Кто такой Паоло Уччелло?
Паоло Уччелло родился приблизительно в 1397 году, скорее всего - во Флоренции. По крайней мере, его отец, цирюльник Доно ди Паоло, был флорентийцем. При крещении мальчик получил имя Паоло ди Доно (Паоло, сын Доно). С какого момента и почему художника стали называть Паоло Уччелло - неизвестно. Любопытную версию происхождения этого имени приводит в «Жизнеописаниях знаменитых живописцев» Джордже Вазари. Он утверждает, что Паоло Уччелло назвали так за его любовь к животным, и прежде всего, к птицам («уччелло» по-итальянски - маленькая птичка).
В 1415 году Уччелло вступил во флорентийскую гильдию врачей, аптекарей и… художников. Этот курьез историки искусства объясняют тем, что живописцы в ту пору приготовляли краски из тех же материалов, из которых фармацевты готовили свои лекарства. Другие же искусствоведы склоняются к тому, что медицина и живопись «объединялись по небесному признаку» - ведь покровителем как врачей, так и художников считался святой Лука. Одно объяснение, впрочем, не противоречит другому.
Как складывалась жизнь Паоло Уччелло с 1415 по 1425 год, мы не знаем. Но в 1425 году мы обнаруживаем живописца уже в Венеции. Здесь он занимается проектированием мозаик для собора Сан-Марко. К сожалению, единственная мозаика, о которой с уверенностью можно было бы сказать, что она создана по рисункам Уччелло (фигура святого Петра на фасаде собора), не сохранилась. Что касается остальных мозаик, то здесь авторство Уччелло представляется весьма спорным.
В родную Флоренцию Уччелло возвратился не позднее января 1431 года, о чем говорит дата на квитанции об уплате художником налогов. В начале следующего года мастер предложил флорентийским властям свои «услуги» по оформлению кафедрального собора. Власти не сразу доверились ему, а 23 марта 1432 года обратились к своему представителю в Венеции с просьбой собрать для них сведения о Паоло Уччелло. Судя по всему, полученный из Венеции отзыв оказался благоприятным, поскольку в 1436 году живописец приступил к созданию большой фрески в кафедральном соборе. Эта фреска, на которой изображен памятник сэру Джону Хоквуду, английскому рыцарю, сражавшемуся в XIV столетии в рядах флорентийской армии, - первая из дошедших до нас точно документированных работ Уччелло.
В 1445−46 годах Уччелло побывал в Падуе. Согласно Вазари, он поехал туда по приглашению своего друга, скульптора Донателло, нашедшего для художника выгодный заказ. Увы, сегодня невозможно отыскать и следов серии фресок, созданной мастером для падуанского дворца Витальяни. Более того, не осталось даже письменных источников, где хоть сколько-нибудь подробно описывались бы эти фрески. О них упоминает лишь Вазари, и то мельком.
В 1446 году Уччелло возвратился во Флоренцию и, как следует из заполненной им тогда же налоговой декларации, поселился на виа делла Скала, рядом с церковью Всех Святых. В этом же году он женился, хотя мы не располагаем сведениями о точной дате его венчания (церковные записи были утрачены). В 1453 году жена Уччелло, Томмаза, разрешилась от бремени сыном Донато, а в 1456 году умерла после неудачных родов. Девочка, появившаяся на свет, выжила, и ее нарекли Антонией.
Недолгая семейная жизнь художника была, по всей видимости, довольно благополучной. Об этом нам позволяет судить «анекдот», рассказанный Вазари в «Жизнеописаниях знаменитых живописцев». Однажды Уччелло до поздней ночи засиделся над изучением перспективы. Когда, наконец, жена позвала его идти спать, мастер улыбнулся и воскликнул: «Пожалуй, такая перспектива мне нравится больше всего». О своеобразном юморе художника свидетельствует и такая история (ее тоже поведал потомкам Вазари). Работая над фресками для флорентийского монастыря Сан-Миниато аль Монте, Уччелло питался изо дня в день одним только сухим хлебом и козьим сыром - поскольку ничего другого скупой настоятель монастыря не предлагал живописцу. Такой рацион вскоре надоел ему, и он ушел из монастыря, оставив фрески недописанными.
Настоятель послал за художником монахов, чтобы они вернули его. Уччелло, однако, отказался возвращаться в монастырь, сказав, что настолько пропитался сыром, что боится, как бы у него не склеились внутренности. Монахи расхохотались и, вернувшись к настоятелю, объяснили ему суть недоразумения. Через какое-то время Уччелло продолжил работу над фресками, но кормили его теперь не в пример разнообразнее прежнего.
Наиболее значительной из поздних работ Паоло Уччелло представляется серия из трех больших панелей, где изображена битва при Сан-Романо (в этой битве, произошедшей в 1432 году, Флоренция одержала победу над соседней Сиеной). Впервые «Битва при Сан-Романо» упоминается в описи имущества влиятельного семейства Медичи в 1492 году. Заказана же она была, по всей видимости, герцогом Козимо I Медичи, являвшимся товарищем флорентийского полководца, который руководил сражением при Сан-Романо. Искусствоведы считают, что Уччелло создал все три панели в 1450-е годы, хотя иные историки искусства оспаривают эту дату, как и утверждение, что «Битва при Сан-Романо» изначально предназначалась для дворца Медичи.
Судя по всему, алтарный образ для церкви Тела Христова стал последней работой Паоло Уччелло. Со слов Джордже Вазари мы знаем о том, что мастер провел свои последние годы «в бедности и одиночестве, закрывшись у себя в доме и с головой уйдя в изучение перспективы». Однако 11 ноября 1475 года Уччелло написал завещание, из которого следует, что живописец был вовсе не так беден, как сообщает Вазари. Спустя месяц, 10 декабря, Паоло Уччелло скончался в больнице. В одном из источников XVI века утверждается, что в это время живописцу исполнилось 78 лет. Тело художника похоронили рядом с прахом его отца, во флорентийской церкви Святого Духа.
Что такое Некрономикон?
«Некрономикон» - многие слышали об этой книге, но мало кто знает, что она из себя представляет. Само название уже наводит на мысли о смерти и потустороннем мире. Так что же это за творение, которое будоражило умы многих великих людей древности?
Первые упоминания о «Некрономиконе» относятся к XIII веку н.э. Первоначально книга была известна под названием «Аль Азиф» (в свободном переводе «Вой демонов ночи»). Её создателем считается поэт Абдул Альхазред, живший в одной из провинций Йемена - Саане (современники считали его сумасшедшим и одержимым). Этот человек во время своих путешествий в поиске высшей истины прошел через весь Ближний Восток и по прошествии многих лет изучил множество таинственных мест, по преданиям, населенных ужасными демонами и прочей нечистью. Состарившись, безумный поэт переселился в Дамаск, где примерно в 730-м году написал труд всей своей жизни - «Аль Азиф». Ученые позднего средневековья склоняются к тому, что книга была изготовлена из кожи девственниц и написана кровью - но, скорее всего, это выдумки церковной «верхушки». Альхазред говорил, что видел в пустынях город, который был построен предшествующей человеку расой, а также обнаружил великий город Колонн - «Ирем зат аль Имад».
Арабские легенды гласят - Ирем был выстроен могущественным джином в потустороннем измерении, где-то в районе пустыни Руб-Эль-Хали. Этот город считается дверью в Великую Пустоту (упоминания о которой присутствуют у жрецов Кабалы, древних египтян и шумер). Арабские маги верили, что в таинственный город можно попасть через очень глубокую медитацию, и там познать Пустоту, а значит, получить власть над миром людей и джинов (которые, по верованиям древних арабов, населяли мир до людей, а затем были заточены в другом измерении и усыплены).
В X веке греческие ученые перевели «Аль Азиф» и дали ей новое название Некрономикон (от греч. некро - мертвый, номос - опыт, правила, постулат). Около 1230 г. книга была написана в латинском варианте, а в XVI веке рукопись попала к английскому доктору Джону Ди, который перевел её на свой родной язык.
Как утверждают историки нового времени, после перевода книги на английский язык в мире остается постоянное число копий - 96 (как ни старались уничтожать их христианская и исламская церкви). Но реально мощными из них являются всего семь экземпляров, они как раз и открывают дверь на новый уровень реальности. Три на арабском языке, одна на древнегреческом, две на латыни и одна на английском - самые точные и полные переводы магической книги, остальные же наделены великими знаниями, но имеют некоторые неточности и ошибки. Самой известной подделкой является одноименное творение
Подлинное содержание этой книги остается загадкой. Но, тем не менее, известно, что там описываются многие секреты Земли и космического пространства. Как ни удивительно, но есть свидетельства, что в Некрономиконе были указаны многие постулаты современной физики и математики, которые стали известны только в конце 20-го века. В книге указаны некоторые божества предшествующей расы - они олицетворяют собой принципы времени, пространства и бесконечности, темные и светлые аспекты мира, вечный хаос и силы природы. По арабским рукописям говорится, что там можно найти секреты человеческого разума и легко овладеть способностью влияния на человеческую психику.
По Некрономикону, наша Земля обладает таинственной силой, которая олицетворена в образе Верховного божества - Ктулху (хорошо известного на просторах Интернета). Там же говорится о приходе расы «Древних» и падении человечества, как только Ктулху будет разбужен (некоторые пункты Некрономикона перекликаются с идеей Апокалипсиса у Иоанна). Всех этих могущественных богов, а также различную нечисть других миров можно вызвать с помощью книги. Именно поэтому многие правители и диктаторы, такие как Наполеон, Бисмарк, Гитлер стремились обладать ею. После Второй мировой войны в США и СССР были созданы специальные группы, которые занимались поисками этой неизведанной реликвии.
Много написано об этой книге, и каждый год находятся десятки людей, которые утверждают, что нашли один из семи истинных экземпляров, а на прилавках лежат тысячи поддельных изданий, больше похожие на сборники легенд. Никто не знает, что на самом деле даёт Некрономикон, и способен ли человек познать всю его силу. А может, это просто вымысел «безумного поэта» и не более, или просто описание заброшенных пустынных городов, сильно преувеличенное древними людьми. История хранит много тайн - и не все из них суждено раскрыть. Некрономикон по нынешним временам просто красивая легенда, не нашедшая подтверждения.
Что мы знаем о Басё? - Ничего, и то не всё. (Японские трёхстишия).
Поговорим о японской поэзии… Нет, японская поэзия - слишком обширная тема для маленькой статейки. Уже тысячу лет назад выходили антологии и сборники лучших поэтов, а представляете себе, сколько ж накопилось с тех пор стихов и поэтов? И поэтов действительно великих. Японская литература - это литература мирового значения, она огромна и прекрасна, поэтому мы, в меру наших малых сил, поговорим о её маленьком участочке.
Поговорим о хайку. Кто знает, что это такое, тому с полки пирожок, а кто не знает - может ознакомиться ТУТ или зачитать статью Что такое хайку? (Алексей Андреев) - почитайте, действительно интересно и познавательно написано. Ещё ресурсы: Классическая японская поэзия - очень красивый сайт, богатый контент. Ещё один красивый сайт с хорошим наполнением. Та самая великая литература. Но не будем растекаться, вернёмся к теме.
Традиционно хайку - это три строчки, 57 517 слогов. Большинство хайку состоят из двух частей-предложений, 125 или 512 слогов. Но хайку - это не просто трехстишие. Это - чувство-ощущение, запечатленное в небольшой словесной картинке-образе. В хайку обязательно должно присутствовать «сезонное слово»,
Как вишни расцвели! Они с коня согнали И князя-гордеца.
Тут и мысль ясно выражена, и вместе с тем есть и картинка, и настроение, и «сезонное слово», и динамика, и цветущий сад, и красавец-князь, и усмешка над ним. И всё это в 17 слогах (то есть в оригинале их 17). Несмотря на исчезающе малый размер, хорошее хайку несёт в себе очень много информации. Гораздо больше, чем в нём написано. Впрочем, это и есть, пожалуй, определение настоящей поэзии: когда читатель получает от текста гораздо больше информации, чем там, на первый взгляд, содержится. И если попытаться пересказать хайку «своими словами», то об этих трёх строчках придется написать строчек гораздо больше…
Возьмём классику из классики: Басё (1644−1694 гг). (Перевод В. Марковой.)
Шлем Санэмори
О, беспощадный рок! Под этим славным шлемомТеперь сверчок звенит.
Разве нельзя по этим трём строчкам написать целый рассказ? Или снять фильм? Философско-исторический?
Или вот стихотворение Фукуда Тие на смерть маленького сына:
Больше некому сталоДелать дырки в бумаге окон. Но как холодно в доме!
Тут и рассказ писать не надо. Трёхстишие написано тысячу лет назад (тысячу лет, вдумайтесь, тысячу лет!), уже и праха не осталось от них, а нас и теперь берет за горло - ребёнок был маленький, он шалил и портил окна, затянутые вощёной бумагой, и его за это бранили. А теперь думают: пусть бы шалил, но жил…
Вот ещё:
Ранран (перевод Веры Марковой.)
Осенний дождь во мгле! Нет, не ко мне, к соседуЗонт прошелестел.
Это тоже рассказ, или фильм. Влюблённый ждет, прислушивается к шагам на улице. А она все не идёт… Как видим это: темная улица, дождь - и шаги, и яркий даже в темноте зонт, но - не она…
Но даже если в каком-то стихе нет такого сюжета, то в них всегда есть картина (очень яркая!), настроение, и главное - присутствует личность автора:
опять Басё:
* * * На голой веткеВорон сидит одиноко. Осенний вечер.
* * *Как разлилась река! Цапля бредёт на коротких ножках, По колено в воде.
На русском языке трудно вложиться в канонические 5−7-5 слогов, поэтому это правило не всегда соблюдается. Но тем не менее, хайку на русском языке пишут и еще как пишут! Вот статья про русские хайку Алексея Андреева. В 2004 году начала выходить Антология русских хайку, сенрю и трехстиший. Сотни авторов, тысячи стихов. Издание продолжается… Вот, например, русские хайку М. Бару, где автор перекликается с Басё, но по-современному ироничен:
* * *Как река разлилась! -Из воды едва торчитЭкскаватор брошенный.
***Вот незадача! Новые брюки обрызгал… Осенний ветер.
* * *Ласково веет Весной и свободой дышаВетер в кармане…
***Вот и весна. Только сбросил сосед рога - Снова чешет лоб…
***Молодой петушокКукарекнул во сне с перепугу - Бульонный кубик приснился…
Ну, а где такая образная поэзия, там и живопись. Японская, конечно, живопись - Хокусай и другие художники в жанре укие-э (гравюра). Лаконично, ярко, неповторимо.
Русские крылатые фразы и их происхождение
Богат и могуч русский язык со своей длинной историей. И каждая эпоха привносила в этот язык что-то свое. И до нас дошли такие выражения, которые абсолютно все знают, например сморозить глупость или наставить рога, и все знают что они означают, но вот откуда они пошли знают только единицы. Об происхождении этих и других крылатых фраз в этой статье далее.
«Сморозить глупость»
Это выражение появилось благодаря господам гимназистам. Дело в том, что слово «морос» в переводе с греческого как раз и обозначает «глупость».
Преподаватели так и говорили нерадивым ученикам, когда они от незнания урока начинали нести околесицу: «Вы морос несете». Потом слова были переставлены - и получилось, что от незнания гимназисты «глупость морозили».
«Наставить рога» Происхождение этого выражения очень древнее. Во времена правления императора Комнина Андроника (древняя Византия) было в обиходе такое правило: тем мужьям, с женами которых император имел любовную связь, разрешалось охотиться в зверинце императора, где тот держал много экзотических зверей. И надо сказать, эта привилегия тогда пользовалась большим спросом. Так вот, ворота домов, где жили такие семьи, украшали оленьими рогами - признаком особой почести.
«Большая шишка»
Помните картину «Бурлаки на Волге», как на ней бурлаки тащат изо всех своих сил барку? Самое тяжелое и самое важное место в этой лямке - место первого бурлака. Он задает почин, он направляет остальных. Поэтому это место занимал самый сильный человек. Этого человека в бурлацкой лямке и называли «шишкой». Вот и значит, что «большая шишка» - это большой и важный человек.
«Жив Курилка»
В старину на Руси была такая игра: все садились в круг, кто-то зажигал лучину - и потом ее передавали по кругу из рук в руки. При этом все присутствующие напевали песенку: «Жив, жив Курилка, жив, не умер…».
И так пока лучина горит. Тот, у кого в руках лучина гасла, проигрывал. С тех пор это выражение стало применяться к тем людям, а иногда и вещам, которые уже давно, казалось бы, должны исчезнуть, но вопреки всему продолжали существовать.
«И доказывай, что ты не верблюд»
Эта фраза стала очень популярной после выхода в свет очередной серии кабачка «Тринадцать стульев». Там была миниатюра, где пан Директор беседует с паном Гималайским по поводу привезенного недавно в цирк верблюда.
В сопроводительных документах было написано: «Направляем в ваш цирк двугорбого верблюда и гималайского»,
Это настолько ярко высмеивало роль бюрократической машины в нашей стране, что выражение очень быстро пошло в народ и стало популярным. Теперь мы так говорим, когда у нас требуют доказательства очевидных вещей.
«Не в своей тарелке»
По-французски «асьет» -- это и тарелка, и настроение, состояние. Рассказывают, что в начале XIX века некий переводчик, делая перевод французской пьески, фразу «приятель, ты не в духе» перевёл как «ты не в своей тарелке». Александр Сергеевич Грибоедов, бывший заядлым театралом, разумеется, не мог пройти мимо столь блистательного ляпа и вложил безграмотную фразу в уста Фамусова: «Любезнейший! Ты не в своей тарелке. С дороги нужен сон». С лёгкой руки Александра Сергеевича безумная фраза обрела смысл и надолго прижилась в русском языке.
«Всыпать по первое число»
В старые времена учеников школы часто пороли, нередко даже без какой-либо вины наказуемого. Если наставник проявлял особое усердие, и ученику доставалось особенно сильно, его могли освободить от дальнейших порок в текущем месяце, вплоть до первого числа следующего месяца. Именно так возникло выражение «всыпать по первое число».
«И ежу понятно»
Источник выражения «И ежу понятно» -- стихотворение Маяковского («Ясно даже и ежу -- / Этот Петя был буржуй»). Широкому распространению способствовало употребление этой фразы в повести Стругацких «Страна багровых туч», а еще она стала расхожей в советских интернатах для одарённых детей. В них набирали подростков, которым осталось учиться два года (классы А, Б, В, Г, Д) или один год (классы Е, Ж, И).
Учеников одногодичного потока так и называли -- «ежи». Когда они приходили в интернат, двухгодичники уже опережали их по нестандартной программе, поэтому в начале учебного года выражение «ежу понятно» было очень актуально.
«Дать добро»
В дореволюционной азбуке буква Д называлась «добро». Флаг, соответствующий этой букве, в своде сигналов военного-морского флота имеет значение «да, согласен, разрешаю». Именно это стало причиной возникновения выражения «дать добро». Производное от этого выражение «Таможня даёт добро» впервые появилось в фильме «Белое солнце пустыни».
Пролететь, как фанера над Парижем
Не будет преувеличением сказать, что выражение «Пролететь, как фанера над Парижем» слышал каждый. Смысл данного фразеологизма можно передать как упущенную возможность сделать или получить что-либо, оказаться не у дел, потерпеть неудачу. Но вот откуда пошла эта поговорка?
В 1908 году известный французский авиатор Огюст Фаньер, совершая показательный полет над Парижем, врезался в Эйфелеву башню и погиб. После чего известный меньшевик Мартов писал в «Искре», что «царский режим летит к своей гибели так же быстро, как г-н Фаньер над Парижем». Русский человек воспринял данную сентенцию несколько иначе, изменив фамилию иностранного авиатора на фанеру. Отсюда пошло выражение «пролететь, как фанера над Парижем
«Курам на смех»
С незапамятных времен курица у людей была предметом шутливых насмешек. Она не летает, хотя имеет крылья, не вьет гнезда, боится воды, не видит в темноте, пуглива, глупа. Недаром говорят, что рак - не рыба, а курица - не птица. Отсюда и выражение «курам на смех» - даже глупые куры и те смеются.
Проклятые полотна
Со многими произведениями живописи связаны мистические истории и загадки. Более того, некоторые специалисты считают, что к созданию ряда полотен причастны темные и тайные силы. Основания для такого утверждения есть. Уж слишком часто с этими роковыми шедеврами происходили удивительные факты и необъяснимые события - пожары, смерти, безумие авторов…
Одной из самых известных «проклятых» полотен является «Плачущий мальчик» - репродукция картины испанского художника Джованни Браголина. История создания ее такова: художник хотел написать портрет плачущего ребенка и в качестве натурщика взял своего маленького сына. Но, поскольку малыш не мог плакать на заказ, то отец специально доводил его до слез, зажигая перед его лицом спички.
Художник знал, что его сын панически боялся огня, но искусство было ему дороже, чем нервы собственного ребенка, и он продолжал над ним издеваться. Однажды доведенный до истерики малыш не выдержал и крикнул, обливаясь слезами: «Гори ты сам!» Это проклятие не замедлило сбыться - через две недели от пневмонии умер мальчик, а вскоре заживо сгорел в собственном доме и его отец… Это предыстория. Свою зловещую славу картина, точнее - ее репродукция, обрела в 1985 году, в Англии.
Произошло это благодаря серии странных совпадений - в Северной Англии одно за другим начали происходить возгорания жилых домов. Были человеческие жертвы. Некоторые пострадавшие упоминали, что из всего имущества чудесным образом уцелела только дешевая репродукция с изображением плачущего ребенка. И таких сообщений становилось все больше, пока, наконец, один из пожарных инспекторов во всеуслышание не заявил, что во всех без исключения сгоревших домах был найден нетронутым «Плачущий мальчик».
Тут же газеты захлестнула волна писем, где сообщалось о различных несчастных случаях, смертях и пожарах, которые происходили после того, как хозяева покупали эту картину. Разумеется, «Плачущий мальчик» тут же стал считаться проклятым, всплыла история его создания, обросла слухами и выдумками… В итоге одна из газет опубликовала официальное заявление о том, что все, у кого есть эта репродукция, должны немедленно от нее избавиться, и властями впредь запрещено приобретать и держать ее дома.
До сих пор «Плачущего мальчика» преследует дурная слава, особенно в Северной Англии. Кстати, оригинал до сих пор не найден. Правда, некоторые сомневающиеся (особенно у нас в России) намеренно вешали у себя на стену этот портрет, и, вроде бы, никто не сгорел. Но все же желающих проверить легенду на практике очень немного.
Во времена Пушкина портрет Марии Лопухиной был одной из главных «страшилок». Девушка прожила жизнь короткую и несчастливую, а после написания портрета умерла от чахотки. Ее отец Иван Лопухин был известным мистиком и магистром масонской ложи.
Потому и поползли слухи, что-де ему удалось заманить дух умершей дочери в этот портрет. И что если молодые девушки взглянут на картину, то вскорости умрут. По версии салонных сплетниц, портрет Марии погубил не меньше десяти дворянок на выданье…
Конец слухам положил меценат Третьяков, который в 1880 году купил портрет для своей галереи. Большой смертности среди посетительниц оной замечено не было. Разговоры и утихли. Но осадок остался.
Десятки людей, так или иначе входивших в контакт с картиной Эдварда Мунка «Крик», стоимость которой эксперты оценивают в 70 миллионов долларов, подвергались действию злого рока: заболевали, ссорились с близкими, впадали в тяжелую депрессию или вообще внезапно умирали. Все это создало картине недобрую славу, так что посетители музея с опаской поглядывали на нее, вспоминая ужасные истории, которые про шедевр рассказывали.
Однажды музейный служащий нечаянно уронил картину. Через какое-то время у него начались страшные головные боли. Надо сказать, что до этого случая он понятия не имел, что такое головная боль. Припадки мигрени становились все чаще и острее, и закончилось дело тем, что бедняга покончил с собой.
В другой раз рабочий музея выронил картину, когда ее перевешивали с одной стены на другую. Неделю спустя он попал в кошмарную автомобильную аварию, в результате которой у него оказались сломанными ноги, руки, несколько ребер, он получил трещину таза и сильнейшее сотрясение мозга.
Один из посетителей музея пытался потрогать картину пальцем. Через несколько дней у него дома начался пожар, в котором этот человек сгорел заживо.
Жизнь самого Эдварда Мунка, родившегося в 1863 году, представляла собой череду нескончаемых трагедий и потрясений. Болезни, смерть родных, сумасшествие. Его мать умерла от туберкулеза, когда ребенку было 5 лет. Через 9 лет от тяжелой болезни скончалась любимая сестра Эдварда Софья. Затем умер брат Андреас, а его младшей сестре врачи поставили диагноз «шизофрения».
В начале 90-х годов Мунк пережил тяжелый нервный срыв и длительное время проходил лечение электрошоком. Он никогда не женился, потому что мысль о сексе приводила его в ужас. Умер в возрасте 81 года, оставив в дар городу Осло огромное творческое наследие: 1200 картин, 4500 эскизов и 18 тысяч графических работ. Но вершиной его творчества остается, конечно, «Крик».
Голландский художник Питер Брейгель-старший писал «Поклонение волхвов» два года. Деву Марию он «срисовал» со своей двоюродной сестры. Та была женщиной бесплодной, за что и получала постоянные тумаки от мужа. Именно она, как судачили простые средневековые нидерландцы, «заразила» картину. Четыре раза «Волхвов» покупали частные коллекционеры. И каждый раз повторялась одна и та же история: в семье по 10−12 лет не рождались дети…
Наконец в 1637 году картину купил архитектор Якоб ван Кампен. У него к тому времени уже были трое детей, так что проклятие его не особо пугало.
Другим известным «огненным шедевром» считаются «Водяные лилии» импрессиониста Моне. Первым от нее пострадал сам художник - его мастерская едва не сгорела по непонятным причинам.
Затем погорели новые владельцы «Водяных лилий» - кабаре на Монмартре, дом одного французского мецената и даже Нью-Йоркский музей современных искусств. В настоящее время картина находится в музее Мормотон, во Франции, и своих «пожароопасных» свойств не проявляет. Пока.
Знаменитая «Джоконда» Леонардо да Винчи не только восхищает, но и пугает людей. Помимо предположений, вымыслов, легенд о самой работе и об улыбке Моны Лизы, существует теория, будто бы этот самый известный портрет в мире крайне отрицательно воздействует на созерцающего. Например, официально зарегистрировано более сотни случаев, когда посетители, долго лицезревшие картину, теряли сознание.
Самый известный случай произошел с французским писателем Стендалем, который во время любования шедевром упал в обморок. Известно, что сама Мона Лиза, позировавшая художнику, умерла молодой, в возрасте 28 лет. А сам великий мастер Леонардо ни над одним своим творением не работал так долго и тщательно, как над «Джокондой». Шесть лет - до самой своей смерти Леонардо переписывал и правил картину, но так до конца и не добился того, чего хотел.
Картина Веласкеса «Венера с зеркалом» тоже пользовалась заслуженно дурной славой. Все, кто покупал ее, либо разорялись, либо погибали насильственной смертью. Даже музеи не очень хотели включать ее основную композицию, и картина постоянно меняла «прописку». Дело кончилось тем, что однажды на полотно набросилась сумасшедшая посетительница и изрезала его ножом.
Есть несколько шедевров русской живописи, которые тоже имеют печальные истории. Например, всем известная еще со школы картина «Тройка» Перова. На этой трогательной и грустной картине изображены три крестьянских ребенка из бедных семей, которые тянут тяжелую ношу, впрягшись в нее на манер упряжных коней.
В центре идет светловолосый маленький мальчик. Перов искал ребенка для картины, пока не встретил женщину с сыном 12-ти лет по имени Вася, которые шли через Москву на богомолье.
Вася оставался единственным утешением матери, которая похоронила мужа и других детей. Она сначала не хотела, чтобы ее сын позировал живописцу, но потом согласилась. Однако вскоре после завершения картины мальчик умер… Известно, что после смерти сына бедная женщина приходила к Перову, умоляя продать ей портрет ее любимого ребенка, но картина уже висела в Третьяковской галерее. Правда, Перов отозвался на горе матери и специально для нее написал портрет Васи отдельно.
У одного из самых ярких и неординарных гениев русской живописи, Михаила Врубеля, есть работы, с которыми также связаны личные трагедии самого художника. Так, портрет его обожаемого сына Саввы, был написан им незадолго до смерти ребенка. Причем мальчик заболел неожиданно и умер скоропостижно. А «Демон поверженный» оказал пагубное влияние на психику и здоровье самого Врубеля.
Художник никак не мог оторваться от картины, все продолжал дописывать лицо поверженного Духа, а также менять колорит. «Демон поверженный» уже висел на выставке, а Врубель все приходил в зал, не обращая внимания на посетителей, усаживался перед картиной и продолжал работать, словно одержимый.
Близкие обеспокоились его состоянием, и его осмотрел известный русский психиатр Бехтерев. Диагноз был страшен - сухотка спинного мозга, близкое сумасшествие и смерть. Врубеля поместили в больницу, но лечение плохо помогло, и вскоре он скончался.
Картина или фото? Пейзажи Дерка Хансена как образец романтического фотореализма
Ну что ж, раз принципиальные читатели снисходительно позволили мне писать о живописи, надо торопиться. Вдруг еще передумают? Пишу…
Помнится, давно тому назад (когда я еще смотрела поиском - что про меня пишут, а это было реально очень давно!) кто-то интеллектуальный писал: нет, ну вы посмотрите, какой же ужос-ужос-ужос эти картинки, какой ужасный кич, как это пошло! Ведь это же могут увидеть ДЕТИ (зубом клянусь, так и было написано). И у детей страшно и непоправимо испортится вкус! И в комментариях - нехилый такой умственный спор: я всерьез считаю вот все это искусством или это большой, но тонкий подвох, розыгрыш и стеб?
С тех пор я в поиске по блогам и не смотрю, чего пишут, потому что я-то сама откуда знаю, всерьез это я или в порядке церебрального надругательства? Есть замечательная карикатура Анджея Млечко (кто помнит - польский журнал «Шпильки»), где художник пишет замечательно кичный пейзаж - горы, закат, озеро и на берегу олень. И говорит при этом: я знаю, что это кич, но что я могу поделать, если каждый раз на закате на берег выходит эта чертова скотина? И действительно - что тут поделаешь. Как говорил Ухудшанский, раз озеро есть - должен его кто-нибудь писать?
Бывают картины, действительно забавные своей наивностью. Бывают - приятные не столько тем, КАК они написаны, сколько тем, ЧТО написано - отрадные берега, красивые города, кудрявые леса и раздольные степи. Или уютные интерьеры, роскошные залы и пышные натюрморты. В идеале, конечно, хорошо, когда это совпадает - хорошо и то ЧТО написано, и то, КАК. Хотя для того, чтобы картина была Искусством с большой буквы, наверное намного важнее - как. Потому что красота пейзажа картину искусством не делает, а делает просто весьма приятным предметом для украшения жизни. И наоборот - изображенное, скажем, Гойей, далеко не всегда красиво и приятно, но никто не будет сомневаться, что это искусство и гений.
Во времена торжества соцреализма и коммунизма это мое умозаключение было бы квалифицировано как формализм и подвергнуто решительному осуждению. Форма, по мнению марксистов-ленинистов, вторична, а содержание первично. То есть плохой роман о передовиках или пионерах-героях по их понятиям был лучше, чем хороший роман о жуликах, продавцах краденых собак и дезертирах. Или из рук вон плохая поэма про девушку и смерть - указано было считать ее «посильнее, чем „Фауст“ Гете». Указано - и все тут. Потому что в «Фаусте» конец плохой, а в поэме - хороший. Так и кто посильнее, товарищи?
Но про соцреализм у меня задумана еще следующая статейка, где я намереваюсь всласть поглумиться над искусством одной великой державы. Более того, я собираюсь делать это (глумиться), как писалось в милицейских отчетах, в простой и извращенной форме с особым цинизмом. И с иллюстрациями. Но то в следующей статье - пусть принципиальные энтузиасты пока приготовятся возражать и доказывать обратное всему, что я ни напишу. Ведь что бы я ни написала - все равно у них все было совсем-совсем не так!
А здесь мы как раз и займемся приятным примером единства формы и содержания, где и написаны картины достаточно профессионально и ярко, и изображаемые на картинах пейзажи прекрасны и удивительны. Более того - есть и закаты, и озеро, и олени.
Дерк Хансен - путешественник и мечтатель, устроивший свою жизнь соответственно своим мечтам. Он родился в Германии, переехал в США, изучал медведей на Аляске, охотился в Африке, участвовал в ралли в Техасе, сейчас живет на Гавайях и в Миннесоте. Писать картины он начал в 1968 году, и за месяц (!) научился писать маслом на профессиональном уровне. Сюжеты картин Дерка Хансена - дикая природа, прекрасные коттеджи и сады, эпизоды истории США. Есть у него и награды, призы
Называется этот стиль - романтический реализм или фотореализм. Но несмотря на приставку «фото-», не спешите восклицать «ой, написано точно как фото». На самом деле нет. Автор привносит в картину много своего - настроение, освещение, и если точно в такую же погоду сделать фотографию точно с такой же точки, станет совершенно ясно - картина дает намного, намного более сильное впечатление.
Музей русской водки
Если Вы спросите в любой стране мире, с чем ассоциируется Россия, в девяти случаях из десяти Вам скажут, что с водкой. Действительно, водка - это самый известный атрибут русской культуры. Живущий в суровом северном климате русский человек, всегда любил хорошо выпить и закусить, а самые важные события в жизни, будь то свадьба или проводы в дальнюю дорогу, рождение нового человека или поминовение ушедшего в мир иной, вообще никогда не обходились и не обходятся без «стаканчика». В истории России даже были времена, когда бутылка водки становилась своего рода национальной валютой, которой расплачивались за разного рода мелкие услуги, предпочитая подобный вид расчетов операциям с наличными деньгами. В общем, водка на Руси - это поистине уникальное культурное явление, заслуживающее не только уважения, но и тщательного научного изучения.
В день города, 27 мая 2001 года, в самом сердце Санкт-Петербурга открылся первый в России (и в мире) Музей русской водки. В отличие от других экспозиций, зачастую являющихся лишь прикрытием для магазина, петербургский музей создан в полном соответствии с канонами музейного дела. Уникальные экспонаты, интересные факты и дегустационный зал - все это поможет Вам лучше понять русскую культуру, а может и проникнуть в загадочную русскую душу.
Интересно, что водку на Руси пили не «испокон веков», как считают многие, а только с середины 15 века. Само слово «водка» появилось в 17 веке и скорее всего является производным от «воды». До этого этот напиток называли по-разному: вино (хлебное вино), корчма или корчемное вино, куренное вино, горящее вино, жженое вино, горькое вино
Считается, что прообраз водки, крепкий напиток под названием aqua vitae (в переводе с латыни - «вода жизни») в Россию завезли генуэзцы, направлявшиеся в Литву по торговым делам. Но особой популярности заморский напиток не получил: на Руси тогда отдавали предпочтение меду и пиву.
В 1429 году «вода жизни» вновь появляется в России, но теперь как универсальное лекарство от всех болезней. На этот раз напиток оценили по достоинству, и с середины 15 века в Московских монастырях стали производить русскую водку из зерна, которым Русь всегда была богата. Вскоре производство этого самого известного на данный момент русского напитка достигло таких масштабов, что «горящее вино» стали экспортировать. В конце 15 века прозорливый и мудрый князь Иван III ввел государственную монополию на производство и продажу водки. Так началась многовековая история водки на Руси.
Экскурсоводы музея расскажут Вам о первых московских питейных домах, или в просторечии кабаках, и объяснят, чем они отличались от трактиров, Вы узнаете, что такое «чекушка» и какова емкость традиционной русской чарки (чепорухи). После посещения музея Вы будете все знать о личных алкогольных пристрастиях российских императоров и выдающихся мужей отечества.
Большая часть экспозиции отведена 20 веку. Отношение Советской власти к водке, «наркомовские сто грамм», секреты советской алкогольной промышленности, народный фольклор, Горбачевский сухой закон - обо всем этом Вам интересно и подробно расскажут экскурсоводы.
В одном из залов музея воссозданы интерьеры трактира конца 19 века.
Дега и женщины: любовь или ненависть?
Сто пятьдесят работ Эдгара Дега, на которых запечатлена обнаженная женская натура, впервые собраны вместе в парижском Музее Орсе.
На выставке «Дега и обнаженная натура» представлены картины, пастели, рисунки, монотипии и скульптуры, созданные на протяжении полувека. «Как ни странно, до сих пор этой стороне творчества Дега не было посвящено ни одной большой выставки, - сказала „Культуре“ ее комиссар Ксавье Ре. - Но именно эта тема помогает нам понять эволюцию художника от классической традиции к современной живописи начала ХХ века».
Однако даже нынешняя экспозиция не дает ответа на вопрос, который искусствоведы обсуждали все минувшее столетие: «Любил ли Дега женщин?» Это по-прежнему остается загадкой. Дело в том, что в молодые годы художник подцепил в борделе сифилис, который в те годы был настоящим бичом богемы. «Дурная» болезнь так шокировала его, что он, выздоровев, стал относиться к прекрасному полу с отвращением.
Возможно, именно поэтому Дега никогда не связывал себя узами брака, и если верить его переписке и свидетельствам современников, любовных романов у него почти не было. До конца жизни с ним оставалась только его домоправительница Зое. Поэтому некоторые биографы усматривают в его поведении признаки нетрадиционной сексуальной ориентации. Как бы там ни было, Дега с маниакальной настойчивостью рисовал женщин, которые принимают ванну, вытирают тело, сушат волосы, причесываются, одеваются.
По всей видимости, большинство его моделей были проститутками. Да и сам художник, судя по названиям его работ, не делал из этого тайны: «Комната в борделе», «В ожидании клиента», «Сцена в доме терпимости», «Серьезный клиент», «Биде», «Изнасилование»
Над работами Дега, описывающими трудовые будни жриц любви, иронизировал Пабло Пикассо в своих графических листах, которые называл: «Дега платит и уходит. Шлюхи не делают ему подарков», «Пока путаны отдыхают, Дега мечтает».
«Я слишком часто смотрел на них, как на животных», - однажды признался с присущим ему цинизмом Дега. Обнаженная натура не раз служила лишь декоративным элементом в его композициях. Обычно он рисовал обнаженные модели со спины и крайне редко - их лица. Но что бы ни изображал Дега - обитательниц борделей, дам полусвета, балерин, прачек, скачки, театры, кабаре, кафешантаны, - он хранил верность завету Доминика Энгра, которого считал своим духовным отцом. «Молодой человек, - наставлял он молодого Дега, - рисуйте линии - с натуры и по памяти, и вы станете хорошим художником «.
В отличие от своих подельников - импрессионистов Эдгар Дега предпочитал творить не на пленэре, а в мастерской. По его словам, он любил видеть пейзаж только из окна поезда.
«Я хочу наблюдать за происходящим через замочную скважину», - любил повторять мэтр, излечившись от сифилиса. Неслучайно директор Музея Орсе Ги Кожеваль называет его вуайеристом. Впрочем, это не помешало Дега стать, по словам самого Ренуара, «самым революционным художником новой живописи».
ак правильно морщить нос, или Счастье от кича
Что такое «кич» в искусстве? Для тех, кто этого не знает (вот я не знаю), быстренький поиск показывает:
Кич - продукт творчества, претендующий на художественную ценность, но не обладающий ею. Обычно кич характеризуется поверхностностью, сентиментальностью, слащавостью и стремлением к усилению эффекта. Греч. Kitsch. - безвкусица. (Словарь по общественным наукам).
Кич (от польск. Сус - поделка). По сути, К. есть зарождение и одна из разновидностей постмодернизма. К. - это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к К., должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет. Но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В К. могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий. (В. Руднев «Словарь культуры ХХ в.: Кич)
Кич - это мир улыбающихся идиотов (Милан Кундера)
Кич - это слоники на серванте, лебеди как составная часть пейзажа (помните: налетай, торопись, покупай живопИсь), чаечка над морской гладью, герань на подоконнике
Кич - это форма искусства, появившаяся в 19-м веке, в результате деградации академизма. (Кто-то умный)
Кич - дешевка, безвкусная массовая продукция, рассчитанная на внешний эффект; синоним псевдоискусства, в к-ром основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика. (Какой-то сноб)
Кич делается из самых светлых побуждений. Простому человеку хочется быстро и легко из простых, недорогих материалов сделать что-то яркое. (некто Миу-Мау, не простой человек)
Сами видите, как сказано в многочисленных источниках, кич - это плохо, примитивно и вообще полное марабу. Зато теперь каждый из читателей может легко и необременительно возвыситься в собественных глазах, если на любое произведение искусства правильно сморщит нос и произнесет этак небрежно: ну, это, конечно, кич. То есть ширпотреб…
Ясно же, Ширпотреб - это когда для Широкого Потребителя. А кто ж хочет, чтоб его обозвали потребителем, да еще широким? Каждому хочется наоборот - быть тонким ценителем! И даже где-то в чем-то оригинальным, самобытным, а то и уникальным. Тогда, конечно, надо любоваться «Черным квадратом» и рассуждать об экзистенциализме Сартра. А Широкий Потребитель - это, в сущности, нормальный «простой» человек, который любит, чтобы дома было уютно, а с репродукций на стенах не скалились монстры и не битое стекло свисало, а глядело нечто приятное глазу, вот и все. И если кому-то хорошо становится от семи слоников на буфете - даешь слоников. Кто любит не на модерновой загогулине отдыхать, а на мягком диване с подушками - подушки нам в руки!
Тут уж приходится решать, чего хочется сильнее: быть Тонким Ценителем или читать (смотреть, вешать на стены) то, что нравится. Если Ценителем стать важнее, то самые подробные советы и рекомендации приводятся в текстике Валерия Кузнецова «Как стать интеллигентом». А если вы махнули рукой на свой «ии-и-имиджь», и хотите предаться уютному рассматриванию, то прошу в мою виртуальную галерею.
Мы сегодня насладимся картинами автора, которого за «кич» только ленивый не пнул: Томаса Кинкейда, именуемого также «Painter of Light». Один из самых успешных современных художников Америки. За что его только не бранили - и за сказочные пряничные домики, и за причудливую игру света, и за то, что много картин написал… короче говоря, как раз за то, что мне в нем и нравится! В его картинах хочется поселиться, или хотя бы побывать там, в этом волшебном непрекращающемся закатном солнце, в тишине и уюте…
Самое трудное досталось, как всегда, мне: буквально из сотен и сотен картин Кинкейда выбрать всего 6. Это очень трудно. Потому что они все разные. Но вы сами сможете посмотреть больше на его сайте. Аффтар, пеши исчо - воскликнули бы мы, но мы этого не сделаем, устрашенные строгим перстом Ценителя Грамотности, мы просто пойдем молча рассматривать картины.
Приятного просмотра.
СМОТРЕТЬ В ОБА!
Друзья изящных муз, смотрите ныне в оба:
В борьбе за гонорар, де-факто и де-юре
Зловонная волна разнузданного стёба
Идёт на островки оставшейся культуры.
Альбрехт Дюрер. Апокалипсис
«И я взглянул, и вот, конь бледный, и на нем всадник, которому имя смерть; и ад следовал за ним, и дана ему власть над четвертой частью земли - умерщвлять мечом, и голодом, и мором, и зверями земными».
Зловещие слова «Апокалипсиса» - мрачных пророчеств Иоанна Богослова, предрекавших крушение мира, - раздавались с амвонов всех церквей, когда немецкий художник Альбрехт Дюрер вернулся в родной Нюрнберг после первого путешествия в Италию, где он изучал основы ренессансного искусства: перспективу, учение о пропорциях, читал трактаты итальянских гуманистов, учился у живописцев Венеции колориту. По возвращении на родину молодой художник особенно остро ощутил тревоги и смуты, терзавшие страну накануне XVI века. Народ Германии страдал от неурожаев, от жестоких поборов. Волнения крестьян разгорались все сильнее. Церковь и князья жестоко мстили бунтарям. Уже погиб на костре инквизиции народный вожак Ганс Бегайм, который провозгласил: «Налоги и подати должны быть упразднены».
В дни жестоких потрясений, в 1498 году Дюрер создает свой «Апокалипсис» - пятнадцать большого размера гравюр на дереве, которые он с невероятной для того времени смелостью населяет персонажами, одетыми в костюмы его эпохи. Фантазия художника получает новую пищу, и изображение священной истории приобретает небывало острый полемический характер. Так, впервые в истории изобразительного искусства осовременивая канонические образы, художник лишает их ореола святости. В гравюре, демократичнейшем жанре искусства, Дюрер сказал о том, что горе в Германию принесли нынешние грешники - развращенные церковники и князья и именно их в первую очередь должно постигнуть возмездие. Так религиозная тема обернулась политическим памфлетом. Силой воображения художника легенда переплелась с действительностью и получила новую жизнь, наполненную драматическими противоречиями эпохи, предшествующей Великой крестьянской войне, потрясшей всю Германию.
Графический язык листа «Четыре всадника» поражает разнообразием и изощренностью орнаментального узора штрихов. Измельченные, нервно взметенные линии композиции замечательны тем, что их ритм не уничтожает то мощное чувство монументальности, то умение воспринимать мир в его грандиозном величии, которое Дюрер воспринял у мыслителей и художников средневековья. Как великие нидерландцы Ян ван Эйк и Гуго ван дер Гус, он умел извлекать из старой философии новые уроки, а художественные приемы готического искусства он виртуозно использовал для новых творческих задач.
«Я восхваляю великое мастерство Альбрехта Дюрера-гравера, позволявшее ему без помощи красок, одними лишь черными штрихами, передать все доступное человеческому зрению и чувству, - говорил великий гуманист Эразм Роттердамский. - Чего только не изображает он, даже то, что невозможно изобразить, - огонь, лучи, гром, зарницы, молнии, пелену тумана, все ощущения, чувства, наконец, всю душу человека, проявляющуюся в телодвижениях, едва ли не самый голос. И все это передает он черными точнейшими штрихами…»
В гравюре «Четыре всадника», пересекая по диагонали лист, во весь опор несутся страшные кони. В символических образах всадников художник изобразил войну, мор, суд и смерть. Клубятся облака, ограниченные нервными контурами пульсирующих линий. Вверху листа парит белый ангел. Он благословляет грозное апокалипсическое войско. Начатая фигурой ангела, основная композиционная ось вдруг резко отклоняется вправо и уходит в нижний угол листа, где в пасти Люцифера казнится император. Внимание останавливает крупная фигура слепого всадника в центре гравюры, олицетворяющего суд. Мы как будто бы слышим устрашающее бряцание его весов, так же как слышны топот копыт, шумное дыхание животных и последние крики оцепеневших в ужасе грешников.
Лист, в котором все охвачено безудержным движением, в котором так неистово взметнулись «готические складки» на плаще смерти, так безжалостно опускаются копыта на головы поверженных, должно быть, производил величайшее эмоциональное впечатление на современников Дюрера, веривших в могучие силы высшего мира В «Апокалипсисе» художника эти высшие силы восстали против власть имущих. Конечно, не надо думать, что Дюрер сознательно использовал традиционные образы для актуальной «пропаганды». Но, гравируя свои неистово гневные листы, он стремился говорить с современниками о том, что их волновало и что воплощалось тогда в привычных мотивах религиозное мифа.
Какая природа, такая культура.
Мадам де Помпадур
Мадам де Помпадур интересная личность, легенда 18 века, которая вошла в историю. И пусть кто-то скажет, а что в ней легендарного, то, что она была любовница короля? Но в ту эпоху, когда наличие любовниц было практически официально и привычно, она стала не просто фавориткой, а намного больше и на такой длительный период времени…
Жанна Антуанетта Пуассон, маркиза де Помпадур появилась на свет в Париже, Франция 29 декабря 1721 года. Прожила несколько лет в монастыре святой Урсулы, чтобы учиться. Она танцевала, играла на сцене, пела, изучала литературу и искусство на протяжении нескольких лет. От монахинь, с которыми она провела первые несколько лет своей жизни, а может и от своего опекуна, но она получила уверенность, что она родилась, чтобы нравиться. Она, видимо, пленила всех, кто пришел на ее пути. Когда Помпадур было девять лет, знаменитая гадалка мадам Лебон предсказала, что она станет любовницей Людовика XV. Такие пророчества, возможно, были для другой семьи пустыми словами, но мать Помпадур взяла его за чистую монету и приступила холить дочь соответственно. Её опекун следил за тем, что она должным образом и тщательно получала образование, что не являлось сложной задачей с такой способной ученицей. Затем он устроил ее брак с племянником Шарлем Гийомом Ленорманом. В браке у них было двое детей, она родила сына, который умер через год после рождения, затем дочь, которая умерла в возрасте девяти лет.
Молодая матрона заколдовала парижское общество. Помпадур стала желанным гостем в модных салонах, дружеских встречах с аристократией и интеллигенцией. Именно в этот период она завязала пожизненную дружбу со знаменитым писателем и философом Вольтером, который, естественно, нашел ее очаровательной и любезной. Но Помпадур имела более высокие стремления, чем просто завоевание приличного общества. Мадам де Помпадур также давала частные выступления в своем маленьком театре в семейном замке, где Людовик XV охотился часто и где он в конце концов заметил ее.
Даже королевская кровь не защищает от трудного детства. Он потерял всех своих ближайших родственников от болезни, когда ему было всего два, в 1712 году. В возрасте пяти лет он унаследовал французский трон от своего грозного прадеда Людовика XIV (1638−1715). Он был женат на польской принцессе Марии Лещинской (которая старше его на 8 лет), когда ему было всего лишь 15 лет, и, хотя она родила ему 10 детей, никто о любви в их союзе не говорил. Таким образом, король превратился в капризного, пессимистичного, легко поддающемуся скуки и меланхолии. Это не означает, что у него не было своих сильных сторон или любви к своему народу (по крайней мере один раз), а скорее свидетельствует о возможностях, почему он, возможно, был особенно восприимчивым к женщине с такой энергией и талантами. Или, возможно, это была просто любовь.
Они встретились в первый раз на балу-маскараде на свадьбе дофина, где Жанна была в наряде богини охоты. Жанна-Антуанетта была приглашена королем, который был очарован ей и дал ей титул маркизы и подарил усадьбу. Её муж дал ей официальный развод и был назначен Генеральным фермером Луи XV. Жанна Антуанетта была официально представлена на суд Версаля 14 сентября 1745 года во время торжеств посвященных возвращению кампании короля. Маркиза для короля была любовницей, другом и секретарём.
Маркиза появилась как истинная женщина вкуса и поддерживала художников и интеллектуалов своего времени. Именно она способствовала публикации первых двух томов Энциклопедии Дидро и Даламбера. Маркиза де Помпадур также купила Отель д’Эвре, известный сегодня как Елисейский дворец, резиденция французских президентов. Помпадур была также одаренная певица и актриса. Она организовала более 120 спектаклей исключительного качества, в том числе оперы, пьесы, балеты, в которых она и участвовала и была режиссером. Короче говоря, Помпадур принесла живости и веселья в свет, который когда-то склонялся к строгости. Хотя она исполняла обязанности любовницы, но сообщается, совершенно равнодушна к сексу. Возможно, это было из-за постоянной гинекологической болезни, которой она страдала, но это было, конечно, странная ситуация для женщины, которая была изображена как одна из великих соблазнительниц всех времен. К королеве Марии Мадам де Помпадур относилась уважительно.
В течение зимы 1764 года, ей был поставлен диагноз пневмонии и ее состояние ухудшается. Хотя она перестала делить постель с королём, она оставалась его лучшим другом, который сидел у ее постели столько, сколько он мог. Она завещала все свое состояние своему брату Авелю, маркизу де Мариньи, и умерла 15-м апреля 1764 года. По ее воле, она была похоронена в монастыре с матерью и дочерью. Людовик XV не сделал публичное выражение сожаления при прохождении похоронной процессии Мадам де Помпадур. Не было и излияние горя от общественности, которая видела ее как мота и кто пробовал себя в ужасной внешней политики. В течение всей похоронной процессии, Людовик XV стоял на своем балконе, несмотря на ветер и дождь и пришел к выводу: «Это меньшее, что я могу сделать. Подумайте: подруга на протяжении двадцати лет!..»
Франсиско Гойя. Офорты Капричос
Франсиско Гойя - знаменитый художник, который известен своими неоднозначными картинами. Кажется, что большинство из них созданы на грани какого-то болезненного психоза. Они удивляют и даже пугают. Стоит сказать, что для его времени (1746−1828), это было очень необычно. Многие его работы не понимают даже в наше время.
Серия офортов Франсиско Гойя, которая представлена здесь, называется Los Caprichos, Капричос, что переводится, как - Причуды. Серия была закончена в 1799 году. Все они являются своеобразными карикатурами, высмеивающие существующий порядок Испании - политический, социальный и религиозный строй того времени. Не только он, но и многие другие люди были возмущены тем, что происходит вокруг. Разжиревшая от безнаказанности церковь предавала инквизиции кого только пожелала, посылая на плаху и костёр неугодных ей людей. Дворянство, которое было настолько далеко от обычного народа, что не желало ничего делать для процветания страны и становилось похоже на беззаботных животных - ослов, которые только едят, пьют и развлекаются в своих имениях.
Капричос руки мастера Франсиско Гойя были созданы его желанием хоть как-то изменить общество. Он пытался указать всем окружающим на существующие проблемы. Конечно, его зрители и без того всё видели и понимали, но им нужна была подпитка и поддержка, что бы начать совершать культурную революцию, сначала в умах, а потом и в реальности. Дурные стороны жизни XVIII века казались Гойя настоящим злом. Он страдает от того, что видит деградацию общества, падение нравов и морали. Всё это отразилось в его гравюрах, где гротескные, карикатурные, символические, зашифрованные образы существуют в некоем мрачном пространстве. Именно такой Гойя и видел Испанию его времени - мрачное, инфернальное место, где церковь и власть, распутство, пьянство и социальная деградация день за днём убивают некогда великую страну.
Анри Матисс
Поиск самого себя, личностного авторского стиля является необходимым условием развития для любого талантливого мастера кисти. Рано или поздно каждый из великих художников находил свои уникальные методы и приемы, свойственные его индивидуальной манере, руководствуясь при этом сформировавшимся личностным пониманием роли живописи и собственным видением окружающего мира. Но из всякого правила обязательно должны быть исключения, лишь подтверждающие это правило. Одним из таких исключений был знаменитый художник Анри Матисс.
Творчество этого человека невозможно охарактеризовать в рамках какого-либо отдельного направления, поскольку он постоянно выходил за любые ограничивающие его рамки, снова и снова устремляясь туда, где до него никто еще не бывал. Всю свою жизнь Анри Матисс находился в безостановочном поиске. В стремлении к максимально эффектной и одновременно гармоничной выразительности он менял свои художественные инструменты и менялся сам. Музей в Ницце, посвященный жизни и творчеству мастера, открывает взглядам удивленных посетителей живопись и рисунок, оконные витражи и керамику, скульптуру и бумажные коллажи. В каждом из этих направлений и в целом ряде других Анри Матисс сумел сказать свое особое слово, оставившее яркий след в искусстве.
Все началось в тот день, когда у Анри, занимавшего скучную должность помощника адвоката, случился приступ аппендицита. Мать, желая развеселить выздоравливающего после операции сына, подарила ему коробку красок. Вскоре Матисс уже добивался у отца разрешения учиться в Париже на художника. Во время обучения у Постава Моро в Школе изящных искусств Анри Матисс познакомился с начинающими живописцами Альбером Марке и Жоржем Руо. Позже состоялось его знакомство с Полем Синьяком, виднейшим последователем основателя дивизионизма Жоржа Сёра. Влияние импрессионизма и дивизионизма, собственные эксперименты с цветовыми контрастами очень сильно сказались на ранних произведениях художника. Его картины и картины его товарищей Вламинка, Дерена, Руо и Марке, выставленные в Осеннем Салоне 1905 года, критики назвали «дикими», отсюда и произошло название нового направления - «фовизма».
Впоследствии Анри Матисс под влиянием различных впечатлений неоднократно менял стиль, манеру и технику, осваивал новые средства творческого самовыражения. Ряд удачных знакомств, в том числе с Пикассо и с русским коллекционером Щукиным, помогли ему улучшить материальное положение, и художник совершил несколько путешествий. В Марокко он увлекся восточными декоративными узорами и орнаментами, в Мюнхене испытал сильные чувства на выставке произведений исламского искусства, в России был потрясен иконами, на Таити восхищался цветочными композициями. Однако всякий раз, подчиняясь на время новому сильному впечатлению, Матисс впитывал его, как губка, а затем творчески перерабатывал в соответствии с собственным мироощущением.
Анри Матисс всегда чувствовал в цвете силу, способную подчеркнуть ощущение. В своих произведениях он заставил цвет излучать свечение и ритмическую танцевальную пульсацию. Стремясь к максимальному выражению целого, художник удалял все несущественные детали и предельно упрощал формы, считая вредным и ненужным все, что не влияло напрямую на эмоционально-энергетический импульс. Многие его композиции кажутся обманчиво простыми, но за каждой из них стоит титанический творческий труд, создающий поразительное напряжение этой «кричащей» простоты. В последние годы жизни при помощи обыкновенной цветной бумаги и ножниц Анри Матисс создавал аппликации, производившие потрясающий эффект симфонического цветового звучания, ритмической музыкальности линий и абсолютной композиционной гармонии. После смерти художника Пабло Пикассо коротко и емко охарактеризовал его творчество одной фразой «Матисс всегда был единственным и неповторимым».