Михаил и Инесса Гармаш. Портреты живопись
Относительно редко встречаются среди действующих художников семейные пары. Еще реже встречаются гармоничные семейные пары. И уж крайне редко те, кто подписывают плоды совместного творчества общей подписью. Всякое подобное семейное взаимодействие искренне радует. Здесь тот самый необходимый пример правильных взаимоотношений мужчины и женщины на общем «нормальном» фоне их частых повсеместных взаимных упреков и претензий. Образец поддержки и творческого взаимообогащения, вместо привычных взгляду и уху ругани между женщиной и мужчиной, доказыванием однобокой позиции «кто лучше». В данном случае лучше идеальное Единство, проистекающее от взаимодополняющих природой созданных двух Начал…
Биография Михаила и Инессы Гармаш
Михаил Гармаш родился в городе Луганске, что на Украине, в 1969 году. Рисовать начал уже с трех лет, а с шести лет начал свое художественное образование. Отправной точкой профессионального художественного пути стал Луганский Юношеский Центр Творчества. Из Центра отправляли работы одаренного Михаила по выставкам Украины, России, ближнего зарубежья. Первые призы Михаил получил с нескольких художественных конкурсов. Первый приз за лучший плакат был с районного конкурса. Это было в 1977 году в родном городе. Следующий приз был с Международного молодежного конкурса 1978 года, что проходил в Чехословакии. И еще один приз с Международного тематического конкурса, посвященного искусству цирка, в том же 1978 году в Венгрии.
В 1988 году Михаил Гармаш начал работу преподавателя Луганского Республиканского Художественного Училища. С 1989 года по 1991-ый отслужил в рядах Советской армии. В 1992 году начал обучаться в Художественной Академии Санкт-Петербурга.
Еще пребывая студентом, Михаил стал выставлять свои работы во Франции, сразу в нескольких городах. В то же время участвовал в регулярных художественных выставках Санкт-Петербурга. Здесь же получил почетную медаль за витражную работу в Суворовском Военном музее Санкт-Петербурга.
Инесса Китайчик родилась в 1972 году в городе Липецке. С раннего детства проявляла замечательные способности в балете, гимнастике и музыке. После окончания музыкальной и балетной школы Инесса, в пятнадцатилетнем возрасте, поступила в Луганскую школу изобразительных искусств. В семнадцать лет, как одна из лучших выпускниц курса, продолжила обучение в Луганском Республиканском Художественном Училище.
Знакомство Михаила с Инессой наполнено романтикой и напоминает сюжет соответствующего фильма. Я даже не до конца уверен в реальности некоторых фрагментов этой истории. Хотя, в жизни бывает и не такое…
Познакомились они, когда Михаил приехал в Луганск во время двухнедельного армейского отпуска. Встреча произошла на автобусной остановке в последний день отпуска. Случилось то, что называют любовью с первого взгляда. Уже на следующий день Михаил должен был возвратить в войсковую часть, но не вернулся, отдав предпочтение рисовать Ее…
Далее я малость сомневаюсь в правильности своего перевода с английского… Михаил рисовал Инессу не в альбоме классическими средствами, а на стенах домов города Луганска, стенах подъезда Инессы, пока та спала. Увидев нарисованное, она оценила степень чувств Михаила. А городская милиция оценила рисунки по-своему, и отправила хулигана в его воинскую часть. Нарушитель устава был в должном порядке арестован. Однако, исполнения наказания не получил, ввиду убедительности истории своего сужденного знакомства.
Через год на автобусной остановке, где Михаил встретил свою половинку, он, в честь этого знакового события, повесил букет цветов.
В результате той встречи мы видим редкий не только семейный, но и творческий союз мужского и женских начал. Картины они пишут вместе. Зачастую на них изображена дочь Михаила и Инессы. Создают они не только картины, но и витражи, и мозаики. Выставки проводят как в России, так и за рубежом.
Еще надо написать о том, как Инесса и Михаил Гармаш подошли к совместному художеству…
Прошло несколько лет после заключения их союза, родилась дочь Полина. Во время отсутствия отца, она по-детски подправила его картину, начав свою художественную карьеру. Картина была предназначена для выставки, и Инесса исправила работу, переживая о том, что Михаил расстроиться. Подправленная работа была упакована и отправлена на выставку. Работу там приняли, рассмотрели и высоко оценили. Михаил узнал художественный почерк жены. С тех пор они пишут картины вместе.
Художник MICHELE DEL CAMPO
Кто увидел что-нибудь, за что можно зацепиться для себя в этом творчестве?
Мишель Дель Кампо (Michele De Campo) родился в Италии в 1976 году. В 2001 году окончил Jordanstone College of Arts по специальности иллюстрация. В 2002 году переехал в Мадрид и начал карьеру художника. С 2008 году живет и работает в Лондоне. Пишет картины в жанре реализма, где главными героями является городская молодежь. Работает исключительно в постановочном уличном жанре реализма, пишет с фотографий. Тем самым Микеле является так же и режиссёром своих сюжетных работ.
Его работы нельзя назвать гипер- или фотореализмом, скорее всего это просто такая манера изображения, своеобразный почерк мастера живописи. Главная тема его картин - это жизнь молодёжи. Этакая повседневность будто бы запечатленная на плёнку. Такие сюжеты (что не являются эмоциональными сценами) очень редко встречаются в творчестве художников мира, однако Michele Del Campo выбрал именно их для выражения своего искусства. Работы действительно очень красивы, а главное сразу видно - это далеко не стилизованный фотореализм, а тёплая живопись маслом.
Благодаря своему мастерству Michele Del Campo заслужил признание среди любителей изобразительного искусства. Его картины выставляются в самых популярных выставочных центрах Италии и других стран мира - Милан, Лондон, Мадрид, Барселона и др. Зрителя поражает, насколько живым изобразил художник мир молодёжи. Молодежная среда априори не может быть тусклой, блеклой, бесцветной, угрюмой, поэтому здесь мы можем видеть энергию, движение, постоянно бурлящие эмоции. Молодым людям приятно видеть на этих картинах самих себя, а повзрослевшим вспоминать о счастливых и беззаботных годах.
Константин Васильев
Сказания прошлого • Русского человека всегда волновала своя история. Огромным успехом пользуются фильмы, книги, стихи о былых временах. Еще большим успехом пользуются творения, посвященные героизму, патриотизму, военным успехам русских людей. Издревле люди пытались запечатлеть славу предков и в картинах. Широко известны полотна таких художников, как Васнецов, Врубель, Нестеров, Репин, Суриков… В этих творениях ясно виден дух эпохи, дыхание древних битв, конфликтов, побед. К сожалению, XX век не привнес много имен в русский батально- патриотический жанр, но такой человек, как Константин Васильев явно заслуживает чести встать рядом с великими классиками.
К. Васильев родился
• Первая любимая книга Константина Васильева - «Сказание о трех богатырях». Тогда же он познакомился с картиной
• Вдохновившись похвалой родителей, мальчик скопировал «Витязя на распутье», тоже цветными карандашами. Затем сделал рисунок карандашом со скульптуры Антокольского «Иван Грозный». Сохранились его первые пейзажные зарисовки: пень, усыпанный желтыми осенними листьями, избушка в лесу.
Художник по зову сердца • Родители видели, что мальчик одарен, жить не может без рисования, и поэтому не однажды задумывались над советами учителей - послать сына в художественную школу. Да ведь куда, в какую, после какого класса? Ни в поселке, ни в Казани такой школы не было. Помог случай. • В 1954 году газета «Комсомольская правда» поместила объявление, что Московская средняя художественная школа при институте имени
• Чудом сохранилась одна удивительная постановка К. Васильева - натюрморт с гипсовой головой. Почти завершив работу, Костя нечаянно пролил на нее клей; тут же он снял картон с мольберта и бросил в мусорный ящик. Так бы и исчезла навсегда эта акварель, как и множество других, если бы не Коля Чаругин, учившийся классом позже и всегда с восторгом наблюдавший за работой Васильева. Он спас и в течение тридцати лет хранил этот натюрморт среди своих самых ценных произведений. • Все составляющие этого натюрморта были кем-то со вкусом подобраны в предметном фонде школы: в качестве фона - средневековый плюшевый кафтан, на столике - гипсовая головка мальчика, старинная книга в потертом кожаном переплете и с какой-то тряпичной закладкой, а рядом - еще не увядший цветок розы
• Проучиться Косте пришлось недолго - всего два года. Умер отец и ему пришлось вернуться домой. Продолжил он учебу в Казанском художественном училище, поступив сразу на второй курс. Костины рисунки не походили на работы ученика. Любой набросок он делал плавным и почти безотрывным движением руки. Васильев делал множество живых и выразительных рисунков. Жаль, что в большинстве своем они утрачены. Из сохранившихся наиболее интересен его автопортрет, написанный в пятнадцатилетнем возрасте. Плавной тонкой линией строится контур головы. Одним движением карандаша намечены форма носа, изгиб бровей, слегка обозначены рот, точеный изгиб ушной раковины, локоны у лба. При этом овал лица, разрез глаз и что-то еще едва уловимое напоминают «Мадонну с гранатом» Сандро Боттичелли.
Характерен сохранившийся небольшой натюрморт того периода - «Кулик», написанный маслом. В нем явное подражание голландским мастерам - та же строгая сумрачная тональность, филигранно выписанная фактура предметов. На краю стола, на грубой холщовой скатерти лежит добыча охотника, а рядом стакан с водой, абрикосовая косточка. И прозрачная колодезная вода, и необсохшая еще косточка, и оставленная на время птица - все настолько натурально, что зритель легко может мысленно раздвинуть рамки картины и дорисовать в своем воображении какую-нибудь сопутствующую постановке художника житейскую ситуацию. Весной 1961 года Константин закончил Казанское художественное училище. Дипломной работой были эскизы декораций к опере Римского-Корсакова «Снегурочка». Защита прошла с блеском. Работа была оценена на «отлично», но, к сожалению не сохранилась.
Путь к себе • В мучительном поиске себя, Васильев «переболел» абстракционизмом и сюрреализмом. Было любопытно испробовать стили и направления, во главе которых засверкали такие модные имена, как Пабло Пикассо, Генри Мур, Сальвадор Дали. Васильев довольно быстро постиг творческое кредо каждого из них и создавал новые интересные разработки в их ключе. Окунувшись с присущей ему серьезностью в разработку новых направлений, Васильев создает целую серию интересных сюрреалистических произведений, таких как «Струна», «Вознесение», «Апостол». - Единственное, чем интересен сюрреализм, - делился он с друзьями, - это своей чисто внешней эффектностью, возможностью открыто выражать в легкой форме сиюминутные стремления и мысли, но отнюдь не глубинные чувства.
Несколько дольше продолжалось увлечение экспрессионизмом, относящимся к беспредметной живописи и претендовавшим на большую глубину. Здесь столпы абстракционизма заявляли, например, о том, что мастер без помощи предметов изображает не тоску на лице человека, а саму тоску. То есть для художника возникает иллюзия гораздо более глубокого самовыражения. К этому периоду можно отнести такие работы как: «Квартет», «Грусть королевы», «Видение», Икона памяти", «Музыка ресниц».
Пытаясь постичь суть явлений и выстрадать общий строй мыслей для будущих произведений, Константин занялся пейзажными зарисовками. Какое многообразие пейзажей он создал за свою короткую творческую жизнь! Бесспорно, Васильев создал неповторимые по своей красоте пейзажи, но какая-то новая сильная мысль мучилась, билась в его сознании: «Внутреннюю силу всего живого, силу духа - вот что должен выражать художник!» Да, красота, величие духа - вот что будет отныне для Константина главным. И родились «Северный орел», Человек с филином", «Ожидание», «У чужого окна», и многие другие работы, ставшие воплощением особого «васильевского» стиля, который нельзя спутать ни с чем.
• Когда художник закончил писать легендарную картину «Человек с филином», он сказал своей матери: «Теперь я знаю, как надо писать», через несколько дней его не стало. 29 октября 1976 года несчастный случай прервал жизнь Константина Васильева на 35 году жизни. Увы, мы не властны над превратностями судьбы, но великий русский дух молодого творца будет вечно жить в его картинах, напоминая нам о самобытности и величии нашей Родины и её народа.
Черно белые кошки Пола Лунга
«Какая классная фотография!» - возможно, скажете вы. И ошибетесь. Это рисунок. Такие поражающие своей реалистичностью изображения кошек, а также портреты людей, включая самого себя, рисует художник Пол Лунг (Paul Lung) из Гонконга. На прорисовку мельчайших деталей каждого рисунка уходит от 40 до 60 часов. Неизменные орудия труда художника - технический карандаш с полумиллиметровым грифелем и бумага формата А2.
На суд широкой публики Пол Лунг впервые представил свои рисунки более семи лет назад. Но многие до сих пор не верят, что это не обработанные фотографии.
В работах художника жизнь, эмоция и кропотливый труд, о котором думаешь в последнюю очередь, - настолько они легки и воздушны.
Художник принципиально не использует ластик, поэтому все работы рисуются начисто. На каждый рисунок Пол тратит не менее 40 часов времени. Тщательность рисунков художника позволяет не только рассмотреть в деталях каждого «персонажа», но даже выделить эмоции, которые переживает в данный момент герой рисунка.
Безумно симпатичны рисунки с изображением кошек. Грация, величие и теплота этих животных застывают на бумаге под чутким грифелем Пола Лунга. Многие принимают рисунки за фотографии или фотошоп, но тепло, которым они пронизаны, выдают ручную работу мастера.
В коллекции художника, кроме кошек, есть также рисунки диких животных и портреты людей.
Семирадский Генрих. Русский исторический живописец
Молодые годы художника прошли в Харькове. Генрих Семирадский родился 24 октября 1843 года в семье офицера драгунского полка. Отец служил в кавалерийском полку, в Харьковской губернии. Его жену звали Михалина. Родители будущего художника были поляками, поэтому в доме царили польская литература и традиции. Католическая религия играла большую роль в воспитании детей. Но нельзя отрицать воздействия русской культуры на юного Генриха. Он учился в харьковской гимназии, именно там будущий художник и пристрастился к рисованию. Большую роль в этом сыграл учитель рисования
Окончив Академию в 1870 году, Генрих получил за свою конкурсную работу - золотую медаль и право на продолжение учебы за границей. Это давало ему возможность прожить шесть лет в любом городе Европы. Семирадский выбрал Мюнхен, который считался вторым, после Парижа, художественным центром Старой Европы. Спустя два года Генрих пишет первую крупную картину, которую приобретает Петербургская Академия художеств. Автору разрешили перебраться в Рим. Начинающий мастер представляет свои работы на самых разных выставках. Часто посещает Россию, где очень много работает. За все труды, ему присваиваются все звания, возможные на тот момент (очень часто - заочно). С 1873 года, он является академиком, спустя четыре года профессором и членом совета Императорской Академии Художеств. В частности, художник принимает участие в росписи Храма Христа Спасителя. К сожалению, все росписи погибли, но сохранились наброски. Писал автор и по заказу Русского музея. Он был избран почетным членом академий художеств Рима, Парижа, Берлина, Турина и Стокгольма. Кроме того, знаменитая флорентийская галерея Уффици, заказала художнику автопортрет, для того, чтобы расположить его в пантеоне всемирных знаменитостей.
Творчество Генриха Семирадского нельзя отнести к одной национальной или художественной школе. Оно, скорее, межнациональное. Основными темами его работ, являются сцены из религиозной и античной жизни. Мастер искал красоту во всем: в изображении природы и человеческого тела, в построении картины и в техническом воплощении своих замыслов. Его произведения можно отнести к позднему европейскому академизму, в который художник влил изрядную порцию живописности. В его полотнах, пейзаж, очень часто, играет главенствующую роль.
Все сюжеты Генриха Семирадского, можно отнести к античному жанру. Правда, стоит отметить ряд работ евангельского направления. Во всех работах, главную роль мастер отводит пейзажу. Но его работы отличаются атмосферой действия, живости. Академические сюжеты и позы, преподносятся художником с новой точки зрения.
Европейскую славу Семирадскому принесла картина «Христос и грешница» (1872). Она имела довольно громкий успех у публики, показав все особенности его почерка: эффектность композиции, прекрасный, мастерски переданный, пейзаж и маловыразительные фигуры. Пейзаж главенствует и во многих других работах автора, таких как «Христос в доме Марфы и Марии» (1886), «Христос и самаритянка» (1890). Последняя работа является одной из самых знаменитых композиций мастера.
Кульминацией творчества художника, стала работа над полотном «Фрина на празднике Посейдона в Эливсине» (1889). Известно много, самых разных оценок этой работы. Ее горячо хвалили и, так же горячо ругали. Но, в любом случае, все оценили пейзаж, написанный мастером.
Было у Семирадского и очень много других работ, которые оставили заметный след в живописи. Чего стоят росписи в Храме Христа Спасителя? К глубокому сожалению, они погибли вместе с самим храмом, но остались наброски и отклики современников. Большую художественную ценность имеют и работы, написанные по заказу Исторического музея: - «Похороны вождя руссов в Булгаре» и «Тризна дружинников Святослава после боя под Доростолом в 971 году».
Работы художника отнесены ценителями и критиками в разряд работ в жанре европейского академизма. И с этим нельзя не согласиться. Даже небольшие работы, мастер всегда посвящал античности. Именно в ней, он черпал вдохновение: академические сюжеты, позы, приемы. Но, необходимо отметить работы художника, написанные им на евангельские сюжеты. Даже в этих работах, мастер уделял огромное внимание природе. Она - его любимая натурщица.
Семирадский не только работал над картинами, он активно помогал молодым художникам, помогал им в устроении выставок. В 1902 году, Мастер умер. Его похоронили в Варшаве, но год спустя, перезахоронили в Кракове, «На Скалке», среди многих знаменитых соотечественников. Генриха Семирадского считают не только русским, но и польским художником. Такие люди, чаще всего, бывают «людьми мира».
Работы художника хранятся во многих музеях России и Польши. Много работ автор написал для театров Кракова, Львова. Исторический музей, для которого были написаны многие работы, хранит их, периодически проводя выставки. Много работ хранится в Польше, в музеях Кракова и Варшавы. Художник останется в памяти двух народов надолго.
Дмитрий Налбандян. Певец соцреализма
Налбандян Дмитрий Аркадьевич (2.9.1906, Тифлис - 1993), живописец, народный художник СССР (1969), действительный член Академии художеств СССР (1953), Герой Социалистического Труда (1976), дважды лауреат Сталинской премии (1946, 1951). Образование получил в Тбилисской академии художеств (1929). В качестве дипломной работы выбрал тему «Молодой Сталин с матерью в Гори». В 1931 переехал в Москву. Его работы «Выступление
Налбандян Дмитрий Аркадьевич (р. 1906 г.). Живописец. Один из наиболее именитых художников сталинской эпохи. Действительный член Академии художеств (1953); народный художник СССР (1969). Родился в Тифлисе, там же окончил Академию художеств (1929). В качестве дипломной работы написал картину «Юноша Сталин с матерью в Гори». С 1931 г. живет в Москве. В годы Великой Отечественной войны сотрудничал в «Окнах ТАСС». Автор картин на историко-революционные темы и портретов многих советских партийных и государственных деятелей от Сталина до Брежнева, а также деятелей международного коммунистического движения. В 1951 г. в автобиографии писал, что главной темой его творчества является образ Сталина.
Налбандян - автор картин «Сталин, Ворошилов и Киров на Беломорканале» (картина первоначально называлась «Сталин, Ворошилов, Киров и Ягода на Беломорканале», но после ареста Ягоды изображение последнего пришлось убрать), «Сталин и Мао-Цзэдун», «
Александр Кабанель. Придворный живописец Наполеона
Кабанель был, пожалуй, самым популярным и именитым художником эпохи Второй империи (1852−1870). Модный портретист, любимый живописец Наполеона III и других европейских правителей, он вошел в историю искусства как символ изжившей себя академической традиции, умело приспособившейся к требованиям времени. Кабанель был обладателем многих наград, членом французской Академии
Александр Кабанель (1823−1889). Ничто так точно не отражает «психологию эпохи», как массовая культура. Спустя полстолетия ее кумиры оказываются забытыми, но еще через сто лет историк находит в их творениях драгоценный материал для реконструкции умонастроений и вкусов времени. В XIX веке воплощением расхожих представлений о «высоком искусстве» стала салонная живопись, а одним из самых ярких проявлений ее во Франции - творчество Александра Кабанеля.
Кабанель был, пожалуй, самым популярным и именитым художником эпохи Второй империи (1852−1870). Модный портретист, любимый живописец Наполеона III и других европейских правителей, он вошел в историю искусства как символ изжившей себя академической традиции, умело приспособившейся к требованиям времени. Кабанель был обладателем многих наград, членом французской Академии,
профессором Школы изящных искусств, участником жюри всех выставок официального Салона. По язвительному наблюдению современника Кабанеля,' «шелковистая кожа и тонкие руки его портретов были постоянным источником восхищения для дам и раздражения для художников».
Причину громкой славы Кабанеля, довольно слабого рисовальщика и банального колориста, следует искать в той социальной реальности, которая породила подобный вид творчества. Избранный художником тип картины как нельзя более соответствовал стилю жизни и претензиям «высшего света» Второй империи. А сам характер живописи с ее гладкой красочной поверхностью, виртуозно исполненными деталями и «сладостным» колоритом импонировал и всей массе зрителей - постоянных посетителей выставок в Салоне. Говорить о Кабанеле заставляет, однако, не только его прижизненная популярность, но и живучесть того художественного явления, которое он так полно выразил. Поучительный пример Кабанеля помогает раскрыть интригующую загадку салонного искусства.
Биография художника складывалась удачно и счастливо. Родившись в 1823 году в университетском городке Монпелье на юге Франции, Кабанель воспитывался в приверженной традициям академической среде. Перевезенный в детстве в Париж, он поступил в 1840 году в Школу изящных искусств в мастерскую Франсуа Пико. В 1845 году он успешно закончил курс обучения и был удостоен Большой Римской премии за картину «Христос перед судьями». Вместе со своим другом, коллекционером и знатоком античности А. Брюа, Кабанель поселился в Риме, где окончательно оформился его стиль.
Привезенная Кабанелем из Рима картина «Смерть Моисея» была показана в Салоне 1852 года и принесла ее автору первую выставочную награду в бесконечной цепи медалей и поощрений. Выступление Кабанеля в парижском Салоне стало как бы прологом, визитной карточкой художественной жизни Второй империи. В дальнейшем художник стал поставлять ко двору Луи Наполеона Бонапарта с его блеском и роскошью, погоней за удовольствиями и полным безразличием к средствам их достижения живописную «приправу» в виде иллюстраций пикантных или драматических эпизодов истории и литературы. Многочисленные более или менее обнаженные женщины, призванные изображать в его произведениях Суламифь, Руфь, Клеопатру, Франческу да Римини или Дездемону, удручают однообразием лиц с «горящим взглядом», расширенных, обведенных тенями глаз, жеманных жестов и неестественно розовым тоном манерно изогнутых соблазнительных тел.
Свойства искусства Кабанеля импонировали вкусу высоких заказчиков. В 1855 году, помимо первой медали на Всемирной выставке 1855 года за картину «Триумф святого Людовика», Кабанель был награжден орденом Почетного легиона, в 1864 году он был произведен в офицеры, а в 1878 году - в командоры ордена. В 1863 году он был избран членом Академии на место, которое до него занимали Ж.-Л.Давид, Ж.-Ж.Лебарбье и Орас Верно. В том же 1863 году, вошедшем в историю французского искусства благодаря знаменитому «Салону отверженных», где демонстрировался «Завтрак на траве» Э. Мане, официальное положение Кабанеля как «первого живописца империи» еще более упрочилось. Наполеон III приобрел для себя две картины Кабане-ля - «Похищение нимфы» (1860, Лилль, Музей изящных искусств) и «гвоздь» официального Салона «Рождение Венеры» (1863, Париж, Лувр). Тем самым вялому и анемичному искусству Кабанеля, растаявшему, по выражению критика, «в аромате фиалок и роз», был придан статус эталона, образца господствующего вкуса и высшего достижения современной живописи.
Мифологические сцены Кабанеля, полные манерной неги, нарочитого изящества и эротической двусмысленности, воссоздают эстетический идеал эпохи, ее тяготение к «красивой жизни». Персонажи античных сюжетов Кабанеля напоминают более всего порочных и чувственных нимф Клодиона. Произведения этого французского скульптора конца XVIII века были широко известны во второй половине XIX века благодаря распространению большого количества копий с его работ и вольных интерпретаций современных скульпторов на темы Клодиона (А.Э.Карье-Беллез, Ж.Б.Клезанже).
Творчество Кабанеля было не только и не столько индивидуальным и локальным художественным явлением, сколько воплощением определенного принципа. Оно принадлежало к типу очень распространенного в XIX веке искусства, рассчитанного на средний, массовый вкус, использующего для завоевания популярности опробованные приемы. Многочисленные кумиры века, апостолы салонного классицизма А. Кабанель, В. Бугро, Ж. Эннер, П. Бодри владели всеми историческими стилями и не выработали своего собственного. Недаром современник писал об одном из этих законодателей художественной моды: «Обыкновенно все принимают его картины за копии с произведений самых различных художников… Тем не менее художник благоденствует, и самая его подражательная способность, самое отсутствие чего-либо самобытного как бы способствует его успеху». Качество гарантирующей успех приятной посредственности в полной мере отличало и работы Александра Кабанеля.
С установлением республики Кабанель не потерял своей славы. Он был буквально завален заказами, изготовляя стереотипно изящные женские портреты («Портрет Катарины Вульф», 1876, Нью-Йорк, Музей Метрополитен) и изображения «роковых красавиц» прошлого («Федра», Музей Монпелье). Не менее успешно выступал он и в качестве педагога, проявляя известную либеральность в отношении своих учеников, среди которых были Ж. Бастьен-Лепаж, Б. Кон-стан, Э. Моро, Ф. Кормон, А.Жервекс.
На протяжении всей своей жизни привилегированного и обласканного светом художника Кабанель оставался верен усвоенным приемам. Его произведения находятся как бы вне времени. Их гладкая эмалевидная живопись, ловко составленная композиция (компиляция из популярных образцо
в мирового искусства), тщательная проработка подробностей, аффектированный театральный жест, «однообразная красивость» лиц не предполагают никакой внутренней эволюции.
Однако, несмотря на консервативность собственного художественного метода, «не способного даже воплотить банальность его замыслов» (Ф.Базиль), Кабанель выказывал иногда определенную широту суждений. Так, уже в 1881 году он, на протяжении многих лет резко отрицательно относившийся к Э. Мане и импрессионистам, выступил в защиту представленного на выставку «Портрета Пертюизе» работы Э.Мане. «Господа, среди нас не найдется, возможно, и четырех, кто мог бы написать голову, подобную этой», - эти слова почтенного и признанного мэтра служат невольным признанием решительной победы нового направления во французском искусстве
Antonio Sgarbossa. Современный итальянский художник
Антонио Сгарбосса родился в городе Фонтанавива, Италия, в июле 1945 года. Он начал рисовать в двенадцать лет, и использовать для этого масляные краски, которым сохраняет верность их до сих пор.
Заметив его талант к рисованию, родители решили отправить его в художественную мастерскую, обучаться технике живописи, где он постиг основы искусства и пристрастился к ню. В 1971 году из-за своей работы он был вынужден переехать в Невшателе, Швейцария, где со временем основал собственную студию. В 1976 состоялась его первая персональная выставка.
Сейчас его работы пользуются известностью во всем мире и опубликованы в различных художественных журналах и каталогах.
Писать картины не умеют, но малевать они спецы!
«Чёрный квадрат» - единственное светлое пятно в творчестве Малевича.
«Черный квадрат» Малевича - это символ интеллекта того, кто им любуется.
Безликая грусть моё сердце туманит,
я птицей сорваться готов
в полёт над степенною Сеной в Руане,
богиней горбатых мостов.
Кареты по ним непременно проедут,
лишь люди раскроют зонты.
И вечер дождём превратит в домоседов
гуляющих до темноты.
Где трубы заводы гудят пароходы,
без отдыха и запятой,
спокойная Сена, как прежде, уводит
меня в безмятежный покой.
И кажется- вот протяну свои руки,
воздушный зажав карандаш,
И Сена сбежит от сентябрьской скуки
туда, где впадает в Ла Манш.
В живописи есть такое понятие … «Закрашивание негативного пространства"-это пустое пространство между объектами. Чтобы определить этот участок нужно прищурившись посмотреть на рисунок: детали расплывутся и можно будет увидеть эти пустоты. Вот бы в жизни так…)))
звёзд многоточье
протуберанцев гора
в космосе строчек
лавы проточной
вспышкой наотмашь игра
хаоса прочерк
вечности гамма звучит
вихрем дыханья
эхом пустых пирамид
сфинкса молчанье
озера кромка
ангел играет в траве
в прятки с ромашкой
крылья в сторонке
ввысь босиком по росе
с ветром в пятнашки
рой мотыльков и стрекоз
солнечной тенью
в брызгах солёных волос
в небо ступени