Венец Божьего творения. Gwendolyn Rodriguez
Гвендолин Родригес (Gwendolyn Rodriguez) - американская художница, родилась в Сан-Антонио, штат Техас, но большую часть своего детства провела в среднем Теннесси, куда её предки прибыли около 1800 года и работали на собственной табачной ферме. Гвен начала рисовать ещё в детстве и мечтала стать художницей с тех пор, как себя помнит.
В девять лет она переехала в 100-летний бревенчатый дом, у которого были серьезные проблемы (он нуждался в реставрации) и пятнадцать акров земли с кедровыми деревьями и скалами на ней. Отсутствие водопровода, канализации, теплоснабжения и кондиционирования воздуха превратили несколько месяцев жизни в борьбу с неудобствами. Купить картины на стену можно на сайте художницы Яны Крапивы.
В 1986 году она окончила Колумбийский колледж искусства и дизайна, город Колумбия. В 1991 году получила степень бакалавра в университете Magna Cum Laude, Остин Пай. В восемнадцать лет Гвен получила возможность стать студентом по обмену и отправиться в Германию. После встречи с будущим мужем, кубинцем по национальности, они вместе вернулись в Теннесси, затем она отправилась в Мексику, где изучала испанский язык, и среди прочего, взобралась на вершину пирамиды Солнца.
«Я обожаю рисовать людей, с давних пор фигура человека стала основной темой большинства моих картин. Я считаю людей венцом Божьего творения. Я люблю то, что делает нас такими, какие мы есть, и мне нравится всё то, что делает нас непохожими - по моему мнению, это доказательство разнообразия и богатства «дизайна» в нашем мире. Я люблю изображать атмосферу определённого момента времени в определённом месте. Также я хочу помочь женщинам и детям во всем мире.
Осенью 2007 года, на заднем дворе моего дома была построена студия и я погрузилась в работу моего сердца… На прежнем рабочем месте (кухонном столе) для моих картин существовала угроза в виде арахисового масла и желе с бутербродов и вандализма со стороны малыша".
Морские пейзажи Лорен Адамс
Loren Adams - художник, который стал узнаваем благодаря картинам с полупрозрачными волнами, морскими пейзажами и ландшафтами. Родился художник в Linton, Indiana 28 сентября 1945 года. В 6 лет переехал с семьей в Калифорнию, где увлекся морем. Получил образование в религиозных школах и даже учился в семинарии. Также изучал музыку, но только искусство влекло его. Художник никогда не использует фотографии, он рисует по памяти. Loren сопротивляется всем попыткам массового производства его картин, считая, что каждая работа должна оставаться уникальной.
Крамской И. «Христос в пустыне»
Картина «Христос в пустыне» занимает совершенно особое место в творческой биографии Ивана Крамского. Начиная с А. Иванова, пожалуй, не было ни одного крупного художника второй половины XIX века, которого так или иначе не увлекал бы образ Христа, трактовка которого приобретала не созерцательное, а острое историко-философское звучание. В произведениях из жизни Христа художники пытались ответить на многие наболевшие вопросы эпохи - вопросы о смысле жизни и самопожертвовании ради общества, которые никого не оставляли равнодушными. В то время в России было немало людей, готовых принести себя в жертву во имя добра, правды и справедливости. Именно тогда готовились к «хождению в народ» молодые революционеры-разночинцы.
Главная мысль И. Крамского тех лет, сильно занимавшая его, - это трагедия жизни тех высоких натур, которые добровольно отказались от всякого личного счастья, и самым лучшим, самым высшим и чистым образом, который художник мог найти для выражения своей идеи, был Иисус Христос. И у Н. Ге, и у А. Иванова, позднее у В. Поленова Христос - это философ, странствующий проповедник, ищущий истину, а не всемогущий властитель мира, все знающий и всем указывающий.
Свое полотно И. Крамской обдумывает целое десятилетие. В начале 1860-х годов, еще будучи в Академии художеств, он делает первый набросок, в 1867 году - первый вариант картины, который его не удовлетворил. В ноябре 1869 года, чтобы «видеть все, что сделано в этом роде», художник уезжает в Германию, затем перебирается в Вену, Антверпен, Париж. Он ходит по картинным галереям и художественным салонам, знакомится со старым и новым искусством, а вернувшись на родину, совершает поездку в Крым - в районы Бахчисарая и Чуфуй-Кале, которые своей природой напоминали палестинские пустыни.
«Под влиянием ряда впечатлений, - говорил впоследствии И. Крамской, - у меня осело очень тяжелое ощущение от жизни. Я вижу ясно, что есть один момент в жизни каждого человека, мало-мальски созданного по образу и подобию Божию, когда на него находит раздумье - пойти ли направо или налево, взять ли за Господа Бога рубль или не уступить ни шагу злу?» Итогом этих размышлений явилась у художника «потребность рассказать другим то, что я думаю. Но как рассказать? Чем, каким способом я могу быть понят? И вот однажды я увидел человека, сидящего в глубоком раздумье. Его дума была так серьезна и глубока, что я часто заставал его постоянно в одном положении».
Поразила художника и пластика лица этого человека, которая выдавала и его характер. Губы его как бы засохли, слиплись от долгого молчания, и только глаза выдавали внутреннюю работу, хотя ничего не видели. И «я понял, - писал И. Крамской, - что это - такого рода характер, который, имея силу все сокрушить, одаренный талантом покорить себе весь мир, решается не сделать того, куда влекут его животные наклонности». И после этого, как вспышка, рождается образ - сначала смутный, затем все более проясняющийся, набирающий глубину и силу.
Сцена столь ясно представилась глазам И. Крамского, что ему не потребовалось делать много эскизов, хотя в набросках к картине он искал наиболее выразительные жесты рук, характерный облик, рисунок одежд Христа. Известны небольшая голова Христа, вылепленная из глины, и два живописных этюда к этой картине. Второй этюд (хранящийся в Санкт-Петербурге) отличается большой психологической выразительностью, так как в нем художником уже найдено то «состояние» Христа, которое осталось и в самом полотне.
Промахом первого варианта картины, который не удовлетворил И. Крамского, был вертикальный формат холста. И художник тотчас написал сидящего на камнях человека на холсте горизонтальном и большего размера. Горизонтальный формат давал возможность представить панораму бескрайней каменистой пустыни, по которой в немом молчании день и ночь брел одинокий человек. Только под утро усталый и измученный опустился он на камень, все еще ничего не видя перед собой. Уже горизонт затеплился утренним солнцем, природа готовится встретить восход, и только человек этот безучастен к окружающей его красоте и радости бытия, неотступная мысль преследует его. Следы мучительных и глубоких переживаний видны на его усталом, помрачневшем лице, тяжесть дум словно легла на его плечи и склонила голову.
Картина «Христос в пустыне» решена И. Крамским в холодной цветовой гамме, передающей тона раннего рассвета, когда сквозь предутреннюю мглу начинают мерцать оживающие краски дня. Этот час на исходе ночи соответствует тексту Евангелия и вместе с тем, как отмечала прогрессивная критика, символизирует начало новой жизни человека.
Художник изобразил Христа сидящим на холодных серых камнях, пустынная почва мертва так, что кажется, будто сюда не ступала еще нога ни одного человека. Но благодаря тому, что линия горизонта делит плоскость холста почти пополам, фигура Христа одновременно и господствует в пространстве полотна, и, несмотря на одиночество, находится в гармонии с суровым миром картины.
Одеяние Христа написано И. Крамским сдержанно, вполсилы, чтобы еще больше выделить лицо и руки, более нужные для психологической убедительности образа.
В этом произведении нет действия, но зримо показана жизнь духа, работа мысли. Ноги Христа изранены об острые камни, фигура согбенна, руки мучительно стиснуты, над склоненной головой не замечаемое им течет и течет время. А между тем изможденное лицо Христа передает не только страдание, но вопреки всему выражает невероятную силу воли и готовность сделать первый шаг на каменистом пути, ведущем к Голгофе.
Картина «Христос в пустыне» появилась на Второй выставке передвижников и сразу же вызвала бурные споры. Прогрессивные люди того времени встретили произведение И. Крамского восторженно. Например, писатель И. Гончаров отмечал, что «вся фигура как будто немного уменьшилась против натуральной величины, сжалась - не от голода, жажды и непогоды, а от внутренней, нечеловеческой работы над своей мыслью и волей в борьбе сил духа и плоти - и, наконец, в добытом и готовом одолении». Противники картины говорили, что Христос у И. Крамского совершенно лишен каких бы то ни было черт святости, возмущались нерусским типом лица Христа.
Во время рождения этого полотна и крестьянин Строганов, и один молодой охотник, и интеллигенты-разночинцы, да и сам И. Крамской отдали этому образу все самое лучшее, что роднило их с возвышенным образом Христа. Недаром зрители узнавали на картине типичные черты-разночинца, подмечали сходство и с самим художником: то же худое, угловатое, с резко обозначившимися скулами лицо, глубоко посаженные глаза, прекрасно вылепленный лоб, слегка растрепанная борода.
Как всякое великое творение, «Христос в пустыне» вызвал многие толки и самые разнообразные размышления. Передовая критика, как уже указывалось выше, увидела в картине тот перелом, который происходит в душе человека, решившего душу положить за «друга своя». Однако еще русский критик
Советский искусствовед Г. Вагнер посвятил картине И. Крамского «Христос в пустыне» большое исследование. Отмечая достоинства других исследовательских работ на эту тему, он, однако, выделяет ту мысль, что почти ни в одном из них не затронуто то место Евангелия, где говорится о смысле искушения. А разве о чем другом можно толковать, как не об искушении Христа? Разве только злободневная идея разночинной демократии побудила И. Крамского, молодого, глубоко верующего художника, выбрать эту трудную религиозно-философскую тему? И к чему тогда пустыня? Жертвенность можно было изобразить и в другой ситуации.
«Увлекший И. Крамского образ, - пишет Г. Вагнер, - это никакой не миф, не религиозная модернизация революционно-демократических идей эпохи разночинцев. Это внутреннее движение души необыкновенно чуткого художника, одаренного даром божественного озарения».
Много лет думал он о «своем» Христе, «молчал и страдал», договорился даже до сомнения, действительно ли он создал Христа? Не кощунство ли это? «Это не Христос, - писал художник, - то есть я не знаю, кто это. Это есть выражение моих личных мыслей».
Для И. Крамского, как исторического художника, выбор этой темы был вполне логичен, и в пустыне для него Христос искушался не тем, «чтобы превратить камни в хлебы», как предлагал ему дьявол. Для художника это искушение состояло в показе (или проверке?!), действительно ли Богочеловек-Христос есть то, кем он является. Этот вопрос-искушение относится не столько к дьяволу, сколько к самому Христу: кто он такой как Богочеловек, что должен (или может) или не должен (не может) делать?
«В основе картины, - утверждает Г. Вагнер, - лежит не надуманная идея выбора пути („Куда пойти - направо или налево?“), и еще менее - борьба божественности с дьяволом. Здесь мучительное усилие Христа осознать в себе единство Божественного и Человеческого».
Генри Виктор Лесюр. Галантный живописец. Эпоха рококо
Генри Виктор Лесер, франзуский художник. Родился в Рубе 28 апреля 1863 и получил свое формальное обучение в ателье Francois Flameng - профессор в l’Ecole де Бо-Арце. Под его опекой Лесер получил академическое обучение.
В течение 1880-ых и 1890-ых Лесер показал много картин в Парижском Салоне. Интересно отметить, что большинство работ, которые он показал, были портретами, тогда как большинство работ мы видим сегодня-это симпатичные женщины и красивые мужчины, одетые в костюмы 18-ого столетия.
Художник исторической живописи
Всего несколько лет назад пресса, радио, телевидение заговорили о появлении в нашей культуре нового яркого имени - художника Сергея Кириллова, чье творчество целиком посвящено отечественной истории. И вот, по прошествии некоторого времени, мы можем с уверенностью утверждать, что первый громкий успех молодого художника не стал случайным, преходящим явлением. С тех пор состоялось одиннадцать персональных выставок художника. Его картины опубликованы в учебниках истории и солидных исторических трудах; о нем не перестают писать газеты и журналы, на его выставках всегда много зрителей, и, что, пожалуй, самое главное, из-под его кисти выходят все новые интересные полотна, позволяющие специалистам-искусствоведам говорить о художнике как о зрелом мастере исторической живописи.
Разумеется, история России - огромное и благодатное поле для любого исследователя, ученого, писателя, художника. Как и в других областях культуры, сорняки способны заглушить многое. Но тем важнее радость появления добрых, хороших плодов. Однако они не рождаются сами собой. Для этого нужен упорный и целенаправленный труд. Таким трудом наполнено все творчество художника Сергея Кириллова. В его искусстве находят отражение различные жанры живописи: жанровая картина, портрет, пейзаж, натюрморт. Почти всегда их воплощение проходит в соединении реалистической образности с миром сложных символов, ассоциаций и метафор. Не иллюстрация минувшего влечет живописца, а возможность посредством истории проникнуть во внутренний мир человека. Думая над прошлым, Сергей Кириллов разговаривает с современниками о настоящем и будущем. Его цель - не только создать произведение искусства, но и, образно говоря, достучаться до сердца каждого человека. Стоит отметить, что этой благородной задаче, разговору с современниками, а в исторической перспективе, потомками, всегда была посвящена деятельность лучших представителей русской культуры.
К художественному образу Сергей Кириллов идет через постоянную работу с историческими документами, через изучение трудов и сочинений историков, впитывая исторические знания зачастую в процессе непосредственных встреч и консультаций с теми или иными исследователями. Этапами становления его научно-художественных позиций стали содержательные беседы с такими крупнейшими учеными, как академик
Сергей Алексеевич Кириллов родился в Москве в 1960-м году. Его отец, Алексей Игнатьевич Кириллов, заслуженный художник России, известен как талантливый портретист, взыскательный и тонкий колорист, опытный мастер сюжетно-жанровой картины. Мать художника, Галина Сергеевна Кириллова - искусствовед. Во время учебы в художественной школе (МСХШ), а затем в стенах художественного института имени
Как это часто бывает, обилие собранного материала, все многообразие мыслей не укладывались в одно произведение. Поэтому Сергей посвящает личности Петра Первого и ряд своих последующих картин. Полотно «Думы о России» явилось попыткой многограннее осмыслить личность и дело великого императора. Хотя это произведение и более камерное по звучанию, по сравнению с дипломной картиной, образ императора воспринимается более глубоким, призывает задуматься, глубже постичь человека. В произведении полностью выявилось и стремление уйти от какой-либо тенденции, назидательности. Это не рассказ, а показ частицы жизни.
На смерть художника
Ушел из жизни заслуженный художник России Павел Рыженко
На 44-м году жизни скоропостижно скончался Павел Рыженко, заслуженный художник РФ, один из ведущих мастеров Студии военных художников им. Грекова.
Павел Рыженко родился в 1970 году в Калуге. В 1982 году поступил в Московскую среднюю художественную школу при Институте им. Сурикова, а по ее окончании в 1990 году - в Российскую академию живописи, ваяния и зодчества. Учился в историко-религиозной мастерской профессора Ильи Глазунова.
С 1999 года преподавал в Российской академии живописи, ваяния и зодчества на кафедре композиции. В 2007 году Павел Рыженко начал работать в Студии военных художников им. Грекова, где стал одним из ведущих мастеров диорамно-панорамного искусства. В 2012 году Рыженко было присвоено звание заслуженного художника Российской Федерации.
В последние годы Павел Рыженко создал множество масштабных живописных произведений, посвященных Куликовской битве, Сергию Радонежскому, Первой мировой войне, эпохе Николая II. За годы работы в Студии им были созданы порядка шести масштабных диорам, не раз показанных широкой публике. Диорама «Стояние на Угре», последняя работа мастера, была создана для Калужской Свято-Тихоновой пустыни, ее открытие планируется в сентябре 2014 года.
Светлая память
Художник с душой старого мастера. Adrian Gottlieb
Талантливый американский художник Адриан Готлиб (Adrian Gottlieb) родился в 1975 году, пишет изумительные натюрморты и пейзажи, но, в первую очередь, талант художника концентрируется на фигуративных композициях и портретах, его зрение настолько пронзительно и глубоко, что кажется, будто он заглядывает в души своих моделей…
Цитата критика Бонни Гангелхоффа из журнала «Новые авторы»: «В свои 34, с небольшим, года Адриан Готлиб считается восходящей молодой звездой в мире искусства. Но многим зрителям он может, в равной степени, быть представлен как молодой художник, обладающий душой старого мастера.»
В своей работе Адриан Готлиб следует принципам, изложенным задолго до его рождения великим французским художником-классиком Жан-Огюстом Домиником Энгра, 1780 - 1867 гг.:
«Рисование - это честность искусства. Нарисовать не значит просто воспроизвести контуры предмета: рисунок состоит не только из линий. Рисование это способность выражения внутренней формы, особый дар видеть всю картину целиком, планировать и предполагать, что останется после того, как мастер завершит или наоборот, начнет писать. Рисунок - это три с половиной четверти содержания картины.»
Магический реализм. Alex Alemany
Алекс Алемани (Alex Alemany) родился 5 января 1943 года в городе Гандия, Испания. Изучал изобразительное искусство в Королевской художественной академии «de San Carlos» в Валенсии, закончил ее в 1966 году со степенью бакалавр. Его учителями были такие известные испаские художники, как Франсиско Лозано, Энрике Хинеста, Хенаро Лахуэрта и Фелипе M Гарин. В 1965 году он отправился в Париж, чтобы продолжить учебу у французских современных художников.
В 1968 году Алекс учился в Лондоне, в Национальной портретной галерее.
В то время он работал под влиянием различных художественных тенденций, в основном, абстрактного экспрессионизма. За эти годы Алемани перепробовал несколько авангардных направлений, погружаясь в основное русло каждого из них, пока не нашел свой собственный стиль, более соответствующий его чувствительной поэтической натуре. В 1970 году, вернувшись к реализму, он написал первые работы, в стиле, известном как «Магический реализм». Работы Алемани - недостающее звено между поэзией и живописью.
Солнечный художник Лоран Парселье
Трудно быть «человеком настроения», особенно когда его перепады зависят от таких мелочей, как погода за окном. Есть солнце - и ты доволен, счастлив, порхаешь как птичка, и любишь весь мир. А если за окном дождь, хмуро и грязно, то лучше не попадаться тебе на глаза, поскольку хорошее расположение духа приказало долго жить
Вот бы сделать так, чтобы солнце всегда радовало нас своими лучами! И это легко устроить, стоит лишь взглянуть на картины Лорана Парселье (Laurent Parcelier), ведь они словно нарисованы солнечными лучами! Такое чувство, что художник Лоран Парселье живет на какой-то другой планете, где нет грусти и слез, и даже осень яркая, солнечная, и даже дождь веселый и теплый.
Лоран ПАРСЕЛЬЕ (Laurent Parcelier) - французский художник - импрессионист. Родился 19 ноября 1962 года в Chmalieres. После изучения прикладного искусства в Париже с 1978 по 1980 годы, Лоран дебютировал в комиксах журнала «Triolo» с несколькими рассказами. Затем издал несколько собственных альбомов, названных «Le drole de monde «(«Странный мир»). Парселье стал известным, и его творческий путь казался очевидным. Однажды он принял участие в конкурсе уличной живописи и выиграл главный приз. Работа Лорана Парселье привлекла внимание зрителей на выставке в Salon des Beaux Arts de Perigueux (1992г.). С тех пор его выставки следовали одна за другой. С 1996 года Лоран посвятил себя только живописи
Невозможно поверить, но в творчестве Парселье практически не встречается хмурых и дождливых картин. «Кажется, что он живет на какой-то другой планете, где нет грусти и слез, где даже осень яркая и солнечная, а дождь - весёлый и теплый», - написал художник Howard Behrens в статье «Моне XXI века». Столько чувств, света и позитива, что кажется, будто полотна созданы не из тысяч мазков акварели и масла, а сотканы из солнечных зайчиков и детских улыбок.
Пинап - художник Джим Элвгрен.
Джил Элвгрен (Gil Elvgren) - американский художник. Полное имя - Gillet Elvgren. Родился 15 марта 1914 года в городе Сент-Пол, штат Миннесота.
Закончил Американскую Академию Искусств. В 1936 году начал работать художником в чикагском рекламном агентстве Louis F. Dow. За время работы здесь успел принять участи в создании рекламы для Кока-Кола и Дженерал Электрик.
В 1944 году заключил контракт с компанией Brown & Bigelow, где рисовал иллюстрации для календарей и рекламы, получая по 1000 за иллюстрацию.
Оригинальные фотографии девушек, с которых рисовали pin-up 30−50-х годов.
Само название Pin-Up произошло благодаря водителям-дальнобойщикам, которые обклеивали свои грузовики страницами с красивыми девушками. Дословно «pin up» - прикалывать. Pin-Up появился в начале ХХ века, когда для рекламы и календарей начали использовать нарисованных красавиц, которых поначалу просто перерисовывали с фотографий или даже просто раскрашивали снимки.
Одним из самых значимых пинап-художников ХХ века считается Джил Элвгрен (Gil Elvgren). Героинями Элвгрена становились «девушки-соседки», которых застали врасплох во время различных пикантных ситуаций. Моделей и сюжеты для своих иллюстраций Джил Элвгрен перерисовывал с фотографий.
Потрясающая акварель
Английский художник Джо Фрэнсис Доуден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники.
Например: «Будьте проще - эта самая распространенная мантра среди акварелистов не подходит для нашего случая. Наоборот, старайтесь усложнить работу на столько, насколько это возможно. Уберите подальше учебники по акварели и углубитесь в настоящий лес.»
«Пишите свет, а не ландшафт. Такой подход может показаться сложным, но я объясню, как это сделать. Когда вы смотрите на ландшафт, против низко стоящего солнца, все вокруг оживает. Даже самый невзрачный вид сверкает и искрится полный жизни и энергии. Но обернитесь и вы увидите мертвый и скучный пейзаж. Ищите в первую очередь свет, а потом - вид.»
Разгульная жизнь в эротических картинах художника Terry Rodgers
Продолжу свой предыдущий пост о картинах Terry Rodgers и расскажу немного о его творчестве.
Терри Роджерс (Terry Rodgers) - искусный портретист. Герои его картин - томные и буржуазные, гламурно апатичные тусовщики, завсегдатаи коктейльных вечеринок, а сквозящее в их глазах разочарование объединяет их с «прекрасными, но обреченными» персонажами Ф. Фицджеральда. Полуобнаженные женщины с пухлыми губами и безупречно сложенные мужчины-манекены, они как будто через мгновение предадутся оргии, если, конечно, заметят друг друга в своем тотальном безразличии. Американский фото-художник Терри Роджерс не дает забыть о том, что под слоем гламура и одежды все люди абсолютно голы. Представьте, что вы оказались на вечеринке или на каком-то званном мероприятии в комнате, заполненной гламурными людьми. А теперь представьте, что все они или обнажены, или едва прикрыты элементами нижнего белья. Американец из Массачусетса с фотографической точностью изображает жизнь светской тусовки, добавляя ей особой пикантности. Он использует технику фото-рисования. Сначала делает снимки, на которых позируют модели, друзья/знакомые, а иногда даже и совсем незнакомые люди. Затем придумывает сценарий и, собрав несколько фотографий, перерисовывает их на одном полотне. В основном, Терри фокусируется на всяких вечеринках и тусовках, но среди его работ есть и сценки из повседневной жизни семей среднего класса, пляжные картинки
Завораживающие пейзажи маслом от художника-самоучки Hong Leung
Природа такая необыкновенно красивая, что ее красоту просто невозможно передать с помощью правил, именно поэтому Hong Leung творит свои красивейшие пейзажи с полным отсутствием рамок, поддаваясь обычной свободе движений и используя самые чистые цвета. Этот китайский художник самоучка творит прекрасные абстракции, в красоте которых можно утонуть. Каждая его картина маслом показывает внутреннюю силу и уверенность, их автор прекрасно знает, что делает и это может оценить каждый.
Hong Leung начал осуществлять свою мечту в 19-летнем возрасте, и она стала реальностью, его относят к профессиональным художникам и считают передовым нео-импрессионистом. Многие коллекционеры Гонконга и критики увидели талант этого юноши еще на первых этапах его движения к мечте. Интересный такой факт - не учитывая, что Hong Leung самоучка, его избрали членом художественных обществ, а также школ. Потихоньку пейзажи маслом от китайца приобрели большую популярность и принимали участие в самых крупных выставках Японии, Канады, Австралии, калифорнии и других странах.
Стоит заметить и то, что Hong Leung сумел передать свои знания и талант двум своим сыновьям, которые стали достойными продолжателями творчества отца.
Абсолютно простой художник
Его очень любят в Европе, но работает и живет он в Минске. Его работы безумно популярны за рубежом, но практически незнакомы белорусам. В современном искусстве, которое помешано на исключительности и кассовости одновременно, художник Валентин Губарев остается сам по себе, без непрерывной гонки за признанием. Он просто делает то, что по душе.
В 90-х годах в картины Валентина Губарева были влюблены французы. Поэтому галерея Les Tournesols заключила с ним контракт на 16 лет. Работы, которые, в принципе, могли быть понятными только людям со скромным обаянием еще не развитого социализма, очень пришлись по душе публике в Европе. У художника сразу же начались выставки в Германии, Швейцарии, Великобритании и других странах.
Окружающий мир Валентин Губарев воспринимает очень непосредственно и искренне. Он не склонен придумывать сюжеты для картин, ведь считает, что вокруг и так очень много источников вдохновения. Художник разрушает все принципы и перспективы композиции, создавая игру цвета. Хочется остановиться возле его работы и рассматривать каждую прорисованную деталь.
Как-то в одном из интервью художник сказал, что относится ко всем своим героям с сочувствием, любя их. Он считает их вовсе не плакатными героями, у которых не всегда все складывается хорошо.
Например, на одной из картин под названием «Медляк» изображены танцующие дома мужчина с женщиной. На столе в их жилище стоят конфеты и шампанское. Мужчина, пришедший к своей даме, снял обувь и остался в носах. Его образ сразу же стал не героическим, а ручным. По мнению Валентина Губарева, мужчина в носках - это находка для каждой женщины.
Последнее танго в Париже Танец страсти в картинах аргентинского художника Фабиана Переса. Художник и писатель Фабиан Перез (Fabian Perez) по праву может считаться гражданином мира. Родом из Аргентины, он несколько лет прожил в Европе, постигал боевые искусства в Японии, а сейчас живет и творит в Северной Америке. Все это несомненно отразилось в его творчестве - полные страсти и томления образы все же сохраняют в себе еле уловимые восточные мотивы. Фабиан пишет свои картины акриловыми красками, потому что они быстро сохнут и импульсивны, подобно сюжетам его картин. Они смелые, символичные и настолько полны энергии, что вам самим захочется станцевать танго с таинственным незнакомцем или незнакомкой в шумном и накуренном баре. А еще они подобны дорожной карте, где каждый волен выбирать свой путь, сообразуясь со своими местами и желаниями.