестке заключил сделку с дьяволом — продал душу в обмен на умение играть блюз. Эта старая легенда. В то время блюз считался музыкой от сатаны. И, если кто-то всей душой хотел овладеть мастерством, то надо было… нет, никаких бесконечных репетиций!

Зачем, если есть мистический способ. Нужно было взять гитару и пойти на перекресток в глухой местности. Ночью и при полной луне. Тогда явится дьявол и предложит сделку — умение в совершенстве, особо не напрягаясь, играть блюз в обмен на бессмертную душу. Позже Джонсон посвятит этой байке пару песен — Me and the devil blues и Crossroad Blues, например.

На самом деле, все это время Джонсон был в своем родном городе Хазелхерсте, где познакомился с блюзменом Айком Циннерманом. Кстати, тот учился играть блюз по ночам на кладбищах — чем не мистика? Циннерман стал для Роберта кем-то вроде духовного отца — он открыл для него двери в мир, который Джонсон считал недоступным, — мир блюза.

Однажды вечером Сон Хаус и Вилли Браун выступали в небольшом клубе близ Робинсонвилля, когда неожиданно отворилась дверь и вошел Роберт Джонсон с гитарой за плечами. Он отсутствовал больше года и его помнили, как молодого парнишку, который нелепо бил по струнам и мычал что-то невразумительное.

Роберт пробился сквозь толпу к сцене и заиграл. Воцарилась тишина. Никто не мог поверить, что этот щуплый паренек, который в прошлом еле держал гитару в руках, мог так играть.

Слава Джонсона шагала впереди него по болотистому берегу Миссисипи. Почти в один миг его жизнь преобразилась: он стал желанным гостем на блюзевых вечеринках, любая красотка была готова прыгнуть к нему в постель, а фляга никогда не пустовала. До поры до времени — сложно быть должником самого дьявола.

Шел август 1938-го. Дорога завела Роберта Джонсона в местечко под названием «Три вилки» недалеко от Гринвуда. Он выступал здесь вечерами, и в один из дней на музыканта положила глаз чернокожая красавица, которая оказалась женой… владельца заведения. И, кажется, тот об этом узнал.

В разгар вечеринки Джонсона угостили пивом. Через какое-то время музыканту стало плохо, но он не остановился, продолжая наигрывать свой дьявольский блюз.

К часам двум ночи состояние Джонсона стало критичным — его отвезли в Гринвуд к врачу. Через несколько дней легендарный блюзмен скончался. Говорят, от отравления стрихнином. На момент смерти он написал 29 песен и провел три сессии звукозаписи.

Кстати, на том месте, где Джонсон якобы продал душу дьяволу, установили памятный знак. Это на пересечении 61 и 49 дороги, в Кларксдейл, штат Миссисипи, США.

В детстве ее считали зажатой и не артистичной, а позже, когда она стала звездой мирового балета, называли богиней и говорили, что ей нет равных. В общении она всегда держала невидимую дистанцию, но когда выходила на сцену, от нее невозможно было отвести взгляда. Галина Уланова, пожалуй, самая загадочная из всех великих балерин. Человек-тайна, нераскрытая книга и вместе с тем идеал, превзойти который пока не смог никто…

В детстве терпеть не могла балет

Мама Улановой танцевала в Мариинском императорском театре, а отец работал там же помощником режиссера. Девочка видела, как тяжело приходится маме, какой это адский труд, поэтому для себя решила, что сама ни за что не будет заниматься балетом. Однако поскольку у Гали были хорошие способности, в девять лет родители все-таки отдали ее в Петроградское хореографическое училище. Гале там не нравилось, даже несмотря на то, что преподавателем в тот момент была ее родная мама, и она постоянно просила, чтобы ее забрали домой. Уланова была очень стеснительной и зажатой, и если более талантливые и бойкие ученицы схватывали все на лету, то ей приходилось учить каждое новое движение часами. К тому же, времена были тяжелые, здание училища плохо отапливалось, девочкам приходилось ходить в шерстяных свитерах, а то и в шубах.

Галина постоянно твердила родителям, что хочет стать не балериной, а моряком. Но постепенно она втянулась в учебу и решила, что раз уж ей суждено заниматься балетом, то она постарается стать одной из лучших.

Ее считали неэмоциональной

Галина выросла в интеллигентной семье и с детства привыкла не показывать своих эмоций. Поэтому многие преподаватели (даже ее собственная мать) считали Галину холодной и «не живой». Предметы, связанные с актерским мастерством, ей не давались. Даже великая и опытная Агриппина Ваганова, у которой Галина училась в старших классах, поначалу сомневалась в ее способностях.

Впрочем, постепенно движения ученицы становились все эмоциональнее. На выпускном она танцевала Сильфиду в «Шопениане». Все, кто находился в зале, были просто поражены: с первого взгляда было ясно, что это уже не гадкий утенок, а будущая звезда мирового балета. 18-летнюю девушку тут же пригласили в Мариинский театр.

Поначалу она до смерти боялась сцены

В самом начале балетной карьеры юная Уланова очень стеснялась выходить на сцену и боялась даже посмотреть в зрительный зал. Однажды одна из подружек-балерин посоветовала ей не обращать внимания на зрителей, а смотреть поверх людей. Это сработало. Во время танца Галина полностью уходила в свой образ и в танец, и ее взгляд всегда был отрешенно-неземным. Ценители балета потом не раз замечали, что такого необыкновенного взгляда нет ни у одной балерины мира.
Главный секрет Улановой — смотреть поверх зрителей.

Галина Уланова была любимицей Сталина

В 1934 году выступление Улановой увидел Клим Ворошилов. Он был впечатлен, и труппу стали приглашать выступать в Москву. А еще через время посетить Мариинский театр решил сам Сталин. Шел балет «Эсмеральда», Уланова танцевала Диану и по сценарию должна была направить лук в зал, натянув воображаемую стрелу, причем, как раз в направлении боковой ложи. А там как раз сидел вождь… То ли ее решительность покорила Сталина, то ли само гениальное исполнение, но вскоре после спектакля он пригласил артистов в Кремль. На официальном мероприятии он потребовал, чтобы Уланову посадили рядом с ним. После этого случая балерине сообщили, что ее переводят работать в Москву. Она очень любила родной город и Мариинку, но перечить вождю не решилась. Уланова была любимицей Кремля и четыре раза становилась лауреатом Сталинской премии.

Галина Уланова, хотя и была за мужем несколько раз, очень не любила рассказывать о своих чувствах и личной жизни. Свои переживания она решалась поведать только личным дневникам. Однако, когда ей было уже за 80, она неожиданно сожгла все записи. Это показалось бы странным, если не знать ее характер. Все дело в том, что Уланова просто не хотела, чтобы подробности ее жизни и потаенные мысли после смерти были преданы огласке и породили сплетни. «Я очень рациональный человек. Но что поделать, такая у меня профессия», — признавалась она сама.

Уланова — это рациональность и сдержанность.

Не только в детстве, но и на протяжении всей жизни Уланова была очень сдержанной. Никто никогда не видел, чтобы она плакала или громко хохотала. Ее лицо всегда было невозмутимым, а взгляд — полным достоинства. А если она и улыбалась, то это была едва уловимая улыбка, за что ее сравнивали с Джокондой. «Самое комфортное для меня состояние — это одиночество», — говорила великая балерина. — Но если ко мне кто-то подойдет и заведет беседу, я с удовольствием пообщаюсь. Особенно, если разговор будет идти о театре.

Кстати, к балету она относилась без восторженного романтизма. Это было главное дело ее жизни, которое нужно было выполнять идеально — вот и все.
Уланова с ученицей.

Как вспоминают современники, Галина была не очень хорошим оратором — она не умела, да и не любила красиво говорить. Ученикам на занятиях было непросто понять, что требует педагог, если она пыталась объяснить это на словах. Гораздо доходчивее у Улановой поучалось выразить свою мысль с помощью движений. Зато, когда она начинала танцевать, собеседник понимал абсолютно все и смотрел на нее, как завороженный.

Строгость к себе и другим

Уланова всегда и во всем любила строгую дисциплину и в годы преподавательской деятельности была крайне требовательным педагогом. Говорила она при этом очень тихо и коротко, поэтому в зале сразу наступала гробовая тишина. Слушая ее, ученики были предельно внимательны и концентрированы, чтобы не упустить ни единого слова.

Так же требовательна была Уланова и к себе. Будучи балериной, она доводила каждое движение своей героини до совершенства, поэтому все ее танцы были идеальны, образы заранее продуманы до мелочей. Но и в преклонном возрасте, закончив карьеру как исполнитель, она продолжала следить за собой. Уланова каждое утро по часу, а то и дольше делала физические упражнения (в том числе, повторяла балетные па), потому что хотела всегда быть в идеальной форме. И, надо сказать, ей это удавалось — до самых последних дней ее вес оставался неизменным — около 50 кг.

Если Галина Уланова была самой таинственной и неприступной звездой мирового балета, то легендарную балерину Майю Плисецкую можно назвать иконой стиля.

Валентину Толкунову очень часто называли душой русской песни и хрустальным голосом советской эстрады. Интересно, что ее сценический образ — длинные волосы, аристократическая осанка, платье-макси и минимальный набор косметики и украшений, сохранялся на протяжении всей длительной карьеры.

Валентина Васильевна Толкунова родилась 12 июля 1946 года в городе Армавире Краснодарского края, но первые 4 года жила в станице Белореченской. Дело в том, что там служил отец Толкуновой, Василий Андреевич, кадровый военный. Мама Евгения Николаевна трудилась на железнодорожной станции. У Вали был младший на 3 года братишка Сергей, который тоже стал певцом, заслуженным артистом России.

В 1950-ом году семья Толкуновых переехала в Москву. Валентина росла не только в дружной и любящей семье, но и в окружении хорошей вокальной музыки. В доме постоянно играли пластинки Леонида Утесова, Клавдии Шульженко, Петра Лещенко. И Валя, еще совсем маленькая, выучила все их песни и подпевала любимым исполнителям.

После школы девушка поступила на дирижёрско-хоровое отделение Московского государственного института культуры, а затем окончила еще и легендарную Гнесинку. Первым коллективом Валентины Толкуновой был вокально-инструментальный оркестр «ВИО-66», которым руководил Юрий Саульский, ее будущий супруг. Там молодая певица исполняла песни под джазовую музыку, а позднее начала сольную карьеру.

Первое сольное выступление Валентины Толкуновой состоялось в 1972 году в рамках юбилейного концерта Льва Ошанина. Она исполнила композицию «Ах, Наташа», а так как концерт транслировался по телевидению, молодую певицу увидела и услышала миллионная аудитория.

Изюминкой Толкуновой было то, что она всегда пела о людях и для людей, в ее репертуаре фактически отсутствовали советские лозунги и социально-политические подтексты, что для того времени было большой редкостью. Для Валентины каждая песня — это чья-то судьба, чья-то жизненная история. Именно в такой манере она и исполняла свои шлягеры на сцене.

Имели огромную популярность такие песни, как «Поговори со мною, мама», «Я не могу иначе», «Если б не было войны», «Серебряные свадьбы», «Стою на полустаночке». Также голос Толкуновой можно услышать и на саундтреках известных кинофильмов и мультиков. Например, в мультфильме «Зима в Простоквашино» звучит композиция «Кабы не было зимы» в ее исполнении, в мелодраме «Романс о влюблённых» — «Колыбельная», в комедии «Невеста с севера» — «Пушинка белая» и так далее.

И, конечно, нельзя не сказать о детской песенке «Спят усталые игрушки», ставшей заставкой вечерней передачи «Спокойной ночи, малыши!», на которой воспитывалось не одно поколение детей. Так что голос Валентины Васильевны знаком любому русскоязычному человеку вне зависимости от возраста и места проживания.

В своем первом ансамбле Валентина Толкунова познакомилась с композитором и дирижером Юрием Саульским. Он и стал ее первым мужем, но этот брак продлился только 6 лет. Может быть, сказалась большая разница в возрасте, ведь певице на момент бракосочетания было всего 19 лет, а ее супругу 37. Через три года после развода Толкунова на светском вечере в мексиканском посольстве познакомилась с элегантным журналистом-международником Юрием Папоровым. Их роман развивался стремительно, и всего через пару месяцев они стали мужем и женой. Вскоре родился их общий сын Николай, единственный ребенок Народной артистки. Правда, большого женского счастья у Валентины не было и во втором браке. Дело в том, что Юрий Папоров очень часто разъезжал по заграничным командировкам, а в какой-то период отсутствовал дома на протяжении более чем 10-ти лет!

По словам бывшего директора певицы Николая Басина, у нее была еще одна романтическая страница в жизни, связанная с именем физика Владимира Баранова. Именно этого человека Валентина называла «мужем от Бога», но покинуть свои семьи ни он, ни она не решились. С Юрием Папоровым женщина прожила до последних дней своей жизни, а супруг пережил свою жену всего на полтора месяца.

Валентина Толкунова всегда была набожной, а в последние годы стала еще больше соблюдать христианские обычаи. Она даже приобрела небольшой домик в Дивеево недалеко от монастыря, чтобы иметь возможность больше времени уделять церковной службе и молитвам. Кроме того, она финансово помогала восстановлению храмов, давая благотворительные концерты.

Свой последний концерт она дала 16 февраля 2010 года в Могилёве, и именно после него женщина была госпитализирована. С тех пор Толкунова находилась в больнице, но помощь врачей оказалась уже бессильной. 22 марта легендарная певица впала в кому, и через несколько часов ушла из жизни.

За десять лет своего существования, с 1972 по 1982 год, шведский поп-квартет ABBA сумел добиться невероятного — они не только стали одним из самых знаменитых и успешных коллективов в истории мировой поп-музыки, но и полностью изменили мировое восприятие музыки, происходящей из Европы…

Если говорить языком сухих цифр, то это самая успешная группа из Скандинавии, продавшая около 400 миллионов копий своих пластинок; если же посмотреть на вещи чуть более эмоционально, то «Аббу» стоит признать одним из самых обожаемых ансамблей в мире.

Все четверо участников ABBA приобрели свой первый музыкальный опыт еще до появления самой группы. Бенни Андерссон играл в группе Hep State, которая была невероятно популярна в Швеции во второй половине 60-х.

Изначально группа исполняла только кавер-версии популярных зарубежных хитов, но постепенно начала включать в свои выступления и оригинальные композиции, большинство из которых как раз и принадлежали перу клавишника Андерссона.

Бьорн Ульвейс в это время в фолк-коллективе The Hootenanny Singers — их с Андерссоном пути частенько пересекались во время гастролей, и в конце концов двое решили объединиться для сочинения собственных песен.

Мэнеджер The Hootenanny Singers Стиг Андерсон видел в свежеиспеченном дуэте огромный потенциал и всячески поощрял работу парней над собственными песнями. В конце концов дуэт Андерссона и Ульвейса выпустил собственную пластинку «Lycka» (счастье в переводе со щведского), на котором они сами написали и исполнили все песни.

Одной из бэк-вокалисток на альбоме «Lycka» выступила Анни-Фрид Лингстад, юная певица, выигравшая в 1967 году одно из призовых мест на национальном смотре талантов.

Лейбл EMI заключил с ней контракт и как раз раскручивал ее, как сольную исполнительницу, когда в одном из гастрольных туров Анни-Фрид, или Фрида, как звали ее все друзья, познакомилась с Бенни Андерссоном. Вскоре они уже были помолвлены.

Четвертой, самой юной участницей будущих ABBA стала Агнета Фэльтског. Еще в 17 лет она выпустила сольный альбом, который сделал ее самой популярной молодой певицей в Швеции. В 1969 году во время записи телепередачи Агнета познакомилась с Бьорном Улвейсом — в 1971 году они поженились.

Первыми совместными шагами четверых в музыке стала запись песни «People Need Love», где авторами были Андерссон и Ульвейс, а их супруги исполняли функции бэк-вокалисток. Однако их вокал был выведен сильнее, чем раньше, и результат настолько впечатлил всех участников, что Стиг Андерсон решил выпустить песню синглом, под общим названием «Бьорн и Бенни, Агнета и Анни-Фрид».

Сингл добрался до 17 места национального шведского хит-парада и, что было куда важнее, даже сумел попасть в американский чарт синглов, пусть и на 117 место. Андерсон, с самого начала мечтавший покорить Штаты, счел это позитивным знаком и всячески вдохновлял своих подопечных продолжать писать песни в том же ключе.

Следующей попыткой квартета стала запись песни «Ring Ring», с которой они в 1972 году поучаствовали в популярном шведском конкурсе поп-исполнителей Melodiefestival.

Во время записи песни инженер звукозаписывающей студии Микаель Третоу решил немного поэкспериментировать с новыми формами звучания, и в результате «Ring Ring» получилась, возможно, первым примером того фирменного саунда «Аббы», что позже принес им всемирную известность.

Несмотря на уверенность Стига Андерсона в победе, песня заняла только третье место. Тем не менее, квартет таки выпустил свой первый альбом «Ring Ring», по-прежнему называясь неудобным длинным «Бьорн и Бенни, Агнета и Анни-Фрид».

Сокращение «Абба» появилось в 1973 году — первым его стал употреблять Стиг Андерсон, изначально исключительно в качестве шутки, поскольку также называлась и известная в Швеции компания по производству рыбных консервов.

Однако поскольку эта марка была практически неизвестна за пределами Швеции, Стиг позже пришел к выводу, что такое название может вполне сработать на международном рынке. Позже ABBA даже договорилась с производителями консервов, официально урегулировав вопрос о правах на название. Развернутая в обратную сторон вторая буква В в названии впервые появилась в 1976 году и с тех пор стала зарегистрированным товарным знаком группы.

Первой записью «Аббы» под новым названием стал сингл «Waterloo». В 1974 году музыканты решили принять участие в конкурсе «Евровидение» и выставили на него именно эту песню. ABBA была отлично подготовлена к конкурсу — поскольку само мероприятие проходило в Англии, при записи песни ABBA вдохновлялась глэм-роком, стилем, пользовавшимся невероятной популярностью на Британских островах в этот период.

Они также записали достаточно материала для выпуска целой пластинки под названием «Waterloo», которая как раз поступила в продажу к дате прохождения «Евровидения». На конкурсе ABBA оказались триумфаторами, одержав победу — сингл «Waterloo» моментально взлетел на 1е место британского хит-парада.

Песня также добралась до шестого номера в хит-парадах США. Следующий сингл группы, «So Long», хорошо пошел по европейским чартам, но не имел особого резонанса в Великобритании и США — зато следующая их работа, «Honey Honey», попала в топ-30 горячей сотни журнала Billboard.

Во второй половине 1974 года ABBA отправились в свое первое международное турне, в основном по странам Европы. Тур не был таким успешным, как музыканты надеялись — залы не раскупались полностью, а несколько выступлений пришлось даже отменить из-за низкого зрительского интереса.

Однако вторая половина тура, что прошла по странам Скандинавии в начале 1975 года, несколько уравняла сложившуюся ситуацию — группа выступала про полных аншлагах, а на ее выступление в Стокгольме, в парке Grona Lund, собралось 19 тысяч человек.

Вскоре ABBA выпустила свой новый сингл «SOS», успех которого в Европе и США окончательно укрепил репутацию группы и снял с них ярлык «группы одной песни с „Евровидения“». Более того, по окончанию года песня «SOS» получила специальную награду радиоиндустрии США, как самая часто звучавшая в эфире в течение года песня.

Второй сингл, «Mamma Mia», также пользовался огромной популярностью. Вторая пластинка группы, названная просто «ABBA», добралась до 13 места в английских хит-парадах — и только до 75 в американских. Уже в следующем году «Абба» вдруг выпустили пластинку под названием «Greatest Hits» — ее название было тем более удивительно, что у группы на тот момент было всего шесть хитов в запасе.

На этом сборнике были представлены все они, а также новая песня «Fernando», по странному стечению обстоятельств попавшая только на английскую версию сборника. «Greatest Hits» стал первым альбомом ABBA, возглавившим британский хит-парад.

На своей следующей пластинке «Arrival» группа вышла на новый исполнительский и сочинительский уровень — здесь были представлены такие ныне классические песни группы, как «Knowing Me, Knowing You», «Money, Money, Money» и самая успешная песня с этого альбома, единственный сингл ABBA, занявший первое место в чартах США — «Dancing Queen».

Альбом был тепло встречен даже теми критиками, что обычно писали о рок-музыке. «Arrival» также стал первым альбомом, номинированном на Brit Awards в свеже-учрежденной номинации «Лучший международный альбом», и стал первым настоящим прорывом ABBA в США.

Когда в 1977 году группа отправилась в очередное турне, они уже находились в статусе суперзвезд. Кульминацией Европейской части турне стали два аншлаговых концерта в Лондонском зале Royal Albert Hall. Билеты на эти концерты распространялись исключительно через предварительный заказ по почте; позже выяснилось, что организаторы получили более 3 миллионов заказов.

В марте 1977 года «Абба» также сыграла 11 концертов в Австралии. Уровень шумихи вокруг этих выступлений был просто беспрецедентным; события этого тура были зафиксированы в фильме «ABBA: The Movie», снятом режиссером Лассе Хэльстромом.

Параллельно с выпуском этого фильма на экраны группа также выпустила свою новую пластинку «The Album», еще более амбициозную, нежели «Arrival». Хотя критики не испытали по поводу этой пластинки такого же единодушного восторга, как по поводу предыдущей работы группы, несколько песен все-таки стали хитами — в первую очередь «The Name of the Game» и «Take a Chance on Me». Также именно на этом альбоме была и еще одна песня, позже ставшая своего рода визитной карточкой группы — «Thank You for the Music».

К 1978 году в мире не было группы популярней «Аббы». Они выкупили закрытый кинотеатр в Стокгольме и превратили его в персональную студию Polar Studio, оборудованную по последнему слову техники — позже в ней записывались такие группы, как Led Zeppelin и Genesis.

Новый альбом группы, «Voulez-Vous», появился в апреле 1979 года; на нем звучание группы дало отчетливый крен в сторону популярной на тот момент музыки диско. На альбоме было достаточно хитов — «Chiquita», «Does Your Mother Know», «Voulez-Vous», «I Have a Dream».

Все прибыли от сингла «Chiquita» группа переправила в благотворительную организацию они также выступили на благотворительном концерте в поддержку UNICEF. В этом же году группа выпустила очередной сборник синглов под названием «Greatest Hits, Vol.2» — в него вошла и одна новая песня «Gimme Gimme Gimme (A Man After Midnight)», что и по сей день остается самым известным в Европе диско-хитом ABBA.

В сентябре группа отправилась в свое первое (и единственное) турне по Северной Америке, в котором они сыграли в общей сложности семнадцать концертов — 13 в США и 4 в Канаде. Все они прошли при полных залах. В середине октября они вернулись в Европу, где дали еще 23 концерта. Кульминация этого тура была беспрецедентной — группа дала ШЕСТЬ распроданных концертов подряд на стадионе «Уэмбли» в Лондоне.

В марте 1980 года «Абба» навестила Японию. Турне прошло со сногсшибательным успехом — тысячи фанатов встречали музыкантов уже в аэропорту, а 11 запланированных концертов (шесть из которых состоялись в знаменитом токийском зале «Будокан») прошли при полных аншлагах. Эта поездка стала последним гастрольным приключением группы — после нее они более не отправлялись в долгие гастрольные туры по разным странам.

Новый альбом «Аббы», «Super Trouper», внес новые изменения в привычное звучание коллектива — музыканты все активнее использовали в своих песнях синтезаторы, а тексты становились все более личными.

Так, первый сингл с альбома, песня «The Winner Takes It All» была предположительно вдохновлена трудностями в семейных отношениях Ульвейса и Фэльтског. Благодаря успеху этого сингла публика ожидала новый альбом с особым нетерпением — в Великобритании было получено более миллиона предварительных заказов на пластинку.

В том же году группа выпустила компиляцию испаноязычных версий своих самых популярных треков под общим названием «Gracias por la Musica». Этот сборник вышел в испаноговорящих странах и, как это ни странно, в Японии и Австралии.

Вышедший в 1981 году альбом «The Visitors» стал последней полноформатной работой группы. Критики отметили в песнях этой пластинки зрелость и эмоциональную глубину, ранее невиданную у «Абба», однако с коммерческой точки зрения диск не пользовался таким же успехом, что прежние работы.

Весной 1982 года музыканты собрались для работы над новым альбомом и возможным небольшим туром, однако в результате сошлись на двойном сборнике синглов группы, названным «The Singles: The First Ten Years».

На сборник попали две новые песни, «Under Attack» и «The Day Before You Came». Тогда же было записано ещё четыре песни — «Cassandra», «You Owe Me One», «I Am the City» и «Just Like That». Первые две попали в качестве би-сайдов на последние синглы «Аббы»; «I Am the City» была выпущена в 1993 году на компиляции «More ABBA Gold». «Just Like That» же так до сих пор и не была официально выпущена, несмотря на многочисленные просьбы поклонников.

В ноябре 1982 года «Абба» объявила о том, что музыканты намерены сделать «перерыв», который длится до сих пор. Последнее известное выступление группы состоялось в 1986 году, когда музыканты исполнили акустическую версию песни «Tivedshambo», написанной их менеджером Стигом Андерсоном, на телешоу в честь его 55-го дня рождения.

Впрочем, в интервью в 2002 году Бьорн Улвейс признался, что музыканты также выступили один раз вместе в 1999 году на закрытом мероприятии, которое никто не снимал. В 90-х годах «Абба» испытала неожиданный взлет популярности, когда как раз вышел их сборник «ABBA Gold: Greatest Hits», пользовавшийся успехом у публики.

В США этот сборник до сих пор остается самым продаваемым диском группы — на данный момент он разошелся тиражом более 6 миллионов экземпляров. Многие группы стали делать-кавер версии на песни «Абба» — синти-поп-дуэт Erasure выпустил мини-альбом, полностью состоявший из песен ABBA, а в конце 90-х появилась группа A*Teens, состоящая из двух мальчиков и дух девочек и исполнявшая исключительно песни ABBA.

Более того, изначально коллектив назывался ABBA Teens, но по настоянию участников оригинальной группы название пришлось сменить.

В конце 90-х также появился мюзикл «Mamma Mia!», состоящий из песен ABBA — он был вполне успешно переведен на несколько языков, в том числе и на русский. В 2000 году в прессе появилась информация, что музыканты отклонили предложение провести последний тур воссоединенного коллектива почти за один миллиард долларов.

Бьорн Улвейс позже пояснил, что воссоединение вряд ли сумеет удовлетворить всех поклонников группы, поэтому лучше и не пытаться. На данный момент ABBA до сих пор не давала официального объявления о распаде коллектива.

Как-то в Нью-Йорке после одного из своих триумфальных концертов Лучано Паваротти, Хосе Каррерас и Пласидо Доминго давали пресс-конференцию. Журналисты задали корифеям вопрос: кто вдохновил их начать музыкальную карьеру. Самое удивительное, что все три лучших тенора мира дали одинаковый ответ — Марио Ланца.

Фильмами с его участием в 50-х годах прошлого века восхищался весь мир. В них звучит самая разная музыка: поп-шлягеры, итальянские канцоны и, конечно же, оперные арии. Однако по жанру ленты с Марио Ланца в главной роли — самые настоящие мюзиклы.

Вспомним об одном из величайших певцов XX века!

Человек, известный всему миру как Марио Ланца, появился на свет 31 января 1921 года в Филадельфии в семье итальянских эмигрантов. Мальчика назвали Альфредо Арнольдо Кокоцца. Его отец Антонио Кокоцца был тяжело ранен во время первой мировой войны и получал небольшую пенсию по инвалидности. И его супруге Марии Кокоцца-Ланца (чью девичью фамилию впоследствии и взял знаменитый тенор) приходилось трудиться сразу на трёх работах. Нужно было кормить семью и дать сыну приличное образование. Впрочем, учиться Альфредо не любил. С детства его интересовали только пение и бейсбол!
В доме Кокоцца была большая коллекция записей Карузо, и мальчик каждый день слушал их и учился вокалу, подпевая им. В конце концов, Мария Кокоцца-Ланца накопила немного денег для того, чтобы отвести мальчика к профессиональному учителю пения Антонио Скардуццо. Тот пытался заставить Марио учить сольфеджио, но так и не преуспел в этом. За короткий срок юный талант сменил еще нескольких учителей, пока не попал к знаменитому Сергею Кусевицкому, бывшему преподавателю Петербургской консерватории.
Именно в его певческой школе в Танглвуде и раскрылся выдающийся талант, о котором вскоре узнал весь мир. Впрочем, сначала будущему великому тенору пришлось отслужить год на базе ВВС США в городе Марфа. Его армейский приятель Берт Хикс познакомил Марио со своей сестрой Бетти. Молодые люди полюбили друг друга и вскоре поженились.

Кстати, забегая вперед, скажем, что всемирная слава М. Ланца отнюдь не сказалась на их отношениях. Они были влюблены друг в друга, как в первый день. После армии Марио продолжил постигать тайны бельканто у частных учителей, а затем в составе небольшой труппы начал гастролировать по стране. К нему пришла известность. Молодому тенору предрекали звёздную карьеру в опере. Однако судьба распорядилась по-другому. 28 августа 1947 года Марио и его коллеги выступали в Голливуде в зале «Холливуд Боул» («Hollywood Bowl»), и этот круто изменил его творческую биографию!

На концерте в «Голливудской чаше» пение Марио Ланца услышал Луис Майер, владелец всемирно известной киностудии «Метро-Голдвин-Майер», человек жёсткий и властный, но прекрасно понимающий, чего хочет зритель. Л. Майер почувствовал, что у великолепного тенора, к тому же обладающего импозантной внешностью, есть все данные для того, чтобы стать звездой Голливуда. Так Марио Ланца начал сниматься в музыкальных фильмах студии MGM.
Уже первая лента с его участием «Полуночный поцелуй» («That Midnight Kiss») принесла студии большой доход.

О содержании фильмов, в которых участвовал Марио Ланца, собственно, и сказать нечего. Сценарии строились по одному шаблону. Певец встречает некую девушку, и они влюбляются друг в друга. Вот и всё. Впрочем, публику привлекали не хитросплетения сюжета, а блистательное пение красавца-тенора. В 1951 году вышел фильм «Любимец Нового Орлеана» («The Toast of New Orleans»), для которого М. Ланца записал песню, ставшую легендарной, — «Будь моей любовью» («Be My Love»).

Среди чисто развлекательных картин, в которых принимал участие Марио Ланца, особняком стоит разве только лента «Великий Карузо» («The Great Caruso»). Марио вложил в неё всю душу. Он прочитал множество книг о своём кумире, изучал его манеру исполнения, привычки и даже походку. Эта лента, которая вышла на экраны в 1952 году, наверное, лучшая работа М. Ланца в кино. Кстати, звуковая дорожка фильма побила рекорд продаж — более миллиона копий, и стала первой оперной записью, получившей «Золотой диск».

Развлекательные фильмы, похожие друг на друга сценарии, образ голливудской звезды — всё это, в конце концов, начало тяготить Марио Ланца. Он, наконец, почувствовал, что его призвание — опера, театральные подмостки. В конце 40-х годов он сыграл роль Пинкертона в опере Дж. Пуччини «Мадам Баттерфляй» («Madam Butterfly») в театре Опера Нового Орлеана. Публика и критика называли его дебют «триумфальным». Однако, увы, для выступлений на сцене у него почти не было времени. Ведь М. Ланца связывал контракт с киностудией.

Во время съёмок очередной картины «Принц-студент» («The Student Prince») он поссорился с режиссёром, а заодно и с Луисом Майером. М. Ланца отказался от съёмок, киностудия подала на певца в суд, заставив его уплатить в качестве возмещения ущерба 5 миллионов долларов. Л. Майеру даже удалось добиться того, чтобы М. Ланца не мог выступать на концертных площадках, вести передачи по радио, записывать песни до тех пор, пока не истечёт его контракт с МGМ.
В конец концов, роль М. Ланца сыграл другой актёр, однако песни в фильме «Принц-студент» звучали в исполнении Марио Ланца, в том числе и знаменитая «Гранада».

Он продолжал сниматься, заключив контракт со студией «Уорнер Бразерс», гастролировал, давал концерты. В ноябре 1957 года М. Ланца выступил в Лондоне перед королевой Великобритании и британской знатью. Обычно сдержанные и чопорные лорды и пэры аплодировали и кричали «Браво!».

Ну, а затем, в 1958 году, Марио Ланца сыграл главную роль в ленте «В первый раз» («For The First Time»), у нас она больше известна, как «Серенада большой любви».

То был его самый знаменитый и, увы, последний фильм. Он работал как каторжный, пел и проживал каждый день, словно он был последним. Его сердце не выдержало, когда Марио Ланца было только 38.

Музыкальные критики говорят, что он мог бы стать звездой оперы всех времён, голосом столетия! Впрочем, достаточно и того, что он сделал.

Почти 200 лет назад в маленьком бельгийском городке Динане у талантливого музыкального мастера-самоучки Шарля Сакса и его жены Марии родился первый сын Адольф, которому довелось стать «гением этого места». Посмотрите как красив этот маленький бельгийский город, расположенный по обоим берегам живописной реки Маас.

Природа всегда сопротивляется появлению гениев, — с обычными людьми ей проще! Не составила исключения и семья Саксов. Над ней витал злой рок! Из одиннадцати детей семеро погибло в молодом возрасте и только старший Адольф чудом уцелел, пережив падение с 3-го этажа, отравление серной кислотой, выпитой случайно, сильные ожоги от порохового взрыва. Он тонул в реке, давился проглоченной булавкой, был отравлен ядовитыми испарениями, но вопреки всему — выжил и создал музыкальный инструмент, который, по мнению Жоржа Бизе, один только «…может передать нежность и страсть, оттененные сдержанной силой». Этот инструмент заставил оркестр зазвучать по-новому. Сегодня саксофон является едва ли не самым популярным духовым инструментом. Более того, он стал «королем джаза», его тембр стал визитной карточкой джазовой музыки.

Попытки отыскать дома, где жил Адольф Сакс или где были расположены его мастерские, не увенчались успехом. Повидимому, эти дома были разрушены во время Первой мировой войны. Найден на Интернете дом Саксов в Динанте. Там же поставлен ему памятник.

Итак, вернемся к тем временам, когда в Динанте жила семья Саксов. Глава семьи Шарль Сакс был примечательной личностью. Он начал свою деятельность в этом городке с изготовления изящной мебели, преуспел в своем деле, и, будучи талантливым, творческим человеком, стал искать новые пути для самовыражения. Шарль пришел к тому, что начал изготавливать и инкрустировать музыкальные инструменты. Его инструменты пользовались таким спросом, что бельгийский король Уильям Оранский, страстный эстет и меломан, приблизил Шарля ко двору и сделал его главным поставщиком музыкальных инструментов для королевского военного оркестра. Дело расширялось и отец стал приобщать к нему своих сыновей. Четверо сыновей Шарля Сакса продолжили дело своего отца, но особо преуспел в этом старший из сыновей Адольф.

Именно Адольф проявил незаурядные способности и принял в деле совершенствования и создания музыкальных инструментов самое большое участие. Он не только учился у Шарля, но и очень рано начал работать в его мастерских.

Будучи самоучкой, Шарль Сакс больше других понимал, как важно в любом деле иметь профессиональные знания, но в маленьком городке Динанте негде было обучать детей и семья переезжает в Брюссель. Это был поступок со стороны отца — он оставлял хорошо налаженный быт, процветающий бизнес, безбедное существование взамен на полную неопределенность на новом месте. Но, наверно, на то и существуют родители, чтобы жертвовать своим благополучием во благо детей. Шарль Сакс не составил исключения.

Вскоре Адольф поступает в Брюссельскую Консерваторию, которую оканчивает по двум специальностям: дирижирование и кларнет. В это же время в мастерской своего отца он продолжает создавать и совершенствовать музыкальные инструменты, в частности разрабатывает новые способы звукоизвлечения инструмента, на котором профессионально играет. Солисты брюссельского королевского оркестра, куда Сакс пытается поступить на работу в качестве кларнетиста, устраивают ему обструкцию, — «что хорошего можно ожидать от жалкого подмастерья Сакса?». И тогда Сакс вызывает обидчиков на музыкальную дуэль: «Вы играйте на старом кларнете, а я на новом, и пусть нас рассудят слушатели.

Собралась огромная толпа, более 4-х тысяч человек. Триумф Адольфа Сакса оказался настолько убедительным, что он немедленно получил должность солиста оркестра и возможность играть на усовершенсвованном кларнете.
Работая в оркестре Сакс сочинял музыку для своего кларнета, но исполнять эти произведения мог только сам. Исполнение сочиненной Саксом музыки на старых инструментах было связано с определенными трудностями и для других оркестрантов она оказалась слишком сложной. Это вызывало ярость у коллег, которые всю свою жизнь играли по-старинке и не стремились к совершенствованию. Вообще, в неспокойном музыкальном мире всегда царила скрытая недоброжелательность и готовность подставить подножку любому, кто более талантлив и успешен. Бельгийские оркестранты возненавидели Сакса, не хотели работать с ним в одном коллективе, пытались всячески его скомпрометировать и унизить. К сожалению, зависть и нездоровая конкуренция распространена в мире искусств намного больше, чем в других сферах человеческой деятельности. Потому жизнь Сакса превратилась в постоянную дуэль с окружающим миром.

Адольф Сакс стоически сопротивлялся всем трудностям, он был одержим идеей создания универсального оркестрового инструмента. «Нельзя добиться чего-либо в искусстве, если ты не одержим дьяволом», — писал Вольтер. Именно в это время Сакс разрабатывает новый двойной бас-кларнет, паровой орган, приспособление для фортепиано, позволяющее легко перестраивать тональности (секрет этого изобретения он унес с собой навсегда). В общей сложности, Адольф Сакс представил на очередную выставку музыкальных инструментов в Брюсселе девять своих изобретений. Его представили к престижной награде — золотой медали, но жюри посчитало, что Сакс слишком молод для получения столь высокой награды и присудило ему серебрянную медаль. Этой обиды молодой музыкант стерпеть не смог. «Если они считают меня слишком молодым для золотой медали, то я считаю себя слишком старым для позолоченной», — заявил он и покинул Бельгию навсегда. Впереди была нелегкая жизнь эмигранта в Париже, полная грандиозных успехов и провалов, которые сопровождали его до конца жизни.

В Париже на улице Нов-Сэн Жорж 10 Адольф Сакс открыл свою мастерскую. Он был молод и талантлив. Он понимал, что на современном уровне развития музыкальной культуры необходим музыкальный инструмент, который был бы посредником между разными группами духовых и струнных инструментов симфонического оркестра, который мог бы уравнивать соотношение тембров различных оркестровых групп и имел бы свой собственный голос. И он нашел такой инструмент! Название этого инструмента саксофон переводится как «звук, найденный Саксом»

Знаменательным событием в жизни Адольфа Сакса была встреча с Гектором Берлиозом. Это произошло в 1842-м году в Париже. Берлиоз пришел в восторг от нового инструмента. Между музыкантами завязалась дружба. Берлиоз так писал о Саксе: «Это человек проникновенного, цепкого, светлого ума, настойчивый и твердый в любом испытании. Он одновременно математик, акустик, чеканщик, литейщик и токарь. Он умеет и думать и делать — выдумывает и сам выполняет.»

Берлиоз этим привлек внимание европейских музыкантов к работам бельгийского мастера. Он устраивает Саксу прослушивание в Парижской Консерватории, пригласив туда выдающихся музыкантов: Галеви, Обера, Доницетти, Мейербера, Россини. Разумеется, и эта встреча была для Сакса триумфальной. Доницетти предложил Саксу работу саксофониста в возглавляемом им оркестре. Одновременно он получил класс саксофона в Парижской Консерватории, ректором которой в то время был Обер. Казалось бы все складывалось удачно, но судьба не давала Адольфу Саксу расслабиться и почивать на лаврах.

Через 12 лет после приезда в Париж в возрасте 34-х лет Сакс тяжело заболел. Врачи диагностировали у него рак губы и ему предстояла операция. Для музыканта, играющего на духовых инструментах, это означало конец музыкальной карьеры. Не трудно представить себе, каким потрясением явилось это известие для Сакса. И опять высшие силы вмешались в судьбу этого человека.
В медицине известен эффект «плацебо», когда вера больного в то, что данный врач может его вылечить при помощи каких-то процедур и лекарств, приводит к исцелению.

Вспомним слова замечательного доктора Ефрема Исааковича Лихтенштейна, — «…если при посещении врача больному не становится лучше, то это плохой врач .» В Интернете есть несколько ссылок на случаи исцеления больных, разной степени тяжести, с помощью плацебо. Среди врачей, которые заставили своих пациентов выздороветь, упоминаются Генри Бичер, Эдмунд Форстер и др. Как утверждал врач Форстер, излечивший от слепоты Адольфа Гитлера, не каждый пациент поддается исцелению методом психологического воздействия. Но, если больной «исключительный человек, избранник Бога (или Сатаны), то в таком случае возможно чудо.
Именно таким человеком был Адольф Сакс, — гиперэмоциональный, беспокойный, впечатлительный. легко внушаемый, — таким его описывают современники. С помощью чернокожего гомеопата и психолога Адольф Сакс победил смертельную болезнь и продолжил свою творческую жизнь почти на 40 лет. Были ли эти годы для него счастливыми? Трудно сказать, так же трудно, как определить, что есть счастье.

(Случай об использовании метода плацебо при исцелении известной артистки, «всесоюзной Золушки», Янины Жеймо. В конце 1942-го года артистка приехала в Ташкент к мужу режиссеру Иосифу Хейфецу и узнала, что он живет с другой женщиной. Разрыв с мужем стал для нее огромной трагедией и она слегла с тяжелой депрессией. Она стала забывать буквы, не узнавать знакомых, не понимать, где находится и слепнуть. Спас ее врач, выдавший пузырек с микстурой и убедивший в том, что если постепенно выпить все капли, то болезнь отступит. Когда капли были выпиты, Янина почувствовала себя здоровой. Позже врач признался, что лечил артистку обычной водой из крана.)

Все эти годы Адольф Сакс продолжал бороться с конкурентами, не желавшими принять его инструмент. Враги не унимались, продолжались бесконечные судебные тяжбы, на которых оспаривалось авторство Сакса. Его обвиняли в фальсификации и шарлатанстве, поскольку, как было указано в одном из судебных приговоров, «музыкального инструмента под названием саксофон нет, никогда не было и не могло существовать»! А когда Сакс выиграл судебный процесс, доказав свое патентное право на изобретение саксофона, завистники подожгли его мастерскую.

Адольф Сакс был «…яростно гонимым триумфатором, победителем под градом нападок…» У него были искренние, горячие приверженцы, но и количество заклятых врагов оставалось удивительно большим.
На эту многолетнюю, несправедливую борьбу уходили все силы и средства семьи.

Сакс имел пятерых детей, рожденных в гражданском браке с Луизой Майор. Луиза умерла очень рано и воспитание детей целиком легло на плечи отца. Но, несмотря на все трудности, Сакс сражался до последнего. Он умер в возрасте 80-лет в Париже в полной нищете и забвении и похоронен на кладбище Монмартра рядом с шестью членами своей семьи.

И все-таки, Адольф Сакс, этот гонимый новатор и гениальный музыкант, забытый при жизни, — счастливый человек! Потому что его имя живет в его инструменте. Музыку для саксофона писали Жорж Бизе в «Арлезианке» и Морис Равель в «Болеро», Сергей Прокофьев в «Поручике Киже» и Джорж Гершвин в «Американке в Париже», а Сергей Глазунов даже сочинил сольный концерт для этого инструмента. Но полное признание саксофон получил в «век джаза» (Орнетт Колмэн, Стэн Гетц, Сонни Ролинз, Джерри Малиген…) Можно только пожалеть о том, что Саксу так и не суждено было узнать, какое чудо он создал. А мы его помним!

P. S. Если Вы захотите увидеть саксофоны, изготовленные Адольфом Саксом, зайдите в отдел музыкальных инструментов нью- йоркского музея Метрополитен.
Они там есть.

Евгений Мартынов — знаменитый советский эстрадный певец и композитор. Бархатный тембр голоса музыканта до сих пор помнит среднее поколение советских людей. Песни «А мамины глаза» и «Яблони в цвету» Евгения Мартынова напевали все, кто хоть раз слышал эти песни. Мелодичные, добрые и чистые, эти композиции дарили светлую радость и желание жить в гармонии с собой и миром.

Евгений Григорьевич Мартынов родился в послевоенном 1948 году. И то, что будущий музыкант родился в мае, когда стояли «яблони в цвету» и вовсю пели соловьи, очень соответствует образу и творчеству этого замечательного человека.

Семью будущего певца и композитора Евгения Мартынова сильно обожгло войной. Отец пришел с фронта инвалидом, мама тоже хлебнула горестей войны — работала фронтовой медсестрой. Но главное — оба выжили. После войны родили двоих детей: сначала Евгения, а через 9 лет Юрия.

Поначалу семья жила в городке Камышин Волгоградской области, но после рождения первенца перебрались на Донбасс, в город Артемовск. Это родина главы семьи Григория Мартынова.

Евгений рано потянулся к музыке. В доме родителей музыканта всегда звучали песни. На баяне и аккордеоне играл папа. Кроме того, Григорий Мартынов работал учителем пения и вел кружок самодеятельности. Мальчик ходил с отцом на праздники и утренники — настолько любил музыку. Но ребенка занимали и другие творческие увлечения: Евгений любил заучивать и цитировать монологи, услышанные в фильмах, талантливо рисовал, увлекся фокусами, которые с удовольствием показывал на школьных мероприятиях.

В итоге музыка постепенно вытеснила другие увлечения, мальчик тоже получил музыкальное образование: в Артемовске Евгений окончил училище имени Петра Чайковского и научился играть на кларнете. Родители не заставляли Евгения заниматься музыкой. Мальчик сам с удовольствием шел на занятия в музыкальную школу. Учителя в музыкальной школе отзывались об ученике с теплотой, один преподаватель даже заявил: «Мне бы побольше таких учеников, а не тех, что занимаются музыкой из-под палки…»
В 1967 году Евгений Мартынов отправился в Киев и поступил в консерваторию имени Чайковского. Но скоро будущий композитор перебрался поближе к дому: в Донецкий педагогический институт на дирижерско-духовое отделение. Вышел Мартынов со стен вуза, получив диплом о высшем образовании, досрочно.

Страсть к сочинению музыки проснулась в юноше еще в университете. Во время учебы Евгений Мартынов уже написал собственные романс для кларнета и фортепиано, скерцо для кларнета и фортепиано и прелюдию для фортепиано.
После окончания учебы юноша сразу начал работать по профессии — руководил эстрадным оркестром Донецкого Всесоюзного научно-исследовательского института взрывоопасного оборудования.

Творческая биография Евгения Мартынова берет начало в 1972 году. Окончив институт, Мартынов отправляется в Москву. На тот момент композитор уже не первый год пишет музыку на стихи. Одну из своих мелодий композитор положил на стихи Сергея Есенина. Песню «Березка» спела Майя Кристалинская, с которой Евгения познакомили друзья. Композиция прозвучала в Московском театре эстрады и понравилась слушателям. В том же 1972 году появилась вторая песня на музыку Евгения Мартынова «Моя любовь». Эту песню исполнила грузинская исполнительница Гюлли Чохели.
В 1973 году Мартынов окончательно перебирается в столицу и устраивается солистом-вокалистом в «Росконцерте». Кроме того, Евгения Григорьевича берут музыкальным редактором сначала в издательство «Молодая гвардия», а затем и в «Правду».

В 1978 году Евгений Мартынов снялся в художественном музыкальном фильме «Сказка как сказка», в котором сыграл роль жениха-романтика. Но на этом актерская карьера музыканта и закончилась.
В 1984 году Евгений Мартынов был принят в Союз композиторов СССР.
С этого момента песни Мартынова пользуются огромной популярностью во всем Советском Союзе. Что характерно, Евгений Мартынов и пишет композиции для других исполнителей, и сам поет собственные песни. Количество наград и премий сыплется на талантливого певца и композитора, словно из рога изобилия. Евгений Мартынов становится всенародным любимцем. «Молодые голоса», «Братиславская лира», «Золотой Орфей» — на всех этих фестивалях Евгений Мартынов получал первые награды. Музыкант много гастролировал, в том числе за границей.

С талантливым композитором сотрудничали лучшие поэты-песенники СССР, такие как Илья Резник, Алла Дементьева, Роберт Рождественский и другие. Баритональный тембр певца лился со всех экранов и радио-эфиров. Мартынова было приятно и слышать, и видеть: Евгений Григорьевич обладал невероятным обаянием и простотой. Советским людям музыкант казался близким, почти родным человеком.

Диапазон голоса Евгения Мартынова был очень широким. Баритональный тенор музыканта, мягкий и в то же время звонкий, «тянул» и на оперное исполнение. Музыканту даже предлагали сменить профиль и выступать в операх. Но Мартынов выбрал для себя эстраду, более близкую большинству советских людей.

Современники искренне любили певца, ведь замечательные песни Мартынова дарили положительные эмоции даже в тяжелые времена. В то же время Евгений Мартынов умел зацепить «за живое». Композиция музыканта «Лебединая верность» у многих вызывала искренние слезы. Как и проникновенная песня «Мамины глаза».
Наиболее популярные песни, кроме названных, «Соловьи поют, заливаются… «, «Отчий дом», «Аленушка», «Чайки над водой», «Белая сирень» с удовольствием пели многие поколения советских людей. Да и сейчас эти композиции известны. Они перепеваются многими современниками. Но такой искренности, нежности и силы, с какой пел их всеми любимый Евгений Мартынов, достичь никому не удалось.

Песни Мартынова имелись в репертуаре ряда советских звезд эстрады. Для каждого из них эти композиции были лучшими, ведь эти песни сразу же становились хитами. София Ротару, Иосиф Кобзон, Анна Герман, а также Вадим Мулерман, Александр Серов, Эдуард Хиль — вот лишь несколько имен знаменитых исполнителей, которые с удовольствием сотрудничали с композитором.

Личная жизнь

Евгений Мартынов женился, когда ему уже исполнилось 30 лет. Личная жизнь Евгения Мартынова сложилась счастливо. Киевлянка Эвелина, ставшая супругой певца, подарила мужу сына Сергея. Пара назвала мальчика в честь двух Сергеев — Есенина и Рахманинова, чье творчество в семье музыканта обожали.
Через несколько лет после смерти Мартынова Эвелина вышла замуж во второй раз. Вместе с сыном и новым мужем женщина иммигрировала в Испанию.

Жизнь знаменитого эстрадного исполнителя и композитора оборвалась на 43 году.
Поклонники не сразу поверили, услышав о внезапной смерти молодого и исполненного сил и творческих замыслов Евгения Мартынова. Это случилось в начале сентября 1990 года. Кажется, с ним ушла целая эпоха, запоминающаяся, звонкая, светлая и чистая.

Причиной смерти оказалась острая сердечная недостаточность. Кончина Евгения Мартынова обросла множеством слухов. Установить теперь, какие из них имели место быть, невозможно. Очевидцы произошедшего говорили о том, что Мартынову стало плохо, когда музыкант поднимался в лифте. Медицинская помощь подоспела слишком поздно. Часть поклонников верит, что певца можно было бы спасти, если бы Мартынову вовремя оказали квалифицированную медицинскую помощь, но врачи не подтверждают эту теорию.

Евгений Григорьевич Мартынов нашел последний приют на Кунцевском кладбище столицы. Последняя песня в исполнении музыканта прозвучала 27 августа 1990 года на «Песне года-1990». Это оказалась «Марьина роща», последний хит и прощальный подарок поклонникам от композитора и певца.
Но и сейчас, в новом столетии, музыкант не забыт. В 2000 году прошел Первый донецкий открытый фестиваль-конкурс лирической песни имени Е. Г. Мартынова «Отчий дом». На фестивале впервые прозвучала песня «Я лечу к тебе».

В 2015 году в Камышине открыта Каштановая аллея имени Евгения Мартынова, на которой также установлен памятник певцу.
Разбирая бумаги Евгения Мартынова, его брат Юрий нашёл записи, которые можно считать творческим завещанием музыканта. Там есть такие строки: «Мне близка гражданская лирика — продолжение традиций советской песни. Важно сохранить всё лучшее, что было написано композиторами в этом жанре. Надо продолжать традиции, иначе мы погубим нашу национальную песенную русскую культуру. Сейчас моду стали диктовать девочки лет 14 — 17. Для них главное — танцевальный ритм. Отсюда и стишки соответствующего содержания. Люди разучились петь. А что важнее — развлекательность в музыке или её воспитательное значение? У песни есть авторы. Ныне культура безымянная, необузданная, нет никакой ответственности за сочинение. Не уважают членов Союза композиторов. А профессионалов надо уважать, мы так стремились ими стать! Член творческого союза — почти что олицетворение застоя, а вот парень с гитарой — это прораб перестройки!.. Песня должна объединять людей всех возрастов!»

Валерий Леонтьев с легкостью обманывает время. Сложно поверить, что всего через год он разменяет восьмой десяток. Знаменитый эстрадный певец и автор песен родился 19 марта 1949 года, и, хотя шансов стать оленеводом у него было гораздо больше, он вопреки всему стал звездой шоу-бизнеса.

Сам певец иронично высказался о своем возрасте: «В этом году мне исполняется очень интересное число лет — число-перевертыш. Оно меня немало забавляет, потому что ассоциируется с позой из Камасутры».

Валерий Леонтьев появился на свет в семье оленевода в селе Усть-Уса в Республике Коми. В детстве Валерий был натурой творческой — пел в школьном хоре, занимался в драматическом кружке, увлекался рисованием и танцами.

До того как хобби стало профессией, Леонтьев сменил множество занятий: от тесемщика-смазочника на льнопрядильной фабрике до подсобного рабочего на кирпичном заводе.

начале 70-х Валерий Леонтьев работал лаборантом в Научно-исследовательском институте оснований и подземных сооружений, а 9 апреля 1972 года во Дворце культуры шахтеров и строителей Воркуты состоялся его первый сольный концерт. В этом же году он выиграл в Сыктывкаре региональный конкурс «Песня-72», после чего были еще конкурсы и солирование в филармониях.

В 1979 году Валерий Леонтьев, окончив учебу в Ленинградском институте культуры, начал трудный путь на большую сцену, который был весьма успешным: победы в конкурсах, эфиры на телевидении, работа с известными композиторами (Раймонд Паулс, Александра Пахмутова, Игорь Крутой), после чего певец получил всенародное признание.

В 1981 году на концерты Леонтьева в Москве наложили запрет — администрацию концертных площадок не устраивал его экстравагантный внешний вид. Год спустя Леонтьеву удалили опухоль в горле, так что стоял даже вопрос, сможет ли он дальше петь.

В 1983 году в телевизионной передаче «Песня года» впервые прозвучала песня в исполнении Валерия Леонтьева «Полет на дельтаплане», ставшая впоследствии советским диско-хитом.

Сам Валерий Леонтьев поначалу без энтузиазма отнесся к этому пополнению репертуара. На его взгляд, музыка была не для голоса. Но, как показало время, в его исполнении песня получила невероятную популярность и стала визитной карточкой певца на десятилетия.

Певец также снимался в кино, и не только в ролях камео. В середине 80-х режиссер Николай Мащенко задумал снять художественный фильм про Иисуса Христа. Многие даже смеялись, как это человек, срежиссировавший фильм «Как закалялась сталь», решил взяться за Иисуса. А его интересовал именно процесс суда над Христом — фильм должен был называться «Иисус Христос. Суд». Проект так и не был осуществлен. И одной из причин, говорят, был отказ от роли успешно прошедшего пробы Валерия Леонтьева.

Начавшаяся перестройка позволила артисту сохранить свой неповторимый имидж и стать еще более успешным: начались гастроли за рубежом, официальное признание, награды и титулы.

Кроме эпатажного внешнего вида Леонтьев поражал и яркими концертными шоу. При этом необычные сценические костюмы и танцевальные номера Леонтьев создавал сам.

За свою музыкальную карьеру певец записал более 30 альбомов, многие из которых разошлись миллионными тиражами. Валерий Леонтьев носил титул певца года 11 лет подряд, с 1980 по 1991 год, а также в 1996 и 1997 году; был бессменным претендентом на данную номинацию в течение 21 года. Оба этих рекорда до сих пор никем не побиты. Он является пятикратным обладателем Национальной российской премии «Овация» и восьмикратным обладателем премии «Звуковая дорожка».

Несмотря на слухи о многочисленных романах, в личной жизни Леонтьев постоянен: со своей будущей супругой Людмилой Исакович Леонтьев познакомился еще в 1972 году.

Совместных детей у Валерия и Людмилы нет, но пресса неоднократно приписывала ему детей «на стороне». Певец в ответ на это отшучивался: «Сыновей у меня больше, чем у лейтенанта Шмидта».

Доподлинно неизвестно, когда Валерий Леонтьев впервые лег на операционный стол, чтобы изменить внешность. Предположительно, это произошло в 90-е годы, когда в нашей стране начала активно развиваться отрасль пластической хирургии. Если внимательно посмотреть на фотографии, сделанные в этот период, можно заметить изменения верхней части лица. Скорее всего, артист делал круговую блефаропластику век.

Очевидно, что своей внешности он уделяет немало времени и сил. Омолаживаться он предпочитает в клинике, расположенной в Майами, которую посещают и другие российские звезды, например Лайма Вайкуле.

Певец Валерий Леонтьев выступает на праздничном концерте, посвященном 50-летию Государственного Кремлевского дворца. 2011 год

Одним из своих важных достижений, помимо песен, Леонтьев считает спортивную фигуру. Он действительно выглядит гораздо моложе своих лет и часто признается в интервью, что врачи, осмотрев его, говорят, что у него организм 45-летнего человека.

Сам Леонтьев утверждает, что его моложавость не столько заслуга пластических хирургов, сколько его невероятная требовательность к себе и самодисциплина.

Валерий Леонтьев по несколько часов проводит в тренажерном зале и на беговой дорожке. А потом отправляется на репетицию или концерт — и там тоже выкладывается по максимуму.

Артист очень подвижен и за время выступления теряет в весе в среднем по 1,5−2 кг: он бегает, прыгает, танцует, носится по залу.

Певец поражает своим трудолюбием и хорошей формой и при этом покидать сцену категорически не собирается, о чем уже неоднократно говорил.

7 июля 1943 года, в городке Фосдиново, что в области Тоскана, в семье Доменико и Ольги Кутуньо, родился сын. Мальчика назвали Сальваторе, а мама в детстве звала его просто Тото…

Детство и юность Тото прошли в Специи. Это портовый город, а отец будущего композитора был военным моряком, влюбленным в море. Неудивительно, что и его детям передалась эта любовь. Так, прежде чем научиться ходить, Тото уже плавал как рыба, а позже, подростком, любил проводить время на пляжах Специи и мечтать о далеких землях и глубоких чувствах.

Отец Сальваторе играл на трубе и, вполне естественно, поощрял занятия сына музыкой. Мальчик осваивает ударные, затем гитару. Музыка уверенно входит в его жизнь. Юный Кутуньо учится сначала в средней школе, а потом в лицее, готовящем бухгалтеров, так как получить «корочку» в этой семье считалось обязательным! Само собой, по полученной специальности он не работал ни одного дня.

Первая любовь пришла к нему в 14 лет, тогда же он написал свою первую песню, которая называлась «La strada dell’amore» («Дорога любви»), и по собственному признанию Тото была ужасно некрасивой.

Еще в 13 лет Кутуньо участвует в конкурсе аккордеонистов и занимает 3 место. Это был большой успех, поскольку соперниками Тото были ребята гораздо старше его.

Начав играть на фортепиано и саксофоне, Тото влюбляется в джаз, и в 19 лет отправляется в составе группы известного джазового музыканта Гуидо Манузарди в турне по скандинавским странам. Гастроли имели колоссальный успех, и Тото решает окончательно посвятить себя музыке.

По возвращении он создает собственную группу «Тото и Тати», в которую вошли его младший брат Роберто и трое друзей Лино Лозито, Джиджи Тонэ и Массимо Вигано.

За пару лет они исколесили почти всю Италию, играя в клубах, барах и дискотеках, ну, правда, без особого успеха. Причиной тому, скорее всего, было то, что репертуар группы состоял в основном из чужих, уже популярных песен, и потому выработать собственный стиль было не просто.

Изменив название своей группы на «Альбатрос», Тото участвует в фестивале Сан-Ремо-76. С песней «Volo AZ-504» («Авиарейс AZ-504») ребята занимают 3 место.

Летом 1967 года, выступая со своей группой в одном из курортных городков, Тото Кутуньо познакомился со своей будущей женой Карлой. Они поженились 5 октября 1971 года. Вскоре после свадьбы синьора Кутуньо забеременела. Тото, любящий детей, был счастлив, узнав, что жена собирается подарить ему сразу двух малышей-близнецов. Но скоро радость ожидания сменилась горем: врачи в один голос заговорили о возможных трагических последствиях родов. Выбирать не приходилось. Важнее были жизнь и здоровье Карлы, хотя она навсегда потеряла возможность иметь детей в будущем…

Потом было несколько лет упорного труда, разочарований и маленьких успехов. Для Джо Дассена были написаны «Salut», «Le jarden du Luxembourg» («Люксембургский сад»), «Il etait une fois nous deux» («Однажды мы были вдвоем»). Для Джонни Холлидея создается «Derrierre l’amour» («За любовью»), ее же включает в свой репертуар Поль Мориа.
В это же время Тото начинает работать и со своими, т. е. с итальянцами). Для Челентано Тото создает «Soli», «Non'", «- Amore? - No!», «Un po' artista, un po' no», дочери Адриано посвящается чудесная песня «Il tempo se ne va». Кутуньо пишет музыку к фильму «Укрощение строптивого», работает с группой «Ricchi poveri», Орнеллой Ванони, Марчеллой, Джанни Надзаро и другими.

Но природное дарование композитора не могло остаться незамеченным. Первым человеком, кто поверил в Тото и дал ему шанс, был уже известный к тому времени поэт-песенник Вито Паллавичини.

В 1979 году он написал песню, которая должна была прозвучать в передаче популярнейшего на то время итальянского телеведущего Майка Буонджорно. Спел ее поначалу сам, так как не был уверен, что песню примут. А Буонджорно песня-то понравилась.

Более того - он настоял на том, чтобы она так и пошла в эфир в авторском исполнении! Это была песня «Donna, donna mia»… больше месяца занимает первое место в итальянском и французском хит-парадах, и Кутуньо, вдохновленный успехом, в 1980-м едет на фестиваль в Сан-Ремо с песней «Solo noi». Результат превзошел все ожидания - первое место!

В 1981-м, выходит третий по счету альбом Тото Кутуньо под названием «La mia musica». Надо ли говорить, что большинство песен на этом диске посвящены любви? Для Кутуньо любовь - это все, это смысл жизни. И он снова и снова демонстрирует это в своих произведениях.
Пластинка вышла на нескольких языках: английском, испанском, французском, так как продавалась в Аргентине и США, Японии и Канаде, Австралии и практически во всех странах Европы. Сразу после выхода диска Тото совершает турне по этим странам, посвященное презентации альбома.

В 1983 году программа Сан-Ремо шла своим обычным путем. После очередного номера профессионально улыбающийся конферансье объявил: «Тото Кутуньо. «Итальяно». Когда он допел, с минуту еще стояла тишина - таких песен Италия не слышала уже давно. Потом взрыв аплодисментов, и стены зала театра «Аристон» дрогнули он оваций - темпераментные итальянцы не скупились на эмоции. Его буквально забросали цветами. Тогда Кутуньо официально не занял первого места… И все же он был первым.

Эта песня была признанием в любви и вместе с тем едким шаржем на своих соотечественников. В тот вечер вся страна влюбилась в одного человека. И тогда, наконец, и у публики, и у прессы, и у критиков нашлись слова, которые определили место Тото Кутуньо и его творчества на итальянской эстраде и в сердцах людей - Настоящий итальянец.

В той песне он объединил всю Италию. Так, между прочим - первоначально песня «L'italiano» была предназначена для Челентано, но тот отказался ее исполнять, так как она показалась ему слишком ответственной и обязывающей.

История этой песни была таковой: «Я выступал в Канаде, в Торонто. Публика была по большей части итальянцы, эмигранты, они приехали в Канаду за куском хлеба. Это были итальянцы, которые хранили в себе все итальянское, в них этого больше, чем в нас, живущих в Италии. Они помнили Италию другой, не такой, какая она на самом деле, - в их тоске очистился образ родины.

Какими они наградили меня аплодисментами! И я вышел к ним еще раз, в зале зажгли свет, я увидел эти лица - прекрасные, удивительные, итальянские. Лица, смотревшие на меня с любовью. И вдруг я сказал: «Я хочу написать песню и посвятить ее вам, людям, которые живут вдали от родной страны, вам, которые сохранили душу итальянской, вам, любящим свою страну.

Это будет достаточно ироничная песня о нашей родной Италии, о нашей прекрасной стране. Если мне удастся написать такую песню, я поеду в Сан Ремо и посвящу ее вам»… Сольную пластинка «L'italiano», в мгновение ока стала «золотой».

Годом позже, в 1984-м, Тото занимает в Сан-Ремо 2-е место с песней «Serenata».
Участие в фестивалях - Сан-Ремо и Сан-Винсент, выход нового диска «Azzurra malinconia» и, конечно же, работа над новыми песнями. Песни, которые Кутуньо представляет на фестивалях, хорошо знакомы любителям итальянской песни - «Figli», «Emozioni», «Le mamme», «Gli amori».
А весной 1991 года Тото Кутуньо вместе с Джиньёллой Чинкуэтти ведет тридцать шестой фестиваль Евровидения, который проходит в самой красивой студии Cinecitta в Риме. Этот фестиваль и его ведущие были отмечены общественностью как самые шикарные за все годы.

В последующие годы Тото Кутуньо ведет телепередачи на итальянском телевидении, в том числе, и на RAI 1. Пишет новые песни, выпускает новые альбомы. Вновь участвует на фестивале в Сан Ремо и гастролирует по миру. В частности, 1995-й - концерты в России, 1997-й - на Украине. В 2000-м снова дает концерты в Белоруссии и России. В 2007-м году в Киеве.

Вне эстрады Тото Кутуньо всегда был человеком нешумным, избегал длиннющих интервью и не позволял прессе копаться в своей личной жизни. Он считал, что всё, что о нем нужно знать слушателям, содержится в его песнях. Да вот только такая манера вести себя лишь подогревала интерес публики. И наконец вездесущим журналистам удалось-таки раскопать один факт, который скрытный итальянец долго держал в секрете.

Хотя он всегда повторял, что его жена Карла неизменно остается единственной Женщиной в его жизни, оказывается, у маэсто Кутуньо есть сын Нико (19 лет) от другой. Так случилось - бывает в жизни всякое. Впрочем, проявляя заботу о сыне, он действительно все же остался с Карлой…

Как и любой итальянец, синьор Кутуньо: «Моя страсть - яхты и футбол!»
«Болеет» за «Милан». В одном из интервью он рассказывал, что как-то один из вратарей «Ювентуса» спел его песню по телевидению. «Знали бы вы, как я страдал!..» - Вспоминает об этих минутах Тото Кутуньо.

В свои 75 Маэстро выглядит лет на 10 моложе и по-прежнему сохраняет сугубо мужской шарм и обаяние. В этом году он выпустил свой новый альбом: Un falco chiuso in gabbia - Sanremo 2008.

«Мои песни появляются от общения с другими людьми… Я смотрю в глаза людей… можно не говорить ни слова и понимать человека… Я коплю эмоции и вот подхожу к фортепиано - это может быть в миг радости, грусти, тоски - и песня уже родилась». - Говорит Маэстро.
Поклонники его таланта не разделяются по возрастам - он одинаково свой и для юных, и для пожилых, потому что любовь есть любовь, и нежность есть нежность, и преданность это преданность, а их жаждет любое человеческое сердце, даже если и скрывает это желание за внешней бравадой.

4 февраля 2018 г. исполнилось 70 лет легенде рок-музыки Винсенту Деймону Фурнье, известному всем как Элис Купер, американский рок-музыкант и актер, считающийся королем жанра шок-рок.

Элис Купер - челолвек, который привнес в рок-музыку театр, выдвинул на первый план вместо автора - персонажа, а в собственной карьере претерпел эволюцию от возмутителя спокойствия, шокирующего рокера до хранителя традиций, артиста, на чей концерт можно спокойно сводить не только детей, но даже и внуков.
Кстати, в Россию Элис Купер приезжал со свими шоу 5 раз.
На сегодня певец полностью реализовался в музыкальном творчестве:

Начал активно выступать еще в далеком 1965 году и до сих пор активно гастролирует, записал 27 альбомов, из них более 20 золотых дисков, продано по всему миру более 50 миллионов экземпляров альбомов. А также дружит с большим количеством музыкантов, так как несмотря на свой образ считается добрым и заботливым человеком.

Понятно, что далеко не все являются поклонниками рока, тем более его напраления, призванного целенаправленно шокирровать зрителя, но мировая культура есть мировая культура, возможно кому-то интересно ознакомиться с не очень хорошо знакомыми её страницами.

Основатель движения шок-рока, король ужаса Элис Купер родился в семье потомственных священнослужителей протестантской церкви. Предки родителей Винсента Дэймона Фурнье - Эллы Мэй и Этера Морони Фурнье - были французскими гугенотами, в свое время обосновавшимися в городе Детройт.

Мальчик появился на свет 4 февраля 1948 года. Начальное образование он получил в лютеранской церкви Детройта.

Уже в детстве Винсент обнаружил большую любовь к искусству. Вместе с другом он изучал творчество Сальвадора Дали. В школе мальчик занимал активную общественную позицию и писал фельетоны в школьную газету. Вместе со своими одноклассниками, мечтая о славе «Тhe Beatles», он создает подростковую рок-группу, которая сразу прославилась своими необычными шоковыми сценическими приемами. Во время выступлений музыканты показывали разрезание арбузов при помощи специальной гильотины, что выглядело весьма провокационно.

В 19 лет Фурнье со своей группой «The Spiders» отправляется в первое небольшое турне, тогда-то и родилась безумная идея дать ансамблю имя вымышленной героини - средневековой ведьмы Элис Купер, которая по легенде была казнена посредством сожжения на костре, а ее дух в XX веке вселился в Винсента и сейчас вещает со сцены.

Так появился первый в истории персонаж шок-рока, последователями которого позднее стали Оззи Осборн и Мэрилин Мэнсон. Их связывает не только одинаковость музыкального стиля, но и большая визуальная схожесть на многих фото

Как говорит сам Элис Купер:

Да, таких групп много на свете. Они вдохновлялись нашими ранними идеями. Но и мы ведь не на пустом месте возникли - идеи витают в воздухе, и каждый что-то заимствует у другого. Если бы не было нас, появились бы Роб Зомби или Мэрилин Мэнсон? Может, нет, но, думаю, рано или поздно возник бы кто-нибудь похожий на них.

На своих первых выступлениях Элис Купер настолько эпатировал публику своими выходками, что каждый раз все зрители, количество которых достигало порой 2000 человек, покидали зал. Будущий директор группы Боб Эзрин воспринял это как хороший знак и решил вложиться в раскрутку необычной группы.

Высокий солист (рост Купера - 177 см) с агрессивным макияжем, реки искусственной крови и электрические стулья на сцене, провокационные тексты и агрессивная музыка - все это вызывало интерес у публики. Но еще больше нравились зрителям необычные выходки Винсента. Так, после одного концерта прошел слух, что Элис отрывает головы курицам и пьет их кровь прямо из горла.

Это было происшествие на концерте в Торонто в сентябре 1969 года, которое, по словам самого Купера, явилось чистой случайностью. Каким-то образом во время выступления на сцене оказалась курица. Купер, ничего не зная о домашних животных, предположил, что если у нее есть крылья, то она сможет летать. Он поднял курицу и бросил в толпу, а она вместо того, чтобы улететь, упала в первые ряды, где находились люди в инвалидных колясках, которые (если верить некоторым сообщениям) начали разрывать ее на куски.

Все это было настолько безобразно, что вызывало интерес.

Как он говорит сам:

«Просыпаясь утром, я - обычный парень. Гуляю по городу, смотрю красоты тех мест, куда нас занес гастрольный график… На сцене я - Элис. А чтобы превратиться в него, мне нужно примерно два часа. Это время я провожу, созерцая фильмы с дрянным кунг-фу и метая ножи в мишени. Когда чувствую, что готов, наношу грим Элиса… Но и тогда я - всё еще не Элис. Я становлюсь им, когда переступаю порог сцены. И возвращаюсь к себе, сойдя с нее. Элис остается там, целиком и полностью.»

Шоу Элиса Купера перекликается с эпизодом из Мастера и Маргариты Булгакова - представление Воланда в театре «Варьете». Там есть и бросание денег в публику, и обезглавливание…

Слава так захлестнула Винсента, что он на долгое время погрузился в алкогольную и наркотическую зависимость. Вторая половина 70-х годов пролетела для него в полузабытьи между вечеринками, концертами и переездами. Девушкой Элиса Мисс Кристин в 1972 году скончалась от передозировки наркотиков. Постепенно здоровье самого артиста стало подводить его, и он принял решение пройти лечение в клинике Нью-Йорка. Произошло это в начале 80-х годов. В этот период времени творческий пыл Элиса Купера поубавился, активность Элиса Купера несколько снизилась, он стал реже записываться в студии, заинтересовался кинематографом и снялся в нескольких фильмах.

У Элиса Купера трое детей: старшая дочь Калико (родилась в 1981 году) - актриса и певица (принимала участие в концертах отца с 2000 года), сын Дашиэль (родился в 1985 году) - студент аризонского университета и участник группы Runaway Phoenix и младшая дочь Сонора (родилась в 1993 году).

Награды 2008 - За помощь наркозависимым людям Купер получил награду Стиви Рэй Вона на четвертом ежегодном концерте MusiCares MAP Fund в Лос-Анжелесе (США) - за помощь наркозависимым людям

Благотворительность - одно из направлений, которым серьезно занимается певец.
В канун 2017 года, в рамках ежегодного мероприятия по сбору денег для испытывающих нужду индейцев из резервации Мауи, Элис Купер привлек к сотворчеству Джима Керри, с которым спел песни «No More Mr. Nice Guy» и «School's Out».

В 2013 году во время записи благотворительного альбома была собрана группа звезд, в которую вошли Элис Купер, Джонни Депп и Джо Перри. Супергруппа настолько увлеклась музыкальным творчеством, что в чартах появился альбом, в который вошли кавер-версии знаменитых рок-композиций, в том числе и хитов Купера. А коллектив получил название «Hollywood Vampires».