ЕВРЕЙСКОЕ СЧАСТЬЕ
Даже в зверя раззявленной пасти,
На сколоченном смертью манеже,
Даровала нам музыка счастье:
Выжив, мы отвечали ей тем же.
Когда двое танцуют, они танцуют - любовь…
Две судьбы в одной жизни: Как известный советский поэт-песенник ушёл в Оптину пустынь
Многие люди старшего поколения прекрасно помнят эти песни, которые во времена их юности звучали буквально отовсюду: «Льет ли теплый дождь, падает ли снег…», «Быть может, ты забыла мой номер телефона…», «Говорят, что некрасиво, некрасиво, некрасиво отбивать девчонок у друзей своих…», «Желтый дождь стучит по крышам, по аллеям и по листьям…». Простые и трогательные, они выбивались из общей массы патриотических песен. И вдруг автор слов всех этих песен исчезает, уходит в монастырь… Почему?
Родился Онегин Гаджикасимов в Баку в семье аристократов в год 100-летней годовщины со дня гибели А.С. Пушкина, в 1937. Столь необычным именем, Онегин, своего первенца наградила мать, обожавшая русскую литературу.
Онегин прекрасно владел русским языком, как и мать, любил русскую литературу, умел изъясняться образно, поэтично и в 1954 году с легкостью поступил в Литературный институт имени Горького в Москве.
Обаятельный статный красавец-жизнелюб, талантливый и энергичный, он слыл «баловнем судьбы». Мог зарифмовать любую фразу, чем приводил в восторг друзей. Знал толк в вине и, как восточный мужчина, прекрасно готовил. Любил женщин, и они не могли устоять перед его обаянием.
По окончании учебы Онегин работает в музыкальной редакции Всесоюзного радио, готовит выпуски передач об отечественной и зарубежной эстраде. Работает одержимо, а ночью сочиняет стихи. «…По ночам в тиши я пишу стихи…».
60-е - время официальной эстрады, сдержанные манеры, чувства, строгие костюмы.
А с Запада уже несется музыкальная стихия - битломания.
Онегин Гаджикасимов вместе с друзьями-музыкантами ищут новый стиль, новое звучание.
Они, пытающиеся внести в музыку новую струю, даже не представляли тогда, что их попытки станут зарождением поп-музыки
Из-под пера Гаджикасимова выходили добрые и искренние стихи о любви, и равных в этом среди поэтов-песенников ему не было.
Вскоре он становится широко известным поэтом, в сотрудничестве с самыми лучшими композиторами - Арно Бабаджаняном, Александром Зацепиным, Давидом Тухмановым, Юрием Антоновым пишет песни, которые исполняют популярные певцы - Валерий Ободзинский, Муслим Магомаев, Олег Ухналев, а также вокально-инструментальные ансамбли - «Веселые ребята», «Синяя птица» и другие.
Без песен Гаджикасимова не обходился ни один концерт, они слышались из окон многих домов. «Эти глаза напротив», «Алёшкина любовь», «Восточная песня», «Дождь и я» и ещё многие-многие другие любимые песни, и все их написал Онегин Гаджикасимов, работал он очень продуктивно…
Пластинки с его песнями выходили огромными тиражами, достигшими к концу 70-х годов почти 16 миллионов. Такого еще никогда не бывало! И, тем не менее, они не залеживались на прилавках, людям приходилось выстаивать за заветной пластинкой долгие очереди.
Его гонорары от огромных тиражей вызывали зависть коллег и настораживали дирекцию, пытающуюся загнать поэта в привычные рамки - «Не выделяйся».
Многих деятелей от культуры возмущали эти его столь любимые в народе «вульгарные песенки-однодневки».
В 1971 году маститый поэт Лев Ошанин в газете «Советская культура» разразился грозной статьей. В ней партийный песнописец обвинял «горе-поэта» Гаджикасимова в том, что его стихи примитивны, косноязычны и совсем не обогащают людей духовно.
Гостелерадио СССР в те времена возглавлял Лапин, которого за глаза называли «Инквизитор». За время своей работы он фактически выжил с эстрады всю лирическую задушевную музыку, все то, что, по его мнению, не прославляло СССР. Исполнители и авторы были разделены им на приближенных и отвергнутых. Многих тогда перемололи идеологические жернова.
После этой статьи в «черный» список попал и Гаджикасимов. По приказу «инквизитора» его уволили с работы, размагнитили записи, на концертах перестали звучать его песни, а, если и исполнялись, то без упоминания автора слов.
Но его песни продолжали жить.
Кроме того, он переключился на переводы зарубежных песен, которые тогда начинали появляться в эфире. И это у него неплохо получалось. Благодаря его переводам, зарубежные песни подхватила вся страна. И снова успех.
Но постепенно к середине 80-х появилось все нарастающее ощущение, что в его жизни как-то все идет неправильно. Вроде всего добился - славы, признания, благополучия, а что дальше? Да и время было такое, когда все идеалы рушились и сгорали. Многие тогда не выдержали и сломались.
«Есть преступления хуже, чем сжигать книги. Например - не читать их» (Рэй Бредбери)
Возможно, вспомнив об этом, Онегин достал с полки давно пылившуюся там Библию, книгу, которую так и не прочел.
Осилил Библию он за три дня и три ночи, буквально впитав ее в себя, после чего на несколько дней ослеп. Но эта слепота дала ему толчок к внутреннему духовному прозрению
«Господи, я прихожу к Тебе во имя Иисуса Христа. Ты видишь сердце мое. Оно пленено духом уныния. Я признаюсь Тебе, что согрешил, когда допустил этот нечистый дух в свое сердце. Я не могу, Боже, сам избавиться от него. Очисти меня, Боже. Освяти Духом Своим…».
В одночасье тот «мир искусства», в котором он блистал, стал для него пустым, ненужным и неинтересным. И Онегин оставил этот мир. Ушёл, никому ничего не сказав…
В 1985 году, приняв окончательное решение, уехал из Москвы и в небольшой сельской церквушке крестился и принял православие. Он давно уже любил Россию и считал себя русским, как по душе, так и по культуре.
А спустя три года, окончательно расставшись с мирской жизнью, в Оптиной пустыни постригся в монахи, получив новое имя Силуан. Был ему тогда 51 год.
Он много проповедовал, послушать его люди съезжались с самых разных мест.
Отец Силуан вызывал необыкновенное доверие к себе, и люди к нему тянулись. А он учил их простым истинам - любви и милосердию, укрепляя их в вере.
О своей прошлой жизни старался не вспоминать, считая ее потраченной впустую, и никому о ней не рассказывал.
Спустя еще некоторое время отец Силуан стал иеромонахом, и был наречен именем Симон («Услышанный «).
Оставив по каким-то причинам Оптину пустынь, но оставаясь светлым и одухотворенным, он поселился в подмосковной глуши недалеко от церкви и целые дни проводил в молитвах. Люди, прослышав о нем, потянулись туда, стали приходить за советом…
30 июня 2002 года отец Симон, завершив свой земной путь, ушел из этой жизни.
Когда в отрочестве я впервые серьёзно столкнулся с зарубежной рок-музыкой, меня очаровала не только её мощь и разнообразие, но и то, что под её воздействием в моём мозгу всё время вспыхивали картинки, складываясь в своеобразные клипы. О чём поют рокеры я не понимал, и в отдельных случаях это было даже к лучшему.
Многие западные рок-группы вообще не парились насчёт текстов, отталкиваясь, в первую очередь, от музыки. Наши же рок-аксакалы, чего уж греха таить, находились под сильным влиянием отечественных бардов, виртуозами музицирования не были, поэтому и делали упор на тексты.
Ян Гиллан (Ian Gillan) родился
Между тем у западных рок-музыкантов, особенно в конце 1960-х - начале 1970-х с музыкой было более чем в порядке. Писать сложно и музицировать долго тогда считалось высшим пилотажем, и DEEP PURPLE не были исключением. Правда, в 1969 году группу занесло в совсем уж запредельные выси - клавишник Джон Лорд записал целую пластинку, где DEEP PURPLE музицировали с симфоническим оркестром. Народ удивлялся, но в подобный эксперимент попросту не въезжал. Гитаристу Ричи Блэкмору и вокалисту Яну Гиллану симфонические затеи Лорда тоже были не по душе, и они поставили ультиматум - эксперименты делай на стороне, а мы уж давай играть рок - не в смысле, конечно, трехаккордного «c'mon everibody» - но всё-таки рок. Лорд к мнению парней прислушался и вожжи передал Блэкмору.
Было решено сделать ставку на утяжеление звучания (что уже с успехом сделали LED ZEPPELIN на своём втором альбоме 1969 г.). Когда в 1970 году на полках магазинов появился альбом DEEP PURPLE «In Rock» (а затем и первый альбом BLACK SABBATH), стало ясно «тяжелый» (или «хард») рок состоялся. Заметьте, какими разными были все три группы-основатели этого направления. Так DEEP PURPLE вовсе не отказались от симфонически-классических экзерсисов Лорда, и его органные пассажи звучали вполне заметно даже на фоне буйной гитары Блэкмора. Баланс между четырьмя виртуозными инструменталистами и железной глоткой Гиллана был найден. Началась «золотая» эпоха «золотого состава» DEEP PURPLE.
Если вы меня спросите о самой любимой песне этой группы, я долго думать не буду. И это вовсе не набившая оскомину «Смоук Он Зе Вота», а глобальная 10-минутная композиция «Сhild in Time», завершающая 1-ю сторону виниловой пластики «In Rock».
Ричи Блэкмор:
«Эта запись была своеобразным ответом всему тому, что мы делали с оркестром (имеется в виду затея Джона Лорда, когда в 1969 г. он записал целую ораторию ДИП ПАПЛ с симфоническим оркестром - С.К.). Мне хотелось сделать громкую хард-роковую вещь, и я буквально молился, чтобы она такой и получилась. Я боялся, что иначе мы до конца жизни будем играть со всякими оркестрами».
Музыка «Сhild in Time» давала такой простор для фантазии, что знать текст казалось вовсе не обязательным. Тогда мы переводили название песни, как «Дитя во времени», и я представлял под вступительные органные звуки, как в космическом пространстве из некоего яйца вылупляется младенец. Затем музыка нагнеталась, голос Гиллана взмывал выше и выше, а в моём «клипе» дитя быстро взрослело. Затем бил маршеобразный ритм и Блэкмора начинал своё неистовое соло - возможно одно из лучших за его карьеру, а мой герой старел и погружался в пучину жизни с ее ужасами, жестокостями и войнами. На пике неистовства музыка снова возвращалась к вступительной части, мой герой стремительно молодел и прятался обратно в скорлупу космического яйца. А с наступлением финальной какофонии, висящая рядом, Земля сгорала в огне (надо понимать ядерной войны).
Как оказалось впоследствии, моя буйная детская фантазия была не так уж далека от смысла, заложенного в песню. Надо сказать, что читать переводы тексты DEEP PURPLE - занятие неблагодарное. Сплошь какие-то сексуальные бэйбы, любовь-морковь, «ну, что, родимая, поехали кататься»
А вот «Сhild in Time» - редкое исключение. Её текст метафоричен и, по признанию автора слов - Гиллана - отражает состояние человека в период «холодной войны», грозящей перерасти в «горячую» - ядерную. И переводить название надо не как «Дитя во Времени» или «Ребёнок в наше время» (как перевели на советской пластинке), а с учётом запятой, которая, правда, так и не была пропечатана.
Перевод Дмитрия Попова:
Милое дитя, со временем
Ты увидишь линию,
Линию прочерченную между хорошим и плохим,
Увидишь слепца стреляющего в мир,
Пули летят собирая жатву.
Если ты был плохим,
Господи! Ну, конечно же ты был им,
И тебя не достал летящий свинец,
Лучше закрой глаза, пригни голову
И жди, пока в тебя не попадет рикошетом.
Некоторые не без основания считали, что «Сhild in Time» касается и войны во Вьетнаме. На конверте песню сопровождала подпись «The story of a loser - it could be you (Это история лузера - им мог быть ты)».
Ян Гиллан:
«При посредстве радиостанции „Свободная Европа“ эта песня и ей подобные достигли ушей и сердец наших единомышленников за железным занавесом и, как я узнал много лет спустя, они с огромным облегчением узнали, что и здесь у них есть друзья, которые хотят мира».
Спустя какое-то время я узнал ещё одну новость. Многие думают, что сдирать чужие песни и мелодии - это прерогатива отечественных музыкантов. Спешу успокоить - западная музыкальная практика не менее богата на плагиаты. Так знаменитое органное вступление на «Сhild in Time» было «позаимствовано» из песни «Bombay Calling» группы IT’S A BEAUTIFUL DAY (только там этот отрывок игрался живее и на скрипке). Судебных разбирательств «обворованные» не предъявили. Вместо этого они взяли ПЁПЛОВСКИЙ инструментал «Wring That Neck» и сделали из него песню «Don and Dewey» - теперь для себя. В СССР мелодией «Сhild in Time» воспользовался Владимир Кузьмин в одной из ранних своих песен «Мама» (сравните Гиллановское «А-а-а!» с Кузьминским «Мама-а!»). Впрочем, это была довольно открытая цитата.
Как ни странно, Блэкмор отзывался о своём соло на студийной записи «Сhild in Time» с недовольством.
Ричи Блэкмор:
«Гитарное соло, однако, получилось довольно посредственным. В те времена никогда не делалось больше двух-трех дублей, когда дело доходило до гитарных соло. Мне дали пятнадцать минут - считалось, что для гитариста этого вполне достаточно. Пэйси (барабанщик - Ян Пэйс - С.К.) был тут как тут, нервно притопывая ногой и поглядывая на часы, как бы говоря: «Ну, долго ты еще там?». «Да я только-только настроился!» - «Ты что же, значит, еще дольше собираешься сидеть?!». Иногда на концертах я играю это соло много быстрее, чем на пластинке.
…Ян Гиллан был, пожалуй, единственным человеком, способным ее спеть. Это был его звездный час. Больше никто не решился бы на подобное «карабкание» по октавам все выше и выше".
После распада DEEP PURPLE Гиллан создаст свою собственную группу и перезапишет «Сhild in Time» в более спокойной пространной манере, чем-то напоминающей PINK FLOYD. А спустя время он и вовсе перестанет её петь - не из принципа, а по вполне будничной причине.
Ян Гиллан:
«Эта песня всегда была на грани моих возможностей. А сейчас, когда мне 60, боюсь, уже за гранью. Я и сам расстраиваюсь, что мы не исполняем эту песню, она все-таки много значит для меня и для группы. Но если я ее все-таки решусь спеть, то следующую неделю я буду говорить вот таким голосом (еле слышно хрипит)».Впоследствии песню перепоют-переиграют такие исполнители как Ингви Малмстин, GREGORIAN, певцы Steve Balsamo и Kasia Laska, сопровождающие Джона Лорда в его сольных турах, а также жена Блэкмора - Кэндис Найт, поющая в проекте мужа под названием BLACKMORE’S NIGHT.
Что до меня, то склонен признаться, что некоторые песни юности со временем тускнеют, теряют свежесть, видятся не столь замечательными. Но «Сhild in Time» к ним не относится.
Стоны и оргазмы любимой девушки, от которых она поет во время секса со своим любимым мужчиной - это самая лучшая эротично-романтичная музыка в мире лишь для настоящего мужчины. Заставь свою певицу петь от счастья, от легкой релаксирующей романтики до мега жесткого хардкора. Заставь её исполнить самые высокие и звонкие ноты и мелодии радости, от которых будут разбиваться бокалы. Запишите в своей памяти платиновый альбом, бриллиантовый диск и хотя бы один золотой диск. Взорви её вагину, сверх ультра-мощным, турбо-мега оргазмом, по силе равным термо-ядерной бомбе, чтобы она вылетела в аут на пару минут.
Уличная музыка - это очень про свободу. Про дух города, про его душу и сердце. Про право на самовыражение. Про творчество и единение. Про хороший текст и красивый звук. Музыка вписывается в архитектуру, сливается с душами горожан, пропитывает камни на Дворцовой. Музыка становится частью города, особой достопримечательностью. По-моему, это здорово.
Мы с моими гостями бродим вдоль Невы, любим фотографировать закаты и гулять по мостам. А в самом конце вечера тихо присесть на площади у Зимнего Дворца и окунуться в волшебные звуки уличной музыки. Порой её качество многократно превосходит то, что предлагает нам телевидение и радио. Она живая, понимаете? Живой голос живого города.
Есть определённые каноны и строгости в классической музыке: никто не будет кричать из зала «Это классно!», никто не будет подпевать, а ведь это же некоторая свобода душевная. Люди в основном в нашем мире и так очень зажаты, не могут показать свои эмоции. А на улицах происходит обратный эффект. Ты не только передаёшь людям энергию, а она тоже зеркально отражается тебе. И для меня сейчас, в моём нынешнем положении, это превращается в некоторую зависимость: я иду играть на улицу для того, чтобы побольше людей привлечь к своему творчеству, не для того, чтобы заработать какую-то копейку, а для того, чтобы зарядиться энергией. Настроение и ощущение себя в этом мире меняется, когда получаешь эти эмоции.
Есть такое мнение, что хорошие ансамбли получаются не из тех людей, которые изначально вместе собрались и начали вместе что-то делать, а из тех, кто отдельно сам по себе каждый - музыкальная единица. Когда они собираются в ансамбль, то у них всё хорошо сложится. Надо заниматься собственным развитием, а потом сложить из этого хорошую группу.
Если вы не умеете играть на каком-либо музыкальном инструменте - всё равно хотя бы раз в жизни испытали непреодолимую тягу потрогать струны гитары или постучать по клавишам фортепиано. Вряд ли получилось что-то пристойное, ладное. Если вы продолжили мучить инструмент, слушатели наверняка возмутились: «Эй, в ладу ли ты с самим собой, дружок? Может, хватит?».
Слово «лад» в русском языке означает стройность, мир, порядок, согласие. И к музыке это слово имеет самое прямое отношение. Для того, чтобы из клавиш или струн извлечь нечто благозвучное, нужно знать, что звуки любой мелодии находятся между собой в определённых отношениях, живут в ладу.
Музыкальный термин «лад» - это объединение звуков, тяготеющих друг к другу, и различных по высоте. Такие объединения,
Попробуйте сыграть от «до» только по белым клавишам 7 нот подряд - у вас получилась гамма до-мажор. Слышите, как звучит мажор? Бодро, радостно. А теперь попробуем сделать тоже самое от ноты «ля» по белым клавишам. Звучание имеет совсем иную окраску - грустную, печальную. Это минорный лад, гамма ля-минор. Контраст мажора и минора - очень важное средство для создания музыкального характера.
Давайте сравним творчество художников и композиторов. Художники для создания своих картин пользуются красками, композиторы для сочинения музыкальных произведений - звуками. У художников есть две группы красок - тёплые тона и холодные. А для музыканта краска - это лад. Если мажор, значит произведение звучит ярко и радостно, если минор - задумчиво, углублённо.
Посмотрите на картину Репина «Запорожцы пишут письмо турецкому султану»! Губы сами растягиваются в улыбку - какое буйство красок, как сочно выписаны образы! Как мажорно написана картина! А теперь обратите внимание на васнецовскую «Алёнушку». Совсем другое настроение - минорное: печаль, тоска, безнадёжность. Зритель сразу чувствует - здесь произошла драма.
Словосочетание «быть в миноре», «минорное настроение» довольно часто употребляется и в разговорной речи. Так говорят о человеке, который предаётся грусти, хандрит, унывает, находится в депрессивном состоянии. «Что-то ты сегодня в миноре», - могут заметить друзья, если вы не принимаете участие в беседе, не улыбаетесь, не реагируете на шутки.
Слово «мажор» употребляется не только как музыкальный термин. Во Франции в конце 18 века во времена Директории появилось новое поколение молодёжи - дети нуворишей, тех самых, что «из грязи, да в князи», их называли мажорами. Прошло больше двух столетий, и слово снова всплыло в том же значении. Мальчики и девочки - мажоры, золотая молодёжь, беспечно прожигают жизнь при попустительстве богатых и влиятельных родителей.
Ярким примером различия музыкальных произведений, написанных в мажорном и минорном ладах, являются «Свадебный марш» Мендельсона и «Похоронный марш» Шопена. Неудивительно, что эти произведения у всех на слуху - они исполняются практически на всех свадьбах и похоронах. Для широкой публики сведения о творчестве этих великих европейских композиторов на этом и заканчиваются.
Итак, «Похоронный марш» Шопена. Прекрасное, трагическое, возвышенное воплощение скорби! Эта музыка заставляет сердце плакать, призывает осознать, что это - прощание навсегда. А.В. Луначарский говорил, что, когда он слышит эту музыку, какое-то умиление сжимает горло, и почти сладкие слёзы выступают на глазах. «Похоронный марш» является третьей частью сонаты для фортепьяно си-бемоль минор номер два, написанной 1837 году.
Фредерик Шопен (1810 - 1849), великий польский композитор и пианист, был и сам похоронен в Париже на кладбище Пер-Лашез под звуки своего «Похоронного марша». По его предсмертному желанию был также исполнен «Реквием» Моцарта, композитора, которого он любил и ценил выше всех других.
Автор «Свадебного марша» - выдающийся немецкий композитор, дирижёр, пианист и педагог Феликс Мендельсон-Бартольди (1809−1847). Однажды король Пруссии Фридрих Вильгельм Четвёртый, которому очень понравилась музыка Мендельсона к трагедии Софокла «Антигона», в приватной беседе пожелал, чтобы композитор писал больше музыки к литературным произведениям. Желание короля чудесным образом совпало с интересами самого музыканта. К уже написанной увертюре для пьесы «Сон в летнюю ночь» по одноимённой комедии В. Шекспира, он дописал ещё 10 частей, превратив её в сюиту. Сюита - музыкальная форма, которая состоит из самостоятельных, контрастных частей, объединённых, тем не менее, общим замыслом.
Первое исполнение музыки к комедии состоялось в 1843 году в Потсдамском дворце и прошло с большим успехом. «Свадебный марш» - седьмая часть этого произведения. В этом году исполняется 170 лет со времени премьеры пьесы, своеобразный юбилей.
Настоящую популярность «Свадебный марш» Мендельсона приобрёл после того, как прозвучал на исторической свадьбе принцессы Виктории, наследницы британского престола, и кронпринца прусского Фридриха в 1858 году. В России «Марш» исполняется во время свадебной церемонии в момент появления пары молодожёнов. Он звучит всего 4 минуты, но придаёт необычайную торжественность и праздничность этому важному событию в жизни каждого человека. В Западной Европе и США во время церемонии бракосочетания по традиции звучит «Свадебный хор» из оперы «Лоэнгрин» Рихарда Вагнера.
Часто говорят, что наша жизнь состоит из чёрных и белых полос, из плюсов и минусов, из горя и радости. Наверное, можно сказать и так: наша жизнь - это чередование мажора и минора. И только от нас самих зависит, что выбрать - жизнь-праздник или жизнь-похороны.
Музыка может утешить, особенно людей с чувствительной душой, которые еще не разучились чувствовать, сострадать, переживать, не стали циниками."
Дождь в окна швыряет пригоршни дробинок,
И ропот по саду растет постепенно.
Ведет пианино с дождем поединок,
Ответив ненастью ноктюрном Шопена.
Бездомные листья, иззябнув, намокнув,
Спасаются в комнате тихой и светлой.
И, как паруса, занавески на окнах
Надуло дыханье ноктюрна и ветра.
И комната дрогнула, вдаль отплывая,
И парус упругий суденышко движет.
Спокойствие, радость и даль голубая,
И солнечный берег все ближе и ближе…
А судно качает, как детскую зыбку,
А парус взлетает встревоженной птицей.
Но буря стихает. И манит улыбку,
Как чайку, в гнездо, на уста возвратиться.
Зеленые волны и белая пена
Еще омывают спокойную пристань.
И дождь замирает… И звуки Шопена…
И радостно сердцу… И грустно… И чисто…
Вы действительно слушаете? И действительно слышите?
Сумрак трогает клавиши - разноцветные окна.
Белый клавиш - надежда. Где еще вы такую же сыщите?
Черный клавиш - крушение. Черных клавишей много.
Серебристую радость слишком быстро сменяет отчаяние -
Не всегда успевают откликнуться чуткие стены.
И всё длится и длится черно-белое чередование.
Точно волны прокатывают - с пеною и без пены.
А порою враждебные звуки являются парами.
Хуже этого нет. Можно вовсе без слуха остаться.
Ходит все ходуном. Грохот, гром. Стонет дом под ударами.
И такое случается - слышите? слышите? - часто.
Но у нынешней ночи настроение в целом отличное -
Надушилась фиалкой, размокшей в сапфировом спирте.
Вы действительно слушаете? И действительно слышите?
Вы же всё это любите… Так, прошу вас, не спите…
Так плачет старый саксофон …
Слезами музыка полна …
Я вижу ночь. Мне лик её знаком.
Я слышу дождь, который за окном
Отчаянно стучится в стёкла, рвётся в дом.
Приюта ищет в доме он моём.
Я слышу в небе чёрном и пустом
Струится музыка. Мне этот звук знаком.
Откуда взялся в небе он ночном?
Ни с чем не спутаю - играет саксофон.
Я узнаю. Но вот вопрос - о чём,
Ответьте мне, играет саксофон?
Смеётся? Нет, скорее плачет он.
И если плачет, то хотел бы знать - о чём?
О чём же плачешь ты, мой милый саксофон?
Сказать, быть может, хочешь ты
об одиночестве своём?
Давай, вдвоём поплачем саксофон.
Давай, разделим одиночество с дождём.
Смотри теперь, я подхожу к окну.
И пред дождём окно я отворю.
В свой дом сегодня я его впущу.
Свой дом с дождём сегодня разделю.
А ты играй, играй, мой милый саксофон,
И веселей играй. Сегодня мы втроём.
Но не услышал, видно, саксофон.
Всё также грустно плакал в небе он ночном.
Ну вот уж день, и солнце за окном.
Давно уже простился я с дождём.
И без конца звонящий телефон …
Едва ли даст мне вспоминать о нём.
Но я грущу, лишь вспомнив об одном -
Как плакал в небе одинокий саксофон …
Джаз когда-то был легкой танцевальной музыкой. Но пришли талантливые техничные музыканты. Им захотелось подняться над толпой, проявить свою индивидуальность, и джаз стал музыкой элитарной. Не только для исполнителей, но и для слушателей.
Однако прихотливые извивы мелодических линий привлекают очень многих. Струящиеся соло порой хочется слушать и слушать. Настоящий мастер может держать в напряжении огромный зал в течение продолжительного времени. Так что мы можем услышать в джазе?
Мелодия
Мелодия джазовой темы, мелодия соло. Это главное. Их рисунок в первую очередь привлекает наше внимание. Если начать слушать джаз после тренировки только на классической музыке, то иная джазовая мелодия может показаться странной. И это нормально. В джазе, хоть он и развивается по общепринятым музыкальным законам, принципы мелодизма немного отличаются от классических. К ним надо просто привыкнуть. Ведь главное в музыке - узнавание. Узнавание знакомой мелодии, гармонического хода (последовательности аккордов), узнавание отдельных мелодических отрезков (попевок).
Мелодии джаза соответствуют определенному стилю. За всю историю их было выработано много. Однако есть так называемый мейнстрим, который развивается непрерывно. В него входит много стилей, но у них всех сходный мелодизм и принципы формирования композиции.
Стилей существует огромное количество, однако между ними проходит четкая граница. Она пролегла в 40-е годы на стиле би-боп. Тогда появились современные характеристики всего нынешнего мейнстрима. Поэтому «привыкать» к мелодизму надо в соответствии с выбранным стилем.
Существующие виды
Виды джазовых композиций с точки зрения слушателя бывают нескольких типов.
Во-первых, самый распространенный вид - исполнительский. Это интерпретация существующей темы конкретным исполнителем, в сопровождении ансамбля или сольно (чаще на фортепиано). После изложения темы каждый из музыкантов по очереди исполняет соло. Соло может носить импровизационный характер, а может быть написано заранее и просто исполнено.
Во-вторых, композиторский. Композитор пишет новую тему. Она может сопровождаться дополнительными соло, а может существовать сама по себе. Исполнять может самостоятельно или поручать кому-то.
В-третьих, аранжировка. Скорее это относится к исполнению музыки биг-бендом. Аранжировка для конкретного состава исполнителей делается обычно руководителем ансамбля, который по совместительству является композитором.
Смесью второго и третьего вида является симфо-джаз. Его яркий представитель - Дж. Гершвин. Крупные джазовые композиции исполняются симфоническим оркестром.
Темы
Темы для исполнения пишутся композиторами. Существует большое число так называемых стандартов. Они написаны много лет назад, и каждый джазист должен знать пару сотен таких тем.
Тема обычно исполняется не совсем в том виде, как она была написана. Это всегда интерпретация солиста-исполнителя или аранжировщика биг-бенда. Бывает так, что узнать тему не всегда можно сразу. Тема в первом изложении (перед соло) может приближаться сразу к соло.
Темы, написанные давно, отличаются по мелодизму от принятой практики для современных соло.
Для того, чтобы хорошо ориентироваться в темах и узнавать их, необходимо много слушать хороших исполнителей полюбившегося стиля. Зная нотную грамоту, можно приобрести сборники соответствующих тем и изучать их по нотам.
Темы могут быть совсем из другой «оперы». Например, Дюк Эллингтон аранжировал «Щелкунчика» Чайковского.
Тема всегда сопровождается гармонией. Гармония - это аккорды, которые пишутся в буквенно-цифровом виде обычно рядом с нотной строкой. Но это может быть и прописанный нотами аккомпанемент. Последнее чаще относится к композиторскому джазу. Последовательности аккордов конкретной темы также надо запоминать. Иначе будет непонятно соло, следующее за темой. Конечно, желательно иметь и развивать так называемый гармонический слух (умение распознавать аккорды).
После соло всех исполнителей обычно вновь звучит тема в первоначальном изложении.
Некоторые известные музыканты после проведения первоначальной темы в финале позволяют себе играть свободную импровизацию в совершенном одиночестве. От первоначальной темы может остаться только общее настроение, а то и вообще ничего.
Музыкальная форма
Для полного понимания, что происходит с темой во время исполнения, необходимо познакомиться с музыкальной формой.
Чаще всего джазовое исполнение с точки зрения теории является вариационной формой. Она характерна и для народной музыки, и для классики. В варианте, применяемом в джазе, она предполагает сохранение гармонии. В отношении мелодии может быть принято несколько разных вариантов. Чаще всего это обыгрывание аккордов. В ранних формах джаза оно производилось простым перебором нот аккордов в различных комбинациях. Сегодня существуют разные принципы перевода аккорда в мелодию. В каждом стиле могут быть свои особенности.
Существует также своеобразное соревнование исполнителей. Один исполнитель начинает музыкальную фразу, другой ее заканчивает. Потом они меняются ролями.
Композиторский джаз может представлять собой какую угодно форму, вплоть до такой крупной, как опера «Порги и Бесс» Дж.Гершвина. Из этой оперы многие исполнители берут отдельные темы для своих выступлений.
Соло
После изложения темы исполнители по очереди начинают солировать. Такие соло могут быть или чисто импровизационными, или хорошо подготовленными. В любом случае мелодия соло строится по принципам принятого стиля исполнения. В каждом соло полностью сохраняется количество тактов и аккордов темы.
Часто при построении соло используются общепринятые мелодические ходы. Таких ходов существует огромное количество. Композиторы называют все их многообразие языком джаза (а вернее его «словами», так как в язык входит еще и гармония). Изучать их надо, слушая соло великих исполнителей.
Кроме общепринятых хороший исполнитель придумывает и свои новые «слова». Они вполне могут потом войти в «словарь» джаза. Он, собственно, так и формировался.
В старых формах традиционного джаза существовала групповая импровизация, когда каждый исполнитель в группе обыгрывал аккорды по-своему.
В некоторых случаях мелодический ход в соло может оказаться целой фразой, взятой из какого-либо стандарта. Это называется цитатой. При хорошем знании тем такие цитаты узнаются легко и быстро.
В наиболее редком случае соло исполнителя может представлять собой результат так называемой тематической работы. Это вариационное развитие самой темы. При этом тема может дробиться на отрезки и изменяться по определенным законам, родственным классической музыке. Может происходить смещение отрезков темы на другие позиции, растяжение во времени и проч.
Иногда в такую тему незаметно вплетается совершенно другая. И это уже не цитата. Это развитие темы. Вплетение такой темы может иметь целью породить у слушателя какие-либо ассоциации, а не просто воздействовать на его эмоции. Вплетаемая тема может быть очень далекой от джаза. Это может быть народная песня или тема из Моцарта. Все зависит от вкуса исполнителя.
Заключение
Из всего вышесказанного понятно, что основным в понимании джаза является знание исполняемых тем. Но не последнюю роль играет и знание «языка» джаза, его мелодических ходов и последовательностей аккордов.
И конечно же, общая музыкальная культура. Немного Моцарта, Чайковского, Дебюсси, Стравинского. Больше читать о любимых авторах и исполнителях. Уметь различать голоса инструментов, различать составы исполнителей (малый, биг-бенд, симфонический оркестр).
Слушайте больше музыки, хорошей музыки!
Музыка играет большую роль в жизни человека и всего общества.
Аристотель утверждал, что «музыка облагораживает нравы». Американский сатирик Роджер Фрай говорил, что «Бах почти заставляет меня поверить в Бога». Американский поэт и филолог Генри Лонгфелло заявлял, что «музыка - универсальный язык человечества». Польский философ Тадеуш Котарбииньский уверял, что «музыка - это искусство печалить и радовать без причины».
Как же возникла музыка? На чем играли наши предки?
Раньше, в древности, люди использовали для создания музыки свои части тела - пальцы, ладони, ноги, губы. Также наиболее давними инструментами являются различные части природы - камни, растения, палки
Затем появились ударные и духовые инструменты, изготовленные из костей мамонта. Струнные инструменты ведут свое происхождение от лука.
Какие же инструменты вошли в обиход в настоящее время?
Сейчас музыканты, кроме привычных нам инструментов, для создания музыкальных произведений используют обычные бытовые предметы. Например, играть можно на бутылках, лампочках, ножницах, метлах, швабрах, трубах, мусорных бачках, ведрах
Существует такой жанр - скифл-музыка. Она возникла из смеси блюза, фолк-музыки и кантри-энд-вестерна. Музыканты играют очень просто, для скифл-музыки необходимо наличие двух аккордов на акустической гитаре, барабан, трещотка, самодельная бас-гитара и обязательно стиральная доска.
Подобрав нужное количество стаканов разной массы и жесткости, можно получить особенно необычный музыкальный инструмент. Нужно расставить бокалы на столе, налив в них воду. Если мокрыми пальцами водить по кромке стакана, то в результате трения появится звук. Чем лучше и тоньше стекло - тем легче извлекается звук.
Кстати, играть можно и на стеклянных бутылках. Для этого необходимо найти какую-нибудь перекладину и на веревках подвесить бутылки с водой. Настраивать этот инструмент нужно при помощи воды - чем больше воды в бутылке, тем выше звук. После настройки можно извлекать музыку, стуча по бутылкам палочкой.
Компьютерные технологии также не останавливаются в создании новых музыкальных инструментов. Например, Nintendo произвело на свет интерактивные музыкальные перчатки Power Glove, которые при подключении к компьютеру дают возможность воспроизводить звук, реагируя на изгибы фаланг пальцев, повороты и перемещения руки.
Существует также инструмент под названием АНС. Вы рисуете на стеклянной доске с черной невысыхающей мастикой узор, который затем вставляете в аппарат. Устройство начинает медленно протягивать его мимо дисков, которые просвечивают ваш узор. Специальный фотоэлемент, выполненный на лампах, улавливает луч света, который идет через специальные диски, и воспроизводит свой звук. Этот музыкальный инструмент был создан советским инженером Евгением Мурзиным.
Также есть необычный электронный сенсорный музыкальный инструмент. Он представляет собой небольшую шкатулку, а клавиатура состоит из двух металлических полосок. Тональность звука изменяется касанием пластин одним или несколькими пальцами, то есть тональность зависит от величины сопротивления, которое определяется площадью участка кожи, приложенной к сенсорам. К тому же кожа каждого человека отличается своими жировыми особенностями, и это отличие может составлять разницу в десятки и сотни раз, что также влияет на извлекаемый звук.
Наука не стоит на месте и, возможно, вскоре нас порадует новыми необычными музыкальными инструментами.
Итак, древние люди использовали подручные материалы для извлечения звуков, что сейчас также является актуальным - музыканты создают музыку с помощью обычных предметов обихода. Так что любой человек может творить музыкальные произведения без классических инструментов.