Розальба Каррьера
Розальба Каррьера родилась 7 октября 1675 года в Венеции в небогатой семье городской кружевницы. Интерес к живописи проявился у девочки в раннем детстве. Первой наставницей Розальбы была её мать, которая видя природный талант дочери стремилась к его всяческому развитию, привлекая её к художественному оформлению миниатюрных табакерок из слоновой кости, пользовавшихся большим спросом у туристов Венеции того времени.
В дальнейшем Розальба Каррьера училась у Джузеппе Диамантини (1660−1722) и Антонио Балестры (1666−1740). На её творчество большое влияние оказал также шурин художницы, Джанантонио Пеллегрини (1675−1741), являвшийся наряду с Себастьяно Риччи (1659−1734) и Якопо Амигони (1675 - 1752) законодателем традиций в венецианском рококо.
Постепенно художница перешла от миниатюры к более крупноформатной живописи, отдавая при этом предпочтение портретной живописи в технике пастели. С ростом художественного мастерства Розальбы Каррьера, росла её популярность среди венецианской аристократии и, как следствие, число заказчиков её работ. Её заказчиками становились как местные галантные венецианские сеньоры, так и приезжие туристы, желавшие на века сохранить свои впечатления и свои образы. Её работы отличали светлые и воздушные цвета, а расплывчатость форм вкупе с человеческой чувствительностью подчёркивала тонкое изящество изображённых напудренных дам и кавалеров. Стиль её письма всегда притягивал зрителей неуловимым очарованием, а исключительное, практически академическое владение техникой пастели акцентировало восприятие изображаемого образа.
В 1700 году, в возрасте 25-и лет Розальба Каррьера была избрана в гильдию художников - Академию святого Луки в Риме. Это была очень высокая оценка достижений молодой художницы, тем более что женщин-художниц в гильдии было считанные единицы.
В начале 18-го века Розальба Каррьера становится настолько модной, что её начинают приглашать монархи ведущих царских домов Европы.
В 1700 году художница исполнила заказы герцога Мекленбургского, в 1709 году короля Фридриха IV Датского, а 1717 году курфюрста Саксонского.
В 1716 году происходит знаковое событие в жизни Розальбы Каррьера, - она знакомится с крупным финансистом и знаменитым в Европе коллекционером живописи Пьером Кроза, и по его совету в марте 1720 года вместе с семьёй переезжает в Париж.
В французской столице её пастельные работы имели оглушительный успех, она становится предвестником нарождавшегося в французском искусстве рококо. В Париже Розальба Каррьера получила очень выгодный заказ на 36 портретов членов королевской семьи. Именно, а это время художница исполнила одну из лучших своих работ - портрет дофина Людовика, будущего короля Людовика VX.
В 1720 году Розальба Каррьера была избрана членом Французской Королевской Академии живописи и скульптуры.
В Париже художница познакомилась и в 1721 году написала портрет Антуана Вато, основоположника и крупнейшего мастера стиля рококо.
В 1721 году художница возвращается в родную Венецию.
В 1730 году художницу пригласили ко двору польского короля Августа Сильного для для написания портретов членов королевской семьи.
В этом же году Каррьера в течение полугода живёт и работает в Вене при дворе австрийского императора Карла VI, большого почитателя её таланта. По просьбе короля она преподаёт искусство рисунка его дочери, будущей императрице Марии Терезии.
Период 1720 - 1740 годов считается периодом наибольших творческих достижений художницы. Её творчество было очень популярно при королевских дворах европы и у европейской знати. Все её работы были наполнены нежным очарованием, изображаемые персонажи всегда улыбчивы и очень красивы (зачастую приукрашенно), а восприятие лёгкое и воздушное.
Художнице первой удалось довести до совершенства технику рисования мелками, позволявшую работать быстро, спонтанно, схватывая малейшие черты внутреннего мира и характера модели.
В 1746 году Розальба Каррьера серьёзно заболела: у неё ослабло зрение в результате развития катаракты. Две проведённые операции окончились неудачно, и художница вынуждена была оставить занятия живописью, практически полностью ослепнув.
Среди наиболее значительных мужских портретов художницы нельзя не упомянуть «Портрет графа Нильса Бильке» (1729, Стокгольм, Национальный музей), написанный с типичной для стиля Розальбы легкостью и «Портрет дворянина» (Лондон, Национальная галерея).
Среди женских портретов выделяются «Портрет танцовщицы Барберины Кампани» (Дрезден, Картинная галерея) и «Портрет Катерины Барбариго» (там же), с красивыми и благородными дамами в изысканных и несколько кокетливых одеждах. Большинство картин художницы экспонируется в Дрезденской Картинной Галерее и в венецианских Ка Реццонико и галерее Академии.
15 апреля 1757 года в возрасте 81 года Розальба Каррьера скончалась в Венеции, где и была похоронена. Модная и прославленная при жизни, художница оказалась быстро и незаслуженно забытой после своей смерти. Длительное время её творчество считалось достаточно однообразным: «мастером женских головок» называли её историки, художницей виртуозно написанных, но достаточно однообразных женских образов.
И только в конце 19-го и начале 20-го веков на волне поднимавшегося в то время феминистского движения было написано несколько её биографий, а уже в наше время немецкая писательница Микаэла Яри написала о художнице исторический роман.
Влияние творчества Розальбы Каррьра испытали на себе многие живописцы, в том числе и крупнейший теоретик пастели и выдающийся английский мастер пастели Джон Рассел (1745−1806), а также знаменитый шведский живописец Густав Лундберг (1695−1786).
Время всё расставило по своим местам и примирило противников и поклонников творчества Розальбы Каррьера. Вглядываясь сегодня в лица изображённых художницей исторических персонажей невольно поражаешься тонкому очарованию, женственности и внутреннему благородству смотрящих на нас персонажей. И словно нет тех столетий разделяющих нас с изображёнными на полотнах людьми, и словно бы они рядом с нами. И всё это благодаря великому таланту великой художницы, оставившей для нашего восхищения свои великие творения.
Роман в письмах длиною в 17 лет
Почему нам интересны любовные истории великих людей?
С одной стороны, они подтверждают тот факт, что все люди одинаковы и ничто человеческое им не чуждо. С другой - их примеры могут служить своеобразным камертоном, с помощью которого проверяется чистота звука. Ведь гении не просто люди, они знают о мире что-то такое, что неизвестно обычному человеку. И то, как они себя ведут в любви, помогает нам откорректировать собственные поступки и взгляды.
Сегодня я расскажу о любви великого французского писателя Оноре де Бальзака и польской аристократки Эвелины Ганской.
Мечты о богатстве
Бальзак принадлежал к небогатому роду, корни его - из семьи крестьянина по прозвищу Бальса, обитавшего на юге Франции. Отец писателя, старший сын в многодетной крестьянской семье, всю жизнь пытался выбраться из бедности и мечтал разбогатеть. Научившись писать у сельского кюре, он стал секретарем в канцелярии короля Луи XVI и придумал, как возвыситься. Недолго думая, переделал свое прозвище Бальса (высокая скала) на более благозвучное - Бальзак. Добавил дворянское «де». Так возникла аристократическая фамилия Оноре де Бальзака, которая к дворянам не имела никакого отношения.
Любовь к деньгам и жажда разбогатеть всю жизнь сопровождали не только героев многочисленных романов Бальзака, но и его самого. И не раз играли с ним в довольно опасные игры.
А началось все с того, что родители, занятые накоплением богатств и доказательством своего высокого дворянского происхождения, отдали мальчика в приют, а потом в закрытый Вандомский колледж с суровыми условиями надзора и телесными наказаниями. Оноре чувствовал себя одиноким и отвергнутым. Единственным спасением для него были книги. Он читал много и бессистемно. Но именно тут у него впервые появилась мысль о том, что можно зарабатывать с помощью литературы.
Об этом он и заявил родственникам, которые ждали, что после посещения лекций на юридическом факультете в Сорбонне Оноре откроет нотариальную контору и будет зарабатывать как юрист. Два года дал отец неразумному сыну, заявившему, что он станет писателем, чтобы тот доказал свою состоятельность и написал бы хоть что-то.
Оноре забрался на чердак и с головой погрузился в творчество. Писал сутками. Исписывал несколько гусиных перьев за день. Измарал огромное количество бумаги. Такой работоспособности можно было только позавидовать. Позднее он назовет эти свои литературные опыты «сущим литературным свинством» и будет стыдиться их. Но тогда он пламенно верил в свой успех и ждал быстрого обогащения.
Когда на семейном совете, куда для вынесения вердикта были приглашены известные в семейном кругу литераторы, он прочитал свою трагедию «Кромвель», написанную ужасными виршами, иллюзии рассыпались. «Литература - это не для тебя», - таким был безжалостный приговор родных.
Но Оноре де Бальзак сдаваться не собирался. Тем более на создание шедевров было потрачено столько сил. Он решает продолжить писать и попутно заняться издательской деятельностью. Берет в долг огромную сумму (45 тысяч франков, взятые им в долг, он выплачивал до самой своей смерти) и начинает издавать свои собственные и чужие романы. Мало смысля в коммерции, вскоре прогорает как издатель. Берет новые кредиты и попадает в полную зависимость от тех, кто уже начал замечать в его романах зерна настоящего бальзаковского реализма. Сам того не заметив, в результате упорного труда, он отточил перо, понял, как надо писать, и постепенно стал знаменитым.
Славу Бальзаку принес роман «Шагреневая кожа» и произведения, позднее вошедшие в грандиозную эпическую эпопею под названием «Человеческая комедия». Бальзак замахнулся на поистине величественный проект. Он планировал создать более 120 романов (написал 96). Такой объем требовал титанических усилий.
Каждую ночь, надев свой длинный черный балахон, он садился за стол и погружался в мир вымышленных героев. И так из года в год создавал он свой эпический шедевр, рисовавший современную ему буржуазную Францию.
Особенно ему удавались женские образы. Бальзаковские женщины, которым на самом деле было 30−35 лет, стали примером несравненной писательской проницательности и понимания природы противоположного пола. Бальзаку нравились женщины постарше.
Первая его возлюбленная, Лора де Берни, была почти на двадцать лет старше юного Бальзака. «Она была мне матерью, подругой, семьей, спутницей и советчицей, - писал Бальзак. - Она сделала меня писателем, она утешила меня в юности, она пробудила во мне вкус, она плакала и смеялась со мной, как сестра, она всегда приходила ко мне благодетельной дремой, которая утешает боль… Без нее я бы попросту умер… Никто не может сравниться с последней любовью женщины, которая дарит мужчине счастье первой любви».
Несмотря на тяжелый писательский труд, стоивший порой потоков кофе и огромной усталости, как признавался сам писатель, он был светским человеком, никогда не отказывавшимся от общества прекрасных женщин и веселого времяпрепровождения. «Женщина - это хорошо накрытый стол, который по-разному выглядит до еды и после нее». Иногда, получив гонорар за свой очередной роман, он сорил деньгами и предавался наслаждениям, считая, что имеет на это полное право. Париж гудел, обсуждая сплетни о самом знаменитом женском угоднике Франции.
Благодаря его обаянию и романам, которые постепенно сделали его знаменитым,
Бальзак не чувствовал недостатка в поклонницах. Иногда они просто засыпали его письмами и открытками.
Вот с такого письма и начался знаменитый любовный роман, длившийся 17 лет и поставивший точку в любовных похождениях писателя и, как оказалось, в его жизни.
Чужестранка
Однажды в ворохе корреспонденций он обнаружил странное письмо. На нем не было адреса, а подписано оно было в высшей степени таинственно: «Чужестранка». Представляете? Загадочно и романтично. Прочитав письмо, касавшееся последнего романа Бальзака, он угадал в авторе женщину незаурядную, образованную и тонкую. «Ваша душа прожила века, милостивый государь, - писала незнакомка, - а между тем меня уверили, что Вы еще молоды, и мне захотелось познакомиться с Вами… Когда я читала Ваши произведения, сердце мое трепетало; Вы показываете истинное достоинство женщины, любовь для женщины - дар небес, божественная эманация; меня восхищает в Вас восхитительная тонкость души, она-то и позволила Вам угадать душу женщины».
Ему так хотелось ответить ей в таком же тоне, но он не знал, куда писать. И с волнением ждал очередного послания. И оно пришло. В этот раз таинственная незнакомка предложила ему переписываться, и, если он согласен, ответ нужно было дать через газету «Котидьен». Так Бальзак узнал, что его тайная поклонница пишет из России: «Несколько ваших слов, напечатанных в «Котидьен» (единственной французской газете, которая в те времена выходила в России), вселят в меня уверенность, что вы получили мое письмо и что я могу и впредь безбоязненно вам писать. Подпишите: «О.Б.»
Только после того, как он дал объявление в газете, Эвелина Ганская открыла ему свое имя. И они стали активно обмениваться корреспонденциями. Эвелина, кажется, тоже была тонким психологом. Она сумела так заинтриговать Бальзака, что единственной его мечтой стала встреча с этой прекрасной женщиной, обнаружившей такое понимание его творчества и мыслей. Он настаивал на встрече и верил в счастливое любовное соединение, хотя Ганская и призналась ему, что замужем.
Первая встреча состоялась в Швейцарии. Невшатель - родной город гувернантки ее дочери, куда Эвелина уговорила мужа съездить на отдых, и стал местом их первой романтической встречи.
Одно дело выдумывать образ, когда влюбленных разделяют тысячи километров, другое - увидеть человека живьем совсем рядом. Эвелина не разочаровала Оноре. И хотя ей было в то время 32 года (она соврала, что 27), выглядела польская землевладелица прекрасно.
А вот Бальзак, тучный и не отличавшийся особой привлекательностью, сначала неприятно поразил Эвелину. Она надеялась, что он намного моложе, стройнее и красивее. Совсем как при виртуальном знакомстве, когда придуманные образы не совпадают с реальностью. Но заговорить с ним пришлось, и вот тут произошло превращение. Непривлекательный внешне Оноре вдруг преобразился, когда заговорил о своей любви. Поистине, женщина любит ушами.
Невероятно харизматичный, остроумный и тонкий психолог, знающий женскую душу как свои пять пальцев, очаровал Ганскую. И роман начал развиваться с невероятной быстротой. Они тайком встречались, посылали друг другу записки и подарки. Таинственная любовная возня за спиной мужа придавала их отношениям особую остроту и романтизм.
Писатель рассказывал сестре: «Я счастлив, бесконечно счастлив, как в мечтах, без всяких задних мыслей. Увы, окаянный муж все пять дней ни на мгновение не оставлял нас. Он переходил от юбки своей жены к моему жилету. К тому же Невшатель - маленький городок, где женщина, а тем более знатная чужестранка, не может и шагу ступить незаметно. Я чувствовал себя как в горниле. Не выношу, когда на моем пути помехи… Но главное - это то, что нам двадцать семь лет, что мы на удивление хороши собой, что у нас чудесные черные волосы нежная шелковистая кожа, какая бывает у брюнеток, что наша маленькая ручка создана для любви, что в двадцать семь лет у нас еще совсем юное, наивное сердечко, - словом, мы настоящая госпожа де Линьоль, и мы так неосмотрительны, что можем броситься на шею милому другу при посторонних.
Я уж не говорю тебе о колоссальных богатствах. Какое они имеют значение, когда их владелица - подлинный шедевр красоты!" Бальзак узнал, что Ганская - дочь польского графа Ржевуского, вышла замуж за Венцеслава Ганского, когда ей было 19 лет. Муж был предводителем дворянства на Волыни и владел роскошным особняком в Верховне (возле современного Бердичева).
Нельзя сказать, что Бальзака прельщала только красота и женственность Ганской, ее богатство и знатность тоже сыграли свою роль. Престарелый муж когда-то мог освободить место рядом с потрясающей женщиной, и Бальзак, наконец, стал бы не придуманным, а настоящим дворянином.
Счастья не случилось
Но ждать пришлось не пять и не десять, а целых 16 лет. Все это время возлюбленные встречались, переписывались, совершали совместные побеги куда-нибудь на нейтральную территорию, где можно было насладиться обществом друг друга. Все было так романтично…
А между тем годы титанического труда, плохой сон, литры кофе не укрепляли, увы, его здоровья. Бальзак толстеет, болеет, слабеет. И все больше мечтает о тихом семейном гнездышке под Бердичевом, где в старинном родовом замке, на лоне прекрасной природы он будет жить с любимой женщиной в мире и любви и встретит старость богатым и счастливым.
После смерти мужа Эвелина Ганская не сразу решилась на брак с Бальзаком. Вероятно, любовь ее несколько поостыла. Бальзак очень сдал. Он уже не выглядел ни любовником, ни романтическим героем. Усталость и возраст брали свое.
К тому же Бальзак, который постоянно клялся Эвелине в любви, никогда не хранил ей верность на самом деле. Он оставался самым известным Дон-Жуаном Франции. Сорокашестилетняя Эвелина забеременела, и Бальзак был полон счастливых надежд и даже придумал имя будущему ребенку. Но преждевременные роды разбили его мечты.
Только через 7 лет после смерти мужа Эвелина решилась на брак. Бальзак приехал к Ганской и выглядел таким больным и жалким, что сердце ее дрогнуло. Они обвенчались в бердичевском костеле Святой Варвары.
Однако счастья не случилось. Бальзак, дитя своего алчного века, был слишком увлечен созданной им мечтой о любви и не видел того, что было на самом деле. Вдова с долгами, думавшая, что знаменитый писатель не может быть бедным. И писатель, ожидавший аристократического шарма, не имевший ничего, кроме купленного на последние сбережения дома в Париже.
Они оба оказались разочарованы. Ни у нее, ни у него не было денег.
Во время венчания Бальзак подхватил страшный бронхит. Он был слабым и беспомощным. Эва (так Бальзак называл Эвелину) писала своей дочери: «Бильбоке доехал в таком ужасном состоянии, в каком ты никогда его не видела. Он ничего не видит, не может ходить, то и дело теряет сознание».
Ему нужная была поддержка и тихая нежность любимой женщины, которая, вероятно, не могла ему их дать. После венчания он прожил всего несколько месяцев. Эта потрясающая любовная история закончилась печально. Может быть, потому, что с самого начала была придумана писателем и его возлюбленной.
Художник Владимир Чумаков-Орлеанский
Русская культура много веков пребывает в двух взаимноперпендикулярных ипостасях:
Жизнь внешняя, экзотеризм, способ ментального существования (modus vivendi) русского народа, его этническое бытие, быт.
И жизнь внутренняя, psiche, эзотерическая, набожная, самоуглубленная и сущностная, modus essendi.
Жизнь первая страшна и курьезна, переполнена действием - розовыми
щеками и погостами, балалайками и мордобоями, крестными ходами и беспробудным пьянством, зимами и летами, мужчинами и женщинами.
Жизнь вторая обусловлена врожденной тягой русской души к божественному, мистическому. Здесь суете нет места. В этой жизни царит дзен-буддистская самопогруженность, харизма (доколе проклятые политики будут искажать смысл этого понятия?!), словесное наследие Иоанна Златоуста и Павла Флоренского, темныя одежды и молчаливая беседа в компании Орла, Тельца и Льва.© «Родился в Москве в период правления „Великого КукурузногоЧеловека“.Рос хилым и задумчивым ребенком, что не помешало впоследствие исполнить почетную обязанность в рядах Рабоче-Крестьянской Красной Армии, в ознаменование, по-видимому,"Большой лафетной гонки» генсеков. Позднее, закончив с отличием рекламно- оформительский факультет Московского художественно-технического училища, трудился в должностях истопника, сторожа, художника Дирекции Международных Туристских Перевозок. После окончания факультета интерьера и оборудования в МВХПУ (б. Строгановское) занимал должности ведущего дизайнера АО"МММ", главного художника журнала"Ювелир"
Но через все годы художественного утилитаризма было гордо пронесено знамя станковой живописи. Оставаясь по гроб жизни приверженцем уходящей русской культуры, выбор между иконографией и светской живописью я сделать не посмел. Живопись была поделена в равных долях и, несмотря на кажущуюся параноидальность, таковая деятельность имела место успешно быть. Оба полушария мозга нашли себе место в сокровищнице мировой культуры. Поэтому с 1989 г. мне повезло стать участником всевозможных выставок, ярмарок, вернисажей, аукционов, закупок, заказов, просьб, восхищений и предложений"заходить еще".С правой стороны страницы Вы можете ознакомиться со всеми регалиями, атакже просмотреть альбомы по ЭТНИЧЕСКОЙ и ЭЗОТЕРИЧЕСКОЙ живописи.
Будучи по жизни художником рукопашным и имея томление духа и Идиосинкразию Великую ко всякого рода кнопкам, освоил (превозмогая) компьютерные науки, после чего работал долгое время и продолжаю работатьв области ДИЗАЙНА ИНТЕРЬЕРОВ, здраво рассудив, что какой бы ни была станковая живопись (по стилю, размерам и качеству), но жить ей тоже где-то нужно. Как нельзя более кстати возникли воспоминания о том, что я являюсь выпускником факультета" ИНТЕРЬЕР И ОБОРУДОВАНИЕ" и дипломированным специалистом именно вЭТОЙ области.
ДО 1989 г.-ЧЛЕН СОЮЗА ХУДОЖНИКОВ-ГРАФИКОВ МОСКВЫ.
В НАСТОЯЩЕЕ ВРЕМЯ-ЧЛЕН СОЮЗА ДИЗАЙНЕРОВ РФ "
Какие бывают вина?
Вина настолько отличаются друг от друга по своему составу, способу приготовления, вкусовым качествам и питательной ценности, что единой для всех стран классификации вин не существует.
По содержанию добавленного спирта их делят на натуральные и крепленые.
Натуральные вина готовят только из плодов виноградного растения без добавления веществ, используемых при выработке вин других категорий, в частности, без спирта и свекловичного сахара. При производстве таких вин содержащийся в виноградной ягоде сахар либо выбраживают до конца, либо специально оставляют недоброженным для придания вину особого привкуса.
По содержанию сахара натуральные вина делят на сухие, полусухие, полусладкие и десертные, крепленые - на сухие, десертные и ликерные.
Сухие вина получают при полном сбраживании сока, они отличаются легкостью и нежностью вкуса и характерной приятной кислинкой. В их названии обычно присутствует название сорта винограда, из которого они изготовлены: Алиготе, Рислинг, Сильвестр, Ркацители. Для приготовления этих вин сбор винограда проводят тогда, когда содержание в нем сахара достигает 18−20%. После прессования винограда используют только первые, наиболее качественные фракции сока. Правильно приготовленные сортовые вина имеют свой собственный яркий оттенок аромата и вкуса.
По цвету вина могут быть белыми, розовыми или красными - но это зависит не только от цвета виноградной ягоды, но и от технологии изготовления.
Сухие красные вина отличаются от белых еще и своеобразным букетом и вкусом. Им присущи полнота вкуса и легкая терпкость. В этих винах хорошо развит букет таких сортов винограда, как Каберне, Саперави, Мерло и других. Сбор винограда для производства красных вин проводят, когда содержание в нем сахара достигнет 20−23%, что соответствует накоплению в нем максимального количества красящих и ароматических веществ. Поэтому крепость этих вин выше, чем у белых, а кислотность ниже. Дубильные, красящие и ароматические вещества находятся в твердых частях виноградной грозди, поэтому красные вина готовят путем брожения не сока, а мезги. Красные вина богаче биологически активными веществами, чем белые.
Для получения полусухих и полусладких натуральных вин брожение сусла или мезги не доводят до конца, прекращая его с помощью специальных технологических приемов, чтобы частично сохранить сахар. Виноград для этих вин собирают по достижении им самой высокой сахаристости (23−26%). Такие вина - достаточно легкие и очень гармоничные, потому как в них есть и небольшое содержание спирта естественного брожения, и естественная сладость. Эти вина пользуются у потребителя повышенным спросом, поэтому их чаще всего фальсифицируют.
Очень сладкие вина лучше всего сочетаются с десертными блюдами, потому и называются десертными. Крепленые спиртом десертные вина содержат довольно высокий процент алкоголя - от 16 до 22% и сахара от 3 до 7%. Легкие десертные вина содержат еще больше сахара, а алкоголя от 10 до 16%.
По категории качества вина делят на столовые, марочные и коллекционные. Столовые вина предназначены для обеда, их подают к различным блюдам.
В марочном вине важен не только сорт винограда, из которого оно изготовлено, но и то, где этот виноград произрастает, каким способом приготовлено вино и где розлито. Все эти характеристики и обеспечивают качество напитка.
Вина, приготовленные из винограда только одного сорта, называют сепажными. Вина изготавливают и из смеси (купажа) разных сортов винограда. Хорошие результаты достигаются правильным подбором входящих в купаж компонентов. Для купажных вин характерна невысокая крепость (9−12 градусов).
В европейской классификации существует две категории - столовые вина и качественные вина, произведенные в определенном регионе.
Во французской классификации таких категорий четыре.
Первая - столовые вина.
Вторая - вина земель - их производство привязано к винодельческим регионам. Их называют еще местными винами.
Третья - вина, жестко привязанные к относительно небольшим регионам. Их называют марочными винами высшего качества.
Четвертая - вина контролируемых наименований по происхождению. Эта высшая категория французских вин. Самая дорогая, но и самая элитная. Каждое вино производится только в одном строгом месте, из винограда, выращенного только на одном винограднике и иногда даже, только одной, строго определенной части виноградника.
Если в названии вина есть слово «Крю», это значит, что виноград для вина выращен на участке земли, исторически лучшем, чем окружающие участки.
По содержанию сахара игристые вина подразделяются на шесть категорий, которые отчасти «накладываются» друг на друга:
- экстра-брют (extra-brut): с содержанием сахара до 6 г/л;
- брют (brut): с содержанием сахара до 15 г/л;
- самые сухие (extra-sec): с содержанием сахара 12−20 г/л;
- сухие (sec): с содержанием сахара 17−35 г/л;
- полусухие (demi-sec): с содержанием сахара 33−55 г/л;
- сладкие (doux): с содержанием сахара более 50 г/л.
В последние десятилетия выпуск полусухих игристых вин сокращается, производство сладких практически прекращено.
Лучшие игристые вина, производимые во Франции, называются шампанскими.
Хендрик Аверкамп
Нестабильность климата - примета не только нашего времени. В конце 16 - в начале 17 веков в Европе установились долгие и холодные зимы. Это время известно, как «малый ледниковый период».
Такое явление не могло не найти своего отображения в изобразительном искусстве.
Непревзойденным певцом городского зимнего пейзажа стал голландский живописец Хендрик Аверкамп.
Аверкамп получил свое прозвище из-за немоты (немой из Кампены). И действительно, художник родился немым в 1583 году в Кампене, в семье аптекаря. Обучение проходил в Амстердаме. Долгими зимами, выпавшими на его жизнь, горожане развлекали себя, чем могли.
Излюбленным местом препровождения стали замерзшие городские каналы, превратившийся в великолепные катки.
Все, от мала до велика, предавались катанию на коньках и разнообразным зимним видам спорта.
Аверкамп, изображая пеструю городскую толпу, удачно оживил монохромный городской пейзаж жанровыми зарисовками.
Во многих таких произведениях спрятаны разнообразные сюжетные загадки, что делает разглядывание картин весьма увлекательным и занимательно-полезным.
Современники оценили такой подход к произведениям по достоинству и очень охотно покупали картины.
Аверкамп был популярным, знаменитым и состоятельным художником.
Этому способствовал и тот факт, что картины были небольшими по размеру и приобретали их не только состоятельные и знатные голландцы, но и простые горожане, для украшения собственных жилищ.
Для пейзажей Хендрика Аверкампа характерен серебристо- серый или голубовато-серебристый колорит, великолепно передающий гладь замерзших каналов и холодно-влажный воздух зимнего города.
Яркие локальные цвета в одеждах горожан лишь подчеркивают монохромность такого пейзажа и позволяют точнее создать перспективу, наполнить картину воздухом.
Как правило, художник использует вытянутый удлиненный формат, что позволяет ему расширить небо и горизонт, сделать композицию более совершенной.
Повышенное внимание к мельчайшим деталям, вероятнее всего, следствие глухоты, при которой, в виде компенсации, обостряется зрение.
Художник, с раннего детства принимавший участие в зимних городских забавах, пронес детскую увлеченность через всю свою творческую жизнь.
А зритель, любого возраста, глядя на его картины, моментально превращается в восхищенного ребенка, восторженно восклицая: «Ух ты!»
Симон Ушаков
Ушаков (Симон или Пимен Федорович, 1626 - 1686) - знаменитый московский иконописец, происходил, вероятно, из посадских людей и, по-видимому, очень рано получил основательную подготовку к своей специальности, так как, будучи всего 22 лет от роду, был принят в царские «жалованные» (то есть получавшие постоянное содержание) мастера Серебряной палаты при Оружейном приказе. Здесь прямыми его обязанностями было «знаменить», то есть делать рисунки для разных предметов церковной утвари и дворцового обихода, преимущественно для золотых, серебряных и эмалированных изданий, расписывать знамена, сочинять узоры для рукоделий, чертить карты, планы
В чем феномен Владимира Высоцкого?
25 июля 1980 года Марина Влади проснулась в четыре утра. На подушке кроваво-багряное пятно - раздавила огромного комара. Тянется время, звонит телефон, в трубке ледяной голос: «Володя умер». «Вот и все, - будет писать о том дне Марина в книге воспоминаний, - тебя раздавил лед, тебе не удалось разбить его».
На стол директора Ваганьковского кладбища Иосиф Кобзон положил толстую пачку сторублевок: «Нужно место для Высоцкого». Немолодой человек не выдержал и заплакал: «Как вы могли подумать, что я возьму деньги? Ведь я любил его».
Высоцкого все любили. Даже сотрудники КГБ, которые следили за ним дома и за рубежом. Однако понять до конца Владимира Семеновича не смогли даже ближайшие друзья. Поэтому болезненное внутреннее одиночество было его самым тяжелым крестом.
Сам же Владимир Семенович вызовы судьбы принимал охотно, с каким-то нечеловеческим азартом и отсутствием малейшего страха. Он ходил в походы на подводных лодках, пилоты брали его в кабины истребителей, альпинисты - в горы. И все сознавались, что чувствовали себя уверенно и спокойно, когда рядом был Высоцкий. Вспоминая поэта, режиссер Юрий Любимов рассказывает, как в частном разговоре один большой военачальник, генерал, откровенно позавидовал таланту Владимира влиять на людей.
Впрочем, он влиял не грубым волевым усилием, а идеей и словом, и даже своим молчаливым присутствием. Высоцкий очень любил компании, но брал в руки гитару не так часто, как можно себе представить. В основном он внимательно слушал людей. Не перебивая, что-то записывал, но чаще запоминал, рифмуя мысли в коротенькие содержательные строфы. Ближайшим друзьям рассказывал, что именно так начал писать песни, в которых старался воспроизвести каждое мгновение жизни.
Астрологи утверждают, что любой Водолей (а Владимир родился 25 января 1938 г.) - определенно инопланетянин или минимум - пришелец из будущего, которому трудно приспособиться к повседневности. И каждый ребенок, рожденный под этим знаком, маленький феномен и задача без решения для родителей и окружающих.
«Рифмы его абсолютно феноменальны», - писал о Высоцком Иосиф Бродский, поэт и нобелевский лауреат. А уже упоминавшийся Юрий Любимов откровенно сознавался, что при всенародной популярности Владимир оставался «явлением непонятным для многих его ближайших товарищей и коллег».
«Я буду петь то, что пою, - отрубил Высоцкий, когда его как-то попросили подкорректировать репертуар. Нервно выслушав двух полковников КГБ, Владимир Семенович улыбнулся и прибавил: - Я сам знаю, что мне можно, а что нет. Потому что сам всего достиг. Что вы мне можете сделать?».
«Жизнь на пределе, на краю» - возможно, самая яркая черта Высоцкого, для которого не существовало полутонов. Большинство считало «Володьку» своим парнем - простым и понятным. Таким он был в своем творчестве. В частной жизни - одновременно праздником и карой небесной. А для остальных «всех» - вызовом.
Многие охотились на магнитофонные записи его песен и даже приглашали на торжество по случаю профессионального праздника. Сам Высоцкий, смеясь, рассказывал в разговорах с друзьями, как за ним «парни из Еревана» пригнали специальный самолет, после выступления вручили толстенный конверт с купюрами, корзину фруктов и ящик коньяка:
- Спасибо, ребята, говорю, что за организация?
- Комитет госбезопасности, - отвечают. - Приезжайте к нам еще…
Начиная с 1970 года, после брака с Мариной Влади, власти откровенно вмешиваются в личную и творческую жизнь поэта. Утверждать Высоцкого на роль в фильме для режиссера или функционера от культуры теперь значит поставить на кон свою карьеру. Зато Владимир Семенович ни разу не изменил друзьям, даже когда знал, что это выйдет для него боком. В 1967 году в своем дневнике он написал короткое предложение: «У меня очень много друзей, меня Бог наградил, и я без них сдохну, это точно». А в одном из немногих интервью добавил: «Для меня самый понятный вид страдания - человек, лишенный свободы, своих близких и друзей».
Достояние Высоцкого - это более чем 800 песен, почти столько же стихотворений, прозаические произведения, роли в кино и театре. Для таких, как он, жизнь - ежесекундная война, поскольку «во время войны просто существует больше возможностей, больше пространства для раскрытия… Люди на войне всегда на пределе, за секунду или за полшага от смерти. Я вообще для своих песен стараюсь выбирать людей, которые в ситуации «дальше некуда».
Возможно, поэтому его песни стали народными, а их отдельные строки - афоризмами. Ведь каждый слушатель чувствовал в них «серебряные струны» собственной души и, скорее, еще что-то, что нельзя объяснить. Вот из-за этого «что-то» феномен Высоцкого до сих пор остается загадкой.
Высоцкий писал в собственном настоящем, но писал для грядущего. Его творчество - определенное послание миру, но мир, как всегда, оказался не готов это послание воспринять.
Сгину я, меня пушинкой ураган сметет с ладони,
И в санях меня галопом повлекут по снегу утром.
Вы на шаг неторопливый перейдите, мои кони,
Хоть немного, но продлите путь к последнему приюту!
Яйца, Леда и лебедь. Откуда начнём?
Разобраться в греческой мифологии - непостижимая задача. Во-первых, их очень много, этих богов и полубогов. Во-вторых, они носят разные имена и эпитеты (при всем том, что речь идет об одном и том же боге). В-третьих, они плодовиты и неразборчивы в связях, что приводит к земным конфликтам и войнам. А кто виноват - и концов не найдешь.
Вот, к примеру, Зевс - бог неба, грома и молний, ведающий всем миром. Главный из богов-олимпийцев, сын титана Кроноса. Женат, между прочим, на богине Гере (она же его сестра), но он ей изменяет. Сказать «часто» - ничего не сказать. Беспрерывно!
И сколько детей он наклепал - не перечесть! Хотите удостовериться - загляните в источники. Как змей он соблазнил Деметру, а затем Персефону, как бык и птица - Европу, как лебедь - Леду, в виде золотого дождя - Данаю, ну, и так далее.
Фантазии Зевса при соблазнении безграничны! Естественно, эти способности не могли пройти мимо художников и скульпторов, которые вдохновлялись необычными способами воспроизводства божественной силы (и очень может быть, что завидовали ему).
Огромное количество статуй, картин, медалей, камей посвящено Зевсу и его приключениям. Кто такой Зевс - уже как бы ясно. Сегодня мы займемся его играми с Ледой. Леда - дочь этолийского царя Фестия. Пораженный и возбужденный красотой Леды, Зевс возник перед ней в образе лебедя. Результат: она снесла два яйца, из которых вылупились Полидевк и Елена. Либо же она снесла тройное яйцо, из которого появились Кастор, Полидевк и Елена. Либо из двух яиц появилось четверо детей.
Насчет количества яиц - тоже нет единообразия: то ли одно, то ли два. Молва говорит ab ovo, что означает в переводе с латыни - «с яйца». Не с яиц. Причем фигурально это значит «с начала». Есть еще выражение, которое звучит так: «начнем с яиц Леды». (А почему не с яиц Зевса? Последнее было бы логичнее, уж если с начала.)
А вот занимал умы творцов статуй, картин и медальонов в основном этот самый момент овладения Ледой. Причем очень давно - одно из самых древних произведений такого рода датируется первым веком до новой эры. Видимо, все творцы мучились одним и тем же вопросом: а как это у них? Лебедя пристраивали к Леде и так, и этак. И все они (творцы) никак не могли отвлечься от человеческой природы - от естественного пути соединения.
.
Александр Сергеевич Пушкин в «Гавриилиаде» так описывает процесс сошествия на Марию Святого Духа (правда, здесь голубь, а не лебедь, но все равно - птичка):
«И что же! вдруг мохнатый, белокрылый
В ее окно влетает голубь милый,
Над нею он порхает и кружит,
И пробует веселые напевы,
И вдруг летит в колени милой девы,
Над розою садится и дрожит,
Клюет ее, копышется, вертится,
И носиком, и ножками трудится.
Он, точно он! - Мария поняла,
Что в голубе другого угощала;
Колени сжав, еврейка закричала,
Вздыхать, дрожать, молиться начала,
Заплакала, но голубь торжествует,
В жару любви трепещет и воркует,
И падает, объятый легким сном,
Приосеня цветок любви крылом.»
Лучше не скажешь.
Попробуем разобраться с художниками. Гениальный Леонардо да Винчи, видимо, не владел техникой соединения птицы с женщиной, поэтому лебедь - рядом, они оба стоят. А вот Микеланджело Буонаротти изобразил их несколько иначе, ближе к привычному для глаза положению.
Зато у Леонардо уже и детки из яиц вылупились, и резвятся у ног Леды. Получается так, что Зевс то ли присутствует при появлении на свет своих детей, то ли он пришел к Леде с очередным визитом, а тут - на тебе - дети! Все возможно, хотя легенда не говорит ни того, ни другого. Как бы Зевс сделал свое дело - и на том спасибо!
У Корреджо - как оно должно было быть у богов - Зевс в образе лебедя и свита. Это на тот случай, если Леда вдруг скажет, что яйца не от Зевса и «яичные» дети у нее от законного мужа (она уже была матерью двоих детей, когда на нее упал Зевс). Хотя тут неувязка - первые появились привычным путем, а для этих пришлось перейти на другой способ воспроизводства. Чудеса, игры богов, поэтому логика никакого значения не имеет.
А вот у Сальвадора Дали и Леда, и лебедь парят. Видимо, все в прошлом, потому что на первом плане вместе с ними парит и половинка яйца - как намек (хотя и слабенький) на миф. Половинка пустая, никаких признаков детей. Куда они подевались?
Раз половинка пустая - они уже вылупились. И уйти никуда не могли в силу своей беспомощности (нигде не упоминается о том, что они с момента рождения были физически зрелыми и самостоятельными). Одни загадки (что и характерно для Дали).
К легенде приложили руки самые знаменитые художники прошлого и продолжают прикладывать совсем незнаменитые художники нашего времени. Вот, например, в Старом Яффо козырек над дверью поддерживают аж две Леды с двумя лебедями, вырезанные из стали (сколько лет этим кронштейнам - неизвестно, может, сто, поскольку они сильно тронуты ржавчиной). Эта попытка пропаганды культурного наследия заслуживает и внимания, и одобрения.
Среди многих других современных живописных интерпретаций мифа есть и такая. Леда в современном купальнике спит (или якобы спит), рядом с ней лебедь - и два яйца. Совершенно нелогичный разворот: не успели соединиться - и уже готово. Как бы для созревания яиц требуется какое-то время (никто не написал, какое). И что, Зевсу нечего больше делать, как дежурить около нее и ждать, пока она их выдаст? Не божественное это дело! И вообще, когда она надела купальник и где она его взяла? Или это намек на то, что современная женщина может все, в том числе и нести яйца? Ну и заворот у художницы!
Леда и лебедь - неисчерпаемая для художников тема! Они продолжают творить…
.Застойные времена, книжный магазин, привезли книги Драйзера. Само собой, чудовищная очередь, хвост даже на улице… Мимо «хвоста» идет дамочка слегка «базарного» вида и спрашивает у интеллигентной дамы:
- Скажите, за чем стоят?
- За Драйзером.
- А это что, вроде штапеля?
Вечером в квартире заслуженного академика, за столом сидят академик и его жена - та самая интеллигентная дама из очереди. И она рассказывает мужу:
- Представляешь, стою сегодня в очереди за Драйзером, а какая-то некультурная женщина сказала, что Драйзер - это вроде штапеля!
Академик заволновался, заходил по комнате:
- Знаешь, дорогая, мне очень стыдно, но Штапеля я совсем не читал…
Джордано Лука. Giordano Luca
Джордано Лука Творчество и биография Джордано Лука Похищение Прозерпины, 1684−1686 Палаццо Медичи-Риккарди, Флоренция Ладья Харона, чары Ночи и Морфей, 1684−1686, Палаццо Медичи-Риккарди, Флоренция Триумф Галатеи, 1675−1677 Эрмитаж Санкт-Петербург Битва Персея, 1670 Национальная галерея, Лондон Джордано Лука (Giordano Luca) (1632−1705) Итальянский художник эпохи барокко. Родился 18 октября 1632 года в Неаполе. В течение 9 лет Лука Джордано обучался живописи в своем родном городе у Хусепе Риберы, последователя живописной реформы Караваджо. Потом Джордано занимался в Риме под руководством Пьетро да Кортоны и завершил свое образование копированием работ Рафаэля и Микеланджело.
Впоследствии Лука Джордано трудился в Болонье, Парме и Флоренции, в начале 1690-х годов был приглашён королем Карлом II в Испанию и писал в Эскориале, Мадриде и Толедо. В ранних произведениях - серии полотен «Философы» (хранятся в собраниях - Брешия, Пинакотека Тозио-Мартиненго; Рим, Национальная Галерея Корсини; Эрмитаж), полуфигуры нищих-бродяг с атрибутами античных мыслителей порой выглядят гротескно, в отличие от подобных «портретов-типов» Риберы. Сильной караваджистской непрозрачной светотенью моделированы их крепкие фигуры, выступающие из темного фона. Живописные приемы караваджизма - эффекты искусственного света, динамичное распределение светотени присутствуют и в других ранних произведениях-картинах «Аполлон и Марсий», «Мучение Св.
Лаврентия" (Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина), «Кузница Вулкана» (Санкт-Петербург, Эрмитаж). Однако сюжеты трактованы с некоторой поверхностью, менее эмоционально, чем у Караваджо и Риберы, персонажи сцен из легендарной истории и мифологии выглядят более холодными. Обладал значительным художественным талантом, весьма развитым чувством красоты и удивительной находчивостью воображения; но иногда непростительно злоупотреблял своим дарованием, считая бойкость и быстроту фактуры главным достоинством живописного произведения.
Им выполнено множество фресок и картин, и едва ли найдется в Европе картинная галерея, в которой не было бы образцов его живописи. Одни из них прекрасно задуманы, нарисованы и написаны; другие слабы по концепции и небрежны по исполнению. Из Неаполя Джордано путешествовал в Рим, Венецию, Болонью, Парму, Флоренцию. В Риме на него произвели своим грандиозным размахом барочные иллюзионистические архитектурные перспективы Пьетро да Кортона, в Венеции - Веронезе и Тициан.
От самого неаполитанского художника мастера Венеции восприняли приемы сильной контрастной светотени («тенебризма» - от итал. tenebroso), а Джордано, получив здесь заказы на росписи церквей, пытался постичь тайны светоносного колорита венецианцев, подражать мягкой пластике их мазка, пространственным, наполненным светом, композициям Веронезе в больших декоративных циклах (его шедевр - росписи палаццо Медичи-Рикарди во Флоренции, 1682). Его образы в станковых картинах на сюжеты из легендарной истории («Мадонна с балдахином».
Национальные галереи Каподимонте; «Христос среди донаторов», Рим, Национальная галерея Корсини) или мифологические сюжеты «Сон Вакха» (Эрмитаж); «Любовь и пороки обезоруживают правосудие» (Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина) насыщены светским духом, несут в себе оттенок чувственной грации, предвосхищающей рококо.
В декоративных фресковых росписях его не увлекало построение сложных архитектурных перспектив, маленькие парящие в бездонном пространстве фигурки сосредоточены главным образом по бокам, оставляя пустым небесное пространство в центральной части плафона. Иногда аллегорическое содержание его росписей несколько усложнено, как во фресках королевского дворца в Мадриде или в соборе в Толедо, исполненных во время пребывания в Испании (1682−92), но его искусство всегда несет в себе атмосферу праздничности, предвосхищая искусство венецианских «виртуозов» 16 века, светскую трактовку аллегории в век Просвещения. Поздний цикл станковых картин на тему библейской истории Юдифи (1704, Неаполь, Национальный музей Сан Мартино), пожалуй, самое драматическое произведение Джордано. Картины написаны динамичным мазком, бурная экспрессия в выражении чувств героев, как всегда в работах художника, кажется несколько поверхностной.
Лучшими из работ Джордано считаются «Основание ордена Золотого Руна», плафон в одной из зал Дворца Буэн-Ретиро в Мадриде, «Триумф Юдифи» и другие фрески в церкви Сан-Мартино, в Неаполе, «Михаила-архангела, поражающего Сатану» в Вене и «Суд Париса» в Берлине. В Эрмитаже хранятся четыре картины этого живописца, принадлежащие к числу наиболее удачных его работ: «Спаситель, снятый со креста», «Отдыхающий Бахус», «Суд Париса» (копия берлинской картины) и «Кузница Вулкана»; кроме того, в Эрмитаже имеются три менее значимые картины Джордано: «Триумф Галатеи», «Похищение Европы» и «Аполлон и Дафна».
Джордано был мастером переходной эпохи рубежа 17−18 веков, поэтому в его творчестве черты позднего барокко подверглись своеобразной трансформации, предвосхищая открытия нового столетия. Скончался Джордано Лука 3 января 1705 года на родине в Неаполе.
Реют ли нынче над волнами алые паруса?
В начале 1960-х годов в Советском Союзе стало очень популярным слово «Бригантина». На главной молодёжной радиостанции «Юность» Юрий Визбор спел песенку про бригантину, которая поднимает паруса.
Песенку эту написали еще до Великой Отечественной войны поэт Павел Коган и композитор Георгий Лепский. Исполнение же Ю. Визбора обеспечило «Бригантине» долгую вторую жизнь. Любители походной романтики и песен у костра под гитару почитали Ю. Визбора. С другой стороны, исполнение песенки по Центральному радио означало, что в определенных пределах для молодежи романтика дозволялась.
Приблизительно в те же годы воскресили для широкого читателя творчество Александра Грина. На экраны вышли «Алые паруса», красивая киносказка про красивую любовь, разыгранная красивыми актерами. И «Алые паруса» стали спорить по своей популярности с «Бригантинами». Даже парфюмерный комбинат в городе Николаеве назвали этим романтическим именем. Кстати, в ассортименте его продукции были духи «Бригантина».
«Бригантинами» стали повсеместно называть молодежные кафе, клубы самодеятельной песни, пионерские лагеря, кинотеатры и гостиницы. Песня «Бригантина» почти что стала гимном возникающего движения самодеятельной песни. Ее пели, не слишком задумываясь над красивыми словами. Большинство из поющих вряд ли отличили бы свой символ веры, бригантину, среди множества других парусных кораблей.
А посему - ликбез. Для начала расскажем, что такое бригантина.
Бригантина - это двухмачтовая шхуна. То есть небольшой корабль. Экипаж бригантины насчитывал не более 50 человек. На передней мачте,
Что получаем в результате? Легкое, быстрое и маневренное судно. Мечту морских разбойников.
Бригантина и была пиратским судном. Уже в 13-м веке эти корабли появились на Средиземном море. Вооружен кораблик был слабо, несколькими пушками небольшого калибра. Зато бригантины легко догоняли большие и тяжело нагруженные купеческие корабли. Абордаж, драка, грабеж - и вот уже пиратский корабль улепетывает с добычей, подняв все паруса.
Если же ветра не было, матросы брали в руки весла. На бригантине было от восьми до двенадцати пар весел. Когда корабль двигался на веслах, паруса спускали, чтобы не тормозили движения. Мачты же попросту клали на палубу. Возможность быстро спрятать мачты с парусами была полезна, если бригантина скрывалась в прибрежных бухтах.
Каково происхождение названия «бригантина»? Происхождение у него итальянское. Слово «brigantino» означало «разбойник, пират».
Не мудрено, что слово это итальянское. Известным гнездом пиратов было Адриатическое море, в частности, многочисленные бухты и заливы в Иллирии и в Хорватии. Эти ребята «охотились» на корабли, шедшие из Венеции в Стамбул и в Каир.
Пиратские бригантины выходили на разбой и в 15−17 веках у берегов Северной Африки. То и дело пиратов оказывалось слишком много, а их нападения на торговые суда становились серьезной помехой судоходству. Тогда какая-нибудь большая держава приводила свой флот и на пиратов устраивали охоту. Пойманных бандитов судили на месте и безжалостно убивали. Последний удар по пиратам Туниса и Алжира нанесла в 19-м веке американская эскадра, пришедшая для этого из-за океана.
Бригантины с немного измененной оснасткой хорошо прижились в американских колониях. Ими пользовались не только пираты (в частности, пираты Карибского моря). Легкие и маневренные бригантины служили для разведки, связи и для сопровождения. Они также использовались для быстрой перевозки грузов. Поскольку грузоподъемность бригантин была в пределах от 50 до 200 тонн, большие партии грузов они перевозить не могли. Зато мобильность у этих небольших шхун была хорошая. Они могли даже заходить на мелководье.
В 19-м веке парусному флоту пришел конец. Это, конечно, не значило полное исчезновение парусников. Их продолжали строить, используя для перевозки грузов и для обучения молодых моряков.
Морской легендой стала последняя «настоящая» бригантина. Ее построили в 1911 году на верфи в немецком городе Браке, неподалеку от Бремена. Корабль получил имя «Фридрих», поскольку его владельцем и капитаном был Иоганн Фридрих Кольб. При последующих продажах бригантина каждый раз меняла имя. Один американец даже хотел превратить корабль в пивную, но его план не удался.
В 1973 году группа энтузиастов, любителей старых кораблей, решила восстановить бригантину в прежнем виде. После восстановления ее назвали «Eye of the Wind» («Глаз ветра»). В 1978 году бригантина совершила свое первое кругосветное плавание. Второе кругосветное плавание, по маршруту капитана Френсиса Дрейка, «Eye of the Wind» совершила в 1979 году. На ее борту была команда, члены которой прибыли из 28 стран. Это путешествие проходило под покровительством принца Чарльза, и на флагштоке корабля развевался королевский вымпел.
«Eye of the Wind» оказалась очень красивой и киногеничной. Ее сняли по крайней мере в четырех фильмах о морских приключениях.
В 2000 году корабль приобрел датский бизнесмен. Новый хозяин полностью восстановил первоначальный вид бригантины и убрал современную систему управления парусами. В 2009 году «Eye of the Wind» приобрела немецкая медиагруппа FORUM. Бригантина, которой в 2011 году исполнилось 100 лет, используется сейчас как учебное судно. Любой человек, даже не имеющий опыта дальних морских плаваний, может получить этот опыт на борту старой доброй бригантины, которая в год своего столетия получила право ходить под красными парусами.
Так что если на фоне ослепительно голубого неба и темно-синей воды вы вдруг увидите корабль под алыми парусами, верьте глазам своим. Сказка иногда сбывается. Не часто, но сбывается.
Маскаев Александр. Сибирский художник
Сибиряк Александр Маскаев, видно, изначально тянулся в художники. Отучился он в тюменском худучилище, стал преподавателем и попал в союз профессионалов. Как принято, участвовал в выставках. Сейчас работает в московской области. Его картины необычны, ведь многие люди его эпохи заразились пропагандой, рисовали всякие стройки и жатвы, а он - сказки детские и взрослые. Чаще всего - котов, а с ними всякую нечисть - домовых, леших, шишиг, водяниц… Всё-таки, мозг сибиряка перевернуть непросто. Вот эти добрые и забавные персонажи поселились в его работах, в каждую мастер вкладывал характер, уникальный образ. Потому и расходиться картины стали очень хорошо. Ещё Маскаев успел поработать в журнале «В тридевятом царстве». Вот и думайте, кто лучше - те, что показывали «великие стройки», или же те, что не забыли своё родное прошлое, стремились передать новому поколению.
Юбилей - дело житейское! Василий Ливанов
«Когда артистичность в крови, она порой принимает самые причудливые формы» - характеристика, которую Шерлок Холмс дал самому себе, Василию Ливанову присуща, пожалуй, даже в большей степени. Ведь, как ни крути, но таланты великого сыщика концентрировались исключительно вокруг раскрытия преступлений, тогда как актёр, вернувший британцам - по их собственным, кстати, уверениям - ни больше ни меньше, как их национальный характер, сумел во всю ширь развернуться как сказочник и художник, сценарист и драматург, мультипликатор, писатель и режиссёр.
Можете ли вы представить себе Карлсона восьмидесятилетним? А Трубадура? Или того же Шерлока Холмса? Любой здравомыслящий человек ответит: конечно же нет! Они вне времени, как вневременны детство, любовь или мудрость. Но как быть человеку, который для огромного числа людей стал воплощением и озорного непоседливого детства, и все преграды преодолевающей любви и мудрости, не знающей компромиссов в борьбе со злом? Между тем Василий Ливанов отмечает 80-летие! И когда ему все наперебой твердят, что поверить в реальность этого числа совершенно невозможно, иронично усмехаясь, предлагает: а вы и не верьте!
С точки зрения Василия Борисовича, измерять возраст годами - занятие скучнее не придумаешь. Куда увлекательней взять за единицу измерения кинороли: тогда почтенный юбиляр превращается в мужчину в самом расцвете сил. Если использовать для этого дела мультяшных персонажей, можно заткнуть за пояс всех долгожителей мира. А если исчислять прожитое рисунками или страницами рассказов и повестей, есть шанс почувствовать себя просто библейским патриархом. На самом же деле он всегда и во всём остаётся самим собой - Василием Ливановым. Независимо от того, играет ли он императора Николая I или Феликса Дзержинского, рисует раскадровку к сказке о том, как Дед Мороз решил увидеть лето, или пишет.
Он не похож ни на одного из своих героев и меньше всего на того, с кем его постоянно отождествляют вот уже ровно 35 лет. Такова уж природа неисчерпаемой зрительской любви. Но темпераментный и романтичный, увлекающийся и нелогичный Ливанов не имеет ничего общего со своим хладнокровным и рассудительным персонажем. А главное, он - в отличие от Холмса - знает цену истинной любви. Со своей Еленой он неразлучен уже более сорока лет, и она до сих пор для него и Прекрасная, и Премудрая. Многие ли мужчины с таким семейным стажем могут не кривя душой сказать о себе то же самое?
Василий Борисович обладает самым ценным свойством таланта - даром создавать собственные миры, живые и яркие, в подлинность которых не поверить невозможно. Если открываешь «Эхо одного тире» или «Воспоминания о Шерлоке Холмсе», оторваться не можешь до самого финала. Ливанова можно читать только запоем. Но убедить читателя - одно, а вот суметь убедить автора… Астрид Линдгрен, узнав, что в Советском Союзе создали мультфильм по её сказке о толстяке с пропеллером, захотела непременно его увидеть. И хотя мультик на книжку похож очень отдалённо, знаменитая писательница пришла в восторг. Интересно, а как бы приняли мультфильм о бременских музыкантах другие знаменитые сказочники - братья Гримм? Ведь в истории, придуманной Ливановым вместе со своими друзьями - композитором Григорием Гладковым и поэтом Юрием Энтиным, - ни Принцессы, ни Трубадура и в помине нет. Не говоря уже о безутешном папекороле и коварном сыщике. «Переписать классику» так, чтобы она превзошла по увлекательности оригинал, - на такое не каждому хватит смелости и таланта.
Над столь модными нынче «формулами успеха» Василий Борисович саркастично посмеивается. Судьба у каждого своя, переделывать ее по советам шарлатанствующих гуру - напрасный труд. За своей судьбой бегает только дурачьё. Поди ее догони! Надо не бежать за ней, а идти навстречу. До конца.
Старость - это пропажа интереса к жизни. Ливанову этот диагноз точно не грозит. Возраст? Это пустяки! Юбилей - дело житейское!
ЛИППИ Филиппино
После смерти своего отца и первого учителя Филиппе Липпи, Филиппино, которому было тогда 12 лет, поступает в мастерскую Боттичелли, влиянием которого отмечены его первые работы, созданные в 1478 - 1482 («Мадонна», Лондон, Нац. гал.; Флоренция, Уффици; Будапешт, Музей изобразительных искусств; Берлина-Далем, музей; «Сцены из жизни Эсфири», Париж, Лувр; Шантийи, музей Конде; Оттава, Нац. гал.; «Товий и три ангела», Турин, гал. Сабауда; «Поклонение младенцу Христу», Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж; «Поклонение волхвов», Лондон, Нац. гал.; «История Виргинии», Париж, Лувр; «История Лукреции», Флоренция, Палаццо Питти). Это влияние было столь сильным, что Беренсон приписал эту группу произведений, а также несколько портретов некоему художнику, названному «друг Сандро» (Боттичелли). Филиппино заимствовал у своего учителя удлиненные и утонченные фигуры, элегантные и патетичные.
Около 1484−1485 Филиппино Липпи заканчивает фрески в капелле Бранкаччи ц. Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, прерванные за 50 лет до этого смертью Мазаччо. Здесь Филиппино «отрекся и от себя самого, и от Мазаччо» (по выражению Бранди), испугавшись, вероятно, впечатляющего величия росписей Мазаччо; он закончил их в формах более искусственных, лишенных той восприимчивости, какую он продемонстрировал в своих первых произведениях. Около 1483 он исполнил два тондо «Благовещение» (Сан-Джиминьяно, музей), которые отмечают эволюцию его стиля; линия становится более закрученной и нервозной, драпировки более цветистыми, а колорит более металлическим. Между тем во Флоренцию был доставлен «Алтарь Портинари», созданный нидерландским художником Гуго ван дер Гусом для капеллы Портинари ц. Сант-Эджидио, и Филиппино, как и другие итальянские живописцы того времени, поразили натуралистические элементы в этом произведении, вскоре ставшем знаменитым. Для Филиппино это было время поистине значительных заказов: в 1486 - алтарь «Мадонна с четырьмя святыми» для зала дельи Отти ди Пратика в Палаццо Веккио (ныне - Флоренция, Уффици); примерно тогда же - «Видение св. Бернарда» для капеллы семьи Пульезе (Флоренция, ц. Бадии) и «Мадонна со святыми и донатором» для капеллы семьи Нерли ц. Санто-Спирито; здесь вид Флоренции, открывающийся сквозь портик, который окружает группу, можно сравнить с пейзажными фонами в нидерландской живописи.
В 1489 - 1493 в Риме Филиппино Липпи пишет «Сцены из жизни Марии и св. Фомы Аквинского» в капелле Карафа ц. Санта-Мария сопра Минерва. Знакомство с античностью приводит художника к декоративному изобилию (гротески, фризы, странные прически), поскольку этот классический мир, чьи законы и меры уважали мастера раннего кватроченто, становится для художников позднего XV в. предлогом к ностальгическим воспоминаниям и фантазиям. В 1496 Филиппино датирует картину «Поклонение волхвов», написанную для монастыря Скопето (Флоренция, Уффици). Расположение и сложные позы персонажей, которые словно кружатся вокруг центральной группы, возможно, были навеяны незаконченным «Поклонением волхвов» Леонардо (там же); этот заказ Леонардо получил от монахов Сан-Донато в Скопето, которые затем заказали картину Филиппино. В конце века, Филиппино получает заказы и от других городов. Так, в 1501 для ц. Сан-Доменико в Болонье он пишет «Обручение св. Екатерины» (в эмилианской живописи экстравагантный дух Филиппино находит свою параллель в некоторых фантастических образах Амико Аспертини, который во время своего пребывания в Тоскане наверняка заинтересовался произведениями Филиппино). Примерно в это же время он отправляет в Геную «Алтарь св. Себастьяна» (ныне - Палаццо Бьянко).
В 1503 Филиппино Липпи заканчивает фрески в капелле Строцци ц. Санта-Мария Новелла во Форенции, заказанные еще в 1487 («История св. Филиппа»); здесь еще больше усиливаются неспокойные формы и декоративизм, элементы которого, заимствованные из классического искусства, заполняют архитектонические перспективы и украшают персонажи странными и вычурными прическами. Из этой «массы» иногда выделяются, однако, замечательные фигуры и детали, которые сохраняют печать характерной для Филиппино изобретательности. Преждевременная смерть художника не позволила ему завершить такие произведения, как «Коронование Марии» для ц. Сан-Джорджо алла Коста, законченное Алонсо Берругете (ныне - Париж, Лувр), и «Снятие с креста» для ц. Сантиссима-Аннунциата, законченное Перуджино в 1505 (ныне - Флоренция, гал. Академии). Наряду с Пьеро ди Козимо, Филиппино Липпи был художником, предвосхитившим некоторые странные и фантастические черты, которые вновь появятся, но уже в более интеллектуальной форме, в эпоху маньеризма.
Фра Филиппо Липпи
Филиппо Липпи (по отцу - Филиппо ди Томазо) родился во Флоренции, предположительно 8 октября 1406 г., в семье бедного мясника. В раннем детстве потерял родителей и остался на попечении тетки, от которой несколько времени спустя был взят на воспитание, из милости, братией монастыря дель-Кармине, где 15 лет от роду принял обет монашества («фра» - сокращение от итал. frate, то есть брат). Как художник развился под влиянием Мазолино и Мазаччо; на его художественное образование также повлиял Фра Анджелико Фьезольский.
Бросив в 1431 г. монастырскую жизнь, Липпи продолжал, однако, носить иноческую одежду. Старинные биографы рассказывают, будто он был захвачен в Анконе берберийскими пиратами, увезен ими в Африку и провёл там несколько лет в рабстве. И будто Липпи так поразил хозяина своим искусством, что тот отпустил его на волю. Однако это предание не подтверждается документами.
Напротив того, не подлежит сомнению другой эпизод в жизни Липпи - похищение им в 1456 г. из женского монастыря в Прато молодой монахини Лукреции Бути и женитьба на ней, вследствие которой ему пришлось испытать много неприятностей и тревог, пока папа, по ходатайству Козимо Медичи, не освободил супругов от монашеского обета и не признал их брак законным. Однако и после того, несмотря на свою громкую известность, Липпи не знал покоя и по причине своей беспорядочной жизни и расточительности был преследуем кредиторами.
Работал преимущественно во Флоренции, некоторое время в Падуе (1434), в Прато (1453−65) и наконец в Сполето, где и умер 9 октября 1469 г.
Был учителем Сандро Боттичелли.
Творчество
Значение Липпи в истории искусства состоит в том, что он после Мазаччо ещё решительнее и сильнее направил возродившуюся итальянскую живопись на путь натурализма. Любовь к земным радостям, восхищение при виде красоты, страстность, чувственность и пылкость фантазии сильно сказываются в его произведениях, несмотря на то, что их темы относятся к области религиозных олицетворений. В его фигурах так много искренности, увлечения жизнью, гуманности и тонкого понимания красоты, что они производят неотразимое впечатление, хотя порой прямо противоречат требованиям церковной живописи. Его мадонны - очаровательные невинные девушки или нежно любящие молодые матери; его младенцы-Христы и ангелы - прелестные реальные дети, пышущие здоровьем и весельем. Достоинство его живописи возвышается сильным, блестящим, жизненным колоритом и веселым пейзажем или нарядными архитектурными мотивами, составляющими обстановку сцены.
Особенно стоит выделить картину «Мадонна с младенцем и двумя ангелами», написанную художником уже в зрелом возрасте. Фактически это семейный портрет: для образа Мадонны ему позировала его жена, для младенца и ангела, которого мы видим на переднем плане, - его дети. Обращает на себя внимание и то, что волосы Мадонны у самого пробора выщипаны - как предписывала флорентийская мода того времени.
Из фресковых работ этого высокодаровитого художника наиболее замечательные находятся в соборе Прато (сцены из жития св. Стефана, среди которых особенно хороши «Погребение св. Стефана» и «Пир Ирода») и в соборе Сполето (два ряда сцен из жития Богоматери, в том числе прелестное «Коронование Приснодевы»).
Относительно станковых картин Липпи надо заметить, что он первый стал придавать им круглую форму - писать картины, для которых итальянцы усвоили название quadri tondi (рус. тондо) и которые вскоре вошли в употребление не только в домашних молельнях, но и церквах, взамен распространенных перед тем триптихов. Флорентийские галереи содержат в себе много произведений Липпи в этом роде. Таково, между прочим, восхитительное «Коронование Марии» (галерея Уффици) и «Мадонна со сценой Рождества Богородицы на заднем плане» во дворце Питти. Из картин Липпи, встречающихся вне Италии, особенно любопытны: «Венчание Богоматери» (кругл. формы) в луврском музее, «Пресв. Дева, поклоняющаяся Младенцу Христу» в берлинском музее, «Св. Иоанн-Предтеча» в Лондонской национальной галере и «Крещение Господне» там же.