Коты художницы Марии Павловой
Мария Павлова - активно работающий художник со сложившимся взглядом на мир,
со своей узнаваемой интонацией. Спектр интересов, отраженных в творчестве, весьма широк.
Мария Павлова, Санкт-Петербург, Россия. Окончила Санкт-Петербургский
Академический художественный лицей им.
скульптуры и архитектуры имени
В.В.Соколова). С 2005 член Санкт-Петербургского Союза Художников.
Участник многочисленных выставок. Работы находятся в частных коллекциях
разных стран.
Есть в творчестве этой молодой
талантливой художницы нечто такое, что при взгляде на ее картины
вызывает ассоциации с золотым временем развития русской культуры, такая в них чувствуется любовь к классике и позитивно заряженная энергия,
буквально брызжущая с ее полотен и освещающая сумеречную петербургскую
зиму. Современная городская Ассоль, всматривающаяся в призрачный океан
своего личного «прекрасного далеко», открывающийся за празднично
украшенным флажками кораблем, бросившим якорь на том берегу Невы, за крышами старинных петербургских домов, над которыми возвышается золотой
купол собора бывшей императорской столицы… Рыжие коты, в обилии
населяющие полотна Марии Павловой, как и положено этим животным, вносят
нотку магии и волшебства в сюжет ее картин, глядя на зрителя так
осмысленно, что кажется, уж не они ли только что закончили игру на скрипке или фортепиано и, подобно добрым феям и магам, снова
превратились в домашних питомцев… Мир детства человечества, яркий мир
ежедневного познания жизни, ежеминутных открытий, снов наяву, когда все
существует нераздельно - нотные листы, летящие с подоконника от дуновения ветерка и которые пытается поймать своей лапкой все тот же рыжий кот, ожившая музыка, дуэт поющей девочки и вторящего ей громким
мяуканьем ее пушистого товарища - репетиция грядущего, безусловно,
прекрасного концерта, которым станет однажды вся жизнь теперешнего
ребенка. Даже взрослый человек, читающий «Петербургские ведомости» в кафе на набережной, сидит в компании доверчивых воробьев, приземлившихся
рядом с его завтраком на залитый солнцем столик. Сколько милого юмора,
доброго уюта и ощущения начала жизни в названиях картин: «Хозяйка, уже
рассвело!», «Весна в Петербурге», «Раннее утро в Петербурге», «Утренняя
репетиция», «Мечты», «Музыкальный сон», «Петербургская мелодия»…
Занятие искусством хотя и не такое высокое дело, каким считают его обыкновенно те, которые занимаются им, но дело небесполезное и доброе, если оно соединяет людей и вызывает в них добрые чувства; занятие же искусством таким, которое одобряется богатыми классами нашего мира, - искусством, разъединяющим людей и вызывающим в них недобрые чувства, есть дело не только бесполезное, но вредное.
Искусство есть такое воздействие на людей, при котором в душах их таинственное становится очевидным, смутное делается ясным, сложное - простым, случайное - необходимым.
Истинный художник всегда упрощает.
Что такое бодиарт?
Итак, что все-таки такое боди-арт и c чем его едят? Для тех, кто не знает: боди-арт - это рисование, лишь на человеческом теле. Вот, что гласит Энциклопедия искусств:
«Бодиарт - это искусство тела, авангардное направление, возникшее в 60-х годах. Представители бодиарта использовали свое тело как материал либо объект творчества, прибегая к различным, тотчас болезненным, манипуляциям: покрывали свои тела гипсом, надрезами, делали изнурительные дыхательные упражнения, жгли на для себя волосы. Особенная разновидность бодиарта - самодемонстрация художника, некие манифестации бодиарта несли эротический и садо-мазохистский нрав. Будучи проявлением акционизма, бодиарт сблизился с рядом явлений, появившихся в русле контр-культуры (тату, раскрашивание тела, нудизм, сексапильная революция).»
Стало жутко? По сути все намного проще. Сейчас бодиарт - это форма самовыражения художника, при котором в качестве холста употребляется тело человека. Обычно, оголенное. Оголенная натура - это как распахнутая душа. Наступает раскрепощение, свобода, и жива картина для художника.
Кстати, кто пробовал быть этим самым холстом, знает, что чувства незабвенные, жаль смывать, ходишь, пока краска не начнет отпадать. Почему? Я думаю, дело в том, что бодиарт как современное искусство берет свое начало с росписи тел старых племен Америки, Африки и Азии, для их, правда, это имело религиозное значение. Так древнейшие люди защищали себя от злых духов. Нам, хоть мы и не верим в духов, но подсознательно охото украсить кое-чем. Потому картинки на теле так захватывают и завлекают.
В нашей стране 1-ые пробы боди-арта делали митьки, понимаете таких? У их была такая акция «География». Они наносили жирный грим на тело девицы, позже это тело опускали на лист бумаги, и выходил отпечаток. После эти картины оформляли в рамы.
Итак вот, чем разрисовывали тела ранее, непонятно, но сейчас отрисовывают обычно особым гримом. Но потому что он дорогой, его можно поменять акриловой краской. А некие живописцы делают свои составы, к примеру, используя обычную гуашь, в которую добавляют незначительно шампуни для мягкости. Кстати, так краска лучше смывается.
Живописцы отрисовывают на моделях все, что угодно. Один вот таковой живописец «надевал» на моделей платьица. Он накладывал на их тела застежку-молнию, позже все обмазывал, не считая этой самой «молнии», акриловой краской, ожидал, пока краска высохнет, а потом демонстративно снимал платьице. Прекрасно, а главное особенно, сам платьице сделал, сам и снял.
А на Западе живописцы, понимаете, до чего додумались? Они строят композиции из живых людей. Поначалу на тело каждого наносится набросок воды, земли, растений
Кстати, в городке Одессе в первых числах мая тоже проходит уже обычный фестиваль бодиарта. В один прекрасный момент за денек было разрисовано неограниченное количество моделей, после этого, все они взялись за руки и выстроились по всей известной Дерибасовской. Это была самая большая картина мира!
Желаю увидеть, что не нужно путать разрисовку маркером тела и боди-арт. Обычно, мастера относятся к маркерам с осторожностью, а время от времени и с очевидным неодобрением, считая такие картинки грубыми и безобразными. К тому же, краска должна просто сниматься! Если вам уж очень захотелось нарисовать на для себя чего-нибудть этакое, не используйте, пожалуйста, маркеры!
Ну, а что конкретно отрисовывать - дайте волю собственной фантазии, и вы будете рады и довольны!
Муки творчества - это не взгляд на чистый лист бумаги. Это доведение до совершенства уже созданного. Вдохновение - это не чудо, а каждодневный труд. Искусство - это не овладение навыком изображать чувства, а лаконичная Вселенная, ещё более правдивая чем сама жизнь.
В зрачке Моны Лизы обнаружили таинственные инициалы
В зрачке Моны Лизы обнаружили инициалы, которые предположительно указывают на имя женщины, послужившей моделью для знаменитого портрета Леонардо да Винчи, пишет The Guardian. Считается, что на картине художник изобразил Лизу Герардини, однако автор нового исследования утверждает, что это заблуждение.
По словам профессора Сильвано Винчети, руководителя итальянского Национального комитета по культурному наследию, это опровергают сами инициалы - латинские CE. Также, по словам Винчети, на обороте холста записаны цифры 149, еще одной цифры не хватает. По мнению историка, какой бы ни была стертая цифра, целиком число указывает на год написания картины.
Таким образом, Винчети сделал вывод, что да Винчи писал «Мону Лизу» в 1490-х годах, а не в 1503 или 1504, как гласит общепринятая теория. Более того, он решил, что сама картина была написана в Милане, в то время как Лиза Герардини была дочерью флорентийского купца. Винчети считает, что моделью да Винчи была некая женщина из придворной свиты герцога Людовика Сфорца, который покровительствовал художнику и принял его на службу в 1482 году.
Помимо инициалов CE Винчети обнаружил в другом зрачке Моны Лизы инициалы LV, которые, как он считает, указывают на автора картины. Также под одной из арок изображенного на фоне моста художник, полагает Винчети, изобразил цифры 72 (или комбинацию L2). Что это означает, он сказать затруднился, но пообещал, что вскоре представит более полные результаты своего исследования.
Все свои открытия Винчети сделал с помощью значительного увеличения фрагментов картины, так как найденные им элементы невозможно увидеть невооруженным глазом. «Леонардо да Винчи очень любил использовать символы и коды для передачи своих сообщений, и он сообщил нам личность модели через глаза, которые он считал зеркалом души и средством передачи информации», - заявил Винчети.
Леонардо да Винчи - далеко не первый проект Сильвано Винчети. В частности, ранее в 2010 он заявил, что нашел останки Караваджо. Также Винчети занимался вскрытием могил Данте, Петрарки и Пико делла Мирандолы. В январе он пообещал эксгумировать и останки Леонардо да Винчи.
Иван Васильевич меняет прописку?
Известие о том, что теперь у нас появились граждане, которые требуют выселить из Третьяковки картину Ильи Репина, на которой Иван Грозный убивает своего сына Ивана, поскольку они точно знают - царь сына не убивал,? - застало меня на развалинах древнего греческого города. Стоя на каменной экседре и проклиная тамошний медленный - видимо, древнегреческий - интернет, я ощутил себя щепкой внутри гигантского информационного потока.
Я и так плыл в океане исторических неопределенностей. Юное чадо, находившееся рядом, спросило меня, а хорошо ли, что Муссолини когда-то распорядился привести эти развалины в порядок; ведь Муссолини фашист? И захватчик - чего он в Грецию полез? Я ответил, что да, фашист, но лучше восстанавливать древние города, чем жечь их, как Нерон. И сам прикусил язык: поскольку поджог Рима Нероном - тоже легенда. Император, напротив, возглавил пожарную команду, когда вернулся в столицу с приморской дачи. Да, Муссолини - тот еще фрукт, оттопыривал губу и повесили его вверх ногами, но гранит и мрамор восстановленного дворца, мозаики, любовно перевезенные с острова Кос, чисты, незапятнанны, безгрешны и отполированы миллионами восхищенных взглядов.
Чадо поглядело на меня с сомнением. Оно уже заметило фашистские знаки в орнаменте древних римских и византийских мозаик и, по-моему, прониклось сильным подозрением, что это дуче-вонюче (как в бессмертном прологе «Ивана Лапшина») приказал идеологически грамотно всобачить их вокруг древних тритонов и львов.
Передо мной встала необходимость в глазах подрастающего поколения защитить от фашистов древний знак-коловрат, а он испорчен прикосновением мерзких рук и умов сильно. Но с чего начать? Заблуждения обступили нас, как замечено в популярной книжке Стивена Фрая, словно сказочные звери, и даже само число зверя - вовсе не 666, сообщают нам новоявленные умники, а 616. Просто трудности перевода теперь преодолены, ликуют довольные лингвисты. А нам как быть с впечатанными в сознание огненными цифрами? Фактами, нанизанными на булавки, копья и штыки? Образами, всплывающими автоматически? Что делать теперь с дикими глазами венценосного отца, что делать с каплями крови, сбегающими по сыновней щеке, с этой чудовищной подлинностью чувства, которой пропитан репинский холст?
Убрать в ужасе? Вместе с мозаикой, где простодушные свастики цветут, словно ромашки, не подозревая, что их когда-то удобрят пеплом Аушвица? Убрать - вместе с издевательски рогатым Моисеем из главного римского собора? Ибо Микеланджело тоже пал жертвой заблуждения: не рога надо было ваять, лучи, сияние. А он не так понял. Мне же всегда нравился этот здоровенный, ошибочно вихрастый Моисей. Ей богу, он лучше настоящего. И докажите обратное: вы его видели, настоящего-то?
Если хотите знать мое мнение, ничто так не уродует, не мертвит историю, как обнажение ее «правдивого» каркаса, голого скелета, обглоданного книжными червями и прочими падальщиками. Много вы о живом человек узнаете по скелету? Причем от побудительных мотивов, вступающихся за «историческую точность», результат не зависит. Вы можете быть лукавым провокатором. Злостным фальсификатором. А можете искренне считать, что, требуя вынести картину из галереи, улучшаете и обеляете образ грозного государя, победителя смуты. Восстанавливаете историческую справедливость. Служите России. Или истине. Или обеим сразу.
Но это не так. Вы в результате получаете неразгрызаемый сухарь на месте дымящейся плоти. Ржавую колею вместо чистого поля. Стертую галечную мостовую вместо древних мозаик. Вместо того, чтобы поведать юному чаду о сложной диалектике древних солярных знаков, олицетворявших добро и благополучие, а потом обращенных миру во злосчастие; вместо того, чтобы научить чадо правдам факта, обобщения и даже вымысла, вы суете ему стерильную пустышку.
Так что же теперь - не добиваться исторической правды? Справедливости? Отчего же, добиваться. Но последнее время почти все поспешно вносимые поправки и инициативы, касающиеся нашей истории, подозрительно примитивны, чтобы служить истине. Взять хоть готовящийся учебник истории, концепция которого представлена недавно. В ней, как Ивана Васильевича, «по ошибке» прописавшегося в галерее, выносят из нашего сознания «татаро-монгольское иго», заменяя… А вот чем? Стереоскопическим видением тогдашней реальности? Диалектикой, схваченной еще в советском фильме «Александр Невский», когда заглавный герой выбирает виды борьбы с главными опасностями (от татар откупимся, от псов-рыцарей отобьемся)? Или, прислуживая новой и действительно захватывающей перспективе евразийства, удалим мы из сознания прочную основу русского государства, гигантской грибницей проросшего сквозь испытания, как опенок? «Почему опенок?» - спросите. Да просто это еще одно заблуждение, мол, опенок - маленький грибок. Его единая вязь занимает подчас несколько гектаров, и он (а не кит) является самым большим живым организмом на Земле.
Вычитал я это все в той же популярной книжке Стивена Фрая. Я знаю, что есть желающие вынести из библиотек и Фрая: гомосексуалист. За кощунниц вступался. Но я бы не спешил: Фрай тоже тот еще фрукт, но зачем стулья ломать и книжки жечь? Тем более, книга занятная, захватывающая и полезная. А в следующем издании неплохо бы разместить статью: «Убивал ли Грозный своего сына?» Самое место.
А картина пусть висит.
«А я не уберу свой чемоданчик!»
Не всегда положительные, но чаще всего невероятно обаятельные и фонтанирующие энергией - таковы герои Александра Панкратова-Черного, воплощенные им на большом экране. Сегодня Народному артисту РФ, режиссеру и просто хорошему человеку исполняется 65 лет!
Александр Васильевич Панкратов родился в Алтайском крае, в многодетной семье. С детства мечтал быть клоуном, в конце 70-х окончил Горьковское театральное училище, а затем режиссерский факультет ВГИКа, где и получил приставку «Черный» к фамилии.
Первой работой в кино стала роль в «Сибириаде» 1979 года, но своим самым любимым фильмом актер называет музыкальную комедию «Мы из джаза» (1984), где он в компании Игоря Скляра и других замечательных артистов раскрыл советскому зрителю суть музыки, рожденной в борделях Нового Орлеана.
В числе других полюбившихся зрителю ролей Панкратова-Черного можно назвать чечеточника из «Зимнего вечера в Гаграх» и пикапера-виртуоза из комедии «Где находится Нофелет?». Всего творческая биография актера насчитывает более сотни фильмов.
В одном из недавних интервью Александр Васильевич сказал, что своего возраста не чувствует: «Как был разгильдяем и шалопаем в молодые годы, так им и остался… Как снимался в комедиях, так и снимаюсь. Как писал грустные стихи, так и пишу».
Поздравляем любимого актера с юбилеем! Спасибо за все улыбки и хорошее настроение, которые по сей день дарят зрителю Ваши фильмы. Желаем Вам крепкого здоровья и неиссякаемого оптимизма!
О сексе нужно говорить либо красиво - либо никак. Потому что если не получается красиво, получается гадко. И кстати, это ведь касается не только секса. Это касается любой интимной темы. Да-да, интимные темы - это не только секс!
Если тема интимная, это по определению не для широкой публики. Но допустим, что многие понятия радикально изменились и мы уже давно не живём в 19 веке. (А жаль!)
Начинаем говорить, высказываться и получается всё больше навязчиво, пошло, грязно. А потому что читатель, слушатель, прохожий - ведь тоже имеет свои представления где заканчивается обсуждение идей и начинается выплёскивание ощущений. Уважать надо читателя, не надо его «кошмарить» личным опытом. Не по людски это.
А что же значит - говорить красиво о сексе? Когда-то один очень зарубежный, но не менее мудрый режиссёр сделал замечательное высказывание на животрепещущую тему: «В чём разница между эротикой и порнографией?» Вот что он сказал: «Эротика может рассказать обо всём, но не будет всего показывать. В порнографии это наоборот.»
Вот хотелось бы именно такого тонкого отношения и в попытках на литературу. Побольше красивых чувств и поменьше грязного белья.
(Продолжение следует…)
Голландский художник Морис Корнелиус Эшер
Голландский художник Морис Корнелиус Эшер родился 17 июня 1898 года в Леевардене, административном центре голландской провинции Фрисландия. Он был третьим сыном инженера
С 1907 года Морис учится плотницкому делу и игре на пианино. В 1912 - 1918 годах он обучается в средней школе. Оценки по всем предметам у Мориса были плохими за исключением рисования. Учитель рисования заметил талант у мальчика и научил его делать гравюры по дереву. В 1913 году Эшер в школе религии знакомится с парнем, по имени Бас Кист (он пошел туда по стопам родителей, хотя никогда не был особенно религиозен), который станет его лучшим другом. Оба интересовались технологией печати. В 1916 году Эшер выполняет свою первую графическую работу, гравюру на фиолетовом линолеуме - портрет своего отца
Все еще в надежде получить диплом архитектора в 1919 - 1922 годах юный Эшер учится в Школе архитектуры и орнамента в городе Гаарлеме, административном центре провинции Северная Голландия. Там он берет уроки рисования у Самюэля Джесерена де Месквита, оказавшего формирующее влияние на жизнь и творчество Эшера.
В 1921 году семья Эшера посетила Ривьеру и Италию. Очарованный растительностью и цветами средиземноморского климата, Морис сделал детальные рисунки кактусов и оливковых деревьев. Он зарисовал много эскизов горных пейзажей, которые позже легли в основу его работ.
Эшер начинает экспериментировать в новом для себя направлении и его гравюры по дереву издаются в юмористическом буклете «Easter Flowers», уже тогда в его работах встречаются зеркальные отображения, кристаллические фигуры и сферы. Первая печатная работа Эшера, продавшаяся большим тиражом, была «Святой Франциск (проповедь птицам)». В поисках новых идей Морис Эшер снова решает отправиться в Италию.
Италия и Испания
В апреле 1922 года Эшер с двумя друзьями покидает Арнем. Двое друзей после двухнедельного пребывания во Флоренции, вернулись Голландию, а Эшер отправился в Сан-Джиминано с сестрой одного из них. Там, а также в городах Вольтере и Сиене, он сделал серию зарисовок. Всю весну 1922 года он провел, странствуя по Италии, зарисовывая пейзажи, растения и даже насекомых. В Ассисси он встречает собрата по перу - голландского художника Герретсена, с которым периодически видится на протяжении нескольких следующих лет.
Вернувшись домой в июне, Эшер понимает, что уже не может работать в прежних условиях, и решает при первой же возможности вернуться в южную Европу. Он отправляется со своими друзьями на яхте, сэкономив деньги, ухаживая за маленькими детьми друзей. В этом путешествии Морис впервые видит феномен фосфоресцентного моря, который он позже продемонстрирует в картине с одноименным названием. В Испании Эшер присутсвует на корриде и посещает знаменитый мадридский музей «Прадо». Опоздав на экспресс, Эшер проводит 24 часа в поезде местного сообщения, чтобы добораться до Гранады. В Гранаде Эшер посещает Альгамбру, где знакомится с арабскими декоративными стилями и копирует один из них.
На корабле Эшер добирается из Испании в Италию. После небольшого путешествия по Италии, он несколько месяцев проводит в Сиене. В это время он очень интенсивно работает, в чем помогла «благословенная», по его же словам, атмосфера города.
В марте 1923 года Эшер продолжает работать и путешествовать. В конце месяца в пансион, где остановился Морис, приезжает семья швейцарского промышленника Умикера. Через несколько месяцев Эшер рисует портрет дочери - Джетты Умикер. Немного позже он понял, что влюблен, но не был уверен в ответных чувствах. В самый последний момент, когда Умикеры собрались уезжать, он решился признаться в любви и молодые были помолвлены.
В августе 1923 года в Сиене состоялась первая персональная выставка Мориса Эшера, но он уделил этому поворотному для любого художника событию совсем мало внимания. Он был увлечен Джеттой и в середине августа сделал ей предложение, а 28 августа прибыл в Цюрих для формальной встречи с семьей. Морис решил жениться и жить в Италии.
1924 год был очень насыщеным на события. В феврале прошла его персональная выставка в Голландии. 12 июня состоялась его свадьба в Виареджи в Италии. Молодожены посетили Геную, Аннеки и Брюссель. В октябре они отправлились во Францию, а затем вернулись в Италию. В путешествии Эшер изучал различные архитектурные стили Европы. В конце 1924 года молодожены купили строящийся дом в городке Фраскати недалеко от Рима. И хотя строительство дома было закончено в марте 1925 года, они поселились там только в октябре.
Чуть позже переезда в новый дом происходит несчастный случай с братом Мориса, который занимался альпинизмом. Брат погиб и Эшер отправился на опознание тела. После этой трагедии он создал знаменитую гравюру по дереву «Дни творения» (Days of Creation).
В июне 1926 года Эшер покупает новый строящийся дом больших размеров, чем предыдущий, в связи с прибавлением в семье. В конце июля рождился Джордж Эшер. О растущей известности Мориса Эшера говорит тот факт, что на крестинах сына присутствовали король Эммануэль и Муссолини.
Счастливая жизнь с женой и ребенком в Риме в конце двадцатых годов оказалась очень плодотворным периодом для Мориса. Его работы демонстрировались на многих выставках Голландии, а к 1929 году его популярность достигла такого уровня, что за один год прошли пять персональных выставок в Голландии и Швейцарии. Именно в этот период картины Эшера впервые были названы механическими и «логическими». На картинах изображались горные ландшафты, но встречались и коммерческие иллюстрации. Самая известная картина того периода - гравюра горной деревушки Кастровальвы, законченная в феврале 1930 года. Тогда же в 1930 году родился второй сын - Артур.
В конце 1930 и в 1931 году Морис много болеет и в работе происходит перерыв. Такие перерывы периодически возникают в течение всей жизни художника. Этот перерыв закончился его встречей в Риме с директором Голландского Исторического Института Г. Дж. Хугеверфом, который предложил написать статью о творчестве Эшера и опубликовать в ней несколько его работ. Отобранные работы издаются в виде книги Emblemata в 1932 году. В конце 1933 года Эшер пишет несколько литографий для книги ужасов The Terrible Adventures of Scholastica.
В 1934 году Морис Эшер получил третью премию за картину «Нонза, Корсика» (Nonza) на выставке в Чикаго. Институт искусств в Чикаго купил эту картину. Это была первая картина, проданная в Америке.
В этом году Эшер с семьей отправляется к берегу моря, а затем плывет в Бельгию.
Назад на север.
Летом 1935 года Эшер по делам прибывает в Гаагу в дом к родителям. Во время визита Эшер делает одно важное дело - рисует детальный портрет отца. Гравюра была закончена в августе и отпечатана только для членов семьи.
В августе 1935 года Морис с семьей переезжает в новый дом в Шато д’Э в Швейцарии. Джетта возобновляет свои занятия на пианино, а Эшер поступает в местный шахматный клуб. Дети наслаждаются снегом. В декабре Морис делает литографию фермерского дома на заснеженном склоне горы, но разочаровывается результатом. Его сын Джордж позже скажет, что отец тосковал по теплу Италии.
В начале 1936 года Эшер решает отправиться обратно в южную Европу. Он обращается в корабельные компании с предложением сделать картины кораблей и портов, обслуживаемых компаниями, в обмен на бесплатное путешествие. К его удивлению компания «Адрия» согласилась на его предложение, и в апреле Эшер отправляется в Триест, где в офисе «Адрии» был встречен с большим уважением и учтивостью.
На кораблях компании Эшер посещает Венецию, Анкону, Бари, Катанию, Палермо, Геную и несколько других итальянских и сицилийских городов. Джетта присоединяется к нему в середине мая. Во время путешествия Эшер делает большое количество зарисовок. В итоге были сделаны девять гравюр по дереву. Это было последнее большое путешествие по любимой Морисом средиземноморской Италии.
В июне после возвращения из путешествия по Средиземному морю семья Эшера посещает несколько швейцарских озер, а затем отправляется в Гаагу к родителям. Путешествие было очень удачным, и это было удачное завершение первой фазы карьеры художника. 1 сентября Эшеры возвращаются домой в Шато д’Э, и графические работы Эшера начинают постепенно приобретать другое направление.
Метаморфозы
К концу 1936 года Эшер заканчивает большинство гравюр для компании «Адрия». Также на основе эскизов путешествия он создает свою первую картину невозможной реальности Still Life with Street.
Тогда же в 1936 году он вторично посещает Альгамбру для детального изучения мавританских мозаик. Эта поездка и переселение из Италии усиливают изменения в творчестве художника.
В середине 1937 года семья Эшера снова переезжает на новое место жительства, на этот раз в Уккель - пригород Брюсселя. В октябре Эшер показывает своему брату Биру картину-мозаику, над которой он в тот момент работал. Бир, профессор геологии, был впечатлен работой и увидел в ней возможности применения идей Эшера в кристаллографии.
В 1938 году Эшер продолжает эксперименты с мозаиками и трансформациями. Он создает мозаику в виде двух птиц, летящих навстречу друг другу, которая легла в основу картины «День и ночь».
14 июня 1939 года в Гааге умер отец Мориса Эшера.
Несколькими месяцами позже Эшер начал работу над одной из самых важных своих картин. В 1937 году он создал гравюру «Метаморфозы», где показано, как один из блоков города превращается в человека. На новой картине «Метаморфозы-2» представлена последовательность 10 трансформаций. Это самая большая картина Эшера размерами 19 см на 3.9 м.
В мае 1940 года нацисты оккупируют Голландию и Бельгию, а 17 мая в зону оккупации попадает и Брюссель. В конце мая умирает мать Эшера. Из-за военных действий Морис опаздывает на ее похороны. Конец 1940 года уходит у Мориса на то, чтобы завершить дела матери, а также на оформление ратуши в Лейдене. Он и Джетта находят дом в Барне (Голландия) и переезжают туда в феврале 1941 года. До конца своих дней Эшер будет жить в этом городе.
Голландия, война, слава
1 февраля 1944 нацисты, преследовавшие евреев, арестовывают учителя Эшера - Самюэля де Месквита. Больше его никто не видел. Эшер помогает переправить работы де Месквита в амстердамский музей «Стеделик». Он оставляет у себя лишь один эскиз де Месквита, на котором остался отпечаток немецкого сапога. Этот эскиз Эшер хранит до конца своих дней. После войны в 1946 году Эшер устраивает мемориальную выставку, посвященную творчеству де Месквита в музее «Стеделик».
В 1946 году Эшер начинает интересоваться технологией глубокой печати. И хотя эта технология была намного сложнее той, которой пользовался Эшер до этого и требовала больше времени для создания картины, но результаты были впечатляющими - тонкие линии и точная передача теней. Одна из самых известный работ в технике глубокой печати «Капля росы» была закончена в 1948 году.
В 1949 году Эшер с двумя другими художниками устраивает большую выставку своих картин. В дополнение к выставке художники рассказывают и демонстрируют свою технику создания изображений. В ходе выставки были проданы некоторые работы Мориса Эшера, включая одну из огромных «Метаморфоз».
После публикации статей в двух журналах Эшер приобретает известность в Америке. Корреспондент журнала The Studio Израэль Шенкер берет интервью у художника в его доме в Барне. Интервью было сделано в конце 1950 года и опубликовано в начале 1951 года в журнале Time, а позже в журнале Life.
Эшер иногда создает модели некоторых объектов для своих картин из глины, дерева, проволоки и других материалов. Например, как рассказывает Джордж Эшер, при работе над знаменитой картиной «Рептилии» 1943 года, где маленькие крокодилы выползают из мозаики, проходят по книгам на столе и опять превращаются в мозаику, он вылепил фигурку крокодила из пластилина и располагал ее последовательно на столе среди других предметов, чтобы нарисовать всю картину. Также с использованием моделей создавалась картина «Дом лестниц», законченная в 1951 году.
Популярность
В 1950 году Морис Эшер обретает популярность как лектор. Тогда же в 1950 году проходит его первая персональная выставка в Соединенных Штатах.
27 апреля 1955 года Мориса Эшера посвящают в рыцари и он становится дворянином.
В 1956−57 годах художник заканчивает несколько своих самых известных работ, включая «Три мира». В это время продается большое количество его работ. Например, он получил чек от Вашингтонского дилера на сумму 2125 долларов за 150 его отпечатков. На сегодняшний день это не такая уж большая сумма (сегодня одна работа Эшера того времени стоит больше), но художник был благодарен и за это.
В 1957 году художнику предлагают сделать фреску в голландском городе Утрехте. В октябре 1958 года Джордж Эшер заканчивает университет и эммигрирует в Канаду.
В середине 50-х годов Эшер объединяет мозаику с фигурами, уходящими в бесконечность. Начав использовать этот прием в работе «Меньше и меньше», он продолжил его в картине «Водовороты» и так далее до своей последней работы «Змеи». До 1958 года Морис Эшер изображает объекты, уменьшающиеся по мере приближения к центру картины, а после 1958 года он изображает фигуры, уменьшающиеся по мере удаления от центра картины. Причем смена направления связана с изучением Эшером статьи профессора Коксетера из Оттавы, который проиллюстрировал систему образцов, уменьшающихся по мере удаления от центра. Интерпретация эффекта Коксетера наблюдается как минимум в шести работах Мориса Эшера.
В 1959 году Эшер встречается с профессором МакГиллаври, после этого художник выступает на международном конгрессе кристаллографии в Англии на тему симметрии. Также в 1959 году он получил копию статьи Лайонела и Роджера Пенроузов о невозможных фигурах. В статье упоминались некоторые ранние работы Эшера, но также было и кое-что новое. Картина «Восхождение и спуск» (1960) основана на знаменитой лестнице Пенроузов.
В начале 60-х годов вышла в свет первая книга с работами Эшера Grafiek en Tekeningen, в которой 76 работ прокомментировал сам автор. Книга помогла обрести понимание среди математиков и кристаллографов, включая некоторых из России и Канады. В августе 1960 Эшер прочитал лекцию по кристаллографии в Кембридже.
Последние годы
Математические и кристаллографические аспекты творчества Эшера становятся очень популярными. В 1965 году профессор Каролина МакГиллаври опубликовала книгу «Аспекты симметрии в творчестве М. К. Эшера».
В 1964 году Эшер снова отправляется в Америку, чтобы повидать сына и прочитать несколько лекций. Но он неожиданно заболел и после операции в Торонто они с женой вернулись в Голландию. Лекции, которые были полностью написаны Эшером, были изданы спустя 20 лет в книге «Эшер об Эшере».
Жена Эшера никогда не была счастлива в Барне и в 1968 году вернулась в Швейцарию, где и провела остаток жизни. Эшер остался в Барне и погрузился в работу. И, хотя здоровье его ухудшалось, он продолжал создавать гравюры по дереву.
В 1970 году после новой серии операций Эшер переехал в новый дом в Ларене (Нидерланды), в котором была студия, но плохое здоровье не давало возможности много работать. Он продолжает переписываться со многими друзьями по всему миру, включая школьного друга Баса Киста. Была издана исчерпывающая книга о жизни и творчестве художника. Эшер прожил достаточно долго, чтобы увидеть книгу «
Последняя работа, законченная Эшером - «Змеи».
В марте 1972 года самочувствие художника сильно ухудшилось. Вся семья собралась возле постели больного.
27 марта в возрасте 73 лет Морис Эшер скончался.
Творчество Эль Греко
В мировой истории живописи творчество Эль Греко занимает особое положение. Его трудно отнести к какой-либо из школ того времени, он не оставил после себя учеников, да и само его искусство с точки зрения необычных изобразительных форм не только вышло за пределы какой-либо национальной школы, но и далеко опередило свое время.
Итальянцы и испанцы называли Доменико Теотокопули Греком, под этим именем он и вошел в историю искусства. Само прозвище Эль Греко возникло от смешения двух языков, ибо по-итальянски оно должно было звучать как Иль Греко, а по-испански - Эль Гриего. Даже этот факт показателен для необычной судьбы художника, уроженца острова Крит, сформировавшегося в Италии и нашедшего в Испании не только вторую родину, но и почву, наиболее благоприятную для развития блистательного расцвета своего таланта.
Большую часть жизни художник провел в Толедо. Но прежде чем приехать на Пиренейский полуостров, он много лет работал в Итали Мировоззрение Эль Греко сформировалось в стране самой развитой гуманистической культуры.
Естественно, что его отношение к искусству было независимее, чем у современных ему испанских живописцев. Произведения Эль Греко, написанные на религиозные сюжеты, проникнуты философскими размышлениями о судьбах людей. В созданных образах он синтезировал свои представления о человеческих характерах.
«Возвышенная одухотворенность образов, мистическая экзальтация сближает искусство Эль Греко с маньеризмом и выражает кризисное состояние художественной культуры позднего Возрождения».
О жизни Эль Греко известно крайне мало, сведения о нем скудны и отрывочны. Мы не знаем ни одного его достоверного автопортрета, ибо все его изображения, включая портрет, представленный на главной странице сайта, предположительны.
Последующие поколения предали искусство толедского мастера забвению вплоть до начала XX века. Время не только стерло имя Эль Греко из истории искусств на несколько столетий, но и уничтожило напоминания о нем в городе, где прошла большая часть жизни художника: могила с прахом Эль Греко исчезла, дворец маркиза де Вильены, где он жил, был разрушен. Но осталось самое прекрасное - его картины.
Сальвадор Дали. Иллюстрации к «Божественной комедии» Данте Алигьери
Впервые в Санкт-Петербурге демонстрируются 100 иллюстраций (частного немецкого собрания) Сальвадора Дали к «Божественной комедии» Данте Алигьери, выполненные в технике ксилографии. Сюрреалистическая интерпретация к выдающейся поэме - одна из самых лучших работ в книжной графике.
Интерес к графическому оформлению возник в Европе в 60-х годах XX века, когда было модно иллюстрировать классические литературные произведения подобным образом. Графическими иллюстрациями занимались художники разных направлений: Сальвадор Дали, Пабло Пикассо, Марк Шагал.
Ксилография (от греч. хуlon - дерево и grapho - пишу) или гравюра на дереве - техника высокой печати, при которой изображение вырезается на деревянной доске таким образом, что удаляются те места, которые в оттиске должны остаться белыми. Затем на доску накатывается краска и делается оттиск. Главное преимущество гравюры на дереве заключается в очень большом количестве (до нескольких тысяч) четких отпечатков с одной и той же доски. В ХVI веке в Европе появилась и цветная гравюра на дереве: 1507 годом датирована цветная ксилография Л. Кранаха, а в 1516 году Уго да Капри получил патент на исполнение гравюры «кьяроскуро» (светотенью) - тональной ксилографии, основанной не на линии, а на пятне. «Кьяроскуро» печатали с нескольких досок, одна из которых, как правило, давала контурный рисунок, а другие - те части композиции, которые должны были быть выполнены в определенном тоне.
Ещё с юных лет Дали интересовался литературой и проиллюстрировал более 20 шедевров: «Кармен» Мериме, «Фауста» Гёте, повесть «Старик и море» Хемингуэя, а также многие другие произведения мировой классики. В 1951 году итальянское правительство заказало Дали серию иллюстраций к новому изданию «Божественной комедии». Дали со всей серьёзностью отнёсся к заказу и в течение нескольких лет работал над иллюстрациями.
К сожалению, мастер написал только 100 акварелей, поскольку к 1959 году в итальянском правительстве начались споры, и в итоге было решено, что Дали как сюрреалист «не достоин» оформлять «Божественную комедию». Но художник решил довести дело до конца и вскоре получил очень хорошее предложение от французского издателя Жозефа Форэ, для которого Дали в период с апреля 1959 года по ноябрь 1963 года изготовил около 5000 гравюр, повторяющих акварельную серию. Для того, чтобы изготовить гравюры, 55 месяцев трудились две французские мастерские. Было использовано 3500 деревянных досок, которые по окончании работ были все уничтожены во избежание создания копий. Дали лично разломал их об колено. Сегодня жители Санкт-Петербурга имеют уникальную возможность увидеть 100 работ Сальвадора Дали, которые иллюстрируют «Божественную комедию».
Фантен-Латур Анри французский импрессионист
Французский художник и литограф. Родился Анри Фантен-Латур 14 января 1836 года в Гренобле. Первым учителем Фантен-Латура был отец, портретист. Вместе с семьей в 1851 году Анри переезжает в Париж, поступает в мастерскую де Буабодрана. Но подлинных учителей Фантен-Латур находит в Лувре - Тициана, Веронезе, Ван Дейка, Ватто. Подружившись с художником Уистлером, Анри подолгу живет в Англии (4 раза за период с 1859 года по 1881 год), где приобретает известность. Сближается с прерафаэлитами, особенно с Россетти.
В 1863 году Анри Фантен-Латур принимает участие в «Салоне отверженных», с 1864 - регулярно выставляется в Салоне (официальном), вначале в основном портретами: «Эдуард Мане» (1867, Чикаго, Институт искусств), «Мадам Фантен-Латур» (Гренобль, Музей изящных искусств), «Две сестры» (1859, Антверпен, Музей), «Портрет четы Эдвардсов» (1875, Вашингтон, Национальная галерея искусства), «Чтение» (1877, Лион, Музей изящных искусств). Известность получили групповые портреты Фантена-Латура. Художник пишет людей искусства, близких ему по духу: «В честь Делакруа» (1864), «Мастерская в Батиньоле» (1870), «У фортепьяно» (1885, все - Париж, музей Орсе) и другие картины. Анри Фантен-Латур создает яркие индивидуальные образы и в то же время передает особую атмосферу творческого содружества - перед нами единомышленники.
- мастер натюрморта. Живописец с любовным вниманием, легким и точным прикосновением кисти выписывает лепестки, тычинки, листья цветов, от его букетов веет свежестью. Столь же хороши у него фрукты и ягоды: «Клубника и бокал вина» (1869, Гренобль, Музей изящных искусств), «Цветы в глиняной вазе» (1883, Санкт-Петербург, Эрмитаж), «Натюрморт» (1866, Вашингтон, Национальная галерея искусства).
В ранний период Фантен-Латур работал в традиционной манере, принятой парижским Салоном. Однако романтическое видение художника побудило его отказаться от канонов академизма. С 1865 года он выставляется вместе со своими друзьями-импрессионистами, включая Эдуарда Мане. Помимо натюрмортов Фантен-Латур известен своими композициями с фигурами. Одна из них изображает Эдуарда Мане и его друзей-художников перед портретом Эжена Делакруа. Порой художник обращается к миру аллегорий, фантастических идей и образов, изображая нимф, одетых в причудливые одеяния; нередко это как бы видения, навеянные музыкальными темами Шумана, Вагнера, Берлиоза - композиторов, которых любил Фантен-Латур. Аллегорическая композиция подобного рода - «Годовщина» (1876, Гренобль, Музей изящных искусств). Фантен-Латура связывала дружба со многими художниками-импрессионистами, хотя сам мастер работал в более традиционной манере. Фантен-Латур исполнил также серию литографий, служащих иллюстрацией к музыке Вагнера и других композиторов-романтиков. Скончался Анри Фантен-Латур 25 августа 1904 года в Буре, Орне
Латур Морис Кантен Великий портретитст
Великий французский портретист Морис Кантен де Латур, работавший преимущественно пастельными карандашами, родился 5 сентября 1704 года в Сен-Кантене (департамент Эна). В молодости Латур уехал в Париж, где обучался живописи у Клода Дюпуша. Приятная манера исполнения камерных пастельных портретов, отличавшихся достоверным сходством, вскоре сделала художника популярным. Работал Латур и в Париже и Сен-Кантене; около 1725 года уехал Великобританию, через несколько лет вернулся в Париж. Первые два произведения Латура (портреты его самого и жены живописца Буше), выставленные в парижском салоне 1737 года, доставили ему звание сопричисленного к Королевской академии художеств; в 1746 году Латур был избран ее действительным членом. В 1750 году по велению Людовика XV Морис Кантен де Латур удостоен чести быть первым «живописцем короля». Для творчества Латура характерны камерные, исполненные в технике пастели портреты, в которых тонкая градация оттенков показывает «жизнь души» модели в игре мимолетных мимических нюансов. В серии образов философов, художников, актрис, общественных деятелей «эпохи века Просвещения» художник Латур утверждал
достоинство деятельной и волевой личности, подчеркивая не только социальное положение портретируемых, но и их интеллектуальную активность. В 1766 году Морис Кантен де Латур посетил Голландию с целью ближе ознакомиться с творчеством Рембрандта, Рубенса и других фламандских и голландских живописцев. На протяжении долгой творческой жизни художнику Латуру позировали Вольтер, Руссо, д’Аламбер, король Людовик XV, маркиза Помпадур, Габриэль Бернар де Руэ, художники, актрисы, кардиналы, общественные деятели (портрет философа д’Аламбера, 1753, автопортрет - обе картины в Лувре, Париж). Лучшими картинами Латура, помимо вышеперечисленных, считаются портреты живописца Рету, проповедника Фиакра, президента де Рио, госпожи Салле, госпожи Буассиер, аббата Леблана, наследной принцессы саксонской, аббата Гюбера, самого художника, госпожи Леконт, Мармонтеля, Сильвии, польской королевы Марии Лещинской и некоторых других. Многие произведения Латура были гравированы выдающимися мастерами 18 столетия. Скончался Морис Кантен де Латур 17 февраля 1788 года в городе Сен-Кантен департамента Эна.
Гений французского Ренессанса Жорж де Латур
Открытие в XX веке наследия Жоржа де Латура не только обогатило представление о французской живописи первой половины XVII столетия, но и ввело в мировую историю искусств новую яркую творческую фигуру. Один из самых своеобразных живописцев долго оставался забытым. Знакомству европейской общественности с творчеством мастера способствовала выставка «Живописцы реальности во Франции XVII столетия», состоявшаяся в 1934 - 1935 годах в Париже, на которой было представлено двенадцать картин Латура. Она активизировала научные изыскания, однако и сегодня далеко не все проблемы, и в первую очередь хронология произведений Латура, могут считаться решенными. Не всегда ясны и биографические сведения о нем.
Жорж де Латур родился в многодетной семье булочника в Лотарингии, в городке Вик-сюр-Сей близ Нанси. Детство его прошло в ремесленной среде. В 1620 году, после женитьбы на Диане ле Нерф, происходившей из знатной семьи, художник по разрешению герцога Лотарингского переехал в Люневиль, где при герцогском дворе издавна работали мастера из разных стран. Архивные материалы рассказывают об активной коммерческой деятельности Латура и присущей ему практической хватке. Латур - свидетель жестоких и трагических событий на земле его родной Лотарингии, которая превратилась в арену ожесточенных сражений во время Столетней войны. Бедствия войны сопровождались ужасающим голодом и эпидемией чумы. В 1636 году Люневиль сгорел; вероятно, в огне погибли многие произведения живописца. Затем, по-видимому, он вместе с семьей переехал в Нанси. А в 1639 году, судя по документам, посетил Париж, где получил официальный титул «ординарного живописца короля». Существует рассказ (возможно, легендарный) автора XVIII века о том, что, когда Латур преподнес Людовику XIII своего «Святого Себастьяна» (картину, действительно, замечательную), король приказал убрать из своих покоев все другие полотна.
Картины Латура на бытовые и религиозные сюжеты немногословны, просты, подчас суровы. Жизнь в Лотарингии, сохранявшей в своей культуре местные, восходящие к Средневековью черты, наложила отпечаток на его искусство. Вместе с тем Латур - художник своего времени, глубоко чувствовавший то новое, что порождалось современной ему эпохой. Предположительно, он посетил Италию. Воздействие караваджизма он, вероятно, воспринял через фламандских караваджистов.
Латур любил писать картины больших размеров, наделяя крупные фигуры почти скульптурной объемностью. Группу его произведений составляют фигуры слепых музыкантов-рылейщиков, изображенных в рост, реже - поколенно. В руках они держат рыли - народные струнные инструменты, отчасти напоминающие гусли. Самый известный «Рылейщик» (Нант, Музей изящных искусств) еще Проспера Мериме поразил своей «низменной и жестокой правдой»; выразителен и мастерски написан изображенный в профиль слепой музыкант из собрания музея Прадо.
С такой же мерой суровой достоверности и интересом к народным типам художник писал святых и апостолов, похожих на нищих странников. В картине «Кающийся Святой Иероним» (Гренобль, Музей изящных искусств) видный богослов и христианский писатель IV века, один из учителей Церкви представлен Латуром как несломленный духом, но изможденный аскезой полуобнаженный старец.
Обращаясь к популярным караваджистским сюжетам - «Гадалка» (Нью-Йорк, Музей-Метрополитен), Шулер (Париж, Лувр), - живописец решал жанровые сцены сдержанно, без нарочитой развязности и отвлекающих внимание деталей. В картине «Шулер» каждый образ найден с поразительной точностью: наивный принаряженный юноша, коварная дебелая куртизанка, простодушная служанка и самоуверенный шулер, который приобщает зрителя к своей мошеннической игре. Главное здесь - не столько мимика лиц, сколько взгляды и жесты посетителей притона. Косой настороженно холодный взгляд куртизанки с ее набеленным, напоминающим маску плоским лицом определяет напряженный эмоциональный настрой картины. Звучные цветовые пятна четко выступают на темном глухом фоне.
Картина принадлежит к дневным сценам Латура, которые принято разграничивать от более многочисленных ночных сцен. Именно эти произведения принесли ему заслуженную славу. Приемы искусственного освещения, изображение свечи, факела, светильника - излюбленные у караваджистов. Но в искусстве Латура свет приобрел особое значение. Идущий широким потоком, рассеивая тьму, он подчеркивает строгую обобщенность композиций; под действием света загораются, бросая теплые рефлексы на лица, насыщенные сильным цветовым звучанием красные, коричневые, фиолетовые тона одежд. Свет у Латура - главное средство эмоционального воздействия картины, он создает впечатление торжественного величия, глубокой, подчас драматической содержательности происходящего. В полотнах нет активного действия; фигуры устойчивы, статичны, лица часто изображены в профиль. Ночные сцены написаны на религиозные сюжеты, но многие их них кажутся трактованными в жанровом духе. В каждом простом мотиве он стремится увидеть нечто возвышенное, важное, в явлениях жизни передать ощущение некоего таинства, и в этом волнующая привлекательность его искусства.
К шедеврам Латура принадлежат «Рождество» (или Новорожденный; Ренн, Музей изящных искусств) - одно из самых лиричных произведений мастера, «Поклонение пастухов», «Святой Иосиф-плотник» (оба - Париж, Лувр) и «Явление ангела Святому Иосифу» (Нант, Музей изящных искусств).
Вершина творчества Латура - «Святой Себастьян, оплакиваемый Святой Ириной» (Берлин, Государственные музеи). В безмолвии глубокой ночи, освещенные ярким уносящимся вверх пламенем факела, над распростертым телом пронизанного стрелой Себастьяна поникли скорбные фигуры оплакивающих его женщин. Художник передает не только общее чувство, объединяющее плакальщиц, но и оттенки этого чувства в каждой из фигур - оцепенелую застылость, скорбное недоумение, горький плач, милосердное сострадание. Художник нигде не допускает преувеличения, и тем сильнее воздействие его образов, в котором не столько лица, сколько движение, жесты, сами силуэты фигур обретают эмоциональную выразительность. Как красноречив, например, жест одной из женщин, разведшей руки в стороны, или скрещенные сухие пальцы другой, лицо которой почти целиком закрыто темным капюшоном. Взгляды женщин и основные композиционные линии направлены к телу Себастьяна. В его возвышенной наготе воплощено героическое начало, роднящее этот образ с созданиями мастеров французского классицизма.