Вера заслуживает любви, трепета - культура.
Так как вторая первой плод.
Художник-анималист Карл Брендерс Живопись
Карл Брендерс (Carl Brenders) не просто художник-анималист. Передать пропорции, оттенки - дело техники, которую можно наработать с годами тренировок. А вот цепкий, удивительно любящий и проникновенный взгляд натуралиста - это из разряда божьих даров.
Наблюдая, всматриваясь, изучая животных, художник-анималист выхватывает из их повседневной обыденной жизни некие мгновения, окрашенные тончайшим флёром божественного прикосновения и величия природы.
Карл Брендерс после учёбы в Антверпенской Академии изящных искусств вот уже более четверти века работает художником-анималистом. И, кажется, что нет уже в природе тех тайн, что не открылись бы ему, не отразились бы в его картинах. Удивительный реализм изображений животных, дышащих, движущихся и словно на мгновение замерших перед зрителем, снискал художнику мировую славу, давно выйдя за пределы Бельгии.
Многочисленные выставки, награды, выпуск нескольких десятков книг, проиллюстрированных его рисунками - всё это в багаже многолетней карьеры художника.
Как художник-анималист Карл Брендерс не останавливается на изображениях только животных. Его картины наполнены всеми красотами природы. Он выписывает с не меньшим тщанием и гениальностью растения и фактуры неба, камней, воды.
Анри де Тулуз-Лотрек: жизнь и творчество.
Граф Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа (фр. Henri Marie Raymond comte de Toulouse-Lautrec Monfa) родился 24 ноября 1864, Альби. Французский художник-постимпрессионист мастер графики и рекламного плаката происходил из графского рода Тулуз-Лотреков.
Мать и отец Анри были совершенно разными людьми, граф Альфонс отличался эксцентричностью, волочился за всеми женщинами подряд, любил показать себя, мать - же была скромной, терпеливой и очень набожной женщиной. Родители мальчика были кузенами. В те времена браки между близкими родственниками считались допустимыми, но это часто приводило к проблемам со здоровьем у детей.
Семья Лотреков не стала исключением. В 1878 году Анри упал со стула и сломал левую ногу, а через год история повторилась, но сломана уже была правая нога, после чего его ноги вообще перестали расти. Повзрослев, и достигнув роста всего 150 сантиметров, Анри стал представлять собой странное зрелище: казалось, что тело взрослого мужчины поставили на ноги ребенка, передвигался он в развалку, тяжело, с помощью трости. Еще в детстве мальчик увлекся рисованием шаржей и карикатур, они у Анри получались точными и злыми. В 1882 году мать перевозит мальчика в Париж, где он поступает на учебу в мастерскую Леона Бонна, который первым обратил внимание на необычность рисунков Лотрека. Вскоре юноша переходит на учебу в знаменитую школу Фернана Кармона, где знакомится с Гогеном, и молодые люди становятся друзьями.
Еще ребенком Анри увлекался лошадьми и собаками и очень часто их рисовал. Позже, уже в зрелом возрасте он не раз обращался к теме животных.
В январе 1884 года Лотрек открывает собственную мастерскую на Монмартре, правда, родителям не нравилось место проживания сына. Так, отец считал, что жизнь в этом районе позорит имя семьи, и не раз просил Анри взять себе псевдоним, чтобы не позорить фамилию. Лотрек честно пытался исполнить просьбу отца, но в силу своего характера, в конце концов, отказался от этой затеи.
.
По жизни художник был спокойным и доброжелательным человеком, и в обычном состоянии он никого за свою короткую жизнь не обидел ни словом, ни поступком. Но Лотрек пил, и пил много, а под действием алкоголя становился неуправляемым.
В деньгах Лотрек никогда не нуждался, но он всегда мечтал о славе художника, и поэтому старался продать свои работы. Первым, кто купил его картину, был брат Ван Гога - Тео. Но вот, что интересно, настоящую известность принесли художнику не его картины, а афишы, рекламные плакаты, литографии, декорации и костюмы к спектаклям, обложки к нотным изданиям.
В те времена литография только появлялась, Лотрек сделал более 30 литографий и очень этим гордился. Работал художник и пастелью - наиболее известной работой, выполненной пастелью, является портрет Винсента Ван Гога, написанный Лотреком в 1887 году.
Портретов на заказ Лотрек никогда не писал, но, тем не менее, они присутствуют в его творчестве: это изображения его друзей, певиц, спортсменов, поэтов, аристократов и простолюдинов.
Много работ Тулуз-Лотрека посвящены жизни публичных домов, завсегдатаем, которых он был. Там художник мог пропадать неделями и рисовать проституток, Эти женщины не стеснялись его, и поэтому рисунки всегда получались очень жизненными.
К 30 годам Анри Лотрек окончательно спился, более того, он заразился сифилисом и страшно страдал от этого заболевания. Друзья старались помочь ему, дважды отправляли в Лондон, но вернувшись, он продолжал вести беспорядочную жизнь. Мать наняла для него двух мужчин-санитаров, но это не спасло Анри от очередного приступа белой горячки, после которого он был помещен в психиатрическую больницу на излечение. После лечения художник уехал на атлантическое побережье, но вскоре он снова сорвался и страшно запил.
В апреле 1901 года Лотрек вернулся в Париж. К своим 36 годам художник выглядел глубоким старцем. Он, как будто чувствовал, что доживает последние дни, и поэтому занялся приведением в порядок своих дел. 15 июля художник вновь возвращается на побережье, где его разбивает инсульт. Наполовину парализованного Лотрека, по его просьбе, забирает к себе мать. 9 сентября 1901 года, в замке, неподалеку от Бордо, в возрасте 36 лет Анри де Тулуз-Лотрек умирает.
Самая секретная библиотека
Считается, что огромнейшая библиотека Ватикана, появившаяся в XV веке, хранит в себе чуть ли не все священные знания человечества - мол, в ней можно найти ответы на любые вопросы, даже о зарождении жизни на Земле. Впрочем, большая часть книг является весьма засекреченной, а к некоторым свиткам имеет доступ лишь Папа Римский.
Официально библиотека Ватикана основана 15 июня 1475 года, после издания Папой Сикстом IV соответствующей буллы. Однако это не совсем точно отражает действительность. К этому времени у папской библиотеки уже была давняя и богатая история. В Ватикане находилась коллекция древних рукописей, которую собирали предшественники Сикста IV.
Они следовали традиции, появившейся еще в IV веке при Папе Дамасе I и продолженной Папой Бонифацием VIII, который создал первый полный на то время каталог, а также настоящим основателем библиотеки Папой Николаем V, объявившим ее публичной и оставившим после себя более полутора тысяч различных рукописей. Вскоре после официального учреждения, в библиотеке Ватикана находилось уже более трех тысяч оригинальных рукописей, купленных папскими нунциями на территории Европы.
Содержание большого количества трудов увековечило для последующих поколений множество переписчиков. В тот период в коллекции находились не только теологические труды и священные книги, но и классические произведения латинской, греческой, древнееврейской, коптской, древнесирийской и арабской литератур, философские трактаты, труды по истории, юриспруденции, архитектуре, музыке и искусству.
Некоторые исследователи считают, что в Ватикане содержится и часть Александрийской библиотеки, созданной фараоном Птолемеем Сотером незадолго до начала нашей эры и пополнявшейся со вселенским размахом. Египетские чиновники забирали в библиотеку все ввозимые в страну греческие пергамента: каждый корабль, прибывший в Александрию, если на нем имелись литературные произведения, должен был или продать их библиотеке, или предоставить для копирования. Хранители библиотеки спешно переписывали все попадавшиеся под руку книги, сотни рабов ежедневно трудились, копируя и сортируя тысячи свитков. В конечном счете к началу нашей эры Александрийская библиотека насчитывала много тысяч рукописей и считалась крупнейшим книжным собранием античного мира.
Здесь хранились произведения выдающихся ученых и литераторов, книги на десятках разных языков. Говорили, что в мире нет ни одного ценного литературного произведения, копии которого не было бы в Александрийской библиотеке. Сохранилось ли что-то от ее величия в Ватиканской библиотеке? Об этом история пока умалчивает.
Если же верить официальным данным, то ныне в хранилищах Ватикана находятся 70 000 рукописей, 8 000 первопечатных книг, миллион печатных изданий, более 100 000 гравюр, около 200 000 карт и документов, а также множество произведений искусства, не поддающихся поштучному учету. Ватиканская библиотека притягивает как магнит, но для того чтобы раскрыть ее тайны, нужно поработать с ее фондами, а это совсем не просто. Доступ читателей к многочисленным архивам строго ограничен. Для работы с большинством документов необходимо делать специальный запрос, объясняя причину своего интереса.
А в Ватиканский секретный архив, закрытые фонды библиотеки могут попасть разве только специалиста, причем те, кого власти Ватикана сочтут достаточно благонадежными для работы с уникальными документами. Хоть официально библиотека считается открытой для научных и исследовательских работ, но ежедневно в нее могут попасть лишь 150 специалистов и ученых. С такими темпами на изучение находящихся в библиотеке сокровищ уйдет 1250 лет, ведь общая протяженность стеллажей библиотеки, состоящей из 650 отделов, составляет 85 километров.
Известны случаи, когда древние манускрипты, являющиеся, по мнению историков, достоянием всего человечества, пытались украсть. Так, в 1996 году американский профессор, историк искусства был осужден за кражу нескольких страниц, вырванных из манускрипта XIV века пера Франческо Петрарки. На сегодня доступ в библиотеку ежегодно получают около пяти тысяч ученых, но только Папа Римский обладает исключительным правом выносить книги за пределы библиотеки. Для того, чтобы получить право работать в библиотеке, нужно иметь безупречную репутацию. Да и в целом Ватиканская библиотека - один из самых охраняемых в мире объектов, ведь ее защита серьезнее, нежели у любой из атомных электростанций. Помимо многочисленных швейцарских гвардейцев, покой библиотеки охраняют ультрасовременные автоматические системы, образующие несколько уровней защиты.
Леонардо да Винчи и тайны ацтеков
Наследие, которое собирали главы римско-католической церкви, значительно пополнялось за счет приобретения, получения в дар или на хранение целых библиотек. Так в Ватикан попали издания из ряда крупнейших европейских библиотек: «урбинской», «палатинской», «гейдельбергской» и других. Кроме этого, в библиотеке находится множество архивов, которые до сих пор не изучены. Есть в ней и ценности, доступ к которым можно получить лишь теоретически. К примеру, некоторые рукописи знаменитого Леонардо да Винчи, которые до сих пор не показывают широкой публике. Почему? Есть предположение, что в них содержится нечто, способное подорвать престиж церкви.
Особая загадка библиотеки -это таинственные книги древних индейцев-тольтеков. Об этих книгах известно лишь то, что они действительно существуют. Все остальное - это слухи, легенды и гипотезы. По предположениям, в них есть сведения о пропавшем золоте инков. Также утверждается, что именно в них содержится достоверная информация о визитах инопланетян на нашу планету еще в глубокой древности.
Граф Калиостро и «эликсир молодости»
Также бытует теория, что в библиотеке Ватикана находится копия одного труда Капиостро. Существует фрагмент данного текста, описывающего процесс омоложения или регенерации организма: «Выпив это, человек на целых три дня теряет сознание и речь.
Возникают частые судороги, конвульсии, на теле выступает обильный пот. Придя в себя после этого состояния, в котором человек, тем не менее, не ощущает никакой боли, на тридцать шестой день он принимает третью, последнюю крупинку „красного льва“ (т.е. эликсира), после чего проваливается в глубокий спокойный сон, во время которого у человека облазит кожа, выпадают зубы, волосы и ногти, выходят из кишечника пленки… Все это вырастает снова на протяжении нескольких суток. На утро сорокового дня он покидает помещение новым человеком, ощущая полное омоложение…»
Хоть это описание и звучит фантастически, оно поразительно точно повторят один малоизвестный метод омоложения «Кайя Каппа», дошедший до нас из Древней Индии. Этот засекреченный курс по возвращению молодости 2 раза прошел индус Тапасвиджи, который прожил 185 лет. Первый раз он омолодился по методу «Кайя Каппа», достигнув возраста в 90 лет. Любопытен факт, что на его чудесное превращение также ушло 40 дней, причем большую часть из них он проспал. По истечению сорока дней у него выросли новые волосы и зубы, а в тело вернулись молодость и бодрость. Параллель с трудом графа Калиостро довольно очевидна, поэтому не исключено, что слухи о молодильном эликсире реальны.
Завеса приподнята?
В 2012 году Ватиканская апостольская библиотека впервые разрешила перенести некоторые из своих документов за пределы священного государства и выставить их на всеобщее обозрение в Капитолийском музее в Риме. Подарок, который Ватикан сделал Риму и всему миру, преследовал очень простые цели. «Прежде всего, важно развеять мифы и разрушить легенды, которые окружают это великое собрание человеческих знаний», - объяснил тогда Джанни Вендитти, архивист и куратор выставки с символическим названием «Свет во тьме».
Все представленные документы являлись подлинниками и охватывали период почти в 1200 лет, раскрывая страницы истории, никогда ранее не доступные широкой публике. На той выставке все любопытствующие смогли узреть манускрипты, папские буллы, судебные заключения с процессов над еретиками, зашифрованные письма, личную переписку понтификов и императоров… Одними из самых интересных экспонатов выставки стали протоколы процесса над Галилео Галилеем, булла об отлучении от церкви Мартина Лютера и письмо Микеланджело о ходе работ над одной из семи паломнических базилик Рима - церкви Сан-Пьетро-ин-Винколи.
Буше Франсуа. Мастер галантных ситуаций
Буше Франсуа (Francois Boucher) (1703−1770), французский живописец, гравер, декоратор, «первый живописец короля», один из самых ярких мастеров стиля рококо, законодатель всех видов искусства Франции начала 18 века. Первым наставником Буше был его отец Никола Буше, скромный учитель живописи и рисовальщик узоров для вышивки. Затем Буше некоторое время был учеником Франсуа Лемуана, после чего поступил в обучение к граверу Жану-Франсуа Карсу, у которого занимался составлением виньеток, гербов и эмблем для франкмасонских дипломов. В 1722 году Буше было поручено иллюстрировать новое издание «Французской истории» Оноре Габриэля Даниеля, а в 1723 году Буше получил академическую премию за картину «Евил-меродах, сын и наследник Навуходоносора, освобождающий из оков царя Иоахима». В 1725 Буше представил несколько картин на выставку молодых авторов и был приглашен де Жюльенном сотрудничать в издании произведений Антуана Ватто. В 1727 Франсуа Буше отправился за свой счет в Рим, где усердно изучал творчество живописцев Франческо Альбани и Пьетро да Кортона, с последним художника в дальнейшем часто сравнивали. Современные критики 18 века находили, что картины, написанные Франсуа Буше по возвращении из Италии, отличались красотой и мужественной силой; это относится, может быть, к картинам, которые дошли до нас лишь в гравюрах, изданных Лаврентием Карсом, так как оригиналы этих картин не сохранились. 24 ноября 1731 года Франсуа Буше был принят в академию, где написал мифологическую картину «Венера и Вулкан с оружием для Энея». В 1734 Буше был удостоен звания академика за картину «Ринальдо и Армида», и в том же году художник украсил комнату королевы в Версальском дворце аллегорическими фигурами Сострадания, Изобилия, Верности и Благоразумия. В 1755 - 1765-х годах Буше руководил Королевской мануфактурой гобеленов в Париже, с 1765 Франсуа Буше стал директором Королевской академии живописи и скульптуры.
Сороковые годы XVIII века - период расцвета во французском искусстве стиля рококо, отразившего аристократические идеалы дворянского общества. Самым знаменитым художником рококо был Франсуа Буше, который, помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи. Живопись Буше в полной мере отразила декоративные принципы искусства его времени. Буше в начале творческого пути испытал влияние Антуана Ватто (гравировал картины художника), в дальнейшем писал плафоны, панно, картины с мифологическими, пасторальными, жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах («Пейзаж в окрестностях Бовэ», Эрмитаж, Санкт-Петербург). Одним из любимых жанров живописи рококо были пасторальные мотивы, сюжеты которых художники находили прежде всего в античной мифологии.
Алексей Курбатов. Суперталант
Алексей Курбатов работает в технике, которая сочетает фотографию, акварель и Photoshop. Оригинальными и узнаваемыми работами он иллюстрирует книги, рисует для сайтов Ведет проект «Белые вещи» - постеры, сумки, футболки, кружки со своими работами.
Первые творческие впечатление Леша испытал от «чтения» серии книг «Жизнь замечательных людей». Думается, большинство ее знают. Характерные биографические книги с неизменными вставками иллюстраций и фотографий на мелованной бумаге. Вот эти самые вставки Леша и просматривал вдоль и поперек. Когда вся серия была просмотрена, пришла пора просмотра журналов. В шесть лет выбор пал на журнал «Огонек» с его социальными репортажами. Между статьями была постоянная отбивка - жуткая полумышь из картины Босха, тянущая лапы, имеющая вместо спины что-то вроде кармана. За этими источниками впечатлений последовали следующие, но основой были именно они…
Леша Курбатов - левша. А это означает, что ему многое разрешали. Не отчитывали, не мешали по-своему играть, не переделывали в правшу. Поэтому когда он решил, что надо зарабатывать деньги, а не учиться, то пошел на работу, а не образовательное учреждение. В итоге, высшее образование его миновало. И ныне он эти совсем не гордится, и считает, что учиться необходимо.
А вообще, Алексею всегда хотелось стать киноведом или же поваром. Но потом так сталось, что у его тети была типография, а у него дома появился компьютер. Детали можно опустить, здесь связь и перспективы понятны. Итог мы видит на фото в статье.
Сейчас почти все время Леши Курбатова уходит на цифровые иллюстрации, «живых» материалов практически нет. Если ему хочется отвлечься, то при этом он старается избежать компьютер. Последние месяцы экспериментирует с маслом, отмечая при этом, что классические материалы требуют неимоверных усилий: разведение и подготовка краски на палитре, промывка и протирка кистей, применение разбавителей, и при этом еще надо суметь остаться чистым. Одним словом - тяжко… Думаю, цифровой художник, испытав все возможности и скорость цифры вряд ли перейдет на классику. Личный опыт, относительно именно иллюстраций. это доказывает. Картины живые, для живого восприятия цифра никогда не заменит, но вот для книгоиздательства и прессы цифра будет идеальным вариантом…
Алексей никогда не думал о своем творческом почерке и особенном стиле - он просто наслаждался процессом и хотел делать все красиво. Иногда он что-то пишет очередное, но если сильно не получается, то начинает подражать другим художникам. Естественно, как у них не получается. Получается по-другому. И вот это самое «по-другому» иногда становится тем самым, что дает новый толчок для своего творчества. Иногда Леша берет акварельную бумагу, кисти широкие и жёсткие и «отпускает себя». Потом все это сканирует и совмещается с фотографиями, прорисовывается или же совмещается с каким-то отдельным рисунком. По такому принципу сейчас работают многие. Но Алексею не нравится, что у них в итоге выходит. Да и в целом он уже сомневается в оправданности такой техники, в том числе и в своем исполнении.
Леша Курбатов к свои работам относится очень трепетно, с чувством. Он специально работает над иллюстрацией долго и тщательно, чтобы после ее просмотра журнал не хотелось вкинуть в урну. Для него ценно, когда к его работам неравнодушны. Если говорят «круто» - программа максимум уже выполнена. А если человек подробно рассказывает о своих переживаниях в связи с его творчеством, такому можно подарить картинку на добрую память, а еще накормить и расцеловать.
Алексей считает и знает на собственном опыте, что вдохновения в творческой работе может не быть. Можно даже забыть про такое понятие. Каждый день надо настраиваться, просчитывать, как сделать лучше. Время на мысленную проработку композицию и деталей работы отведено не более часа. Задача - создать цельную иллюстрацию, в которой ничего ни добавить, ни убавить не захочется.
Алексей также заметил, что после прочтения текста зачастую его тянет заняться посторонними делами, не связанными с иллюстрациями: спокойно покататься на велосипеде, приготовить обед
Что такое бодиарт?
Итак, что же такое боди-арт и c чем его едят? Для тех, кто не знает: боди-арт - это рисование, только на теле человека. Вот, что говорит Энциклопедия искусств:
«Бодиарт - это искусство тела, авангардное направление, возникшее в 60-х годах. Представители бодиарта использовали свое тело как материал или объект творчества, прибегая к разнообразным, подчас болезненным, манипуляциям: покрывали свои тела гипсом, надрезами, выполняли изнурительные дыхательные упражнения, жгли на себе волосы. Особая разновидность бодиарта - самодемонстрация художника, некоторые манифестации бодиарта несли эротический и садо-мазохистский характер. Будучи проявлением акционизма, бодиарт сблизился с рядом явлений, возникших в русле контр-культуры (тату, раскрашивание тела, нудизм, сексуальная революция).»
Стало страшно? На самом деле все намного проще. Сегодня бодиарт - это форма самовыражения художника, при котором в качестве холста используется человеческое тело. Как правило, обнаженное. Обнаженная натура - это как распахнутая душа. Наступает раскрепощение, свобода, и живая картина для художника.
Кстати, кто пробовал быть этим самым холстом, знает, что ощущения незабываемые, жалко смывать, ходишь, пока краска не начнет отваливаться. Почему? Я думаю, дело в том, что бодиарт как современное искусство берет свое начало с росписи тел древних племен Америки, Африки и Азии, для них, правда, это имело религиозное значение. Так древние люди защищали себя от злых духов. Нам, хоть мы и не верим в духов, но инстинктивно хочется украсить чем-то. Поэтому рисунки на теле так захватывают и привлекают.
В нашей стране первые пробы боди-арта делали митьки, знаете таких? У них была такая акция «География». Они наносили жирный грим на тело девушки, потом это тело опускали на лист бумаги, и получался отпечаток. После эти картины оформляли в рамы.
Так вот, чем разрисовывали тела раньше, неизвестно, но сегодня рисуют обычно специальным гримом. Но так как он дорогой, его можно заменить акриловой краской. А некоторые художники делают свои составы, например, используя обыкновенную гуашь, в которую добавляют немного шампуни для мягкости. Кстати, так краска лучше смывается.
Художники рисуют на моделях все, что угодно. Один вот такой художник «надевал» на моделей платья. Он накладывал на их тела застежку-молнию, потом все обмазывал, кроме этой самой «молнии», акриловой краской, ждал, пока краска высохнет, а затем демонстративно снимал платье. Красиво, а главное необычно, сам платье создал, сам и снял.
А на Западе художники, знаете, до чего додумались? Они строят композиции из живых людей. Сначала на тело каждого наносится рисунок воды, земли, растений
Допустима ли война между телевидением и Интернетом?
Что выбрать - телевидение или Интернет? Телевизор или компьютер?
Лично для меня ответ на этот вопрос однозначен. И не хотел бы насаждать другим своё мнение. Как говорится, о вкусах не спорят. Считаю, что жизнь без телевизора была бы скучнее. Но уверен, что Интернет более полезен и несравнимо интереснее. И если уж есть время, то лучше провести его у экрана монитора, сделать что-то полезное.
И очень жалко, что большинство людей убивают вечера у телевизора. Причём не признают здесь никакого чувства меры.
Можно понять тех, которые слушают телепередачи, занимаясь какими-то другими делами. «Под телевизор» можно и обед приготовить, и пуговицу пришить. Можно даже позавтракать-пообедать, если передача не снижает аппетита. Таких можно назвать «слушателями», в отличие от «зрителей», которые как китайские болванчики смотрят всё подряд. Причём с одинаковым вниманием поглощают и три сериала за вечер, и новости между ними, и всю сопутствующую рекламу. Мало того, что это вредно сказывается на здоровье. Хуже то, что это распрямляет извилины головного мозга.
Но это всё предисловие. А толчком к написанию этой статьи послужило вот что… …Аналитическая программа «Постскриптум» («P.S.») - далеко не самая плохая передача в российском TV. Если случается оказаться её слушателем, - не выключаю «ящик», некоторые моменты даже интересны. Но на днях услышал в «P.S.», как ведущий старательно, даже с показной горячностью, прочёл по написанному, что интеренет - это происки Америки, что он вреден, что большая часть контента там американская.
По телевизору говорили эту чушь, а в это время его, «ящик», смотрели три человека только в нашей семье. А сколько ещё обывателей услышали это? Думаю, миллионы. Что ни говори, но телевизор остаётся на сегодняшний день самым популярным в народе средством получения информации. Как-то слышал шутку, что в России с его помощью можно за полгода сделать президентом даже вытащенного из тайги медведя. Ясно, что получится, если TV отзывается отрицательно об Интернете. Про него и сейчас не хотят слушать многие дедушки-бабушки, а уж после подобных телепередач будут вообще шарахаться от одного упоминания о нём. К счастью, это справедливо только к определённой части старшего поколения. Молодёжь уже сделала свой выбор.
Отрадно, что «Интернет подрывет авторитет традиционных СМИ» (это выражение из вышеназванной телепередачи). Только так ли это? Ни печатные СМИ, ни радио не могут на это пожаловаться. Они по-прежнему популярны, успешно находят своих пользователей. Пожалуй, только телевидение может увидеть конкурента в лице Интернета. Ведь теперь в сети, около компьютера проводят время большинство думающих индивидумов. Они могут получить любую информацию, узнать самые различные точки зрения на самые разные вопросы. И не только узнать чужое мнение, но и совершенно свободно высказать своё. Причём высказать не на коммунальной кухне, а публично, на всеобщее обсуждение. Из таких разрозненных мнений и формируется национальное самосознание. Досадно, что «авторитет» телевидения «подрывается» медленно. Что мы видим сейчас? Едва проснувшись, наши граждане спешат включить «голубой экран»: «Кого там ещё убили?» Вспоминаю слова профессора Преображенского из «Собачьего сердца». В наши дни он, думается, высказался бы так, если не хуже, о телевидении. «- …И не читайте по утрам советских газет. - Так ведь других нет. - Вот никаких и не читайте…» Ведь сколько негатива можно увидеть прямо с утра! И потом весь день с ним жить. Но это уже необходимо нашему обывателю! Это хуже любого наркотика. Сериалы, криминал, хроника, убийства… И масса рекламы. Это и есть наше телевидение. Которое теперь на всех каналах говорит одно и то же, что прикажут. Каналы, которые вещали по-своему, давно закрыли. А уважаемых народом телеведущих и авторов - уволили…
По мнению «P.S.», Глобальная сеть виновна в начале и продолжении войны в Ираке. Мол, въетнамскую войну удалось прекратить без Интернета, а вот иракская продолжается, хотя у нас и есть интернет. Мол он, Интернет, обманывает наивных граждан, убеждая их в том, что они хозяева своей судьбы. А на самом деле всё остаётся по-прежнему, «все основные серверы находятся в Америке» и интернет всего лишь оружие американцев против России и способ заработать деньги. «Когда речь заходит об Америке, за всем следует искать деньги и власть», - это дословно из пердачи.
Но, простите, разве не российское телевидение за деньги «оболванивает» население, ежедневно из всех каналов убеждая их в том, что необходимо в этот момент власти? Разве не TV насаждает в умы добропорядочных граждан идеи своих хозяев? Именно в TV на все 100% справедливо известное выражение «кто платит деньги, тот и заказывает музыку». И здесь у населения нет никакой альтернативы - слушай то, что говорят, другого услышать негде. Больше всего наше телевидение раздражает тот факт, что всё больше активных, думающих граждан проводят время за мониторами своих компьютеров, а не у экранов «ящиков». Не бездумно созерцают то, что покажут. И не смотрят тупую рекламу, которая становится всё более назойливой. Налицо обычная конкуренция. И здесь монополия TV уже не вернётся. Будущее, бесспорно, за Интернетом. Телевизор и ПК должны быть в каждом доме. Они - продукты цивилизации, которые призваны сделать нашу жизнь более насыщенной, полноценной. Каждый из них имеет право на существование. Но они должны сосуществовать, дополнять друг друга. Поднять злободневную тему, заставить людей задуматься или проявить активость, приструнить зарвавшихся чиновников - это по силам телевидению с его бесконечно обширной аудиторией. Но устраивать дискуссии с людьми в прямом эфире, а потом затыкать им рот, так как «у нас мало времени, дайте другим высказаться», - это совершенно неразумно. Для дискуссий, для свободного высказывания своего мнения больше подходит Интернет. И никакой войны между этими благами цивилизации допускать нельзя.
Ангелика КАУФМАН - художница галантного века
Девочка родилась в семье немецкого художника Иоанна Иосифа Кауфмана на захудалом постоялом дворе в маленьком французском городке Туре, ибо отец был склонен к перемене мест. Одиннадцати месяцев от роду Анжелику перевезли в Италию, где - наконец-то - семья осела надолго.
Богато одарённая натура девочки проявилась очень рано. С шести лет Ангелика начала рисовать, да и трудно было удержаться от того, чтобы не взять в руки уголёк или кисточку, проводя целые дни в мастерской отца. Иоанн Иосиф Кауфман не отличался особыми талантами живописца и обделенность природой стремился восполнить трудом, с детства он приучал и дочь к каждодневной изнуряющей работе.
Ангелика была чрезвычайно привязана к отцу, потому что он заменил ей и подружек, и детские развлечения, и учителей. Часами девочка упражнялась в живописи, а иногда это маленькое красивое существо с папкой рисунков заходило на богатые виллы, чтобы продать свои работы и помочь семье. Трудно было отказать столь очаровательному ребёнку, и однажды даже местный епископ согласился позировать Анжелике.
Старый Кауфман отлично сознавал, что талант дочери позволит ей достичь гораздо большего, чем удалось это ему самому, и потому не жалел ни средств, ни сил для шлифовки таланта Анжелики. Во первых, они предприняли длительное путешествие по Италии. По мнению отца, эта благословенная страна могла стать для девушки источником вдохновения, как и для великих мастеров Возрождения. Во вторых, старик по прежнему уповал на изнуряющую работу и не разрешал Анжелике ни часа развлечений. Девушка была покорной дочерью и только однажды её натура взбунтовалась. Безусловно, читатель угадает, если подумает, что это была любовь. Странствуя по свету, но ведя замкнутый образ жизни из-за запретов отца, Анжелика всё-таки умудрилась познакомиться с молодым музыкантом. Девушка была одарена от природы удивительным голосом. Парень умолял Анжелику бросить живопись, отца тирана и посвятить себя пению, уйти с ним. Для девушки наступили дни мучительных сомнений. Впервые она не могла посоветоваться с отцом, впервые в её размеренную жизнь вошли смута и нежелание работать. Решить сама эту жизненную проблему Анжелика не смогла и отправилась к духовнику. Конечно, тот посоветовал ей остаться с отцом, забыть о греховной карьере певицы и выбрать более благородную стезю живописца. От дней влюблённости в творчестве художницы осталась картина, на которой изображён Орфей, пытающийся увести Эвридику из Ада. Черты навсегда покинутого любимого она придала своему живописному герою.
Итак, выбор состоялся и больше, казалось, ничто не мешало таланту девушки. Действительно, она остро почувствовала веяния галантного века с его стремлением к игре, подражаниям, с его ленивым полумраком и уютными креслами, с его кукольными пастушками и золотистыми будуарами. Вскоре слава молодой художницы долетела до Миланского дворца, куда она и была приглашена. Двор был пленён мастерством Анжелики, желающие занимали очередь, чтобы заказать у неё портрет. Девушка, упоённая поклонением и славой, с успехом воспроизводила поверхностный и модный в то время стиль блестящего французского двора, работая с пастелью. Пастушье платье - писк сезона, атласные туфельки, шляпа с лентами на напудренном парике, куколка, окружённая массой поклонников - вот портрет Анжелики того времени.
Смерть матери заставила семью вновь покинуть насиженное место и отправиться на этот раз в родную Браганцу. Однако здесь отец с дочерью прожили недолго. Кому нужны были нарисованные пастушки, если вокруг полно настоящих. Анжелика едва успела закончить фрески для приходской церкви, как отец решил уехать ко двору графа Монфорта, где для девушки была работа. От весёлого двора Монфорта она отправилась в Рим. Здесь она познакомилась с Иоанном Иоахимом Винкельманом, немецким историком искусств, который имел огромное влияние на современные умы.
Анжелика тоже поверила его учению, наконец-то у девушки появился первый сторонний учитель. Винкельман исключительно высоко отзывался об одарённой художнице: «Мой портрет для одного друга сделан исключительной личностью, одной немецкой художницей. Она очень сильна в портретах… Её имя - Анжелика Кауфман «.
В Риме девушка познакомилась со многими лондонцами и, увлёкшись их рассказами о родном городе, решила попытать счастья в туманном Альбионе.
22 июля 1766 года Анжелика прибыла в Лондон, где её ждал настоящий успех. «Королева всего два дня как приехала. Лишь только ей будет лучше, я буду ей представлена», - писала девушка отцу всего лишь через месяц после приезда. На следующее лето старик Кауфман переехал к дочери. Почти двадцать лет прожила Анжелика в Лондоне. Здесь она написала портреты английской королевы, датского короля Христиана. От заказчиков не было отбоя. Окутанные дымкой загадочности лица на её картинах полны если не красоты, то во всяком случае очарования. Салонная художница, Анжелика Кауфман, имела успех и как женщина, покоряя мужчин прекрасной фигурой, свежим цветом лица и наивными живыми глазами.
Многие современники отмечали магический взгляд художницы и её оригинальность. На Анжелику даже обратил внимание президент английской Академии художеств - Рейнольдс. Он предлагал девушке разделить его судьбу, богатство и славу. Но Анжелика испугалась гениальности Рейнольдса, она понимала, что такому таланту жена должна принадлежать всецело, а в ней ещё не угасло желание собственного самоутверждения.
Женихи, однако, не убывали, и однажды мастерскую Кауфман посетил меценат, приобретавший картины художников за баснословно высокие цены, граф Хорн. Даже привыкшая к восторгам зрителей Анжелика не смогла удержаться от довольной улыбки, слушая лестные отзывы графа о своём творчестве. Вскоре Хорн сделал ей предложение. Казалось, личное счастье наконец то улыбнулось знаменитой художнице - блестящий молодой человек, принятый в самых уважаемых домах Лондона, богатый, обаятельный светский лев. Только старик Кауфман сразу же невзлюбил жениха, но у него не было права второй раз встать дочери поперёк дороги, поэтому, скрипя зубами, он постарался промолчать.
Вскоре граф тайно явился к Анжелике и в полном отчаянии поведал ей, что его подозревают в серьёзном политическом преступлении, в котором он, конечно, не виноват, и ему грозит позорная смерть. Только невеста может спасти графа, немедленно с ним обвенчавшись, ибо только имя Анжелики Кауфман заставит королевскую семью, нежно любящую художницу, внимательно разобраться со случаем её мужа. Наивная девушка, не искушённая в интригах, не сталкивавшаяся с подлостью, любила графа и поверила ему сразу.
Семейная жизнь, однако, не задалась. Граф требовал немедленно покинуть город, он часто не являлся домой и вообще вёл себя довольно странно. На вопросы Анжелики отвечал истериками и грубостью. Всё закончилось тем, что женщина вынуждена была переселиться обратно к отцу. Вскоре Анжелика узнала правду - муж её был авантюристом и жил под разными вымышленными именами. Последнюю свою фамилию он взял после того, как некоторое время служил у настоящего графа Хорна в Германии. На прощание муж выманил у Анжелики триста фунтов. 10 февраля 1768 года состоялся их развод. Пережив личную трагедию, художница замкнулась в себе и перестала бывать на светских раутах, только небольшой круг интеллигенции продолжал интересовать её по прежнему. Клопшток писал одному из своих друзей: «С некоторых пор я почти влюблён в одну немецкую художницу в Лондоне - Анжелику Кауфман».
Наша героиня все больше думала о возвращении в Италию. Отец стал совсем стар и часто говорил, что хочет умереть на земле, когда-то взрастившей его. Только одно заботило Кауфмана - Анжелика оставалась совершенно одинокой. Отец сам позаботился о достойном человеке для своей дочери. По настоянию старика Анжелика вышла замуж за посредственного венецианского художника, которому к тому времени исполнилось пятьдесят - Антонио Цукки. В Италии в 1783 году Кауфман умер, а Анжелика с мужем поселились в Неаполе при дворе королевы Марии Каролины. Но и здесь ей тяжело было жить, бесконечно эксплуатируя своё мастерство и создавая похожие один на другой портреты придворных.
Новое местожительство - Рим - подарил ей встречу с главным человеком своей жизни - с Гёте. Великий поэт по достоинству оценил оригинальность и богатый внутренний мир художницы. Долгое время их связывала нежная дружба. Анжелика писала портрет Гёте, но он не удался и остался незаконченным. Мастерства Кауфман не хватило, чтобы передать гениальность немецкого титана.
Уходил в прошлое галантный век. Вместе с ним старилась и медленно угасала Анжелика Кауфман. Одинокая, забытая всеми она умерла на руках своего дяди 5 ноября 1807.
Карандаш
Инструменты для письма известны с древних времен, как раз в тот период как у людей возникла потребность составлять документы, вести переписку или просто фиксировать свои мысли.
Создателями прародителя авторучки можно считать древних египтян - в захоронении фараона Тутанхамона обнаружена медная заостренная трубочка, которую наполняли жидкостью темного цвета - чернилами. Они медленно стекали по волокнам стебля и на заостренном конце трубочки накапливались. В процессе письма при надавливании, на папирусе оставалась четкая тонкая линия.
Римляне применяли оловянное стило для черчения на свитках папируса и пергамента, и письма на восковых табличках.
Начиная с XIII века, художники использовали для рисования тонкую серебряную проволоку, которую припаивали к ручке или хранили в футляре. Такой тип карандаша называли «серебряный карандаш». Этот инструмент требовал высокого уровня мастерства, так как стереть написаное им невозможно. Другой его характерной особенностью было то, что со временем серые штрихи, нанесённые серебряным карандашом, становились коричневыми. Такими инструментами пользовались такие мастера графики как Дюрер, Ван Эйк и Ботичелли.
История карандаша начинается с XIV века. Известен так называемый «итальянский карандаш», который появился в это время. Он представлял собой стержень из глинистого чёрного сланца.
Затем его стали изготавливать из порошка жжёной кости, скреплённого растительным клеем. Этот инструмент позволял создавать интенсивную и насыщенную линию. Интересно, что художники и сейчас иногда применяют серебряные, свинцовые и итальянские карандаши, когда им нужно добиться определённого эффекта.
Древесный уголь продолжали использовать, как и в древности, но уже не в виде головешек из костра, а, например, специально обрабатывая в печи ивовые палочки в горшке, запечатанном глиной.
С прототипами скорее всего и связано появление слова «карандаш». Оно восходит к тюркскому karadas - «черный камень» и турецкому karatas - «чёрный сланец». Лингвисты связывают с ним также слово карандыш - крошка, карапуз, маленький человек, указывая на близость его значения с немецким словом «stift» - карандаш карапуз.
Графитные карандаши известны с XVI века. Английские пастухи из местности Камберленд открыли в земле темную массу, которую использовали для того, чтобы метить овец. Первоначально из-за цвета, схожего с цветом свинца, месторождение приняли за залежи этого минерала, используемого для отливки пуль. Но, определив непригодность нового материала для этих целей, начали изготавливать из него тонкие заостренные на конце палочки и использовали их для рисования. Такие палочки были мягкими, пачкали руки и подходили для рисования, но не для письма.
В XVII веке графит продавали обычно на улицах. Покупатели, в основном художники, зажимали эти графитовые палочки между кусочками дерева или веточками, обворачивали их в бумагу или обвязывали их бечевкой.
Так называемый «парижский карандаш» («соус») изготавливался из смеси белой глины и черной сажи. Он оказался хорош тем, дает черный след на бумаге и меньше ее царапает. Им до сих пор рисуют художники-графики. Во Франции же в XV веке была изобретена пастель путем добавления к мелу пигментов и жиров. Использовали при этом гуммиарабик или сок смоковницы, например. Леонардо да Винчи принадлежит заслуга открытия сангины - «красного мела». Это природный каолин, окрашенный окислами железа.
Первый документ, в котором упоминается деревянный карандаш, датирован 1683 годом. В Германии производство графитных карандашей началось в Нюрнберге. Немцы догадались смешивать графитный порошок с серой и клеем, получая, таким образом, стержень не самого высокого качества, но по более низкой цене. Чтобы скрыть это, производители карандашей прибегали к разным хитростям. В деревянный корпус карандаша вначале и на конце вставляли кусочки чистого графита, в середине же находился низкокачественный искусственный стержень. Иногда внутренность карандаша и вовсе была пустой. Понятно, что так называемый «Нюрнбергский товар» не пользовался хорошей репутацией.
Современный карандаш изобрел в 1794 году талантливый французский ученый и изобретатель Николя Жак Контэ (Conte). В конце XVIII века английский парламент ввел строжайший запрет на вывоз драгоценного графита из Камберленда. Нарушение этого постановления каралось очень строго, вплоть до смертной казни. Но, не смотря на это, графит продолжал попадать в континентальную Европу контрабандным путем, что привело к резкому увеличению его цены.
По заданию французского конвента Контэ разработал рецептуру смешивания графита с глиной и производства из этих материалов высококачественных стержней. С помощью обработки повышенными температурами была достигнута высокая прочность однако ещё более важным был тот факт, что изменение пропорции смеси давало возможность делать стержни различной твердости, что и послужило основой современной классификации карандашей по твердости (Т, М, ТМ или в английском варианте: Н - твердый, В - мягкий, НВ - средней твердости). Цифры перед буквами обозначают дальнейшую степень мягкости или твердости. Это зависит от процентного содержания графита в смеси, что также влияет на цвет стержня (грифеля) - чем больше графита, тем темнее и мягче грифель карандаша.
В конце XVIII века чешский фабрикант Й. Гартмут, выпускавший лабораторную посуду, соединил глину и графит, положив начало карандашному производству знаменитого «KOH-I-NOOR».
В современных грифелях используются полимеры, которые позволяют добиваться нужного сочетания прочности и эластичности, дают возможность изготавливать очень тонкие грифеля для механических карандашей (до 0.3 мм).
Привычную нам шестигранную форму корпуса карандаша предложил в конце XIX века граф Лотар фон Фаберкастл (Faber-Castell), заметив, что карандаши круглого сечения часто скатываются с наклонных поверхностей для письма.
В России же, богатой графитом и лесом, Михаил Ломоносов силами жителей одной деревни Архангельской губернии развернул производство карандаша в деревянной оболочке и ввёл в мировой обиход понятие «гросс» - дюжина дюжин. Гросс - дневная норма выработки карандашей одним мастером с одним подмастерьем. До сих пор во всём мире - «гросс» единица измерения количества именно карандашей.
С оправкой графитового стержня в деревянную оболочку вид и принцип действия карандаша уже не изменяется более двухсот лет. Совершенствуется производство, оттачивается качество, количество выпускаемых карандашей становится астрономическим, но идея трения слоистой красящей субстанции о шершавую поверхность остается удивительно жизнеспособной.
Изобретение карандаша в деревянной оправе, в силу удобства пользования, а также сравнительной простоты и дешевизны их изготовления, облегчило процесс закрепления и распространения информации. Чтобы оценить преимущества этого новшества, необходимо вспомнить, что письменность многие века была сопряжена с такими атрибутами, как гусиные и, позже, металлические перья, чернила или тушь. Человек пишущий был прикован к столу. Появление карандаша позволило вести записи в пути или в процессе работы, когда надо было моментально зафиксировать что-то. Недаром в наш язык прочно вошел фразеологический оборот: «взять на карандаш».
2/3 материала составляющего простой карандаш уходит в отходы при его заточке. Это натолкнуло американца Алонсо Таунсенда Кросса (Cross), пионера современных пишущих инструментов, на создание в 1869 году металлического карандаша. Графитный стержень размещался в металлической трубке и мог по необходимости выдвигаться на соответствующую длину.
Это скромное начало повлияло на развитие целой группы товаров, использующихся сегодня повсеместно. Самой простой конструкцией является механический карандаш с грифелем 2 мм, где стержень удерживается металлическими прижимами (цангами) - цанговый карандаш. Открываются цанги при нажатии кнопки на конце карандаша, что приводит к выдвиганию на длину, регулируемую владельцем карандаша.
15 сентября 1912 года 19-летний Токудзи Хаякава открыл в центре Токио небольшую мастерскую металлической галантереи. Затем умудрился изобрести вечно острый карандаш. Так началась карьера основателя Sharp Corporation, одной из ведущих электронных компаний.
Казалось бы, изобретать карандаш - это все равно что изобретать велосипед. Но Хаякава умудрился сделать из этого простого и привычного всем предмета нечто совершенно новое. Он придумал оригинальный механизм, позволявший все время поддерживать карандашное острие в рабочем состоянии, и поместил его в металлический футляр. Грифель выдвигался наружу благодаря вращению футляра. «Механический карандаш Хаякавы» - под таким названием он запатентовал изобретение - был лишен недостатков его предшественника, который делался из целлулоида и был ужасно неудобным, некрасивым и непрактичным.
В 1915 году Хаякава выпустил свои карандаши в продажу. Расходились они плохо: металлический футляр холодил пальцы и плохо смотрелся с кимоно. Хаякава упорно продолжал работать на склад, пока не дождался крупного заказа от одной торговой фирмы из портового города Иокогама. Оказалось, что в Европе и США «карандаш Хаякавы» завоевал популярность. Крупные японские торговцы быстро оценили экспортный потенциал нового товара и принялись скупать карандаши прямо на фабрике. Она была загружена до предела, а торговцы требовали все больше и больше. Тогда для производства карандашей Хаякава создал еще одну фирму, а сам продолжал работать над их конструкцией. В 1916 году он разработал головку для грифеля, и механический карандаш принял тот облик, который сохраняет и по сей день. Изделие получило новое имя - «вечно острый карандаш», Ever-Ready-Sharp Pencil. Отсюда и ведет свое происхождение название корпорации Sharp.
Стоит еще раз вернуться к упоминанию фирмы Н.-Ж.Конте. В конце XX века она выпустила Conte Evolution - карандаш, не содержащий дерева, который изготавливается на одной производственной линии всего за одну минуту или даже чуть меньше. Рецепт является секретным. Известно только, что он готовится на основе синтетической резины, раствор которой вытягивается в форме спагетти, нарезается на секции, затачивается с одного конца, обрезается с другого (к которому может быть добавлен ластик) и покрывается краской.
Современные механические карандаши более совершенны. При каждом нажатии кнопки происходит автоматическая подача небольшого участка грифеля. Такие карандаши не нужно затачивать, они снабжены встроенным (как правило, под кнопкой подачи грифеля) ластиком и имеют различную фиксированную толщину линии (0.3мм, 0.5мм, 0.7мм, 0.9мм, 1мм).
Любители статистики подсчитали, что одним обыкновенным деревянным карандашом можно провести линию длиной в 56 км или написать более 40 тыс. слов. А вот Стейнбек, говорят, мог исписывать до 60 карандашей за один день. И Хемингуэй писал тоже только деревянными карандашами.
Есть и другой любопытный факт современных преимуществ, казалось бы, такого бесхитростного инструмента, как карандаш. В космическом ведомстве США (НАСА) более года разрабатывалась авторучка для письма в космосе (по проекту, стоимость которого исчислялась 3,5 млн. долларов), а советские космонавты пользовались безотказными карандашами.
Он был культурным человеком, никого не крыл матом.
Он крыл…
Патом.
История одной из самых дорогих картин мира или Еврейская Джоконда.
Это история, в которой есть любовь и ненависть, измена и месть, погоня и жертвоприношение. Морали в этой истории нет - какая может быть мораль у истории, в которой участвуют гений Густав Климт, роковая женщина Адель Блох-Бауэр, картина стоимостью 135 миллионов долларов, Адольф Гитлер, Джордж Буш-младший, Правительство США и народ Австрии?
Наверное, вы уже догадались, что речь идет о картине Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр», или «Золотой Адели».
А начиналось все так:
1904 год. Фердинанд Блох-Бауэр шел по мощеному тротуару, насвистывая веселую мелодию, помахивая тростью, иногда останавливаясь и вежливо кланяясь встречным господам.
Он уже все для себя решил. Сначала, конечно, он хотел ее убить, но в еврейских семьях не принято убивать жен за измену. Развестись он тоже не мог - в еврейских семьях не принято разводиться. Особенно в таких семьях, как у него и его жены Адели - в элитных семьях австрийской еврейской диаспоры. В таких семьях брачные союзы заключаются навечно. Деньги должны идти к деньгам, капитал к капиталу. Этот брак был одобрен родителями с обеих сторон. Отец Адели, Мориц Бауэр, крупный банкир, Председатель Ассоциации Австрийских Банкиров, долго искал достойных женихов для своих дочерей, и выбрал братьев Фердинанда и Густава Блох, занимавшихся сахарным производством и имевшим несколько предприятий, акции которых непрерывно росли.
На свадьбе пировала вся Вена, а после слияния капиталов обе семьи стали Блох-Бауэрами. И теперь крупнейший сахарозаводчик в Европе Фердинанд Блох-Бауэр шел по мостовой и чувствовал, как на его голове, под роскошным атласным цилиндром, растут ветвистые рога. Только ленивый не обсуждал бурный роман его жены Адели и художника Густава Климта. Он не спал много ночей подряд, он лежал и таращился в темноту, пока не придумал свою месть… Адельке…Так он называл ее - не Адель, а Аделька.
Пусть он не был таким образованным и начитанным, как Адель, но он тоже кое-что знал, и мог знать, например, что древние индейцы, чтобы разлучить влюбленных, приковывали их цепями друг к другу и держали вместе, пока они не начинали ненавидеть друг друга так же сильно, как недавно любили.
Эта идея пришла ему во сне. Ему приснилось, что его сахарная империя развалилась на маленькие сахарные кусочки, и маленькие человечки растащили все по своим маленьким норкам, а у него остался только портрет его жены Адели.
Он закажет ему (Климту) портрет Адели! И пусть Климт сделает 100 эскизов, пока его не станет выворачивать от нее. Он не сможет долго - ему надо менять натурщиц, любовниц, наложниц, окружающих его женщин. Иначе он задыхается. Недаром ему приписывают четырнадцать внебрачных детей. Пусть пишет этот портрет несколько лет! И пусть Аделька видит, как чувства Климта угасают. Пусть поймет, на кого она его, Фердинанда Блох-Бауэра, променяла!
И расстаться они не смогут. Контракт - дело серьезное. А в нем штраф, превышающий сумму контракта в десятки раз. Фердинанд сможет легко разорить Климта.
Фердинанд решил заказать Климту портрет Адели и назвать картину «Портрет Адели Блох-Бауэр», таким образом увековечив свою фамилию.
Обласканный властями Климт был очень модным и востребованным художником, его картины были хорошим вложением капитала, и Фердинанд это отлично понимал. За несколько последних лет Климт и его брат объездили всю страну, оформляя то павильон минеральных вод в Карлсбаде, то столичный Бургтеатр, то виллу императрицы Сисси. В двадцать шесть Климт получил золотой орден «За заслуги», в двадцать восемь - императорскую премию.
Поэтому Фердинанд очень тщательно готовил контракт с Климтом, этим вопросом занимались его лучшие юристы, и теперь было важно, чтобы Климт подписал бумаги.
Когда Фердинанд пришел домой, Адель возлежала на кушетке в гостиной и курила, как обычно, сигариллу в мундштуке. Она любила яблочный табак. Ее тонкий гибкий стан напоминал пантеру на отдыхе, так она была грациозна. Тонкие черты лица и темные волосы были хороши. Адель привыкла к счастливому «ничегонеделанью».
Она выросла в очень богатой семье, окруженная армией прислуги. В те времена почему-то девушкам нельзя было обучаться в университете, но родители Адели дали ей хорошее домашнее образование. Адель была дамой весьма романтичной, читала классику на четырех языках и удивительным образом сочетала болезненную воздушную хрупкость с горделивой спесью миллионерши. В замужестве Адель развлекала себя содержанием модного салона, где собирались поэты, художники и весь цвет светского общества Вены. Там они с Густавом и познакомились.
Пройдя в гостиную, Фердинанд предложил Адели переодеться, поскольку он пригласил Климта на обед. При упоминании о Климте Адель вспыхнула, и это не укрылось от глаз мужа. Густав Климт прибыл без опоздания, на всякий случай захватив с собой раму для картины.
Очень интересно, но он всегда начинал с рамы. Его брат изготавливал красивую раму, а Климт вписывал туда свой шедевр. Обед прошел спокойно, не считая того, что Густав и Адель упорно не хотели смотреть друг на друга. Фердинанд же напротив, был весел и непрерывно шутил.
Увидев сумму контракта, Густав Климт подписал его, даже не читая. Он, конечно подозревал, что он гениальный художник, но цена, которую предложил ему Фердинанд, его просто ошеломила.
Около ста эскизов написал Климт к этому портрету. И закончил работу над ней за четыре года.
Фердинанд был доволен. Картина была закончена (а ведь многие картины так и остались незаконченными) и полностью отвечала его замыслу. Они с Аделью повесили ее в гостиной их Венского дома.
Очевидно, что отношения Климта и Адели плавно угасли. Через некоторое время после начала работы над картиной Адель заболела и Климту приходилось делать затяжные перерывы в работе.
Адель болела, и при этом много курила, чаще всего проводя целый день, не вставая с постели. Бог так и не дал им с Фердинандом детей. Она пыталась родить три раза и каждый раз дети умирали. Всю свою нерастраченную материнскую любовь Адель перенесла на детей своей сестры, особо выделяя свою племянницу Марию Блох-Бауэр. Мария часто приходила посидеть с больной тетей, они обсуждали последние веяния моды и фасоны платьев для первого бала Марии. А также картины художника Климта, которых в доме Адели и Фердинанда набралось уже более десяти штук.
Фердинанд проводил время, посвящая его работе в своей сахарной империи. Он так и не сказал Адели, что знал об ее отношениях с Густавом.
Время шло, приближалась Первая Мировая война. «Золотой период» в жизни Климта кончился, уступив место удручающим картинам с изображением смерти и конца света. Климт очень тяжело переносил события, происходящие в мире. Война повлияла на него губительно. И в возрасте 52 лет, в 1918 году, Климт внезапно умер от удара в своей мастерской, на руках у своей извечной спутницы Эмилии Флеге.
Адель пережила его на семь лет и умерла в 1925 году, тихо скончавшись после менингита. Перед смертью Адель попросила Фердинанда завещать три картины, в том числе и «Портрет Адели Блох-Бауэр», венскому музею Бельведер.
Фердинанд жил один, жизнь его становилась все тяжелее и тяжелее, поскольку Австрия в 1938 году вошла в состав Германии, и нацисты начали охоту на австрийских евреев. В этом же году Фердинанду удалось бежать в Швейцарию, бросив все свое имущество на попечение семьи брата.
Адольф Гитлер положительно относился к творчеству Густава Климта. Они встречались с Климтом, когда Гитлер пытался поступить в Академию Живописи в Вене. Тогда Климт уже был почетным профессором этой академии. В то время Гитлер зарабатывал себе на жизнь тем, что рисовал небольшие картинки с видами Вены и продавал их туристам в ресторанах и трактирах. Он пришел к Климту, чтобы показать свои работы и, может быть, взять несколько уроков живописи. По доброте душевной, Климт объявил Гитлеру, что тот гений и ему уроков брать не нужно. Гитлер ушел от Климта очень довольный, а своим друзьям заявил, что его признал сам Климт. В Академию живописи Гитлер так и не поступил, вместо него туда взяли Оскара Кокошку, еврея по национальности. Может поэтому Гитлер как-то сказал, что его ненависть к евреям - это сугубо личное.
А вот полотен Климта эта ненависть не коснулась, их приказано было оберегать, несмотря на еврейское происхождение автора.
Когда «Золотая Адель» уехала из родного дома, фюрер не принял ее в свою коллекцию: Адель была откровенной еврейкой, и, как вы сами понимаете, такая картина никак не могла висеть ни в Рейхстаге, ни в других местах фашистской Германии. Именно поэтому стоит заострить внимание на внешности Адели Блох-Бауэр, которая спасла картину от гибели. Картина исчезла. Никто не знает, где был портрет Адели все военные годы.
Бережно хранимая… Алоисом Кунстом, в идеальном состоянии, она всплыла после окончания войны и поселилась в центральном музее Бельведер в Вене. А Алоис Кунст стал директором этого музея и продолжал хранить свою любимую реликвию.
Фердинанд Блох-Бауэр скончался в ноябре 1945 года, в полном одиночестве. Никто из родственников не смог проводить его в последний путь.
Марии с мужем повезло: следователем в Гестапо был знакомый Альтмана, с которым Фредерик занимался альпинизмом и однажды спас его, вытащив из пропасти. Они бежали по поддельным документам. Гестапо преследовало их. Мария вспоминала, как в самолете, который вылетал из Вены в Лондон и уже выруливал на взлетную полосу, вдруг выключились двигатели и вошли вооруженные гестаповцы с автоматами. Альтманы сидели вцепившись в кресла, думая, что это за ними. Но тогда вывели кого-то другого.
Мария Альтман бережно хранила порванные чулки, в которых они с мужем перелезали через колючую проволоку. Она считала их символом своей свободы. Супруги Альтман перебрались сначала в Англию, а потом в США. Через некоторое время Мария получила американское гражданство.
Все было спокойно, до тех пор, пока настырный журналист Хубертус Чернин не откопал завещание Фердинанда Блох-Бауэра оставленное перед смертью в Швейцарии, отменявшее все предыдущие завещания. В нем Фердинанд завещал все имущество своим племянникам - детям брата Густава Блох-Бауэра. Капитал, по его мнению, должен был работать для семьи. На тот момент в живых осталась одна Мария, да и той уже было за 80 лет. Но Хубертус понимал, что это его звездный час. Несмотря на свое графское происхождение, он был беден, но любил жить на широкую ногу. Он понимал, что американская миллионерша отвалит неплохую сумму за такую информацию. Так оно и произошло. Мария считала себя вечной должницей перед ним.
Вся Австрия всполошилась, как осиное гнездо! Заголовки австрийских газет вопили: «Австрия лишается своей реликвии!!!», «Не дадим Америке наше национальное достояние!!!». В полицию посыпались угрозы о том, что картина будет уничтожена, но в Америку не поедет. В конце концов дирекция музея решила убрать «Золотую Адель», от греха подальше, в запасники.
Удивительно, но Джордж Буш-младший, используя какие-то свои рычаги, не давал хода делу о картинах. Он совершенно не хотел портить отношения с австрийцами. Мария Альтман билась за свое имущество долгих семь лет. Суды занимались отписками и придумывали причины, чтобы не рассматривать это дело. Но адвокаты Марии провели расследование и выяснили, что Фердинанд Блох-Бауэр имел гражданство Чехии, и сумели добиться переноса судебного слушания на территорию США, поскольку на бумаге гражданка США просила узаконить завещание гражданина Чехии. «При чем же здесь Австрия?» - спрашивали они.
И Австрия оказалась ни при чем. И по решению Высшего Суда США Австрия была обязана вернуть пять картин Густава Климта, в том числе и «Портрет Адели Блох-Бауэр», законной наследнице - Марии Альтман.
Четыре картины, которые были возвращены Марии Альтман вместе с «Портретом Адели Блох-Бауэр». По часовой стрелке: «Березовая роща» (1903), «Портрет Адели Блох-Бауэр-2» (1912), «Дома в Унтерахе близ Аттерзее» (1916), «Яблоня I» (1912)
Мария была счастлива и не настаивала на том, чтобы картины покидали пределы Австрии. Она просила выплатить ей их рыночную стоимость. За все пять картин была назначена цена в 155 млн. долларов. Такая сумма была неподъемной для министерства культуры Австрии.
Вся Австрия встала на защиту «Золотой Адели». Австрия предприняла беспрецедентные в истории государства меры по спасению национального достояния. Велись переговоры с банками о займе на покупку картин. Правительство страны обратилось к населению с просьбой о помощи, намереваясь выпустить «облигации Климта». Общественность объявила подписку по сбору средств. Пожертвования стали поступать, при том не только от австрийцев. Правительство Австрии собрало требуемую сумму.
Поцелуи придуманы богами. Художник Маттео Сольтано
Matteo Soltanto - итальянский художник и сценограф родился в Турине в 1972 году, и принадлежит к известному в Италии артистическому роду. В 1993 с отличием окончил Академию изящных искусств Болоньи (Аккадемия делле Белле Арти), с этого момента начинается его путь в живописи… Принимал участие в многочисленных выставках и получил несколько наград в области живописи, включая «Премию Марлотти» в 2001 году. Наряду с живописью успешно работает, как сценограф в театрах Рима, Милана, Болоньи, Генуи и многих других значительных театрах Италии и зарубежья. В частности, в Уфимском драмтеатре (Россия) в 2009 году состоялась премьера спектакля «Скупой» Жана-Батиста Мольера, где Matteo выступил в качестве художника - постановщика. Помимо спектаклей, им оформлено множество выставок и шоу в сфере моды и телевидения (Pitti Immagine, Salone Internazionale della Moda e del Tessile, Firenze - MTV Music Television, Milano). Преподаеет историю искусства в Академии изящных искусств в Милане.
Волшебные превращения. Изумительно красивые сценические фокусы
Он - художник. Образ своей возлюбленной нарисовал на холсте и вдруг она появляется перед ним в живую, словно по волшебству, после взмаха тканью, которой он после окончания работы вытирал руки. А дальше пошли невероятные мгновенные превращения и переодевания под восхищенные взгляды зрителей зала. Конечно, поверить в такие превращения трудно, но все-таки, как иллюзионисту удается так манипулировать, что происходящее на сцене кажется волшебным превращением. На мой взгляд - это мастерство высшего уровня, причем красиво обыграно. Здесь не просто зритель созерцает мастерски выполненные трюки, он восхищается актерской игрой иллюзионистов. Мне это видео, опубликованное французом Патриком Себастьяном очень понравилось. А вам?
История бильярда
Споры о времени и месте зарождения бильярда, как игры не утихают и сегодня. Еще в XV веке, благодаря генуэзским купцам, Европа узнала эту игру, поэтому Индокитай небезосновательно можно считать родиной бильярда.
Однако игры, считающиеся некими прообразами бильярда, можно встретить во многих европейских странах раньше чем там появился бильярд из Китая. Balkespiel, например, игра, в которую играли в Германии, проходила на столе, сделанном из дерева, по краю его были небольшие бортики, а на поверхности стола имелись несколько углублений. В процессе игры нужно было дубинкой закатить шары из камня в углубление стола. Любимая англичанами Pall-Mallspill также отдаленно напоминала бильярд, в ней игра велась на хорошо утрамбованном участке земли в саду, где шары необходимо было закатить в специальные маленькие ворота в определенном количестве.
Немало различных мнений высказывается по вопросу откуда в истории появилось само слово бильярд. К примеру, исследователь Англии, Джон Вильк, предположил, что якобы изначально эта игра имела название «ball-yerds». В основе его было два слова, которые буквально в переводе с древнесаксонского языка означали ball - мяч и yerd - палка. Многие другие исследователи более склонны к варианту французского происхождения, принимая во внимание корни названия, как bille - шарик, или же billart - деревянная палка.
Первые в истории бильярда столы были не совершенны, бортики на столах не отличались упругостью, поэтому шары не отлетали от них. К тому же кий был довольно грубым по форме, и больше напоминал дубинку, и несмотря на все это, бильярд носит по праву звание королевской игры. Многие века именно царствующие особы своим влияние в значительной степени способствовали развитию и продвижению игры в обществе. Бывало всякое так, английский король Георг II наложил запрет на игру, а такие великие люди, как Наполеон, Карл IX и Петр I старались вызвать интерес у своих подданных и личным примером всячески способствовали популярности бильярда. По рассказам, королева Шотландии Мария Стюарт обратилась к архиепископу Глазго в письме на пороге своей казни с просьбой, чтобы ее стол сохранили бы для бильярда.
В угоду своим хозяевам придворная знать всячески старалась подражать им, не был исключением и бильярд, увлечение, которым помогло некоторым из них сделать карьеру, можно вспомнить Мишеля Шамильяра, например, служившего Людовику XIV королю Франции при дворе.
История бильярда помнит, как, в совершенстве овладев игрой, этот придворный был выбран королем его постоянным партнером. Время от времени давая Людовику обыграть себя, получал от него всяческие похвалы, которыми король щедро вознаграждал Шамильяра, приходя от очередного выигрыша в благодушное расположение духа. Затем, Шамильяр был пожалован из писарей в финансовые контролеры, но на этом карьера его не остановилась, чуть позже, весь королевский двор узнал в нем военного министра. В то же примерно время, в Лионе, становятся известны первые правила игры, их сформулировал другой француз по имени Этьен Лиазон.
История русского бильярда также интересна и неоднозначна. В Россию эту игру привез Петр I, как известно страстный поклонник всевозможных европейских манер, в 1698 году возвратился домой из Голландии, в которой познакомился с бильярдом. Во дворце Петром был установлен игровой стол, и вскоре, дабы не перечить царю, все дворцовые придворные заимели заморскую игрушку. Спустя какое-то время, бильярдные столы получили прописку в имениях купцов и помещиков. Более широкое распространение получила игра во время царствования императрицы Анны Иоанновны, страстной ее поклонницы, которая открыла во дворце бильярдный зал. Игровые столы стояли в армейских казармах, в чайных и трактирах. История бильярда началась и в России.
Ходившие в то время легенды рассказывали про Остерман-Толстого, Скобелева и Бибикова - эта троица российский генералов, раненых на поле битвы, по воле судьбы остались однорукими. Но не желая видеть к себе жалости, систематически тренируясь генералы стали настоящими мастерами игры. Это лишний раз доказывает, насколько быстро получила широкую популярность в России эта игра.
Между тем в Европе ширятся научные исследования проводимые на принципах бильярдной игры. Эйлер в 1078 году опубликовал книгу под названием «Исследования о движении шара в горизонтальной плоскости». Изобретатель наклейки из кожи для кия, легенда бильярда Менго в 1828 году выпустил книгу «Благородная игра бильярд».
Идя в ногу с Европой, в России делают перевод изданий указанных выше, а также были опубликованы труды Бакастова, Лемана и известного Фрейберга, чья фабрика занималась выпуском игровых столов. А. Фрейберг работал в основном для русских покупателей рынка, одним из его изобретений является «строгий стол», отличительная особенность, которого - бортики средней степени упругости и узкие лузы. Для попадания на этом столе, шара в такую лузу, необходим особенно точный удар. Во многом это способствовало появлению классического «русского» бильярда.
Постепенно видоизменялись и другие виды бильярдной игры так, английский снукер в русском исполнении играют шарами меньшего размера, но лузы при этом больше, американский пул играют на столе меньшего по площади, а карамболе в французском варианте лузы не предусмотрены. К концу XIX века, игра приобретает черты характерные для спортивных соревнований, спортсмены-бильярдисты помогли раскрыть спортивные качества присущие бильярду. Уже в начале века 20-го, Франция впервые принимала у себя участников международного турнира призовой фонд, которого был довольно внушительного размера.
Сегодня бильярд из обыкновенной спортивной игры превратился в настоящую культуру, где существуют свои правила игры в бильярд, определенные ритуалы, традиции и сложившаяся веками богатая история. Большинством по-настоящему великих людей давно замечено, что бильярд не только способствует тренировке тела, а также помогает обрести хладнокровность, особое мышление и целеустремленность.
Невероятная игра в биллиард. Каким законам подчиняется шар - одному Богу известно. Здесь абсолютно невозможно применить никакие законы физики, как в описании траектории движения шара, так и при соударении шаров. А может быть на шары волшебным образом действует симпатичная блондинка, которая легла на бильярдный стол, усложнила таким образом задачу для маэстро в деле забивания шаров в лузу? Но нет и до блондинки шары были невероятно послушными для мастера, вырисовывая на бильярдном столе невероятные кренделя.
В общем я в шоке от увиденного. Когда-то в детстве приходилось немного играть в бильярд и я точно знаю, что попасть по шару - невероятно сложная задача. А уж чтобы его закрутить, да еще «сухим листом», таким образом, чтобы его траектория превратилась в дугу или сделала реверс (обратное движение), для этого надо быть волшебником. Короче, если бы я так играл в бильярд, то работать мне уже точно не надо было бы.