Исповедь «Профессионала»
Жан-Поль Бельмондо, недавно отметивший 81-летие, вернулся на съемочную площадку. Знаменитый актер принимает участие в съемках документального фильма Режиса Мардона «Бельмондо глазами Бельмондо».
Любимец публики вспоминает свою богатую приключениями жизнь, а в роли интервьюера выступает сын Бельмондо, Поль. «Только не думайте, что это завещание, - подчеркивает актер. - Я не собираюсь умирать!» Сегодня Бебель, как называют Жан-Поля друзья, находится в отличной форме.
«Бельмондо глазами Бельмондо» станет главной картиной о великом актере. Ее покажут по французскому телевидению в начале 2015 года.
«Мне очень хотелось сделать этот биографический фильм, - признался 51-летний Поль парижскому корреспонденту „Культуры“. - Предыдущие документальные ленты об отце были удачными, но он не рассказывал в них ни о том, как проходили съемки, ни о своей карьере, ни о своих встречах. Папа понял, как это важно для истории и для него самого. Я единственный человек, кому он готов об этом поведать».
Кстати, Поль Бельмондо сыграл своего отца в молодости в двух фильмах Клода Лелуша - «Баловень судьбы» и «Отверженные». «У папы свои принципы, - говорит Поль. - Прежде всего, он хотел дать мне хорошее образование, научить трудиться, чтобы я мог чего-то достичь в жизни».
Для начала отец и сын Бельмондо отправились в Рим, где в 1980 году
Жан-Поль снялся в картине Жоржа Лотнера «Игра в четыре руки». В Италии их уже ждала актриса Урсула Андресс, которая в течение шести лет была спутницей великого Бебеля. «Жить с Бельмондо, - вспоминала она впоследствии, - это все равно, что пребывать в эпицентре циклона». «Я ужасно рад увидеть Урсулу и снова вернуться в Рим, который никогда не меняется», - говорит взволнованный Бельмондо. После Вечного города съемочная группа переедет в Ниццу. Там на киностудии «Викторин» в 1979 году шла работа над другим фильмом Лотнера - «Кто есть кто».
Одной из ключевых точек будущей картины станет Рио-де-Жанейро, где ровно полвека назад Бельмондо снимался у Филиппа де Брока в «Человеке из Рио». «Мечтаю побывать в Бразилии, куда последний раз приезжал лет 30 назад, - говорит Жан-Поль. - Правда, решил подождать, пока в стране улягутся страсти после чемпионата мира по футболу».
В Париже речь пойдет о судьбоносной ленте Жан-Люка Годара «На последнем дыхании», которая в 1960 году принесла Бельмондо мировую славу. Вспомнит он и свою карьеру на парижской сцене. В Монако актер расскажет об увлечении боксом, футболом, теннисом, а также вернется к фильму «Ангел на земле» Гезы фон Радваньи, где вместе с ним сыграла Роми Шнайдер.
В звездном маршруте значится и Алжир: актер намерен вспомнить о своих корнях. Именно здесь в 1898 году родился его отец - известный скульптор Поль Бельмондо. Несколько лет назад Жан-Поль создал под Парижем его музей.
«Жан-Поль до сих пор сохранил удивительную простоту и искренность, - рассказывает „Культуре“ биограф актера Филипп Дюран. - У него никогда не кружилась голова от успеха. Он не из тех, кто стремится непременно понравиться. Человек он непосредственный, бесхитростный, симпатичный и очень застенчивый. Жан-Поль - настоящий друг или, если хотите, старший брат, всегда готовый прийти на помощь. Все эти качества крайне редко встречаются в актерской среде».
Бронзовые путешественники Бруно Каталано
Вероятно, «воздушность» и «легкость» - термины, наиболее далекие от скульптуры, а уж тем более от скульптуры из металла. А вот французский скульптор Бруно Каталано словами и делом смог разрушить этот стереотип.
О скульпторе Бруно Каталано известно не так уж много, но даже при первом взгляде на его работы становятся понятны две вещи. Во-первых, это человек с очень оригинальным и нестандартным взглядом на мир. А во-вторых, он просто обожает путешествовать.
Бруно Каталано родился в 1960-м году на юге Франции. С ранних лет Бруно восхищался и любовался искусством, его страсть к прекрасному крепла с каждым годом, и уже к 1990 году он раскрыл свой необыкновенный талант скульптора. Скульптуры Бруно Каталано отличаются неподражаемым стилем, который с легкстью привлекает внимание критиков, ценителей искусства и обычных зрителей, заставляя задуматься. Бруно романтик в душе, в основе его работ лежит мечта об идеальном мире, где господствует любовь, красота и гармония, суть его работ неразрывно связана с элементами Земли и бытия. Человек - лишь путешественник в этом мире, и поэтому больше всего художника вдохновляет именно тема путешествий, это видно невооруженным взглядом. Из-под руки мастера вышло уже больше сотни путешественников, которые держат в руках сумки и чемоданы и куда-то спешат, а пункт назначения известен только им одним.
Эти неподражаемые работы, со своими разорванными телами и пустотой внутри, как будто приглашают зрителя самостоятельно воссоздать их структуру. И с этой точки зрения художник склоняет нас взглянуть на свою собственную судьбу: что-то в ней видно, а что-то еще нет, но мы можем сами воссоздать необходимое. С помощью своих скульптур Бруно Каталано воспроизводит жизненный путь человека, его путешествие в этом мире: всегда между двух берегов, вопреки всем границам.
Я всего лишь простой путник,
потерявший страх потеряться.
Я уверен, что далек от совершенства.
Можете назвать меня безумцем,
можете смеяться над моими идеями,
неважно!
Важно то, что я просто путник,
Мечты продаю всем встречным.
Нет у меня ни компаса, ни плана,
нет ничего, и есть все.
Я всего лишь простой путник -
в поисках самого себя.
С тех пор, как он начал месить глину, из-под его не знающих усталости рук вышло уже несколько сотен путешественников. Они стоят, сжимая в руках сумки, кейсы, чемоданы, и готовятся к отбытию в пункт назначения. При этом работы Каталано - не цельные фигуры: у всех отсутствует средняя часть туловища. Что хотел сказать таким приемом автор? Возможно, смотря «сквозь» путешественника, зритель сможет увидеть те края, которые он покинул, и понять, что заставило его отправиться в дальний путь? Скульптор оставляет этот вопрос открытым, предлагая каждому найти на него ответ самостоятельно.
Большинство памятников, которые мы видим, совершенно не запоминаются: памятник или «сидит», или «стоит», или вообще в виде бюста.
Поэтому что-то неординардое впечатляет.
Воздушность и легкость - не слишком подходящие характеристики для скульптуры из металла. Французский скульптор Бруно Каталано разрушил этот стереотип оригинальными работами, создав образ путешественника, который и стал его визитной карточкой.
Его работы однозначно необычны, хоть и представляют собой «театр одного образа», образа путешественника.
Его путешественники - это фигуры со странной пустотой внутри. Удивительно пойманное равновесие и эффект легкости металла привлекают внимание и поражают своей парадоксальностью.
Что хочет сказать автор? Что путешественнику, чтобы полностью открыться для новых впечатлений, следует отпраляться в путь налегке, лишь с легким чемоданом? Или что посещаемые нами места проходят сквозь нас так же, как местные пейзажи просматриваются через его скульптуры? А может быть, он намекает на то, что современные, вечно куда-то спешащие люди представляют собой лишь ноги, голову да чемодан в руке, без целостности внутри, без ощущения внутреннего дома.
Все ли мы так пусты внутри? Что эта за пустота? Готовность к новому или отсутствие внутреннего стрежня и душевная ущербность?
Сейчас работы Бруно Каталано становятся все более востребованными на выставках и фестивалях искусства, привлекая внимание критиков и коллекционеров своим ярким и необычным стилем. Их можно найти в частных и государственных коллекциях, в коллекциях крупных корпораций и музеях современного искусства, на выставках во Франции, Англии, Китае, Бельгии, Швейцарии и Соединенных Штатов. Некоторые его вояжеры расположились в крупных торговых центрах и на улицах Парижа.
И в зависимости от окружающего пространства его скульптура меняется точно так же, как меняется человек, помещенный в новую для него среду.
Съедобные пейзажи Карла Уорнера
«Foodscapes» - так Карл Уорнер (Carl Warner) назвал свой стиль, что переводится как ландшафты из еды (пищи).
Родившись в Ливерпуле (Англии) в 1963, он переехал в Кент в возрасте семи лет, где проводил часы в своей комнате и создавал миры в своем воображении, вдохновленный художниками, такими как Сальвадор Дали, Патрик Вудруф, Роджер Дин, Хипгнозис. Карл Уорнер свою карьеру, учась в художественном колледже на иллюстратора, поскольку очень хорошо рисовал, но в процессе обучения обнаружилось, что его идеи и творческий потенциал лучше подходили для фотографии. После годового курса в Мейдстонском Художественном Колледже он поступает в Лондонский Колледж Печати в 1982, чтобы пройти трехлетний курс для получения степени в фотографии, кино и телевидении. В 1985 он уезжает, чтобы заняться рекламной фотографией с различными фотографами. Поначалу Карл Уорнер зарекомендовал себя как известный фотограф натюрмортов, но ему этого было мало. Он начинает расширять свои познания в фотографии и пробует все больше и больше жанров, вырабатывая на протяжении десяти лет свой собственный стиль, пейзажи из пищи! Он создает красивые сюрреалистические ландшафты с использованием настоящих продуктов питания, используя свежие фрукты, овощи и мясо.
Сам фотограф сравнивает свои снимки с творениями Вилли Вонки из фильма «Чарли и Шоколадная Фабрика».Уорнер говорит, что его новые снимки должны вдохновить детей на здоровое питание. «Свою работу я использую, как средство, чтобы заставить детей задуматься, что они едят, - говорит он. - Дети смотрят на кучу чипсов и кетчуп и думают „ням-ням“, но стоит показать им, скажем, спаржу, как они начинают кривить лица»."Но стоит сделать из спаржи ракету или башню на сказочном замке, и она уже не кажется такой невкусной".
Свои работы Уорнер начинает так: сначала он воплощает свои идеи на бумаге. Затем он покупает нужные продукты и пару-тройку дней собирает их с помощью булавок и суперклея. Затем он фотографирует предмет, а также задний фон, после чего создает единую фотографию в специальной программе. Он говорит, что его работы вызывают в памяти взрослых «воображение детей». Однако это также привело к тому, что он начал получать письма от разгневанных людей, в которых они обвиняли его в том, что он впустую переводит еду, когда столько детей в мире голодает. Многие больницы, диетологи и благотворительные организации используют его снимки, чтобы помогать людям. Поэтому Карл Уорнер говорит:"Я не считаю это напрасной тратой продуктов".Карл выпустил книгу со своими иллюстрациями под названием «Мир еды».С 11 ноября в Westfield - Stratford City в Лондоне (Великобритания), можно увидеть некоторые работы автора на выставке
Художник Нил Саймон. Иллюзии
На картинах британского художника Ника Саймона все не так, как кажется на первый взгляд.
«Для меня мир вокруг - это череда хрупких и постоянно меняющихся форм, теней и границ», - говорит Нил. И на его картинах все действительно иллюзорно и взаимосвязано. Границы смываются, а сюжеты перетекают друг в друга.
Уже более 40 лет Нил Саймон с супругой живет в маленьком городке в Северном Йоркшире и пишет маслом интригующие и двусмысленные картины. Художник признается, что его вдохновляют вполне обычные вещи - смена времен года, дня и ночи, света и тьмы. Остальное дорисовывает фантазия.
Картины Нила Саймона, которые обманут ваши глаза и раздвинут границы восприятия мира.
Боди-арт Гвидо Даниэле
Художник Гвидо Даниэле, родившийся в 1950 году в Соверато сейчас живет и работает в Милане. Окончив в 1972 году школу искусств в Бреа по специальности скульптура, он уехал и Индию, где изучал традиционную живопись до 1974 года.
Даниэле предпочитает работать в стиле гиперреализма, он очень востребован в рекламной индустрии, как в Италии, так и по всему миру.
Много экспериментируя с различными техниками живописи, наибольшую известность он приобрел благодаря своей гиперреалистичной технике боди-арта.
В 1990 году он даже разработал собственную технику нанесения краски на тело, которая стала очень востребована в рекламе, видео-роликах, модных показах и выставках.
Его «конек» - изображения животных и птиц в технике боди-арта на руках.
В 2007 году Даниэле получил титул «Герой года» на телеканале Animal Planet.
Гвидо Даниэле даже основал свой собственный ручной театр, где соединил теневую технику с живописью, положив начало новому направлению в современном искусстве - биоморфному боди-арту.
Пожалуй, на Земле осталось уже не так много животных, которых Даниэле еще не изображал на своих моделях.
Сам художник называет свои творенья «Handimals» (соединив англ. hand и animals), то есть «Рукозвери».
«Рукозвери» Гвидо Даниэле произвели настоящую сенсацию в интернете, появившись в нем несколько лет назад.
Современные российские художники. Роман Величко
Современный российский художник Роман Величко родился в Бийске. В 1993 году окончил факультет летательных аппаратов авиационного института в Харькове. Более 15 лет он работал в качестве графического дизайнера.
Большая часть его картин наполнена духом романтики, стремлением соединить философию с искусством, выражением свободы рационализма, использования символов современности, независимо от требований времени. Каждая из его работ является выражением уникального эмоционального состояния, которое заставляет зрителя глубоко погрузиться в собственные мысли и даже, виртуально, поучаствовать в развитии сюжета. Творчество художника это отражение собственного внутреннего мира, сочетание вдохновения и навыков. Художник о себе: «Творчеством начал заниматься, учась на третьем курсе Харьковского авиационного института в 89 году. Скажу сразу, что художественного образования у меня нет, однако работы мои людям в подавляющем большинстве нравятся. Естественно, заниматься этим нравится и мне самому, иначе и быть не может. Жаль, только что на сегодняшний день это больше хобби, поскольку работаю дизайнером в рекламной фирме уже 16 лет. Вообще, судьба по жизни ведет меня по художественному пути.. Поэтому верю, что встречусь с людьми, которым интересно мое творчество и перестану заниматься изготовлением вывесок, тем более, что есть и хорошая мастерская, которая, увы, пустует. Хочется уделять этому занятию все свое время, ведь работая постоянно, а не урывками, можно сделать работы еще более интересными и содержательными. Искусствоведы называют мой стиль» Романтический реализм". В основе каждой работы, на мой взгляд, лежит идея. Реализация бывает разная, иногда делаю 3−4 работы, пока не раскрою замысел.
Искусство - высшая форма удивления перед бессмысленностью жизни.
Внутри МКАД жизни нет?
Художник Владимир Манюхин пытается представить, как будет выглядеть столица после конца света
Его работы бьют все рекорды по популярности в Интернете. Действительно, картины удивительно реалистичны. Только в жизни такого не увидишь. К счастью. Художник компьютерной графики из Подмосковья Владимир Манюхин уверен, что его постапокалиптические творения вселяют веру в то, что человечество выживет, несмотря ни на что.
- Пусть у меня изображен разрушенный мир, но в нем тоже остались люди, - поделился с корреспондентом «КП» видением своих страшных пейзажей сам Владимир.
Манюхин - типичный отшельник и трудяга. Он не устраивает выставок, не имеет своего сайта и равнодушен к авторскому праву. А все началось с увлечения голливудскими фильмами-катастрофами.
- Иногда я смотрел на картинку на экране и думал, что могу сделать не хуже, - вспоминает Владимир. - А порой - что и лучше.
Сказано - сделано. Сейчас Манюхин иллюстрирует фантастику, работает в кино (он рисовал Москву 30-х годов для фильма «Шпион» по Борису Акунину) и сотрудничает с создателями постапокалиптических компьютерных игр. Так, совсем недавно «разрушил город, похожий на Волгоград».
- По-моему, самые впечатляющие твои работы - заброшенный Кремль и храм Христа Спасителя. Так ненавидишь Москву?
- Столица - неплохой город, но жить там я бы не хотел. С удовольствием гуляю по белокаменной, но порой чувствую себя тут неуютно. Не пророчу, что на Москву когда-нибудь упадут ядерные бомбы. Просто захотел представить, как этот город могли бы увидеть археологи через пару сотен лет. Почему-то кажется, что когда-нибудь люди уйдут отсюда.
Когда погаснут свечи на балконе,
По-королевски скрипка скажет «ля»,
Тогда все ноты здесь. И вот, как на ладони
Маэстро - всегда блестящие глаза.
Момент. Да помолчите.
Здесь сейчас свершится акт.
Акт чуда. Мне говорит об этом вечер.
Дыхание. Сердцебиение. Вот он - долгожданный такт.
Моя струна задета точно,
В строй черно-белым лошадям.
Вот звук. Аккорд. Все громче, громче
Несется форте в полный зал.
Маэстро весь в поту - изнемогает,
В нем тайна, вон, как лезет вверх.
Держать, пустить. Лишь только время знает,
Оно и держит крепко всех.
Всем тихо. Точно. Здесь теперь пиано.
Сейчас святые ангелы опустятся с небес,
Услышать звуки вечной Божьей славы
Теперь у белой флейты здесь венец.
Отплачут, как положено, гобои.
Кларнеты бархатом зальют весь дом.
Фагот останется один, и что же И он введет в сердечный, сладкий сон.
Маэстро будет биться и сдаваться.
Вот только хочется всем тайну разгадать.
А время плавно льется, льется,
Придется все валторне подтверждать.
Да. Есть тайна. Есть предназначение
У этой музыки, что кружится вокруг.
Последние аккорды. Последнее волнение.
Все просто. Время… замирает вдруг…
Что для вас искусство? Музыка, живопись, театр, архитектура, литература, хореография и др. А ближе к нашему времени - цирк, кино, фотоискусство, графика и др.
Вот представьте, если бы все это исчезло, исчезло за ночь. Мы просыпаемся, однажды, утром, а искусства нет. Быть может, мы даже сразу и не поймем этого, и вроде будет все как обычно: ванная комната, завтрак, составление планов на день и суета, вечная суета.
Но, что, как вы думаете, даст понять нам, что искусства больше нет? Может нам не будет сильно плохо без телевизора, интернета и радио (это первое, что приходит мне на ум, касаемо утра). А дальше? Все забудут слово «наушники», у кого-то в машине не будет любимой музыки, а кто-то не услышит новости по радио в автобусе. Во всем мире вы не найдете ни одного музыкального инструмента, всем «медведь наступит на ухо» (даже тем, кто поет только тогда, когда его никто не слышит).
Никаких объявлений, выставок, музеев, достопримечательностей. Просто представьте, что ночью взорвали все театры, памятники, клубы, школы, колледжи, училища и академии, в которых обучают разным видам искусства, магазины-бутики (так как некоторые вещи тоже, отчасти, являются произведением искусства), а также кафе, бары и рестораны (а разве кулинария не искусство?). Во всех городах просто не было бы так называемого «центра города» и некуда было бы отвести гостей с других стран. Только подумайте, во всех домах просто бы исчезли за ночь все книги, журналы, газеты, картины, статуэтки, подаренные на новый год или день рождения, дорогая и красивая посуда, барные стойки, настольные игры, кассеты и диски, которые вы храните несколько десятков лет потому, что «рука никогда не поднимется» выкинуть их.
Что влияет на нас? Окружающий мир? Конечно. Это то, что мы чувствуем, видим, слушаем и слышим, наши отношения с другими людьми, наши мысли.
Когда у человека проблемы, серьезные проблемы, он не пойдет в театр на оперу или выставку картин современного художника. Да, это так. Люди просто «с головой погружаются» в них и ищут любые способы решения. А есть проблемы, которые находятся внутри человека. Правильно ли это: погружаться в них с головой? Или их решение может неожиданно прийти во время прослушивания музыки или просмотра картин. Знаменитый Альберт Эйнштейн, например, брался за скрипку, обдумывая сложные проблемы. Импровизировал, а потом резко останавливался и говорил «Я понял!». Решение проблемы приходило к нему посреди исполнения музыкального произведения. Если бы все искусство исчезло за ночь, соответственно, с ним бы исчезли и его представители. Мы никогда бы не прочитали историю трагической любви Пушкина «Евгений Онегин», не узнали бы, что истина рядом и она проста от Булгакова «Мастер и Маргарита», не услышали бы Божественную арию Баха из оркестровой сюиты 3, не восхищались бы столь актуальной оперой «Кармен» Жоржа Бизе, не замирали бы от «Моны Лизы» Леонардо да Винчи. Не было бы таких революционеров и создателей, как Альберт Эйнштейн, упомянутый ранее, Клод Дебюсси, Эдуард Мане, Мартин Лютер, Чарльз Спенсер (Чарли Чаплин), Коко Шанель и многих других. Согласитесь, сложно представить что было бы, и кто был бы. Но это положительные стороны. Поговорим об отрицательных.
В мире существует великое множество бед и несчастий: голод, войны, убийства, беженство, насилие, аборты
У каждого есть свое призвание, ведь кто-то должен быть учителем, строителем, водителем, художником, музыкантом, врачом. Но я думаю, искусству есть место в этом мире. Я оставлю вам время на размышление, что все-таки было бы, если бы все искусство исчезло за ночь или как было бы. Лично для каждого, что бы изменилось или не изменилось. Кто такие эти представители искусства? Сумасшедшие или поцелованные Богом люди. Всю свою жизнь, посвятившие искусству или «умные не по годам». Кто мы? Ты и я? Я считаю себя представителем искусства, оно занимает большое место в моей жизни, и если ты тоже относишь себя к этой сфере, то знай: искусство коварно - чем выше поднимешься, тем больнее падать. Слава, деньги, удача притягательны, это постоянно будет соблазнять и подкрадываться, чтобы в конце концов искусить. Но выбор всегда за тобой. Я знаю, что все будет так, как надо! И логика подсказывает мне: если искусство существует - значит у него есть особое предназначение в этом мире и мы, как представители, должны четко принимать и осознавать всю важность и ответственность нашего выбора. Помни: будущее зависит от нас. От тебя и от меня.
Прерафаэлиты. Данте Габриэль Россетти.
Данте Габриэль Россетти родился в мелкобуржуазной интеллигентской семье. Его отец Габриэль Россетти, карбонарий, бежавший в 1821 году из Италии, стал профессором итальянского языка в King’s College, его мать Фрэнсис Полидори. В 1850 Россетти опубликовал свое первое стихотворение «Небесная подруга» (англ. The blessed damozel), навеянное «Вороном» Эдгара По. Большинство других стихотворений Россетти относится к 60 - 70-м гг.; они были изданы под общим заглавием «Ballads and sonnets» (Баллады и сонеты) в 1881. Сестра Габриэла, Кристина Россетти, также была известной поэтессой.
В 1848 году, на выставке Королевской Академии художеств, Россетти знакомится с Уильямом Холменом Хантом, Хант помогает Россетти закончить картину «Детство Девы Марии», которая была выставлена в 1849 году, и он же знакомит Россетти с Дж. Э. Милле. Вместе они основывают Братство Прерафаэлитов. Хант, Милле и Россетти сознательно бросили вызов общепринятым взглядам; они создали свой манифест и опубликовали его в собственном издании «Росток». Впоследствии Россетти отходит от прерафаэлитизма.
С 1854 по 1862 год он также преподавал рисунок и живопись в первом в Англии образовательном заведении для низших классов общества. При этом оказался превосходным преподавателем и студенты его боготворили.
Элизабет
Огромное влияние на его жизнь и творчество также оказали знакомство, женитьба и последующая смерть (по одной из версий - самоубийство) жены, поэтессы Элизабет Сиддал (англ. Elizabeth (Lizzie) Siddal).
Когда они познакомились, Лиззи уже была больна туберкулёзом. Она была его ученицей, моделью и возлюбленной. Россетти сделал множество зарисовок с Элизабет, некоторые из них потом послужили эскизами для его картин. Они прожили вместе почти десять лет, но поженились только 23 мая 1860 года. После рождения в мае 1861 года мёртвого ребенка, её здоровье окончательно пришло в упадок. Она начала принимать в больших количествах лауданум.
Меланхоличная и больная туберкулёзом, Лиззи умерла через два года после женитьбы (11.02.1863) от передозировки лауданума, спиртовой настойки опиума. Ей посвящено одно из лучших полотен Россетти - «Беатриче благословенная» (Beata Beatrix, 1864−1870). Беатриче изображена сидящей, она пребывает в полусне, похожем на смерть, в то время как птица, вестник Смерти, кладет ей на ладони цветок мака.
Россетти в приступе горя, терзаемый чувством вины, что отдавал слишком много времени работе, похоронил вместе с Элизабет рукописи с большим количеством своих поэм. В 1870 году он добился разрешения на эксгумацию трупа и достал стихи, чтобы опубликовать их в своём первом собрании сочинений. Сборник появился в 1870 году.
Последние годы жизни
В 1871 году Россетти снова влюбился. Это была жена его друга Уильяма Морриса. Они стали любовниками и Джейн много позировала Россетти.
Со временем образ жизни поэта становится замкнутым, и его видели лишь самые близкие друзья. Поздние годы Россетти отмечены все более болезненным настроением, он стал склонным к алкоголю и хлоралгидрату, жил жизнью затворника.
В июне 1872 года сделал попытку самоубийства, выпив целую бутылку настойки опиума. Выжил. Но начал страдать манией преследования и какое-то время считался безумным. Несмотря на это, Россетти продолжал работать и писать, у него было много последователей как в художественном искусстве, так и в поэзии.
С 1881 года он начал страдать галлюцинациями и приступами паралича. Его перевезли на морской курорт Берчингтон-он-Си и оставили на попечение сиделки. Там он и умер 9 апреля 1882 года.
Наиболее известны картины Россетти позднего периода. Их основными чертами являются эстетизм, стилизация форм, эротизм, культ красоты и художественного гения. Практически во всех этих работах присутствует одна и та же модель - возлюбленная Россетти Джейн Бёрден, супруга Уильяма Морриса. С ухудшением душевного здоровья Россетти увеличивается его зависимость от Джейн, он был одержим ею и посвятил ей огромное количество полотен, обессмертив её имя так же, как и имя Элизабет Сиддал. Среди самых известных его работ - «Дневная греза», «Прозерпина» (1877), «Вероника Веронезе» (1872). Кроме того он много работал как иллюстратор и оформитель книг, выполнял (сотрудничая с У. Моррисом) эскизы для витражей и панно, обращался к фотографии, монументально-декоративной живописи.
Карандаш
Ожившие вещи Гильбера Леграна
Веселый и жизнерадостный художник из Франции Гильбер Легран (Gilbert Legrand) видит жизнь и вдохновение в простейших вещах: в инструментах, сантехнике, ложках, вилках, обыденных предметах интерьера…
Мысли Леграна материальнее некуда. Он «оживляет» все подряд. И даже создал «Большое шоу мелочей», которое регулярно пополняется новыми работами.
Столько юмора и оптимизма, аж жить хочется. Причем идеи-то не изъезженные. Некоторые можно реализовать и пользоваться предметами как обычно. Берешь акриловые краски и вперед!
Легран регулярно организует выставки, где демонстрирует свои инсталляции. Есть и другие проекты, которые тоже пользуются заслуженным успехом. В них прослеживается основная идеология автора: через тернии к звездам. Все вещи должны раскрывать свою красоту.
На основе фотографий вещиц создаются открытки, которые стоят от 2 до 10 евро. И их охотно покупают. А сами вещи Легран не продает. Цена открыток высока потому, что Легран продумывает сюжетную линию для серии открыток, например, есть у него серия под названием «Гипноз», где изображены разрисованные инструменты, с помощью которых легко заворожить, сбить с толку человека. По иронии, основой для предметов взяты довольно специфические аксессуары: щетка, бур, фонарик…
Надо полагать, что бур и щекочущая щетка не хуже справятся с задачей выведения кого-то из равновесия. А рисунок на открытке делает щетку, например, полем, на котором косят сено. Ведь можно вечно смотреть, как другие работают: вот вам и гипноз.
Остроумие автора просто поражает. К чему ни прикоснется, во всем видит идею, и ведь не банальщину какую-то, а действительно тонкую и наполненную смыслом.
Роковая Женщина
Представляю Вашему вниманию по-настоящему классный видеоролик от французского режиссера Dent de Cuir. Это как раз тот случай когда после просмотра не возникает сожаления о потраченном на него времени. Интересная идея, оригинальное исполнение и… неожиданный финал. Кстати, мужчинам с тонкой душевной организацией и ранимой натурой это видео лучше не смотреть)). Впрочем, как всегда судите сами…
Всем приятного просмотра!
Застывшее танго художника Хэмиша Блекли
Ощущение сжатой пружины, огромной страсти и потрясающая энергия заключены в картинах современного британского художника Хэмиша Блекли (Hamish Blakely). Трудно оставаться равнодушным, вглядываясь в эти застывшие и полные страсти образы.
А началось все в далеком детстве мальчика, в жилах которого текла горячая ирландская кровь. Он родился в семье театральных актеров и каждый его день был полон чудесных образов и невероятных превращений. По словам Хэмиша «Это была среда, в которой мои братья и я, казалось, были просто обязаны сделать что-то необычное. Я очень благодарен за это».
И ребенок увлекся, но не театральным действом, а рисованием: рисунки, эскизы, наброски - это все попытки маленького Хэмиша показать красоту мира, который его окружал.
К тому моменту, когда его отправили учиться в Уимлдонскую школу искусств, он рисовал очень и очень прилично. Очень долго все его рисунки были исключительно в черно-белой гамме, но когда ему было 18 лет, он рисовал отца и решил сделать портрет в цвете. Это было совершенно новое ощущение владения цветом: «Это изменило все. Картина заменила рисунок полностью».
После школы был Кингстонский Университет.
Хэмиш начинает работать иллюстратором. Работа совершенно не сложная, но молодой художник вкладывает в нее столько сил и таланта, что очень скоро получает национальную премию.
«Искусство в любой форме, в любых средствах массовой информации, может выражать множество вещей… Оно может быть интеллектуальным, концептуальным и политическим, но я твердо верю, что искусство в своих лучших проявлениях, всегда просто эмоция. Вы видите что-то, и вы чувствуете. Перед анализом или полным пониманием, зритель может просто наслаждаться эмоциональными ощущениями».
Акцентируя реализм в своих картинах на силу человеческого тела, его пластических возможностей, он убирает в тень то, что остаётся эфемерным и призрачным, не имеющим значения в данный момент. Энергетически потенциал полотен выявляет не только анатомическое строение фигур, но и внутреннее напряжение. Танго - танец страсти, неприкрытых эмоций, огненных движений и сочетания плавности с резкостью. Именно этот танец становится лейтмотивом многих картин художника, а на них мы видим портрет одной и той же натурщицы. Это жена художника Гейл, в которую он безоглядно влюблён и благодаря которой стал ценителем и живописным певцом танго.
Посмотрите и вы не останетесь равнодушными.
Пленник красоты
175 лет назад родился выдающийся русский художник Константин Маковский
Красивый человек красив во всём - так и хочется перефразировать известную формулу, как только видишь облик и многочисленные работы Константина Маковского, и сейчас удивляющего и радующего зрителя своим художническим мастерством и эстетическим вкусом. «Если кто из художников был популярен на Руси - то это именно он. На него, быть может, не молились, его не называли богом, но его все любили, и любили самые его недостатки - то самое, что сближало художника со своим временем» - так отозвался о своём современнике А. Бенуа. Но были у художника и завистники - как свидетельство таланта, известности, семейного счастья с тремя красавицами-жёнами, славы, богатства, обеспеченных высокопоставленными заказчиками, в числе которых и члены императорской фамилии.
Будущий академист рос в атмосфере известного в 1840-е на всю Москву салона, где бывали драматург А. Островский, художники С. Зарянко, В. Тропинин, братья Брюлловы. Его отец - один из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества, куда мальчик поступил в 12 лет. В Академию художеств в 1858-м Маковский пришёл с желанием посвятить своё творчество самому высокому роду живописи - исторической. Успешный студент в 1863 г. участвует в знаменитом «бунте четырнадцати», уходит из академии, став учредителем Товарищества передвижников. Через 50 лет Маковский оказался единственным «бунтовщиком», дожившим до юбилея смелой акции. В духе передвижников им написан ряд картин («Бедные дети», «Не по силам ноша»), но передвижником Маковский так и не стал, в их выставках не участвовал, а в академических - всегда, получая и на Родине, и за рубежом награды за мастерство, например, кавалерский крест ордена Почётного легиона. Традиции академизма были всё-таки ближе его натуре - тонкие в исполнении портреты, любовь к яркому колориту, склонность к старинным сюжетам и экзотике, удалённость от «злобы дня» относят Маковского к «легкомысленному» салонному искусству. Однако талант художника-режиссёра проявился в масштабных полотнах («Народное гулянье во время масленицы на Адмиралтейской площади в Петербурге», «Минин на площади Нижнего Новгорода, призывающий народ к пожертвованиям», 1896−1897), а свойственные его творчеству романтичность и даже сентиментальность во многом предвосхитили русский символизм и модерн, воспевающие нереальную ускользающую обречённую красоту… «Жизнь так красива, когда её берёшь полной горстью!» - восхищённо посоветовал художник всем нам.
Маковский погиб внезапно, в 76 лет: в сентябре 1915 г. его изящную пролётку сбил трамвай (символ нового времени). Уникальная коллекция антикварных и редких предметов, которые он собирал всю жизнь, используя в своих работах, была распродана вдовой на аукционе за 285 тысяч рублей, канувших в грядущей революции…