Эрмитаж. Как уходили шедевры
Продажа картин из коллекции Эрмитажа - предпринятый правительством Советской России акт распродажи полотен эрмитажной коллекции, имевший место в 1929 - 1934 гг.
Всего из фондов и экспозиции было отобрано 2880 картин, 350 из которых представляли собою произведения значительной художественной ценности, а 59 - шедевры мирового значения, небольшая часть из них, не найдя покупателя, всё же вернулись обратно, но 48 знаменитых шедевров навсегда покинули Россию - включая работы таких мастеров, как Ян ван Эйк, Тициан, Рембрандт и Рафаэль. Некоторые из этих полотен находились в собрании ещё со времен его основания Екатериной Великой. Также была продана часть коллекции нидерландской и фламандской живописи, собранная и завещанная музею П. П. Семеновым-Тян-Шанским, а также часть других собраний, пожертвованных Эрмитажу в поздний период (например, Строганова).
Кроме того, из Эрмитажа распродавалось художественное серебро, бронза, нумизматические коллекции, византийские эмали.
Сотрудниками Эрмитажа и отечественными учеными в момент изъятия экспонатов из Эрмитажа, а также широкими кругами общественности - после опубликования информации о масштабах потерь в 1990-е годах, данная распродажа национального достояния и культурного наследия расценивается как «трагедия и катастрофа», «безумие», «непродуманная, зачастую неумелая, даже бессмысленная, а потому и плачевная по своим результатам деятельность».
Обстоятельства продажи
В конце 1920-х гг. советское правительство, испытывая недостаток в валюте для индустриализации - для оплаты растущих долгов при покупке техники и строительства заводов, решило пополнить бюджет распродажей музейных коллекций. До этого продаваемые на Запад национализированные произведения искусства по большей части были не очень знаменитыми - это был рядовой антиквариат, но наконец было принято решение распродать вещи из музейных коллекций. Для этого в феврале 1928 г. Эрмитажу и Русскому музею было предложено представить список произведений для экспорта, стоимость которых составила бы 2 миллиона рублей. Под эгидой Наркомпроса было создано специальное агентство «Антиквариат», открывшееся в Ленинграде и занимавшееся торговлей. Эрмитажу была дана инструкция продать 250 картин по крайней мере по 5000 за каждую, а также гравюры и предметы скифского золота.
Из мемуаров бывшего директора Эрмитажа Б. Пиотровского:
Изыскивая валюту для социалистической реконструкции СССР, правительство в начале 1930 г. распорядилось пустить на продажу часть экспонатов музея. Отобрано было 250 картин, стоимостью в среднем не ниже 5 тысяч рублей золотом каждая, а также оружие из арсенала на 500 тысяч рублей, скифское золото из Особой кладовой. На эту же тему поступило письмо Главнауки об изъятии для распродажи предметов античного искусства, Ренессанса, Готики, в основном изделий из золота, драгоценных металлов, слоновой кости
«Отныне судьбы музейных собраний решали не опытные профессионалы-искусствоведы, а люди весьма далекие от проблем сбережения и изучения произведений искусства.
С 1 января по 7 июня 1929 года «Антиквариат» сумел получить только из Эрмитажа 1221 предмет для экспорта, включая живопись и произведения декоративно-прикладного искусства. После берлинского и лондонского аукционов в июле 1929 г., всего за семь недель, из того же Эрмитажа получен 5521 предмет: за 19 дней июня - 2504 и за июль - 3017, то есть больше, чем за весь предыдущий год. Перед Наркомторгом ставился план получения определённого количества валюты, и ради этого он опустошал хранилища музеев, одним из самых богатых среди которых оказался Эрмитаж.
1 февраля 1930 г. директором Эрмитажа утвердили
Продажу полотен первого ряда предполагалась провести тайно, но информация распространилась между избранными западными торговцами. Первым покупателем шедевров Эрмитажа стал Галуст Гюльбенкян, основатель Iraq Petroleum Company, торговавший с Советской Россией нефтью.
С конца 1920-х гг. Советское правительство торговало не самыми известными вещами и произведениями декоративно-прикладного искусства. Но наступление Великой депрессии 30-х гг. снизило интерес Запада к вложениям в искусство. Кроме того, активная работа «Антиквариата» перенасытила рынок произведениями и привела к демпингу. Наконец в 1930-м г. было принято решение продолжить продажу шедевров первого ряда, поскольку они гарантированно найдут покупателя и будут проданы за достойную цену, что было необходимо, чтобы выполнить план по выручке валюты. Комиссары вспомнили об интересе Гюльбенкяна. Ему был продан ряд картин, большинство из которых сейчас находятся в постоянной экспозиции основанного его фондом музее Г. Гюльбенкяна в Лиссабоне.
Советское правительство попросило Фрэнсиса Маттисона, молодого немецкого арт-дилера, составить список картин из русских собраний, которые ни в коем случае нельзя продавать ввиду их культурной и художественной ценности. Через некоторое время Маттисон с удивлением увидел некоторые из этих полотен в Париже в собрании Гюльбенкяна (позже завещанном им лиссабонскому музею фонда Галуста Гюльбенкяна). Нефтепромышленник пригласил его быть своим агентом при дальнейших закупках, но арт-дилер предпочёл сформировать консорциум с лондонской компанией Colnaghi и Knoedler and Co из Нью-Йорка, которые выкупили в 1930−31 гг. 21 картину, приобретенные затем Эндрю Мэллоном. В последующие годы Маттисон очень гордился предпринятым им маневром, приведшим к появлению американской коллекции Э. Меллона.
Эндрю Меллон был американским банкиром, министром финансов при президентах У. Гардинге, Кулидже и Г. Гувере, американским послом в Великобритании и собирателем живописи. Он решил основать американскую галерею по образцу Национальной Галереи в Лондоне. Услышав о распродаже эрмитажных шедевров в галерее Knoedler and Co, у своих давних поставщиков, он ухватился за покупку.
Меллон снял сливки с коллекции Эрмитажа, которая в то время не имела себе равных.
Купленная им за 9 сделок группа картин включала «Благовещение» ван Эйка и «Мадонну Альбу» Рафаэля, причем последняя обошлась в 1 166 400, что было самой большой суммой, заплаченной за произведение искусства до этого времени. К концу 1931 г. он выплатил за все полотна сумму в 6 654 000. Скончавшись в 1937 г., он завещал картины правительству США, и они составили ядро коллекции Национальной галереи искусства в Вашингтоне.
Сотрудникам Эрмитажа удалось отстоять и не отдать на требования «Антиквариата» серебряную раку Александра Невского, сасанидское серебро (III - VII вв. н. э.), скифское золото, «Мадонну Бенуа» да Винчи.
Информация о торговле шедеврами оставалась в секрете до 4 ноября 1933 г., пока «Нью-Йорк Таймс» не опубликовала заметку о покупке нескольких картин музеем Метрополитен («Распятие» и «Страшный суд» ван Эйка).
В довершении финансовой неуспешности «Антиквариата» 1933 г. приход нацистов закрыл немецкий рынок, бывший таким удобным для большевиков. Торговой конторе из-за своего непрофессионализма все хуже и хуже удавалось выполнять план по добыче валюты.
Доход от всех этих продаж составил не более одного процента от валового дохода страны, и, по сути, значимого влияния на ход индустриализации не оказал, нанеся при этом значительный ущерб национальному культурному достоянию страны, не говоря уже о международной репутации.
Фоменко Анатолий Графика
1945 года рождения, академик Российской Академии Наук (РАН), действительный член РАЕН (Российской Академии Естественных Наук), действительный член МАН ВШ (Международной Академии Наук Высшей Школы), доктор физико-математических наук, профессор, заведующий кафедрой дифференциальной геометрии и приложений механико-математического факультета Московского государственного университета. Решил известную проблему Плато в теории спектральных минимальных поверхностей, создал теорию инвариантов и тонкой классификации интегрируемых гамильтоновых динамических систем. Лауреат Государственной Премии Российской Федерации 1996 года (в области математики) за цикл работ по теории инвариантов многообразий и гамильтоновых динамических систем. Автор 180 научных работ, 26 математических монографий и учебников, специалист в области геометрии и топологии, вариационного исчисления, теории минимальных поверхностей, симплектической топологии, гамильтоновой геометрии и механики, компьютерной геометрии.
Геометрическое воображение и интуиция играют огромную роль в современных математических исследованиях, в особенности, связанных с математической физикой, геометрией, топологией. Во многих глубоких научных математических работах, посвященных сложным вопросам, - например, в многомерной геометрии, в вариационном исчислении
А ну, скорей любите нас!
Полвека назад, был выпущен первый сингл группы The Beatles. Началась новая эра в музыкальной истории человечества.
Если это и преувеличение, то сделанное умышленно и вполне осознанно. Пусть не «эра» и пусть не «человечества», но ливерпульцы действительно во многом изменили мир. Причем дело даже не в самой музыке - в конце концов, есть немало людей, которые к творчеству группы равнодушны, а иных эта музыка и вовсе раздражает. К тому же о творчестве The Beatles давно все известно: его всестороннему анализу посвящено несметное количество страниц. В ливерпульском университете несколько лет назад был даже открыт уникальный магистерский курс, выпускающий эдаких битловедов.
Историческая ценность The Beatles в другом: они, по сути, придумали новый вид искусства и этим самым невольно инициировали появление профессии рок-музыканта. Именно они заразили молодых людей по всему свету горячим желанием взяться за гитары, именно их бешеный успех навел многих на мысль, что исполнение собственных песен на сцене - это хорошая работа. Кстати, ключевое слово здесь - «собственных». До битловского триумфа групп, исполнявших свои произведения, практически не существовало: по альбому выпустили американцы The Beach Boys и Боб Дилан, но, во-первых, сколько-нибудь заметного резонанса они не вызвали, а во-вторых, эти пластинки содержали ряд перепевок вещей других авторов (на дебютнике Дилана и вовсе только две его авторские композиции). Битлы изначально решили, что будут хозяевами собственной карьеры: они не стали малодушно прятаться за проверенными хитами и сразу дали понять, что в творческом отношении рассчитывают только на себя. И хотя выпущенный 5 октября 1962 года сингл был далек от совершенства («Love Me Do», откровенно говоря, вообще одна из самых дурацких песен не только в битловском каталоге, но и в истории популярной музыки в целом) и занял в британском хит-параде лишь 17-е место, - все равно после его выхода стало понятно, что отныне многое в музыкальном мире изменится. Скромного успеха сингла оказалось достаточно, чтобы на группу обратили внимание и выхода ее следующей сорокапятки ждали, если не с нетерпением, то с интересом.
Джордж Мартин, ответственный за звукорежиссуру почти всех официально изданных битловских записей, однако, еще какое-то время сомневался: позволить ребятам отправиться в самостоятельное творческое плавание или же попытаться остудить их сочинительский пыл? Малоубедительное 17-е место не могло не насторожить продюсера, и на втором сингле он настойчиво предлагал музыкантам исполнить песню «How Do You Do It?», написанную профессиональными сонграйтерами. Но парни были непреклонны: либо мы записываем собственный материал, либо вообще ничего не записываем. «Хорошо, - сдался после долгих уговоров Мартин. - Если вы хотите выпустить непременно свою песню, пусть она будет действительно хорошей».
Главный звукоинженер студии Parlophone согласился рискнуть еще раз и, как известно, не прогадал. А музыкальный мир много приобрел: после второго сингла с песней «Please Please Me», вышедшего в январе 1963-го, последовала мощнейшая вереница из 18 британских хитов намба уан, прерванная до 1969 года лишь однажды. Как ни парадоксально, пожалуй, лучший сингл The Beatles с песнями «Strawberry Fields Forever» и «Penny Lane» не пустила в 1967 году на верхнюю строчку весьма посредственная вещица Энгельберта Хампердинка «Release Me».
Парадоксальна (хотя, впрочем, весьма логична) и судьба битловской «пробы пера»: когда группа уже была знаменита, а по всему миру гордой поступью шествовала битломания, первый сингл группы был переиздан и в апреле 1964 года взлетел на верхнюю строчку в чартах США. Это, конечно же, не свидетельствовало о том, что песню спустя полтора года после ее первоначального релиза наконец-то «расслышали» - просто уже наступил период, когда все, к чему бы ни прикасались The Beatles, мгновенно превращалось в золото.
Любопытно то обстоятельство, что обе песни, записанные группой на первом сингле (на вторую сторону сорокапятки была помещена вещица «P.S. I Love You»), принадлежали не основателю группы - поначалу Джон Леннон был ярко выраженным лидером - а его коллеге, Полу Маккартни. Но то была инициатива того же Джорджа Мартина, считавшего, что на тот момент это были наиболее достойные произведения квартета. Впрочем, в дальнейшем Джон наверстал упущенное, и заметно большее число выходивших на синглах битловских композиций принадлежали его перу.
9 октября, кстати, Леннону исполнилось бы 72 года. День рождения Джона - один из главных праздников битломанов во всем мире. Многие отмечают этот день плановым переслушиванием всей битловской дискографии, начало которой берет свой отсчет с незатейливой песенки, выпущенной лейблом Parlophone пятьдесят лет назад.
Альбрехт Дюрер Меланхолия
Сидит крылатая женщина в задумчивости, её окружают предметы: измерительные, столярные инструменты. Неподалёку лежит шар (возможно, он деревянный, выструганный недавно). Обилие деталей не отвлекает внимание от крылатой фигуры. Она выделяется на общем плане, словно находится вне (или над?) окружающего мира. События, жизнь проходят без её участия. Песочные часы на стене усиливают это ощущение. И всё это называется меланхолия, что понятно из надписи, которую несёт летучая мышь (так её называют искусствоведы, хотя я летучую мышь в этом хвостатом существе мало узнаю).
Сколько символов, аллегорий, какая продуманная до мелочей композиция! Для людей, живущих в те времена (1514 год), подобные иносказания были более-менее понятны. Что для нас эта гравюра? Если не вдаваться в толкования, имея перед глазами лишь изображение да название?
Многим, должно быть, известно это состояние мрачной тоскливой бездеятельности, при которой разум не отключён, он бодрствует, но нет сил и желания что-либо делать. Мне видится именно это. Да что говорить! Сколько раз я сама так сидела (задумавшись) среди книг, бумаг и прочих своих «инструментов» писательства, только, в отличие от картины, рядом дремала кошка, а не собака.
На гравюре Дюрера изображена именно такая меланхолия, не депрессивное состояние, когда кажется, что всё плохо, а состояние усталости, задумчивости, вызванное не ленью, но сложной задачей, ношей, уделом. Здесь подойдут слова английского писателя Клайва Баркера, на мой взгляд передающие самую суть гравюры:
«Меланхолия - это печаль, только сильнее. Это то, что мы чувствуем, думая о мире и о том, как мало мы понимаем, когда размышляем о неизбежном конце».
Дюрер создал «Меланхолию» в тяжёлое время: в тот год умерла его мать, разгорались войны и восстания, Европа стояла на пороге Реформации.
«Столько вопросов, но почему нет на них ответов!» - словно хочет воскликнуть Дюрер через изображение.
«Меланхолия» - последняя из серии трёх «мастерских гравюр» Дюрера. Первые две это «Иероним в келье» и «Рыцарь и смерть». Во всех трёх присутствует действующее лицо (рыцарь, Иероним, крылатая женщина) или, как считают искусствоведы, описано три разных состоянии души человека. А Станислав Зарницкий полагает будто на гравюрах описаны три состояния великого Мартина Лютера, идеи которого разделял живописец. Также из гравюры в гравюру кочуют часы, пёс и некоторые другие символы. Но «Меланхолия» ими просто перенасыщена.
Давайте пройдёмся по некоторым из них. Это интересно! Во-первых, многое на гравюре связано с планетой Сатурн - покровительницей меланхоликов. Сатурн, вообще, считался (может, и сейчас так считают) плохой планетой, страшной, оказывающей негативное влияние на людей. Ну да, что хорошего в меланхолии?! За год до того, как создать гравюру, Дюрер занимался составлением астрономических карт, сам следил за движениями небесных светил. В конце декабря 1513 года он увидел комету, которая двигалась к месту созвездия Весов (на гравюре висят на стене), где тогда находилась планета Сатурн. Именно ту комету изобразил Дюрер на картине.
Разбросанные инструменты, циркуль в руках женщины связаны с земельными и измерительными работами (бог Сатурн - бог земли).
Свернувшаяся калачиком собака - символ меланхоликов, потому что собаки часто болели бешенством, а меланхолический человек, считалось, находился на грани безумия.
На стене выгравирован квадрат с цифрами - магический квадрат, где сумма чисел на каждой горизонтали, вертикали и диагонали и во многих других комбинациях равна 34. Возможно, Дюрер сам составил квадрат, или же взял за основу более ранний квадрат Корнелия Агриппы и видоизменил его, подобрав свои цифры. Так в квадрате зашифрованы год создания картины (нижние средние два числа), дата смерти матери художника (16.05), и можно найти много других. Нужно отметить, что квадрат Агриппы назывался «квадрат Юпитера», а Юпитер подавлял негативное влияние Сатурна.
В заключение, приведу четыре гипотезы о названии. На крыльях мыши написано: «Меланхолия I».
1. Дюрер планировал сделать несколько гравюр, изображающих меланхолию.
2. Согласно учению того времени, существует три вида меланхоликов. Первые - это те, у которых хорошо развита фантазия, творческие люди; у вторых преобладает разум - политики, чиновники; у третьих - интуиция - люди религии. Дюрер причислял себя к первой группе.
3. «I» - это вовсе не цифра, а латинская буква i, и вместе с меланхолией - это значит «Прочь, меланхолия».
4. Дюрер, создавая гравюру, ошибся: стал набирать букву «М» вместо «А» (гравюра на меди вырезалась с обратной стороны, следовательно, слово надо было начинать с последней буквы). Ошибку в гравюре он уже совершал, изображая цифры квадрата (лист с перевёрнутыми цифрами сохранился в собрании Отто Шефера). Но в названии переделать не получилось, и Дюрер решил так обыграть сложившуюся ситуацию: пронумеровал меланхолию MELENCOLIA I. Кстати, в своих записях он везде называет гравюру просто «Меланхолия».
Василий Ситников Жизнь и судьба
Художника Василия Яковлевича Ситникова со мной связывали не только узы дружбы. Одно время я был его опекуном. По людоедским советским стандартам того времени его зачислили в разряд сумасшедших. С одной стороны, это позволяло избежать более серьезных уголовных преследований. С другой стороны, его в любой момент забирали без всякого спроса в психушку. Он не имел права иметь при себе паспорт, который хранил я, то вытаскивая Ситникова из неприятных ситуаций, то ответствуя за его действия. В общем, я исполнял функцию то ли патронирования, то ли юридической «крыши», по сегодняшней терминологии.
Вася Ситников был не только художником. Он был Леонардо да Винчи своего времени. Он спроектировал, например, и сделал своими руками особые байдарки, которые висели у него под потолком. Он был охотник, и у него висели шкуры самых разных зверей. Он был собиратель. У него были, например, удивительные индуистские скульптуры. Помню танцующего Шиву, приникшего к своей супруге Парвати. Она была отдельной фигуркой, которую можно было надеть и снять с его фаллоса. Очень красивая бронзовая вещь XVII века. Вообще квартира Ситникова была переполнена предметами необычайного качества, которые ему приносили какие-то экзотические люди и за которые он, естественно, не платил ни копейки.
У него была необыкновенная коллекция икон. Когда он, русский до предельных своих крестьянских корней, уезжал из СССР по израильской визе, он поручил своей сестре отдать эти иконы в музей Андрея Рублева. Там был, например, Спас XII века, домонгольского периода, причем, в идеальной сохранности, стоивший несколько миллионов золотых рублей. Лувр рыдал, чтобы его иметь.
Или совершенно уникальная коллекция вин и алкогольных напитков. Васька никогда не курил, не пил спиртного, несмотря на свой мужицкий, с распластанной бородой вид. Все иностранцы, его клиенты, приходя к нему, приносили с собой из магазина «Березка» несколько бутылок виски, джина и прочих замечательных веществ. Он, как рачительный хозяин, все это складывал в какую-то подземную кладовку, в которой после его отъезда оказался колоссальный винный склад.
Василий Яковлевич Ситников, или, как его все называли, «Васька», был крестьянского происхождения и абсолютно уникальным талантом, дошедшим до всего своим умом, писавшим философские трактаты, имевшим целую школу учеников, для которых создал особую систему преподавания. Надо представить себе субъектов, приходивших к нему на занятия, - водопроводчиков, медбратьев, людей без определенных занятий, у которых была внутренняя тяга к рисованию.
Васька был велик в своем гипнотическом воздействии на эту публику. Он, прежде всего, давал им в руки сапожную щетку, наливал на блюдце полужидкую краску, ставил холст или большой лист бумаги и говорил: «Делай изображение!» И сам показывал, как это делать. У него получались потрясающие образы, возникавшие из мглы и тумана. Обычно это были женские фигуры, - высокохудожественные образы, классно нарисованные, оттушеванные сапожной щеткой!
Сам по себе это был удивительный человек. На столе была небольшая фотография, показывавшая его в молодости. Он был божественно сложен, просто Аполлон. Когда-то он зарабатывал деньги как натурщик. По нему, действительно, можно было изучать все мышцы, каждая из которых была представлена на его мужественном торсе.
Кроме того, он в художественном институте был ассистентом лектора, показывавшим на диапроекторе слайды по истории искусств. Отсюда его кличка - «фонарщик». Много лет подряд показывая эти слайды, он получил фантастические знания по истории искусств. Студенты и профессора сменялись, а он был всегда. Память у него была идеальная, он был ходячей энциклопедией. Однако надо было подыгрывать и своему статусу сумасшедшего. Он любил видоизменять имена и фамилии, наблюдая за эффектом, который это вызывало у собеседника. Говорил не «Леонардо да Винчи», а «Линарадо да Вничи». И смотрел на меня: ну, ты веришь теперь, что я сумасшедший? На что я, понимая игру, отвечал: «Ну, конечно, Линарадо, несомненно, да Вничи». Тогда уже он терялся.
Жил он в совершенно ужасных условиях. Это был старый, пришедший в полную ветхость домишко на Малой Лубянке, в котором практически не было никаких удобств, зато было очень много тараканов. И Васька для того, чтобы избавить себя на ночь от насекомых, каждый раз перед тем, как лечь спать, плотно забинтовывался - от пальца ноги до кончика носа. Так, он думал, тараканы до него не доберутся. Одна из двенадцати его фотографий это, конечно, Ситников таким образом мумифицированный.
Самое интересное, что при таком имидже он был ужасным сердцеедом. При том, что по виду он был абсолютный бомж, дамы его обожали, девушки западали на раз. И страшно его ревновали, для чего он, конечно, давал повод. С каждой у него были бесконечно смешные разборки, скандалы, крики. Но, любя этих женщин, он любил и разборки. Ситников был очень игровым человеком, очень артистичным, а тут был театр жизни в чистом виде.
Многие вспоминавшие Ваську Ситникова, вспоминают его женщин. Это была яркая, теплая и очень человечная страница его жизни. Он вовсе не был аскетом, хотя выглядел как йог: худой, стройный, высокий, с длинной бородой. Например, была такая Лидка, девица очень длинная и, можно сказать, самая скандальная и непокорная. Васька, притом что был нищим, вынужден был дарить ей очень дорогие подарки. Я был свидетелем, когда он подарил ей просто драгоценную по тем временам итальянскую дубленку. Вот парадокс тех лет: нищий художник имеет бесценную коллекцию икон и антиквариата, огромные запасы лучших вин и напитков, и дарит любовнице роскошные шубы. Все это очень выделяло Ситникова среди художественной публики.
Замечу, что одна из его пассий была совсем молодая девушка, а он весьма уже пожилым человеком. Девушка эта, которая на сегодняшний день знаменитая художница, весьма уважаемая и почитаемая, устраивающая большие выставки, в те времена была молоденькой и хорошенькой особой, вызывающей у многих весьма приветные чувства. Но Васька был король среди всех. Она и стала, как мне кажется, такой уважаемой художницей - с подачи Васьки, будучи его ученицей. Он был великий учитель, настоящий гуру.
В Москве Василий Яковлевич рисовал картинки, которые продавали на Запад. Его работы раскупали и Элизабет Тейлор, и генерал Пиночет, правда не тот, а племянник. Сидим как-то у Володьки Некрасова, там Евтушенко солидно говорит о политике, упоминает Пиночета. А Васька ему чертиком: «А я ему картинку продал!» - «Кому?» - «А Пиночету етому».
Василий Яковлевич великолепно продавал свои монастыри и обнаженки на Запад, был рыночным художником. Но, выехав на Запад, он заявил: «хочу шедевр». Нашел спонсора - хозяина мебельного магазина Фердинанда Майера. Тот ему выделил свой замок в австрийских Альпах - ну, не замок, а просто нормальный загородный домишко. Васька для начала заколотил окна с видом на Альпы, чтобы эти Альпы ему не мешали, и три года писал безумную картину: монастырь, менты вяжут диссидента, пьяные морды валяются, дворничиха подметает, из ЗИЛа выходят члены правительства, которых можно опознать, а на переднем плане - хозяин вываливает из мешка кучу долларов, и Васька с совковой лопатой, по пояс голый, с бородкой своей козлиной… Он всегда помещал себя в картины.
Картина висела у этого мебельщика, потом он продал ее 90-летнему фабриканту кальсон, сейчас она висит у него.
Когда Загданский (автор фильма «Вася») приехал снимать в Вену, этот мебельщик Майер повез его через всю Австрию на своей машине и обратно. Андрей спрашивает его: как же так, вы столько времени на меня потратили… «Это не на вас. Это на Василия Ситникова».
Васька просидел в Вене достаточно долго, потом приехал в Нью-Йорк, поселился в Даунтауне, в районе Эй-Би-Си, чудовищный такой райончик. Он был счастлив, отказывался рисовать для Нахамкина
В День Благодарения откушал у Некрасовых индейки, водочки принял, его проводили до дома. Через неделю спохватились. Васенька лежал с удивленно открытыми глазами, мертвый. Сердце.
В свое время он спасся от лагерей тем, что попал в бериевскую психбольницу. Там он выжил. Он в дурдоме совершенно гениально рисовал психов. Я видел эти рисунки. Если помните, они были на сигаретных пачках, на обрывках бумажек, газетных лоскутках, а сделаны карандашами, горелыми спичками, окурками. «Капричос» Гойи по сравнению с ними - детский лепет. Но когда в Москве лет 5−7 назад собрались сделать выставку Васи Ситникова, выяснилось, что ни одной его работы на родине нет. Все ушли за кордон. То есть, у кого-то, конечно, были его вещи, но владельцы на выставку их не давали. И это легендарнейший художник Москвы.
Кабаков, Булатов - это система знаков. Когда американцы начали переговоры с Советским Союзом, выяснилось, что им не нужно русского
языка, они вполне обходятся знаковой системой. Показывают доллар, в ответ им показывают серп и молот. Диалог, то есть разговор на пальцах, состоялся. Булатов стал своими игровыми плакатами обыгрывать советские плакаты, причем умеренно. Это американцам понятно. А Васькины реалии, его сумасшедшие дома, им придуманные монастыри, вся эта бытовуха - кому это нужно? Они вполне знают Россию по тому, что выставляется на Западе. Для западных дипломатов, которые были аккредитованы в советской Москве, считалось модным вернуться и привезти картину Ситникова. Картину, на которой запечатлен их быт в Советском Союзе.
Монастыри, лубочный Кремль, пьяные на улицах, милиционер на мотоцикле. Все это покрыто филигранными снежинками, а в нижнем правом углу бородатый сатир-автор. На Западе же Ситников с его желанием создать шедевр пришелся не ко двору.
Внешне он был Распутин. Сухощавый, некогда прекрасно сложенный, на столе была фотокарточка - молодой, обнаженный торс с рельефными мышцами. Это Васька в бытность натурщиком в Суриковском институте. А ныне - лохматая, нечесаная борода, увесистый нос. Но,
главное, глаза - иногда хитрые, жгучие, умные, иногда - безумные. Глаза хлыста, сектанта. На теле майка, вся проеденная дырами. Такой наряд,
такая вывеска. И эпатаж ли? Может глубинная традиция русских юродивых во Христе - того же Василия Блаженного. Что говорил с царями, как с равными. И слушали, и слушались…
Он, Васька, очень любил показывать в лицах - как надо подавать блюдо, как грести на байдарке, как управлять страной. Но учить искусству, живописи было его страстью. Он брал сапожную щётку (!), проводил ею по краске и показывал, как надо умело и постепенно прикасаться к холсту, чтобы появилось изображение. Так получались его «обнажённые», бесовские распутницы, Дуньки Кулаковы, как он их называл. Из мерцания мелких штришков, как из мглы, возникали удивительно живые женские тела, - во тьму и уходившие.
Другой любимой темой его были пашни, поля. Бескрайние просторы, проселок, где тащится телега с понурой лошадёнкой, а на телеге, задрав бороду к небу, лежит он, Васька и бренчит на балалайке. Кажется, как «литературно», что же это - реализм? Однако живопись его была совсем не соцреалистической, привычной. Человек он был деревенский, из русской глубинки и живопись его была нутряная, очень своеобразная - не примитив, не сюрреализм - в рамки современного искусствоведения не впихнёшь. Были такие и на Западе - Лоури (Laurey) в Англии. Одиллон Редон, Джеймс Энзор, Альфред Кубин - да только Васька, вот, русский! И недаром его работы висят в солидных музеях мира.
В начале 70-х он перебрался на окраину, улицу генерала Ибрагимова, домик его на Малой Лубянке все же сломали. Поток заказчиков - а картины у него заказывали и, порой, подолгу ждали, ибо он не спешил, работал очень требовательно к себе, пока работа не будет хороша именно так, как он хотел - не отдаст! - поток сильно вырос. Его наперебой звали на приемы, в гости. Работы его разъезжались по миру, были известны, да только на родине его существование было призрачным, иллюзорным.
Если надо обьяснять что такое культура - уже грустно; если сомневаешься в том что такое порядочность - уже поздно.
СИМОНЕТТА ВЕСПУЧЧИ. ПРЕКРАСНАЯ ДАМА РЕНЕССАНСА
Симонетта Веспуччи в девичестве Каттанео
Simonetta Vespucci (Cattaneo)
1453, Генуя или Портовенере - 26.4.1476, Флоренция
Симонетта принадлежала к знаменитому роду купцов и мореплавателей.
Родилась в 1453 году, по одним источникам в Портовенере, по другим - в Генуе.
В 1468-ом году в возрасте 15 лет вышла замуж за Марко Веспуччи, сынА нотариуса Анастасио Веспуччи, второй сын которого - Америго, дал имя Америке, открытой Христофором Колумбом, то есть был знаменитым флорентийским мореплавателем Америго Веспуччи.
Муж Симонетты - Марко - был также приятелем Джулиано Медичи - соправителя Флоренции, поэтому после свадьбы молодая чета и переехала во Флоренцию.
Однако её брак не был счастливым.
Во Флоренции она была открыта для живописи Ботичелли и другими известными художниками. По ней сходили с ума все знатные мужчины города, её благосклонности добивались Лоренцо и Джулиано Медичи из правящей в то время во Флоренции семьи Медичи. Поскольку Лоренцо занимался государственными делами, у Джулиано было больше времени ухаживать за ней.
В 1475-ом году во время рыцарского турнира она познакомилась с Джулиано Медичи и в скором времени стала его возлюбленной
Второй сын Пьеро Медичи и его жены Лукреции Торнабуони, соправитель своего брата Лоренцо Великолепного.
Джулиано не был женат, однако имел любовницу в лице героини этого сообщения - Симонетты Веспуччи. Утверждают, правда, что они были тайно обручены,
Темнокудрый брат правителя Флоренции не слишком обременял себя делами государственного правления, зато блистал на турнирах и балах, покоряя своей элегантностью, горделивой осанкой и рыцарской статью. Он всецело оправдывал свое романтическое прозвище, которым наделила его народная молва, - Принц Юности. Джулиано был любим горожанами, и не только.
На картинах Боттичелли он появлялся не один раз в образе поэтического героя.
Симонетта считалась первой красавицей эпохи флорентийского Ренессанса. За свою красоту получила титул «Несравненной». Бесчисленные поэмы и полотна художников были созданы в её честь. Люди разного состояния и привычек, невежественные и хорошо образованные, все горячо обсуждали сердечную привязанность младшего Медичи.
Однако Алексей Гастев, написавший книгу о Леонардо да Винчи, награждает Симонетту весьма нелестными эпитетами.
«Симонетта Веспуччи, урожденная Каттанео, - пишет он, - имела плоскую, даже впалую грудь, а живот выдавался, как у беременной, и нос был велик, однако же, подчиняясь внушению Медичи, граждане Флоренции считали ее образцом красоты и прелести».
В честь возлюбленной Джулиано Медичи, самой прекрасной дамы Флоренции, устраивались турниры, ей посвящали стихи, художники считали за честь написать ее портрет.
Вот как описывается один из турниров.
В последних числах января 1475 года на площади Санта-Кроче во Флоренции на манер средневековых рыцарских турниров устраивалась традиционная джостра. В ней принимал участие брат правителя города Лоренцо Медичи - Джулиано, избравший дамой своего сердца красавицу Симонетту Веспуччи. Он выступил под знаменем, которое создал для него известный в то время во Флоренции художник Сандро Боттичелли. На нем была изображена Симонетта - в виде Афины Паллады, в белом платье, со щитом и копьем, с головой Медузы Горгоны в руках.
«Сандро Боттичелли, - сообщает биограф художников Возрождения Джорджо Вазари, - прославился во Флоренции и за ее пределами. Именно этого мастера избрал Джулиано, чтобы запечатлеть на знамени образ своей возлюбленной. К сожалению, время не сохранило эту работу».
Правда, Вазари утверждает, что в январе 1475 года состоялось знакомство Джулиано и Симонетты, а турнир в честь Симонетты, на котором Джулиано нес стяг с ее изображением, написанным Боттичелли, состоялся за три недели до ее смерти.
Однако большинство портретов Симонетты Веспучи были написаны уже после ее смерти.
Двадцатитрехлетняя Симонетта, обаянием и образованностью которой так восторгались современники, умерла 26 апреля 1476 г. от чахотки ровно через год после знаменитой джостры. Она похоронена в семейной капелле Веспуччи в церкви Огниссанти во Флоренции. Ее уход из жизни в молодом возрасте надолго погрузил город в траур. Флорентийцы не только оплакивали живую женщину, перед которой преклонялись, но и скорбели об уходе Прекрасной Дамы и о конце идеальной любви.
После смерти Симонетты, брат Джулиано, Лоренцо Медичи напишет:
«Настал вечер. Я и самый близкий друг мой шли, беседуя об утрате, постигнувшей всех нас. Воздух был чрезвычайно прозрачен, и, разговаривая, мы обратили взоры к очень яркой звезде, которая поднялась на востоке в таком блеске, что не только она затмила другие звезды, но даже предметы, расположенные на пути ее лучей, стали отбрасывать заметные тени. Мы некоторое время любовались ею, и я сказал затем, обратившись к моему другу: «Разве было бы удивительно, если бы душа той прекраснейшей дамы превратилась в эту новую планету или соединилась с ней? И если так, то что же дивиться ее великолепию? Ее красота в жизни была великою радостью наших глаз, пусть же утешит нас теперь ее далекое сияние».
Лоренцо написал большое количество сонетов на смерть Симонетты Веспуччи, где показал себя таким же огорчающимся и влюбленным, как и его брат.
Даже А. Гастев, так нелицеприятно описавший в своей книге внешность Симонетты, подчеркивает:
«Многие оплакивали ее смерть, будучи в уверенности, что в таких людях отражается лик Божий и созерцающие подобную красоту коротким путем сообщаются с небом».
Встречается, правда, еще версия, что Симонетта умерла не от чахотки, а от яда или даже неудачных родов.
А еще через два года, в тот же самый день - 26 апреля, прямо посреди пасхальной церковной службы в в соборе Санта Мария дель Фиоре во Флоренции от рук заговорщиков семьи Пацци пал красавец Джулиано Медичи.
Мудрейший и опытнейший Николо Макиавелли в своей «Истории Флоренции» содрогается от той меры коварства и лживости, которая позволила заговорщикам провожать молодого Джулиано в храм и забавлять его шутками, не забывая при этом «под предлогом дружеских объятий ощупать все его тело, что убедиться, нет ли на нем кирасы». Главари заговора продолжали разыгрывать эту жуткую комедию предательства там, в церкви, окружая Лоренцо и Джулиано лицемерным оживлением и лестью. Притворство заглушило бдительность. Джулиано пал под ударами кинжалов. Брату Джулиано - Лоренцо Великолепному удалось спастись.
Наемников, говорят, поддержало семейство Веспуччи, якобы (по известной причине!) враждебно относившееся к клану Медичи.
Неожиданная смерть известных в городе молодых людей казалась мистической. Их судьба еще долго волновала флорентийцев, их недолгую, но такую яркую любовь без устали воспевали поэты. Флорентийцы не хотели верить, что прелестные и нежные черты Симонетты будут навсегда утрачены.
И Боттичелли донес до нас священную память о ней. Смерть ее стала глубоким личным горем для художника. Стремясь заглушить страдания, художник запечатлевал Симонетту Веспуччи в своих картинах.
Как пишет Виктор Липатов, «он наряжает ее в красивые одежды, унизывает жемчужинами косу «медных» волос, аккуратно рисует чуть курносый нос, отмечает на устах загадочную улыбку обольщения и таинственной мечты. Ее высокий лоб кажется ему лбом провидицы, а по-детски трогательное выражение лица и глаза, излучающие надежду, вызывают трепет умиления».
В разные годы Боттичелли создал четыре профильных изображения Симонетты, правда даты на найденных мной портретах не соответствуют датам, указанным в информации, найденной в инете.
На одном из них - за строгим оконным проемом словно бы пустота, бездна. Симонетта одета просто, по-домашнему, ее прическа небрежна. Она перед лицом вечности… Такой представил себе художник прекрасную флорентийку в последние дни ее жизни.
С нее Боттичелли писал своих знаменитых «Весну» и «Венеру», так что задумчиво-печальное выражение ее одухотворенного лица сделалось символом «боттичеллиевского настроения
Вот как описана работа Боттичелли над «Весной»:
«Боттичелли заперся в мастерской. Не отвечал на стук в дверь, на записки друзей. Приходил работать вместе с зарей. Уходил затемно. Большая картина стояла на двух мольбертах. Она была тяжела, очень тяжела, эта загрунтованная доска. Но не менее тяжел был труд живописца, ликующий и горький. Ведь ничего не давалось легко. Об этом говорили кипы набросков, эскизов, рисунков, валявшихся на полу, приколотых к стенам. Подоконник студии был тесно уставлен чашками с темперой. На маленьком столике, украшенном мозаикой, в древней античной амфоре стояла хрупкая ветка черешни. Палитра Сандро была похожа на створку раковины-жемчужины, так сиял перламутр красок на ее поверхности.
Художник писал „Весну“. Он глядел на белую ветку черешни в амфоре и вспоминал прекрасную Симонетту Веспуччи, джостру, Джулиано… Чудесный знакомый и таинственный мир претворялся у него в сердце.
Но это стоило дорого. Боттичелли осунулся, похудел, скулы заострились. Морщины от напряжения и раздумий легли у надбровий, прочертили жестче углы сжатых губ. Сандро не брился, у него выросла борода. Лицо стало темным, будто опаленным. Только глаза, светлые диковатые глаза мастера сияли восторженно.
Он любил. Любил неистово, страстно, неутолимо свою картину. Свою „Весну“. Все его помыслы, мечты были устремлены к одному желанию - как донести, не расплескать чувства, показать людям во всей прелести чудотворение природы».
Думается, что Боттичелли в миг окончания картины «Весна» был полностью охвачен святой верой в то, что красота спасет мир. И эта мысль, выраженная Достоевским в XIX веке, укрепляет вечную жизненность этого убеждения.
Искусствоведы спорят между собой до сих пор, одни считают, что Симонетта изображена в образе самой Весны, другие - что в образе Флоры, а третьи - что все женские образы писались с Симонетты. Одно, в чем искусствоведы солидарны, так это в том, что в образе Меркурия на картине «Весна» Боттичелли изобразил Джулиано Медичи.
Нередко в картинах Боттичелли в образах идеальных героев флорентийцы различали черты своих современников или известных личностей. Так и на этом полотне художник запечатлел Джулиано де Медичи и его возлюбленную Симонетту.
Ну, и конечно, Симонетта изображена в «Рождении Венеры».
«Рождение Венеры» - величайшее творение художника, как и его «Весна», триста с лишним лет находилось в глубоком забвении на тихой вилле Кастелло в окрестностях Флоренции. Картину заметили лишь в середине прошлого столетия, когда живописцы прерафаэлиты Миллес и Россетти заново открыли Боттичелли в качестве одного из редчайших талантов Италии XV столетия.
В «Рождении» Сандро Боттичелли изобразил образ Афродиты Урании - небесной Венеры, дочери Урана, рожденной из моря без матери. Литературными источниками для ее написания были произведения Полициано, Вергилия и Гомера. На картине изображено не само рождение богини, а последовавший за тем момент. Афродитa Урания - небесная Венера, рожденной из моря без матери, достигает берега, где ее встречает одна из граций.
В одной из галерей я нашел еще одну Венеру Боттичелли. Датирована она 1485−90 годами. Эскиз ли это «Рождения Венеры», или отдельное произведение - неизвестно!
Ботичелли закончил «Рождение Венеры» в 1485 году, через 9 лет после её смерти. Считается, что с момента их встречи моделью всех его Мадонн и Венер была Симонетта
Одна и та же женская фигура неизменно представала на полотнах Боттичелли в середине 1470−1480-х - юная девушка в платье, затканном цветами, часто с венком на золотых волосах.
«Симонетта была настолько хороша собой, что Боттичелли пожелал запечатлеть красоту уже умершей к тому времени женщины в своей картине «Весна», - подчеркивает английский художник и писатель, превосходный знаток жизни и творчества великого флорентийца Эдмунд Швинглхурст.
Венера и Весна Боттичелли, его Флора, грации и мадонны напоминают Симонетту, какой она навсегда осталась в памяти художника. Бытует даже версия, что Боттичелли завещал похоронить себя рядом с прахом Симонетты. Но, думаю, это всего лишь красивая легенда.
«Трепетная, струящаяся, то гибкая и плавная, то взволнованная, летящая, но всегда завораживающая своей грациозностью и изяществом линия Боттичелли, - восхищается искусствовед Ольга Немировская. - Она в «русалочьих», будто разметанных ласковым ветром прядях волос его Венеры, в мягких танцевальных движениях его граций, едва касающихся земли, будто парящих в воздухе. В изломе тканей, в складках одежды, то легко окутывающей стан, то стремительным потоком несущейся за нимфами. Знаменитый «боттичеллиев контур», в котором отразилась нежная, порывистая душа художника. Во всем, что создал его удивительный гений, будь то портреты, мифологические аллегории или образы задумчивых, грустных мадонн, живет поэтически тонкое, обостренное чувство красоты мира и женщины… В его лучших картинах гармонично слились идеальная красота и светлая, но глубокая печаль, любовь и вызванные ею тревоги…»
Коньяк
Коньяк - это высококачественный крепкий спиртной напиток на основе винограда, получаемый строго определенным образом. Он носит имя маленького города, находящегося в департаменте Шарант, на юго-западе Франции, в округе которого напиток и производится.
История создания.
Город Коньяк, расположенный на реке Шарант, неподалеку от Бордо, уже на исходе средневековья был активным торговым центром. В речной порт привозили соль и распродавали ее по всей округе. Еще одним занятием местных жителей было виноградарство и изготовление белых шарантских вин, которые
Надо отметить, что перегонные аппараты привезли в Коньяк голландцы, давно владевшие мастерством дистилляции и производившие у себя на родине крепкое спиртное из зерна, называемое «аквавитом». «Жженое вино» из Коньяка стало пользоваться огромным спросом у голландских торговцев, менявших его на другие товары в заморских странах, и у голландских матросов, употреблявших его во время плавания. По причине частых войн торговля была нестабильна, и «жженое вино», предназначенное для продажи, провело несколько вынужденных лет в дубовых бочках. Когда попробовали их содержимое, заметили, как оно изменилось:
крепость спиртного стала меньше, у него появился новый аромат, а также изменился его вкус и цвет. Успех нового напитка не заставил себя долго ждать. Он обладал более тонким, элегантным вкусом и более высоким качеством по сравнению с любыми другими бренди, поэтому было решено присвоить ему имя города Коньяк.
Название «коньяк» стали использовать и другие производители подобной продукции, и потребовались серьезные меры для того, чтобы сохранить это имя только для напитков, произведенных в окрестностях этого города.
Впоследствии престиж коньяка неуклонно поднимался. Его производители постоянно совершенствовали методы дистилляции, улучшали способы выдержки (включая выдержку древесины для бочек) и в результате сделали коньяк самым ценным из напитков на основе винограда. Сложный научный анализ структуры земли подтвердил основанное ранее лишь на традициях и природном чутье людей разделение этого региона на шесть участков. Определяющее значение имеет толщина и рыхлость известкового слоя в почве.
Необходимо отметить, что земли вокруг Коньяка обладают сходными чертами с почвами провинции Шампань. Отсюда и названия Гранд-Шампань,
Любой коньяк - это бренди, но только бренди, отвечающее вышеперечисленным требованиям, может называться «коньяком». А это значит, что, например, использование армянскими или грузинскими производителями слова «cognac» на этикетках их напитков с точки зрения международных законодательных актов, принятых еще в 1909 году, недопустимо.
Упрощенная схема процесса виноделия.
В процессе производства коньяка очень важную роль играют дубовые бочки, в которых проходит выдержка. Именно древесина дуба, особенно сердцевина дерева, придает коньяку аромат ванили. Бочки изготавливают из дуба, привезенного из лесов Лимузена, что на юго-западе Франции, или срубленного в Тронсе, находящемся в центральной части страны. Древесина лимузенского дуба более пориста по сравнению с тройским. Поэтому испарение алкоголя, а значит, и старение коньяка в бочке из такого дуба проходят быстрее. Из деревьев выпиливают доски и оставляют их не менее 3 лет «закаляться» на открытом воздухе, чтобы они высохли и потеряли свои «соки». Раньше дерево даже пробовали на вкус, чтобы определить его готовность. Бочки строятся ручным способом, и в них нет ни одного куска железа. В частности, для герметичности используются такие материалы, как мука и листья камыша.
Испарение воды и алкоголя, происходящее через пористые стенки дубовых бочек, зависит от влажности погреба. Алкоголь всегда испаряется быстрее воды, и этим объясняется снижение крепости коньяка во время его выдержки.
Выдержка.
Только после выдержки, являющейся настоящим искусством мастера погребов, коньячный спирт станет именно тем напитком, который мы называем «коньяком». Во время выдержки происходит испарение содержимого бочки (2−3% в год). Его называют «долей ангелов», и именно это испарение улучшает качество коньяка, избавляя его от горечи и нежелательных веществ. И наконец, оно понижает содержание в нем алкоголя до Желаемой крепости. Из-за этого испарения погреба покрываются особым грибком, называемым torula boturis (торюла ботю-рис).
Выдержка коньяка - процесс очень сложный, проходит постепенно в различных бочках, которые в зависимости от возраста обладают разными свойствами.
Вначале будущий коньяк стареет в новых дубовых бочках, содержащих много танинов, которые сообщают ему ароматы ванили, дуба, специй, сладковатый, горьковатый и кисловатый вкус, а также цвет. Затем коньяк переливают в дубовые бочки среднего возраста, а потом в совсем старые. Чем старее дубовая бочка, тем меньше ароматов она может отдать, и коньяк, выдерживающийся в ней, обогащается в основном за счет собственного испарения и концентрации своих ароматов.
Очень важную роль играет влажность, так как именно она определяет испаряемость, а значит, и крепость коньяка. Поэтому для ее сохранения в погребах, где проходит выдержка, строят своды из местного известняка и бочки укладывают на утрамбованную землю. Интересно знать, что в дубовой бочке, содержащей 350 литров коньячного спирта, после 50 лет-выдержки остается только 100 литров коньяка. В течении 60 лет старения крепость коньяка снижается до 40%, после такого срока его обычно переливают в специальные бутыли, где процесс испарения прекращается. Иногда выдержка в бочках может достигать 80 или даже 100 лет, в этом случае крепость коньяка падает до 30% и менее.
Наконец, коньяк - это всегда купаж, куда входят коньяки различной выдержки из разных сортов винограда. Именно купажирование позволяет сохранять остоянное качество и вкус, присущий определенной марке. Старые, долго выдержанные коньяки, содержащие меньше танинов, но больше ароматов, служат для смягчения вкуса молодых, снижения содержания алкоголя в купаже. Быстрый износ перегонных аппаратов, требующих замены каждые десять лет, необходимость использования качественной меди для их построения, высокая стоимость винограда, энергии и дубовой древесины, а также способ выдержки объясняют, почему коньяк является дорогим, а подчас просто драгоценным напитком.
Виды коньяка.
Профессионалы, определяя выдержку коньяка, используют систему «Счета». Счет равен нулю после регламентированного окончания перегонки, то есть 31 марта (примерно через полгода после сбора урожая). Затем коньячный спирт выдерживают в дубовых бочках, и он приобретает Счет-1 31 марта следующего года
Счет-1
Не поступает к потребителю.
Счет-2
От * до ***** - VS/Very Special - De Luxe - Selection Коньяк имеет право на эти названия, если его возраст не менее 2,5 лет.
Счет-3
Superior - ****** и более звездочек Коньяки с возрастом не менее 3,5 лет.
Счет-4
VSOP/Very Superior Old Pale - Vieux - VSO - WS - Rare - Reserve Это коньяки, возраст которых не менее 4,5 лет.
Счет-5
WSOP - Grande Reserve Возраст этих коньяков должен быть не менее 5,5 лет.
Счет-6
Napoleon - XO/Extra Old -Extra - Royal - Or - Tres Vieux - Vieille Reserve, а также те коньяки, в названии которых употребляется имя какого-либо исторического лица или на этикетке указывается персональный номер бытылки. Это коньяки, имеющие возраст не менее 6,5 лет.
Как уже было сказано, коньяки также различаются по месту происхождения, что также можно определить по их этикеткам. Бывают следующие виды:
Grande Champagne Виноград для этого коняка был выращен и сам коньяк был сделан исключительно в Гранд-Шампани.
Fine Champagne Это определение дается коньяку, изготавливаемому на основе смеси винограда с участков Гранд-Шампань и Петит-Шампань. При этом содержание винограда из Гранд-Шампани должно быть не менее 50%.
Если коньяк был получен с других участков земли, то это обычно не указывается на этикетке.
Основные правила классификации коньяка придумали в Hennessy, они упорядочили правила игры и сочинили все эти красивые аббревиатуры типа XO, которыми теперь небрежно оперируют покупатели в супермаркетах. Потомки Ричарда Хенесси изобрели и пресловутые «звездочки», увековечив в них основателя Дома - ирландского капитана. Систему звёздочек переняли не только другие коньячные дом, но и изготовители бренди и арманьяка.
Употребление.
Коньяк пьют при комнатной температуре. Подогревать его не стоит, так как при этом улетучиваются многие важнейшие ароматы и усиливается вкус алкоголя. Следует использовать коньячный бокал средних размеров, позволяющий наилучшим образом прочувствовать все вкусовые нюансы.
Коньяк всегда подается непосредственно перед клиентом: бокал надо поставить на стол, затем налить коньяк. Такой способ сервировки позволяет не потерять первую волну запахов. Пьется коньяк обычно в чистом виде на дижестив. У французов существует правило трех «с» (cafe, cognac, cigare) - вначале Вы пьете кофе, затем коньяк и после этого выкуриваете сигару.
Как оценить качество коньяка.
Прежде всего, следует налить несколько сантилитров коньяка в бокал и дотронуться пальцем до его наружной стенки. Затем посмотреть с другой стороны бокала, видны ли отпечатки пальца. Если да, то перед Вами коньяк высшего качества. Повращайте бокал вокруг собственной оси в горизонтальном положении, с тем чтобы увидеть, какие следы оставляет стекающий коньяк на его внутренних стенках. Если эти «ножки» видны в течение 5 секунд, то Вы имеете дело с коньяком,
выдержка котрого от 5 до 8 лет, если они видны в течение 15 секунд, то его выдержка - около 20 лет. Для 50 летних коньяков эти следы различимы в течение 17−18 секунд.
Наконец, обратите внимание на размер капли, вытекающей из каждой «ножки», и на размер самой «ножки». Если они примерно одинаковой ширины, то Вы имеете дело с коньяком высокого качества, так как содержание добавок в нем минимально. Если это не так, то перед Вами коньяк, содержащий большое количество примесей, его сладкий фруктовый вкус никогда не будет утонченным и натуральным.
Затем, исследуйте вкус коньяка, попробовав несколько капель. Концентрация ароматов в нем велика, поэтому не стоит «перегружать» нёбо избыточным количеством вкусовых ощущений. Если Вы почувствуете жжение во рту или терпкий, резкий вкус, то возьмите в рот еще несколько капель. Эфирные масла, получаемые при правильной перегонке и отделении «сердца» напитка, покроют Ваше нёбо уже после первого глотка коньяка и защитят от жжения при втором.
Основные марки коньяка.
Изначально считается, что коньяк - напиток высококачественный, кто бы ни был его производителем. Верно и то, что законодательные требования в отношении этого продукта настолько строги, что недобросовестный производитель будет очень быстро отстранен от дел.
Невозможно перечислить всех производителей коньяка. Их насчитывается более 1000, и они вырабатывают более 3000 разных коньяков, большинство из которых отличается очень высоким качеством. Вот только наиболее известные из них:
Remy Martin (Реми Мартен)
Старейший коньячный Дом, основанный французским виноделом Реми Мартеном в 1724 году.
Самый знаменитый коньяк Louis XIII - коньяк-легенда, средний срок выдержки которого - около 50 лет, а возраст некоторых коньяков, входящих в его состав, - более 100 лет. Louis XIII поступает к потребителю в очень элегантной хрустально бутылке.
Bisquit (Бискюит)
Этот Дом был основан Александром Бискюитом в 1819 году, и он является одной из крупнейших фирм-производителей коньяка, сумевшей соединить достижения технического прогресса (например, для сбора винограда) и уважение традиций во время выдержки и купажирования своих коньяков.
Camus (Камю)
Компания «Camus» была основана Жан-Батистом Камю в 1863 году. Сегодня, руководимая президентом Жан-Полем Камю, она является одной из первых в мире по объему продаж и направлена на производство высококачественных коньяков.
Gautier (Готье)
Один из самых старых Домов по производству коньяка, основанный в 1755 году. Интересен тот факт, что он располагается на маленьком острове притока реки Шаранты, где раньше находилась мельница. Коньяки Gautier стареют во влажных погребах, что хорошо сказывается на их качестве.
Hennessy (Хеннесси)
Этот Дом был основан в 1765 году ирландцем Ричардом Хеннесси, сейчас им управляет уже восьмое поколение семьи Хеннесси.
К 2000-му году выпустил самый дорогой (на то время) коньяк Hennessy Timeless. Тонкая смесь одиннадцати выдающихся коньячных спиртов, измеряющих XX век, а именно 1900, 1918, 1929, 1939, 1947, 1953, 1959, 1961, 1970, 1983 и 1990 гг.
Относительно молодые спирты, вошедшие в ассамбляж коньяка, поражают удивительной гармонией ярких, свежих, фруктовых и цветочных ароматов, а наиболее сложные ароматы кожи, дуба, перца и специй принадлежат самым старым из спиртов. Фактически, четыре поколения мастеров-виноделов семьи Филью трудились над созданием этого уникального коньяка. Каждый из о-де-ви старился в бочках отдельно. Причем, использовались бочки, уже утратившие большую часть своих танинов. И именно поэтому Timeless имеет такой светлый золотистый цвет.
Коньяк Hennessy Timeless был выпущен в ограниченном количестве, всего 2000 бутылок, каждая из которых пронумерована от 1/2000 до 2000/2000.
Martell (Мартель)
Основан в 1715 году англичанином по имени Жан Мартель.
Remy Martin (Реми Мартен) Старейший коньячный Дом, основанный французским виноделом Реми Мартеном в 1724 году.
Augier (Ожье)
Основан в 1643 году, старейший Дом по производству коньяка.
Courvoisier (Курвуазье) Единственный большой Дом по производству коньяка, имеющий свой адрес в городе Жарнак.
Delamain (Дэламен)
Основан в 1763 году под именем «Ranson & Delamain», называется «Delamain» с 1920 года.
Frapin (Фрапен)
Один из старейших коньячных домов Франции. И, если можно так выразится, один из «самых французских» - особой гордостью патриотов компании является тот факт, что и основана она была именно французами (тогда как основоположник «Хеннесси» был выходцем из Ирландии, а начало «Мартелю» положил уроженец британского острова Джерси).
Семья Фрапен производила вино и коньяк на протяжении двадцати поколений. История семьи начинается с 1270 года.
Gaston de Lagrange (Гастон де Лагранж)
Эта марку выпустила на рынок международная группа «Martini & Rossi» в 1950 году.
Hardy (Арди)
Семейная фирма, основанная в 1863 году. Некоторое время производила самый дорогой в мире коньяк - Perfection, стоивший 4000 долларов.
Hine (Айн)
Этот Дом основан в 1763 году, принадлежит той же французской группе, что и коньяк Hennessy.
Otard (Отар)
Этот Дом, основанный в 1795 году, специализируется на экспорте в восточные страны.
Courvoisier (Курвуазье)
Этот Дом, основанный в 1835 году, является четвертым по объему продукции «домом» коньяка.
Но это крупные производители. Считается, что у крупных производителей вкус коньяка неизменный (покупая бутылку определённого наименования, можете быть уверены, что и 10, и 20, и 50 лет назад вкус данного коньяка был идентичен), зато у мелких производителей вкус коньяка мягче и тоньше и букет богаче.
Интересные факты о вине
Слово «вино» и «виноград» происходят от одного корня. Поэтому принято считать, что сырьем для приготовления вина со времен Ноя служил именно виноград. Но анализ одного из самых редких и старых вин в мире (1300 год до н.э.), обнаруженного при археологических раскопках в Китае, показал, что оно было приготовлено из риса, меда и фруктов.
Среди современных вин, изготовленных из традиционного сырья, тоже встречаются очень редкие. К ним относится признанное одно из самых оригинальных в мире «желтое вино» Французских Альп. Его выращивают из сорта винограда «саваньен» в самой маленькой по размерам французской провинции Жюра. Виноград здесь собирают только в благоприятные годы с теплой осенью в ноябре-декабре, затем помещают его на целых шесть лет в дубовые бочки, заполняя их не полностью. Через определенное время на вине образуется «одеяло» - живая пленка из определенного вида дрожжей. Благодаря бактериям sacchraomyces oviformis желтое вино и приобретает свой необыкновенный вкус и свойства. После созревания такое вино может храниться сколь угодно долго, буквально столетиями. Так, бутылка 237- летнего «желтого» вина недавно была продана на аукционе за 57 тысяч евро. Цена «свежей» бутылки этого вина составляет здесь 30 евро.
К редким разновидностям современных вин относится и гранатовое вино. Его изготавливают в Израиле на винодельне Granada, в Турции, Армении и на Фадеевском винзаводе, который находится в Краснодарском крае. Особо изысканным считается гранатовое вино из Израиля. Приготавливают его вручную, а рецепт изготовления владельцы винодельни братья Каши держат в строжайшем секрете. Известно только, что дрожжи для него выписывают из Италии, выдерживают не в дубовых бочках, а в емкостях из нержавейки, чтобы уменьшить вяжущий вкус. Гранатовое вино бывает десертное и полусухое. У этого вина превосходный вкус, но, чтобы дополнительно усилить мотивацию к его приобретению, производители вина постоянно подчеркивают, что в отличие от консервированного гранатового сока вино сохраняет свои лечебные свойства годами. Многолетние исследования ученых действительно подтвердили, что вино из граната полезно при сердечно-сосудистых заболеваниях, предупреждает развитие раковых клеток и замедляет развитие онкологических опухолей, снижает давление.
Изумительное апельсиновое вино Bodegas Privilegio de Condado создали современные виноделы Испании. Его вкус и цвет явно сродни оранжевому фрукту, но приготовлено оно из белого винограда Мускатель. Секрет вина заключается в том, что дубовые бочки, в котором оно выдерживается пять лет, обшиты изнутри кожурой апельсина.
Уникальное вино «Омерто» из помидоров производит Паскаль Мише в Бельгии. Для него он использует тщательно подобранные сорта томатов и примерно те же стадии изготовления, что и для виноградного вина. Вино «зреет» 9 месяцев, содержит 18% алкоголя и похоже по вкусу на белое вино. В России «Омерто» пока не продают, но если хотите поразить гостей чем-то необычным, можно приготовить вино из помидор самостоятельно по такому рецепту:
помойте и нарежьте 4 кг помидоров, умеренно посолите, залейте шестью стаканами кипятка и поставьте под гнет на 4 дня. Процедите, добавьте дрожжи (столовая ложка), сахар (4 стакана), лимонный сок (2 лимона) и поставьте для брожения. После прекращения выделения пузырьков вино следует перемешать, дать полностью осесть осадку (примерно 3 дня), процедить и поместить в деревянный (лучше из дуба) бочонок и определить в погреб на полгода. После чего вино извлекают, разливают в бутылки и закрывают еще на несколько месяцев.
Обнаружены останки Моны Лизы
Археологическая экспедиция под руководством Сильвано Винчети, главы Национального комитета по развитию исторического и культурного наследия, пару дней назад обнаружила в заброшенном монастыре Святой Урсулы во Флеренции захоронение.
Там находились два женских скелета, один из которых, по предположению археологов, имеет прямое отношение к Джоконде, изображенной на портрете Леонардо да Винчи.
С апреля в склепе учёными были найдены останки уже пяти человек, но они точно не принадлежали Моне Лизе.
Один из новонайденных скелетов сохранился достаточно хорошо, а от второго остались лишь фрагменты. Но главное, что черепа находятся в отличном состоянии, это означает, что у учёных есть большие шансы восстановить по ним лица людей.
Винчети: «Мы почти уверены, что все найденные нами останки XVI века. Мы нашли в архивах, что это крипты монахов-францисканцев, а ведь дочь Лизы Герардини дель Джоконды была монахиней именно этого ордена.
Поэтому её мать, которую все называют Монай Лизой, и разрешили похоронить здесь. Это была большая честь". «Если все пойдет, как запланировано, то мы сможем восстановить её лицо, это позволяют современные технологии».
Лиза дель Джокондо (15 июня 1479 - 15 июля 1542), также известная как Лиза Герардини, Джоконда и Мона Лиза - знатная флорентийка, изображённая на знаменитой картине Леонардо да Винчи. Родилась во Флоренции в знатной семье.
Рано вышла замуж за торговца тканями Франческо ди Бартоломео ди Заноби дель Джокондо, родила шестерых детей. Как и многие другие флорентийцы, Франческо был ценителем искусства и оказывал покровительство художникам. Общепринятая версия гласит, что портрет Лизы дель Джокондо был написан Леонардо. Он мог быть заказан художнику её мужем, вероятно, чтобы отметить рождение сына и покупку дома.
Все науки включая искусство, не относятся к национальному достоянию… к национальному достоянию относиться, язык, а с ним и культурное развитие (менталитет).
Давайте всегда предполагать, что наш собеседник - умный человек. Что он как минимум не глупее нас. Давайте не будем подозревать его в невежестве, в злом умысле или в чём то ещё. Давайте дадим ему кредит доверия. В первую очередь в том смысле, что любая дискуссия - это всего лишь обмен частных мнений, а не защита докторской диссертации с одной стороны и обвинения в плагиате или невладения предметом с другой.
Давайте внимательнее слушать и тише говорить. Давайте задавать больше вопросов, уточняя точку зрения собеседника и реже восклицать наши собственные аксиомы, навязывая другому их сомнительную непогрешимость.
Давайте не впадать в гнев при малейшем расхождении во взглядах. Ведь ещё вчера мы объясняли нашим детям как надо вежливо общаться. Вот она - эта возможность, доказать им и самим себе, что наши слова не расходятся с нашими делами.
Давайте благодарить друг друга, если в процессе беседы мы узнали что-то новое. Это так просто, сказать: «Спасибо», не правда ли? Возможно после столь конструктивной позиции и нас будут слушать внимательнее. И мы сможем действительно донести то, ради чего и начали говорить.
Давайте будем мудрее, не превращая любой разговор в ссору, а наслаждаться тем, что великий Экзюпери и назвал столь красиво и лаконично - роскошью общения.
БРОЖУ ВДОЛЬ СЕНЫ
Брожу вдоль Сены,
Свежий воздух, фонари…
Здесь юный Гейне
Писал поэмы до зари.
Здесь Пикассо
«Бокал абсента» рисовал…
Альфред Дюссо,
Поймав удачу, ликовал.
Повсюду тени
Легенд культуры и искусств…
Парижский гений
Всегда дарил таланту чувств.
И вдохновлял
О грусти размышлять Саган…
И колдовал
Над платьями Пако Рабан.
Кафе Прокоп,
Где сиживал Вольтер с Дидро,
Среди веков
Рассыпалось, как серебро.
Теперь вдоль Сены
Всюду россыпи кафе -
Бокал абсента
В них подают под канапе.
Интересные факты об Одри Хёпберн
4 мая 1929 года родилась британская и американская актриса, фотомодель и ярчайшая звезда кинематографа двадцатого века Одри Хепберн. Обладательница утонченного вкуса она была не только красивой женщиной, великой актрисой и фотомоделью, но и гуманитарным деятелем, за что была награждена премией имени Жана Хершолта за помощь человечеству.
В честь 85-летия со дня рождения предлагаем вам прочитать факты о жизни и судьбе актрисы.
Одри родилась в 1929 году в Брюсселе. Спустя шесть лет ее родители, Джозеф и Элла, развелись из-за измены мужа. Оба они, однако, в политических пристрастиях находились по одну сторону баррикад - поддерживали нацистов. Судьба их сложилась по-разному. Элла после нацистской оккупации отказалась от своих взглядов и помогала голландскому Сопротивлению. Джозеф в 1940 году был арестован в Лондоне, до апреля 1945-го пробыл в заключении, остаток жизни провел в Дублине.
А Одри Хёпберн являлась ветераном Второй мировой. Таковы факты. Будучи подростком, девочка пережила оккупацию города Арнем, где они тогда жили. Мечтая стать балериной, Одри поступила в консерваторию. Она вместе с другими детьми давала частные концерты, на которых тайно собирали деньги и информацию для групп Сопротивления - за участие в котором заплатили жизнью ее дядя и двоюродный брат Эллы, а брат прошел через немецкий концлагерь. В остальное время Одри лежала в кровати и читала, чтобы не донимал голод. Время от времени удавалось печь пирожные и печенье, муку для которых получали из смолотых луковиц прекрасных голландских тюльпанов.
После окончания войны, в 1948 году Одри Хёпберн продолжила образование в Лондоне. Ее педагогом была сама Мари Рамберт, чьим учеником одно время был великий танцор Вацлав Нижинский. Вскоре Мари поговорила с Одри и объяснила ей, что ученица она прекрасная, и станет выдающейся балериной, но примой - из-за слишком высокого роста и хронического недоедания в годы оккупации - никогда. Мать с трудом могла прокормить семью, и Одри понимала, что ей придется зарабатывать самой. Очень естественно было в этих условиях заняться карьерой актрисы.
Ее первая большая роль - в фильме «Засекреченные люди» (1951) - тоже естественно была связана с балетом: она играла балерину. Критики отнеслись одобрительно к ее молодости и таланту. Прошло всего три года - и на кинематографическом небосклоне вспыхнула сверхновая, после «Римских каникул» с Грегори Пеком в главной мужской роли. Именно Пек добился, чтобы на постерах фильма имя Хёпберн печатали так же крупно, как и его собственное - он заявлял, что Одри достанется «Оскар». Так и случилось!
Одри Хёпберн стала подлинным лицом Голливуда: на фильмы с ее участием зрители шли охотнее всего. Ее партнерами были Фред Астер («Забавная мордашка»), Морис Шевалье и Гарри Купер («Любовь после полудня»), Кэри Грант («Шарада»), Рекс Харрисон («Моя прекрасная леди»), Питер О’Тул («Как украсть миллион»), Шон Коннери («Робин и Мэриан»). Многие из них стали впоследствии друзьями Одри. А уже упоминавшийся Грегори Пек - верным другом на всю жизнь.
В 1961 году сверхновая Хёпберн вспыхнула еще ярче, подарив кинематографу и миру классику жанра - «Завтрак у Тиффани». Роль Холли Голайтли стала культом, неотъемлемым символом 1960-х. Одри, помимо всего, стала законодательницей мод, дав вторую жизнь изобретенному Коко Шанель «маленькому черному платью» и возведя его в хит. Эта роль подарила ей крепкую дружбу с Юбером де Живанши, модельером Жаклин Кеннеди. Стоит добавить, что ювелирная компания Tiffany & Co после премьеры «Завтра у Тиффани» буквально проснулась знаменитой - благодаря именно Одри Хёпберн.
После 1967 года актриса снималась в кино периодически, с переменным успехом. Что-то явно не подходило под роль для нее. От чего-то она отказалась сама, и потом сожалела об этом. Долго никак не налаживалась личная жизнь. Последняя главная роль - в стильном и светлом фильме «Они все смеялись» (1981). А самая последняя - камео-ангел в ремейке «Всегда» (1989) и работа с Мастером Стивеном Спилбергом.
Одри Хёпберн никогда не забыла, что в ранней юности от голодной смерти ее спас только что образованный детский фонд ООН ЮНИСЕФ. Возвращая долг, она с самого начала своей звездной карьеры активно сотрудничала с ним. Поначалу выступала в радиопередачах, а по завершении кинематографической карьеры настояла, чтобы ее назначили специальным послом организации. Десятки тысяч детей в самых разных странах мира обязаны ее подвижничеству своим здоровьем и жизнью. За работу в рамках ЮНИСЕФ Одри Хёпберн одну из высших наград США - Президентскую Медаль Свободы.
Этой работе Одри отдавала все свои силы, а они возвращаться не спешили. В сентябре 1992 года, во время поездки в Сомали, у Хёпберн начались серьезные проблемы со здоровьем. Операция, казалось бы, прошла успешно, но болезнь стремительно прогрессировала. Одри Хёпберн буквально сгорела за полтора месяца, и навсегда оставила этот мир 20 января 1993 года. Узнав о ее кончине, великая Элизабет Тейлор не смогла сдержать слез. Она сказала: «У Господа Бога появился еще один прекрасный ангел, который знает, чем ему заняться на небесах».
В 2013 году у миллионов поклонников кинематографа XX века дрогнули сердца. В рекламе шоколада Galaxy снялась их покорительница, которой достаточно было просто взглянуть с экрана и ничего при этом не говорить. Уникальные компьютерные технологии воскресили, пусть всего лишь на одну минуту рекламного ролика, Одри Хёпберн.
Сможет ли виртуальное общение заменить общение лицом к лицу?
«Мистер Уотсон, подойдите сюда, я хочу Вас увидеть», сказал Александр Грэхем Белл 10 марта 1876 года в своем первом телефонном разговоре. Изобретение телефона дало возможность людям по всему миру общаться между собой на большом расстоянии.
Проводная связь вскоре превратилась в беспроводную связь, и главными устройствами стали мобильные телефоны, и в конечном итоге смартфоны. Сегодня мы имеем возможность не только общаться на большом расстоянии в мгновение ока, а также преобразовывать голос в текст, или же общаться по веб-камере, где видна и картинка и голос партнера.
Так как технологическое развитие продолжается, остается актуальным вопрос: будем ли мы иметь возможность физического общения друг с другом в ближайшие 10−20 лет или же мы будем общаться лицом к лицу все реже и реже в ближайшие десятилетия?
Мы попросили некоторых экспертов в данной области рассказать, какие радикальные изменения нас ожидают.
Многоуровневая коммуникация
Скотт Кэмпбелл, доцент кафедры коммуникативных исследований Университета Мичиган, специализируется на изучении того, как мобильная связь влияет как государственную и частную жизнь. При дальнейшем развитии мобильной технологии он видит несколько типов отношений:
«Я думаю, мы движемся к „слоистому“ общению, другими словами общению разными способами одновременно».
«Конечно, во время общения с помощью современных технологий присутствуют некоторые ограничения, которые доступны при общении лицом к лицу, но в определенных ситуациях, когда люди находятся на дальних расстояниях, новые технологии играют важную роль. Например, когда бабушка по Skype смотрит, как ее внук задувает свечи на свой день рождения».
Даже в 2014 году все еще есть необходимость тесных отношений, личного общения. Кэмпбелл считает, что технологии будут адаптироваться для большего комфорта пользователей, а не оказывать сильное давление с помощью бесконечного потока социальных медиа.
Невидимые технологии
Еще одну интересную идею озвучил Джонатан Макдональд, уважаемый спикер и советник по воздействию технологий на общество и бизнес.
Поработав с новейшими устройствами Google и Apple, Макдональд сказал, что он видит будущее не на экранах устройств, а в более личном виде:
«Экспоненциальное развитие означает, что к 2030 году средний размер компьютерного чипа будет размером с клетку крови и в миллиард раз мощнее, чем современные. В связи с быстрым развитием технологий пропадет необходимость промежуточного устройства. Весьма вероятно, что большая часть коммуникационной техники будет находиться под нашей кожей».
«Я думаю, что в будущем мы не будем взаимодействовать с технологическими устройствами, так как сам человек станет таким устройством», продолжает Макдональд. «Технологии становятся невидимыми и, в конце концов, пропадет нынешний образ общения».
«Физическая форма современных технологий представляется мне сомнительным будущим».
Мы уже наблюдаем рост популярности голосового и жестового управления. Также мы видим унификацию услуг на нескольких устройствах, например Skype и Google Hangouts.
Наши эксперты Кэмпбелл и Макдональд не считают, что общение лицом к лицу находится под угрозой, подчеркивая тот факт, что взаимодействие людей вряд ли станет все более и более виртуальным.
Флори Бризел, писатель, консультант и исследователь, занимается изучением мобильных технологии и коммуникаций с 2003 года. У нее несколько иная точка зрения. Она считает, что характер наших нынешних отношений может оказаться под угрозой, но все еще есть надежда на будущее.
«Я думаю, маятник между живым общением и с помощью технологий будет качаться из одной стороны в другую», говорит Бризел. «В конце концов, люди перестанут придавать большое внимание своим мобильным устройствам, и вернутся к личному общению»
«Если мы потеряем способность взаимодействовать и комфортно себя чувствовать при общении лицом к лицу, то мы потеряем неотъемлемую часть сущности человека».
Любой из нас замечал, что когда мы собираемся с друзьями весело провести время, пообщаться, отношение резко меняется, если присутствует мобильный телефон.
Наука соглашается: Эндрю К. Прзиблис и Нетта Вайнштейн из Университета Эссекса обнаружили, что между людями более слабые связи, если рядом находится телефон, даже если он выключен или вне досягаемости. Это объясняется тем, что при виде мобильного устройства человек начинает нервничать, будь то нежелание пропустить письмо по электронной почте или же общаться по сети с как можно большим количеством людей.
Однако исследование показывает, что в случае с незнакомыми людьми виртуальное общение может оказаться предпочтительней. Например, взглянув на страничку собеседника в Facebook можно сделать выводы о человеке быстрей, чем при общении вживую.
«Трудно что-либо прогнозировать, но, основываясь на недавних исторических тенденциях, я думаю, что общение лицом к лицу останется важной частью людского взаимодействия», говорит Кэмпбелл.
«На данный момент большая часть данных свидетельствует о том, что онлайн общение не влияет на общение вживую, а лишь дополняет его».