Цитаты на тему «Художники»

Художник Генрих Ипполитович Семирадский — русский художник, виднейший представитель русского академизма, прославившийся монументальными полотнами из истории Древней Греции и Древнего Рима, библейскими сюжетами, академик и профессор Императорской Академии художеств, академий Рима, Турина, Берлина, Стокгольма, член-корреспондент французской Академии изящных искусств.

Генрих Семирадский (при рождении Генрик Гектор Семирадский) родился в октябре 1843 года в семье драгунского офицера польского происхождения Ипполита Семирадского, в слободе Ново-Белгород недалеко от Харькова.

Первые уроки рисования Генрих получил во время обучения во Второй Харьковской гимназии — его учителем стал Дмитрий Безперчий (ученик Карла Брюллова). Отец поощрял занятия сына живописью, но не относился к этим занятиям серьезно, поскольку не считал живопись серьезным занятием, которому можно посвятить свою жизнь.

В 1860 году, по требованию отца, Генрих поступил в Харьковский университет на физико-математический факультет и изучал естественные науки. Четыре года Семирадский учился в университете и посещал уроки рисования. В 1864 году успешно защитив выпускную работу в университете, с богатой коллекцией бабочек (бабочек художник собирал всю жизнь), будущий художник отправился в Петербург для поступления в Императорскую Академию художеств.

По пути в Петербург Генрих Ипполитович заехал в Москву, увлекся театром и балетом, публичной жизнью старой столицы, но вовремя вспомнил, что ехал в Петербург с некоей целью.
В 1864 году Генрих Семирадский стал вольнослушателем Академии, поскольку на общих основаниях в Академии могли учиться молодые люди, которые не достигли возраста 20 лет. Статус вольнослушателя предполагал платное обучение (25 рублей в год) и позволял вольнослушателю участвовать в конкурсе на Малую золотую медаль. А Малая золотая медаль давала право своему обладателю на шестилетнюю пенсионную поездку в Европу за государственный счет.
Генрих успешно занимался живописью, получал награды и премии, постоянно посещал концерты и музыкальные представления — он так и не приобрел друзей. Можно говорить о небывалом интеллекте, которому трудно было соответствовать (так пишут некоторые биографы), а можно — о ярко выраженной гордыне. В одном из своих писем он называет Академию «фабрикой», а Совет Академии — «кольцом старых идиотов».

В 1870 году вольнослушатель Семирадский получил Большую золотую медаль и отправился в заграничное турне. Сначала был Мюнхен, а потом художник перебрался в Рим. В Риме Семирадский обосновался на долгие годы и в России бывал только наездами. Пока он жил в Риме Академия присваивала живописцу очередные звания. Из России же художник получал и заказы на картины, в том числе и заказы официальные.
Нужно сказать, что круг «излюбленных» сюжетов Семирадского был достаточно узок — картины из жизни Древней Греции и Древнего Рима, библейские сюжеты, картины из истории Древней Руси и портреты.

Нужно сказать, что критики и художники часто критиковали Семирадского за сумбурность композиции, скученность и холодность, неестественность и т. д. Однако, публике работы художника нравились — разноцветный мрамор, множество мелких и хорошо прописанных аксессуаров, душевные трепетные сюжеты.
Однако, были такие картины, которые просто закрывали рты критикам. Я не буду их перечислять — я их покажу вам в галерее.

Пользовались большим успехом и другие работы художника — росписи в храмах, картины для Исторического музея.
Умер художник в 1902 году и был похоронен в Варшаве, однако в 1903 году прах художника был перевезен в Краков и захоронен в костеле.

Никас Степанович Сафронов — советский и российский художник. С 2013 года заслуженный художник России.

На своих картинах Сафронов изображал достаточно много знаменитостей: российских и зарубежных актёров, певцов и даже политических деятелей. Никас, помимо написания картин, также ведёт достаточно яркую и скандальную публичную жизнь (участвует в телевизионных шоу, эпизодически снимается в фильмах),

Художник заявляет о покупке нескольких его картин музеем Эрмитаж в Санкт-Петербурге, но работники Эрмитажа отрицают это утверждение. Не единожды творчество Никаса становилось объектом строгого осуждения, а именно в телевизионном шоу Александра Гордона.

Никас Сафронов: детство Никаса Сафронова

Никас Степанович Сафронов родился 8.04.1956 года в городе Ульяновск. При рождении получил имя — Николай. Рос в малообеспеченной, многодетной семье. У художника имеется четверо старших братьев и младшая сестра. Папа был военным, который вышел в отставку до того, как Николай родился. Из-за того, что его семья была небогатой, Сафронов воплощал в жизнь свои желания о странствиях и авантюрах с помощью творчества, своеобразно изображая и переделывая картинки из художественных книг.

Никас Сафронов: начало художественной деятельности

Посвятить свою жизнь творчеству, юному Сафронову не приходило в голову, поэтому после окончания школы он поступил в Одесское мореходное училище. Учёба длилась всего год, после чего он перебирается в Ростов-на-Дону и поступает в художественное училище им. Митрофана Борисовича Грекова. В это же время Сафронов работает художником-бутафором в Театре юного зрителя, а так же подрабатывает сторожем, грузчиком и дворником. В 1975 году, оставив учёбу, Николай пошёл служить в армии, в ракетных войсках.

После прохождения срочной службы, он вернулся к маме, в её родной город и устроился работать театральным оформителем. Этот опыт пригодился молодому человеку в скором будущем, так как переехав в 1978 году в Вильнюс он поступил в художественную академию на дизайнера и плотно занялся творчеством. Там же состоялась первая серьёзная выставка его работ.
Позже, переехав в Москву на постоянное место жительства, он оканчивает Суриковский институт. После нескольких выставок о нем начали говорить, как о талантливом сюрреалисте, портретисте и экспериментаторе.

Никас Сафронов: творчество художника

астоящая слава пришла к Никасу после его работ известных общественных деятелей и знаменитостей. Широко известной является серия портретных работ под названием «Река времени», на которой известные люди современности показаны в роли персонажей старинных картин.

У художника достаточно широкий круг живописных пристрастий, благодаря постоянному самосовершенствованию и множеством странствий. Не удивительно, что у Никоса Сафронова множество поклонников и почитателей, которые являются постоянными посетителями его выставок. Картины Никаса расходятся не только в музеи мира и РФ, но и по многочисленным частным коллекциям.
Его собственное видение Dream Vision набрало широкой популярности по всему свету. Особенностью этого стиля заключается в использовании классических рисунков с подсознанием и бессознательными ощущениями.

Никас Сафронов: личная жизнь Никаса Сафронова

За свою жизнь художник женился 3 раза. С первой супругой, Драганой, брак продлился всего двадцать дней. Со второй супругой, итальянкой Франческой, Никас прожил вместе 13 лет и имеет сына Стефано. Третий раз выбор художника пал на коллегу Марию, но отношения не были продолжительными и до Загса дело так и не дошло.

Жизненный уклад и привычки творческого человека делают его исключительным и удивительным человеком в современном мире искусств.

На протяжении долгого времени Малевича постоянно упрекали в рационализме. Основание для этого довольно просто найти. Основание дают особенности его творческого пути, умозрительный характер супрематизма, а также склонность великого мастера Малевича к теоретизированию. Складывается такое ощущение, что наследие художника как будто распадается на разнородные части.

Однажды один из критиков А. Эфрос высказал мысль о том, что «никакого «художника Малевича» нет вообще, что это некий собирательный образ, что есть несколько лиц, носящих имя и фамилию «Казимир Малевич». Конечно, этим словам давно никто не верит. Но сколько бы людей не пытались это сделать, все равно объяснить творчество Малевича невозможно. Малевич начинал свой творческий путь еще со времен романтизма, он сильно увлекался работой на натуре. Не раз Малевич говорил о себе: «как кончится служба, прямо бегу, несет меня к этюднику, краскам. Схватишь и несешься на этюды. А огромной силы, невероятной, может достигать это живописное чувство. Прямо взорвать человека может».

Копирование натуры безумно не было его занятием. Малевич не раз повторял: «Скопировать природу — вот взять и так написать, как она есть — а вот она как хороша! А напишешь — будет неинтересно. Нужно что-то внести» такие слова на протяжении долгого времени Малевич говорил своим ученикам. Без осмысления своей живописной практики Малевич не мог бы носить гордое призвание художника. В 1916 году ему удалось сформулировать свою жизненную и творческую позицию: «Художник должен знать теперь, что и почему происходит в его картинах». Малевичу удавалось отдаваться полностью любому творческому порыву.

Он считал, что настоящий художник должен уметь ставить цели и добиваться их, а также анализировать свой труд и его плоды. Художник должен был быть и творцом, и теоретиком в одно и тоже время. Малевич не раз советовал своим коллегам «приводить все в систему». Система была одни из любимых понятий Малевича. Своих учеников Малевич заставлял осваивать системы французской живописи, как когда-то делал сам. «У меня чисто моего остается супрематизм, а остальное — не мое. Но я ничего не потерял от того, что проходил строго эти системы», — говорил художник в начале 1929 года. «Прохождение» систем имело не просто учебный характер. Малевич считал, что в живописи, также как и в науке: новое возникает на основе того, что было сделано ранее. Только следование «магистральным», объективно важным тенденциям искусства способно сделать индивидуальное творчество значимым. Не стоит им сопротивляться. «Нравится или не нравится — искусство об этом вас не спрашивает, как не спросило, когда создавало звезды на небе», — писал художник в 1916 году.

Он как будто вовсе не сомневался, что звезды сделаны искусством. Но изучение систем — не самоцель, оно является лишь подготовкой к созидательному творчеству. Очень трудно найти свой путь в лабиринте современных изгибов. Для Малевича главную роль играет самопознание, которое осуществляется погружением в себя, включением интуиции. В определенный момент каждому художнику необходимо отстраниться от «чужого» искусства, а также от любых внешних воздействий. Точные и правильные творческие решения возникают по «внутренней необходимости».

В Гинхуке Малевич практиковал «инкубацию». Он старался изолировать учеников, когда они работали. Судя по всему, Малевич тоже пользовался таким приемом. По воспоминаниям всех, кто окружал его в поздние годы, он любил долго бродить один, на таких прогулках Малевич обдумывал свои работы, а затем быстро писал (зачастую возвращаясь к законченным картинам и на новом этапе решая поставленную когда-то задачу). Большинство картин сначала разрабатывалось им в графической технике. Малевич очень трепетно относился к созданию рисунков, особенно в период кубофутуризма и супрематизма. Именно эти течения выявили в Малевиче остроту композиционного мышления, открыли в нем дар изобретателя. Однажды Н.А. Удальцова вспоминала: «Малевич страстно верил в то, что выдумывал. Как-то пришла к нему. Малевич открывает стол, а там бесконечное количество бумажек. Все это были композиции, которые он переводил на холст …:. Мне всегда казалось, что в его вещах выдумка переходит органически в какой-то творческий момент … Вот он выдумал тогда свой квадрат. Наверное, это был момент какой-то гениальности». Каждый из выдающихся художников способен на то, чтобы создавать новую систему.

Малевич считал, что существуют некоторые категории талантливых художников. В одной из них они работают в рамках чужой системы — он называл их «пустотелыми». Но собственная система не должна быть закреплена только на создателе. Художнику не стоит обращаться внимание на узнаваемости своего стиля, своей манеры. Малевич считал, что не стоит бояться потерять лицо. А вот другую заботу, Малевич считал стремлением к коммерческим успехам. Настоящий художник должен быть всегда готов к новизне.

Долгое время Малевич считал, что супрематизм завершил историю живописи, действительность опровергла его представления. Малевич в свои последние годы уже не диктатор, который зовет соратников под знамена супрематизма. Теперь его отличительная особенность — интерес, который он проявляет в самые разные направление живописи. В свои последние годы Малевичу нравится писать полотна в стиле старых мастеров, на одном из портретов он предстает перед нами в образе художника эпохи Возрождения. На другом же полотне можно увидеть Малевича современником Рембрандта или Хальса.

Теперь он относится без предвзятости даже к методу натурализма и выполняет в его ключе несколько этюдов и портретов. В будущих экспериментах Малевич основывается на прочной базе технических навыков. Эти навыки Малевичу удалось получить в годы учебы в школе Ф.И. Рерберга. Сам же Рерберг был не только опытным живописцем, но и одним из выпускников Академии художеств. Также он был экспертом по производству красок.

Многие исследования показывают, что картины Малевича были написаны традиционным методом послойного письма. Иногда присутствовало применение классических лессировок. В творчестве Малевича часто боролись или мирно соседствовали импульсивность и рассудочность. У Малевича в технике начинали играть развитый рисунок, активный и динамичный мазок, сложные колористические и фактурные построения. В своей живописи Малевич был многогранен и целеустремлен, также как и в других сферах своей жизни.

Винсент Ван Гог (1853−1890) является всемирно известным нидерландским художником-постимпрессионистом. Сегодня это классик живописи, чьи произведения продаются за миллионы долларов. Биография Ван Гога — классический пример непонятого современниками гения, прожившего жизнь изгоем и страдальцем. Картины художника известны сегодня всем, а вот его жизнь остается загадкой, будучи окутанной мифами.

Мы знаем только о сумасшествии Ван Гога, отрезанном ухе, да самоубийстве. Между тем этот человек имел широкий круг интересов, сегодня его биография довольно неплохо изложена историками. А самые известные заблуждения и мифы о личности Ван Гога обретают настоящий смысл. Ведь даже первые биографы мастера, умышленно или нет, способствовали появлению легенды.

Ван Гог видел мир не как обычный человек, а завитками и мазками. Этот миф объясняет, почему художник создавал такие своеобразные картины. Однако первые творения Ван Гога относились к жанру «крестьянской живописи». Художник пытался отобразить жизнь обычных жителей деревни. И там нет никаких завитков, ярких красок. Сами картины довольно темные и даже мрачные. Так что говорить об особенном зрении не приходится. Все творчество Ван Гога заключено в поисках новой формы выражения. Сам он писал: «Я ищу. Я стремлюсь. Я в этом всем своим сердцем». Вполне вероятно, что в определенный момент брат Ван Гога, Тео, сам успешный арт-дилер, дал совет Винсенту отойти от избитой тематики крестьянской живописи в пользу более модного импрессионизма. Светлые и яркие картины привлекали к себе внимания, оставалось дождаться лишь признания общественности.

Избыток желтого цвета в картинах Ван Гога обусловлен пристрастием художника к абсенту. Любовь к этому спиртному напитку, как считается, могла вызвать галлюцинации и изменить восприятие человеком цвета. Однако так и непонятно, в каком объеме и как часто надо употреблять абсент чтобы дойти до такого состояния. И не только Ван Гог злоупотреблял абсентом, но обвиняют в неверной цветопередаче только его. Более того, как раз в момент обострения психической болезни художник и не мог творить. Пристрастие только мешало ему, а не помогало.

Ван Гог жил в нище и умер абсолютно безвестным. Фактически Ван Гог в нищете не жил. Его финансово обеспечивал младший брат, так что Винсент не хватался за любую работу, разменивая талант. Лео видел явные способности брата, выплачивая ему ежемесячное пособие, приобретя краски, книги по искусству, материалы. Хватало денег даже на проституток. И хотя модным и популярным Ван Гог действительно не стал, но он тесно общался с самыми перспективными и молодыми художниками, которых еще ждала слава: Дега, Гогеном, Писсарро, Тулуз-Лотреком. И в самом конце жизни Ван Гог был все же замечен критиками, которые стали выделять его творчество. Богатым он так и не стал, тем не менее положение мастера было лучше, чем у многих других его коллег-современников.

Ван Гог был настоящим безумцем, который просто выплескивал эмоции на холст. В своих письмах к брату Тео Винсент постоянно рассуждал о живописи, творчестве, техниках и материалах, постановке задач. Да и с самого детства художник изучал языки и брал уроки рисования. Он считался весьма трудолюбивым, упорным и неглупым. Депрессия у Ван Гога и припадки эпилепсии из-за чрезмерной любви к абсенту появились только в конце жизни. Сам художник писал, что до такого состояния он доводил себя умышленно, так как в спокойном состоянии его взгляд становился пустым. Тут свою роль играла и непризнанность публикой. Но сегодня многие сходят с ума и от меньших проблем. А породил миф искусствовед Юлиус Мейер-Грефе. Он рассказал, что Винсент творил буквально в слепом упоении, выплескивая темперамент на холст. Сам Ван Гог был настоящим трудоголиком, утверждая, что в искусстве надо «работать, как несколько негров, спуская с себя кожу». В последние месяцы жизни художник мог создать картину за несколько часов, но при этом повторяя, что работал годами, чтобы научиться творить стоящее за такой короткий срок. О работе по наитию не было речи — Ван Гог долго и напряженно трудился над одним мотивом. Тех же «Подсолнухов» было создано несколько вариантов. Ван Гог создавал продуманные с творческой и коммерческой стороны серии. А Гоген писал о друге: «Вы единственный думающий художник из всех».

Ван Гог в припадке безумия отрезал себе ухо и отдал его проститутке. Этот экстравагантный поступок стал визитной карточкой художника. Не все помнят его картины, но этот факт навсегда стал ассоциироваться с Ван Гогом. Легенда гласит, что некоей проститутке нравились уши художника. Этой даме Ван Гог и подарил своей ухо, не имея средств на приобретение рождественского подарка. В реальности же он потерял не ухо, а только его часть, мочку, да и то — при загадочных условиях. Считается, что в то время жилье у Ван Гога снимал Гоген. Художники много творили вместе, горячо споря об искусстве. И вот однажды, в пылу спора, эмоциональный Гоген полоснул товарища по уху. Сам он был опытным драчуном, обладая большим опытом подобных стычек в матросских тавернах. Так что версия о припадке Ван Гога, и о том, что тот гонялся с лезвием за коллегой по квартире, было придумано самим Гогеном. В таком свете история его оправдывала. Да и Ван Гог любил товарища, поэтому вполне мог скрыть его дурной поступок. Под корень отрезать ухо означало истечь кровью, ведь медицинская помощь художнику была оказана лишь через 10 часов. И во врачебном заключении говорится как раз об отрезанной мочке.

Ван Гог покончил с собой. Классической является история о самоубийстве Ван Гога. 27 июля 1890 года он на прогулке выстрелил себе в сердце из пистолета, приобретенного для отпугивания птиц. Пернатые мешали творить на свежем воздухе. Художник в сердце не попал и сумел добраться до гостиницы, где успел еще проститься с братом. Но эта версия в 2011 году получила альтернативу. Американские историки искусства, лауреаты Пулитцеровской премии, Стивен Нафех и Грегори Смит в своей книге написали, что никакого самоубийства не было. В это не поверил и судмедэксперт, который отметил отсутствие ожогов на руках, которые должны были бы появиться в таком случае. Да и сам пистолет найти не удалось, как и очевидцев произошедшего. Непонятно, зачем устраивать себе такую мучительную смерть, а не выстрелить в голову? С большой вероятностью можно полагать, что стрелял кто-то из подростков-хулиганов, которые пили с Ван Гогом в местных забегаловках. Они могли играть с огнестрельным оружием в ковбоев. Сам художник в свое время умолчал о проступке Гогена, вероятно, решив пожалеть и мальчишек. В это время Ван Гог пребывал в глубочайшей депрессии, ему попросту ничего не было интересно. Обвинять кого-то он не стал и смиренно расстался с жизнью.

Ван Гог был не признан современниками. В последние годы художник получил определенную известность. С 1888 года известные критики Феликс Фенелон и Гюстав Кан, обозревая творчество независимых авангардистов, выделяли яркое творчество Ван Гога. Критик Октав Мирбо даже посоветовал Родену приобрести работы необычного мастера. Картины Ван Гога были в коллекции Эдгара Дега, весьма тонкого ценителями искусства. Еще при жизни художника в газете «Меркюр де Франс» о нем написали, как о великом художнике, наследнике Рембрандта и Халса. Творчеству голландца была посвящена целиком статья звездного критика Анри Орье. Сам он собирался работать над биографией Ван Гога, но так и не смог, скончавшись от туберкулеза.

Ван Гог пытался познать Бога и народ, служа проповедником у шахтеров. Эта история стала основой для богоискательской легенды о Ван Гоге. В 1879 году он действительно служил проповедником в бельгийском шахтерском городе Боринаж. Биографы увидели в этом желание страдать вместе с убогими и нищими, порвав со своей родной средой. На самом деле Винсент в те годы решил стать священником, как и его отец. Но для получения сана требовалось пять лет проучиться в семинарии или же пройти ускоренный трехлетний упрощенный и бесплатный курс в евангельской школе с полугодовой службой миссионером. Так Ван Гог и оказался среди шахтеров. Он старался им помочь, но сближаться не планировал, оставаясь представителем своего среднего класса. А по истечении срока Ван Гог отправился в школу. Вот только условия изменились, и появилась плата за учебу для голландцев. Ван Гог принял решение оставить религию и стал художником. Его временное миссионерство было необходимым шагом для духовной карьеры, а не порывом души.

При жизни была продана только одна картина Ван Гога. Этот миф является частью образа непризнанного гения. В 1890 году Тео за 400 франков продал пейзаж «Красные виноградники в Арле». Картина была написана за 2 года до этого. Однако факты говорят, что художник все же имел больший успех. Как минимум одна его картина была продана в Англии. Речь идет об одном из автопортретов Ван Гога. Некие лондонские дилеры Салли и Лорри приобрели картину малоизвестного голландца. Популярностью пользовались рисунки Ван Гога, но все же этого не хватало для полной независимости от брата.

Ван Гог был человеком из народа, бунтарем и даже анархистом. Тот же биограф Юлиус Мейер-Грефе постоянно менял акценты на истории жизни Ван Гога. Легенда внедрялась в Германии, где художника никто не знал. Сперва Ван Гог представал человеком из народа, провозвестником модерна. Но этот жанр вскоре выдохся. Тогда Ван Гог стал называться бунтарем-авангардистом, что нравилось богеме, но не обывателям. И только в 1921 году появился образ гениального безумца, чьей рукой управлял сам Бог. На самом деле Ван Гог окончил частную гимназию, свободно общался на трех языках и много читал. Коллеги прозвали художника Спинозой. За спиной Ван Гога всегда была семья, которая поддерживала его в начинаниях. Дед создавал переплеты старинных манускриптов для королевских домов, дяди торговали предметами искусства, в семье был даже адмирал. Сам художник рос прагматичным человеком.

В своей последней картине Ван Гог сообщил о будущем самоубийстве. Картину «Пшеничное поле с воронами» Ван Гог закончил за 19 дней до своей смерти. В фильме «Жажда жизни» показано даже, как художник, закончив работу над картиной, убивает себя. Но нет никаких доказательств того, что депрессивная картина является предсмертным посланием. Да и теперь последней работой считаются «Пшеничные поля», что стало ясно из переписки художника с братом. Стоимость полотна составляет теперь не менее 20 миллионов долларов. Но никакой связи картин со смертью Ван Гога не обнаружено. Свое последнее письмо он направил брату за четыре дня. Там упоминались Сад Добиньи и «коттеджи с соломенными крышами», никаких мистических знаков и намеков не содержалось.

Ван Гог работал по ночам, устанавливая свечи в свою шляпу. Этот миф появился в 1922 году в книге французского журналиста Гюстава Коко. Он пересказал анекдот о работе Ван Гога в шляпе со свечами во время работы на «Звездной ночью». Но сам художник рассказывал, что работал при свете обычного газового фонаря.

Картина «Комната в Арле» доказывает безумное состояние художника. Неестественно искривленное пространство предъявляют в качестве доказательства сбоя в психике Ван Гога. Однако оказалось, что он весьма реалистично изобразил действительность. В доме в Арле, где жил Ван Гог, стены и потолок действительно оказались скошенными.

Ван Гог перегрелся под открытым небом, из-за чего и сошел с ума. Известно, что Ван Гог любил работать под открытым небом. Он плохо переносил запах скипидара, которым разводили краски. И этот факт лег в основу нового мифа. Биографы писали, что Ван Гог настолько любил свой источник вдохновения, солнце, что даже не покрывал свою голову. В результате сгорели все волосы, а незащищенный череп планомерно напекался лучами, что и свело с ума художника. Однако на поздних автопортретах Ван Гога и на портретах уже мертвого художника заметно, что волосы на его голове присутствовали до конца жизни.

Ван Гог считал себя одиночкой и не хотел заводить семью. Сотрудники музея Ван Гога отмечают, что больше всего на свете художник хотел иметь как раз семью с детьми. Мужчина очень тяжело знакомился с посторонними и редко кого допускал в свой внутренний мир. В его короткой жизни было всего полтора года «игры» в семью. Роль жены исполняла бывшая проститутка и модель Син Хурник, уже со своим ребенком. После того, как продолжительные отношения подошли к концу, Ван Гог уже не мог построить гармоничных и долговременных отношений с женщинами. Новость о том, что он станет дядей, для Винсента стала радостной. Он даже написал полотно «Цветущие ветки миндаля» под впечатлением. Теперь эта картина украшает семейную коллекцию наследников.

Русский художник-самоучка Владимир Третчиков с пяти лет не бывал в России, он жил в Китае, Сингапуре, на Яве, в ЮАР. На Западе его картины пользовались большим успехом, он провел 52 персональные выставки. Тем не менее, Третчиков не получил признания в профессиональной среде — ни одна из его работ не была приобретена музеем или художественной галереей. Его называли «королем китча», «Пикассо супермаркетов» и «художником больших денег». С последним сложно поспорить — Третчикова считают одним из самых коммерчески успешных художников ХХ века.

Владимир Третчиков родился в 1913 г. в Петропавловске, после революции его семья покинула Россию и бежала в Маньчжурию. Мальчик рано осиротел и был вынужден самостоятельно зарабатывать себе на хлеб с 12 лет. Он устроился помощником художника в Харбинский оперный театр, занимался иллюстрированием учебников, писал портреты. Его работы привлекли внимание руководства Китайско-Восточной железной дороги, и Третчикова отправили на учебу в СССР, снабдив солидной суммой.

До СССР Третчиков так и не доехал. В Шанхае родной брат убедил его остаться и вложить деньги в бизнес. Вместо этого он обманул его и скрылся с деньгами. Третчиков устроился карикатуристом в местную газету, а позже основал рекламную студию. В 1934 г. Третчиков подписал контракт с рекламной фирмой и переехал в Сингапур. Помимо этого, он преподавал в художественной школе и писал портреты. Там он прожил недолго — после начала Второй мировой войны он уехал на остров Ява.

До конца войны Третчиков жил в Батавии (ныне — Джакарта, столица Индонезии). Там он рисовал карикатуры для газет, занимался оформлением театральных спектаклей, писал портреты местных жителей. После войны ему удалось отыскать свою семью — жену и дочку — в Кейптауне. В ЮАР Третчиков прожил до конца своих дней. В России с тех пор он так никогда и не был, хотя до конца жизни отлично говорил по-русски.

Именно в ЮАР к Третчикову пришла популярность. В 1948 г. он с успехом провел первую персональную выставку, со временем его выставки в ЮАР побили все рекорды по сборам и посещаемости. При этом национальная галерея ЮАР не купила ни одной его работы, так как «Третчиков не является южноафриканским художником», хотя он прожил в этой стране 60 лет

В 1953—1955 гг. художник провел выставочное турне по США и Канаде. В 1961 г. в Лондоне на его вернисаж пришло 205 тысяч человек, выстроившихся в гигантскую очередь. Его работы пользовались большим спросом, особенно портреты. Ими украшали стены кафе, офисов, парикмахерских, отелей, салонов красоты и т. д., за что Третчиков и получил прозвище «художника супермаркетов».

По коммерческому успеху своего творчества Третчиков уступал только Пикассо. Его «Китаянка» («Зеленая леди») была продана в Лондоне за миллион фунтов стерлингов. Эта работа стала одним из самых известных символов западной поп-культуры и самой продаваемой репродукцией в мире. Она украшала стены гостиных в Великобритании, Канаде, Австралии, Новой Зеландии, Сингапуре, ЮАР.

В Западной Европе и США его считали культовым художником, в России о нем мало кто слышал. В профессиональной среде его работы не получали высоких оценок, критики разносили его выставки в пух и прах. Первые русские публикации о Третчикове появились только в 1990-х., из 52 персональных выставок ни одной не было проведено в России.

Гениальный человек гениален во всем. А если говорить о великих художниках, то они, как правило, не только гениальны, но и чудаковаты. И даже их хобби и увлечения, по воспоминаниям современников, были, мягко говоря, странными. Хотя, кто знает: может быть именно сумасшедшие натуры с необычным взглядом на мир и свою жизнь способны создавать шедевры живописи?

Пабло Пикассо

Пабло Пикассо был поклонником оружия и сам любил пострелять, да не просто пострелять, а навести настоящий ужас на окружающих. Он частенько палил в воздух, возвращаясь под утро домой из кафе и ресторанов. Художник иногда угрожал револьвером в своей мастерской покупателям картин, когда торговался с ними по поводу цены. В порыве аффекта он мог даже стрельнуть в прохожего на улице.

К счастью, он всегда использовал холостые патроны, но, тем не менее, подобное поведение многих пугало и возмущало. Однажды за такую стрельбу художника даже арестовала полиция.

Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи очень любил играть словами и создавать зашифрованные тексты. Например, часто он писал справа налево, и прочесть его послание можно было только, поднеся его к зеркалу. Примерно так же, по мнению некоторых исследователей, он кодировал и свои известные картины, оставляя на них скрытые послания зрителям. Ключом к разгадке мог быть взгляд изображенного на полотне человека, руки, ноги либо определенный предмет. Какую-то картину, согласно этой теории, нужно перевернуть, а какую-то — поднести к зеркалу определенной частью. Самой зашифрованной картиной считается его «Джоконда».

Леонардо был амбидекстром, то есть хорошо владел как правой, так и левой рукой, поэтому иногда он мог писать двумя руками одновременно.

А еще Леонардо очень любил играть на лире, и это у него получалось великолепно. Некоторые современники считали его главным образом хорошим музыкантом, и только потом — художником и ученым.

Анри Матисс

Матисс был человеком весьма своеобразным и страдал разными фобиями. Больше всего он боялся, что когда-нибудь останется нищим и никому не нужным — например, если вдруг ослепнет и не сможет писать картины. Поэтому на всякий случай художник научился играть на скрипке.

Однажды во время застолья в одной из забегаловок он даже отобрал у бродячего скрипача инструмент и принялся вдохновленно играть сам. Впрочем, это искусство давалось ему гораздо хуже, чем мастерство художника. Видимо, догадываясь об этом, Матисс даже в глубине души стеснялся своей игры и опасался, что ее услышат журналисты и начнут его высмеивать.

Николай Ге

Будучи в солидном возрасте, именитый художник Николай Ге неожиданно бросил городскую жизнь и уехал на хутор в Черниговскую губернию, где занялся простыми деревенским хозяйством. Он выращивал овощи, солил грибы, а еще неожиданно увлекся… изготовлением русских печей.

Как вспоминал друг и коллега художника Григорий Мясоедов, однажды он приехал в гости к Ге на хутор Ивановское и застал хозяина перемазанным глиной и исцарапанным. Тот объяснил ему, что решил стать последователем Толстого и заняться простым физическим трудом. Он, мол, уже переложил все печи жителям Ясной Поляны, а теперь возводит печь своим соседям.

Кстати, заказчики щедро одаривали «печника» продуктами, и он с благодарностью их принимал, замечая, что дополнительный хлеб никогда не бывает лишним.

Илья Репин

Илья Репин, как и его супруга, был вегетарианцем. В своем имении «Пенаты» он ввел правило есть только скромную и полезную растительную пищу и требовал того же от близких. Зная такие правила художника, гости, которые приезжали к нему, привозили мясные продукты с собой и ели их только тайком — когда не видит хозяин. Спал Репин всегда на свежем воздухе, на балконе — даже в сильные морозы.

Была у него и еще одна причуда. В доме художника все, даже гости, должны были обслуживать себя сами. В гостиной у него стоял круглый стол, центральная часть которого поворачивалась вокруг своей оси — таким образом во время трапезы каждый мог сам накладывать себе любое угощение, не прибегая к помощи других — достаточно было лишь повернуть круг.

Если кто-то нарушал правило, Репин назначал ему «наказание»: в углу комнаты стояла трибуна, с которой «проштрафившийся» обязан был произнести речь. Если художник замечал отступление от правил за самим собой, то также шел к трибуне. Эту забавную игру он очень любил.

Михаил Врубель

Как известно, у Михаила Врубеля была навязчивая привычка портить свои картины и переделывать их. Например, когда у художника один раз возникло спонтанное желание написать понравившуюся ему даму, он, не раздумывая, взялся за кисть и начал рисовать ее поверх уже готового портрета одного купца, который до этого долго ему позировал.

А вот настоящим хобби Врубеля было полиглотство. Художник говорил на восьми языках и при любой возможности старался практиковаться. Не важно, кто был перед ним — англоязычный метрдотель ресторана, гувернер на даче купца Саввы Мамонтова или случайный прохожий иностранец. Врубель мог упражняться в разговорах часами, а потом с восторгом рассказывать окружающим, что узнал от собеседников.

Утопая в воздушном платье, она со скучающим видом смотрит мимо нас с балкона на одной из самых известных картин Эдуарда Мане. Берта Моризо была не только любимой моделью знаменитого живописца, но и одной из самых выдающихся художниц XIX века, женщиной, которой удалось почти невозможное: успешно сочетать семью, карьеру, дружбу, оставаясь верной себе и своим убеждениям.

Первые уроки

Отец Берты Моризо был чиновником высокого ранга, мать — преданной мужу и детям хозяйкой дома. Берта, родившаяся в 1841 году, и ее старшие сестры, Ив и Эдма, получили образование, полагающееся девушкам из приличного общества: музыка, танцы, вышивание, уроки рисования. Эдма и Берта проявили способности к живописи. Для них наняли учителя. Мадам Моризо хотела, чтобы дочери смогли нарисовать что-нибудь ко дню рождения отца. Уроки шли своим чередом, но однажды преподаватель высказал свои опасения в письме к мадам: «У девочек такие способности… Они станут художницами. Вы понимаете, что это значит? В вашем кругу это будет революцией, даже катастрофой».

Учитель несколько драматизировал ситуацию, но был не так далек от истины. Одно дело живопись как развлечение для барышень, другое — профессия. Слишком многие были готовы подписаться под словами Эдмона де Гонкура: «Гениальных женщин не существует, те, кто демонстрирует признаки гениальности, обманывают природу, потому что на самом деле они мужчины». Художницам не разрешалось учиться в Академии изящных искусств, рисовать обнаженную натуру, не рекомендовалось изображать мужчин, даже одетых. Француженка Роза Бонер была вынуждена переодеваться в мужской костюм, чтобы свободно писать с натуры на ярмарке лошадей. Девушки даже не могли показаться без сопровождения в Лувре, чтобы копировать работы мастеров, как того требовали каноны обучения художников.

Мадам Моризо проигнорировала предупреждение учителя и позволила дочерям реализовать их таланты. В саду их дома была построена студия для юных художниц, а путешествия семьи планировались с тем расчетом, чтобы девушки могли работать на пленэре.

Полезные связи

В 1868 году в Лувре Берта Моризо познакомилась с Эдуардом Мане. Тогда написать обнаженную женщину, пририсовать рядом амурчика и сказать, что это Венера, было в порядке вещей. А вот обнаженная женщина в такой же позе, которая дает понять, что это современница и куртизанка (как сделал Мане в знаменитой «Олимпии»), абсолютно неприлично.

Несмотря на одиозность своих картин, Эдуард Мане был респектабельным представителем высшей буржуазии, настоящим денди и завсегдатаем модных салонов и кафе. Он впечатлился талантом мадемуазель Моризо, ее особенной красотой и тотчас же уговорил ее позировать. В общей сложности он написал не менее 10 портретов Берты. Несмотря на взаимное притяжение, между ними не могло быть ничего, кроме дружбы: Мане был женат. Берте оставалось отпускать язвительные замечания о его жене в письмах сестре и разделять с Эдуардом общую страсть к живописи. Мане нельзя назвать учителем Берты, хотя его идеи оказали на нее сильное влияние. Девушка была достаточно самостоятельна, чтобы понимать значимость собственного стиля. Однажды она собиралась отправить свою работу на выставку, но была не удовлетворена картиной. Мане, едва увидев полотно, вызвался исправить погрешности. Результат привел Берту в отчаяние: картина стала, возможно, более совершенной, но это было уже не ее творчество. Она признавалась сестре: «Мама находит ситуацию забавной, меня же она раздражает. Единственная надежда, что жюри отвергнет работу».

Мане познакомил Моризо с импрессионистами. Моне, Ренуар, Сислей, Дега, Писсарро, Сезанн — их живопись отличалась от всего, что считали эталонным: краски слишком ярки, линии недостаточно четки, сюжеты, взятые из повседневной жизни, совсем не возвышенны. Их картины не покупались, и те, кто не имел другого дохода, были вынуждены жить впроголодь. Берта была принята в их круг. Порой ее присутствие смягчало жаркие споры, которые рисковали перейти в рукопашную. Даже язвительный женоненавистник Дега отзывался о Берте с уважением.

Известными широкой публике становились лишь те, кто выставлял свои работы в Салоне — на ежегодной парижской выставке Академии изящных искусств. В жюри, которое занималось отбором работ, входили художники старой школы, не признававшие новых веяний и отвергавшие картины, которые не соответствовали классическим канонам. Берте повезло, и первые два пейзажа, которые она отправила в Салон, были приняты. И потом она выставлялась неоднократно. Картины Моне и Ренуара чаще отвергались, чем принимались, работы Мане вызывали насмешки, Сезанн не был принят ни разу.

В апреле 1874 года открылась первая выставка импрессионистов. Берта была единственной женщиной среди тридцати ее участников. Мане отказался выставляться, пытался отговорить от этого и Берту, убеждал ее, что, связывая свое имя с кучкой отверженных художников, она навсегда закроет себе дорогу к настоящему признанию. Экспозиция вызвала скандал, критики соревновались в остроумии, советуя беременным женщинам воздержаться от посещения, чтобы не родить раньше срока от пережитого потрясения. Через два года состоялась вторая выставка, критики были по?прежнему неумолимы: «Пять или шесть сумасшедших, среди них одна женщина, сговорились выставить свои работы на обозрение». Берте тоже досталось: «Мадам Моризо — женщина, и я когда-то читал, что женщин нельзя бить ничем, даже цветами. В таком случае мне будет тяжело сочетать долг критика и галантного джентльмена».

С 1874 по 1886 год состоялось восемь выставок импрессионистов, Берта пропустила только одну из них, когда приходила в себя после рождения дочери. Все эти годы Моризо оставалась верной самой себе и своим друзьям, для чего требовалось немалое мужество и сила духа. Сейчас картины Моне, Ренуара, Сислея стоят миллионы, тогда же они ценились едва ли не меньше, чем сам холст. Однажды известный ресторатор и приятель художников устроил лотерею, где главным призом была работа Писсарро. Женщина, вытянувшая выигрышный билет, предпочла взять вместо картины пирог.

Лишь к середине 80-х новое направление начало завоевывать признание. Берту Моризо называли импрессионисткой par excellence — в полном смысле слова. Ее нежные, меланхоличные картины, изображающие жизнь женщины из высшего общества, как нельзя лучше передавали идеи течения. Критик писал о ее работах: «Берта Моризо никогда не заканчивает картину, она будто создает предисловия к книгам, которые никогда не напишет». Но многие находили эти предисловия прекрасными. «Мадам Моризо — единственная женщина-художник, чьи картины нельзя уничтожить, не нанеся невосполнимую потерю в истории живописи», — писал другой ценитель.

В начале 1890-х годов признание стало более ощутимым: организуется персональная выставка работ Берты Моризо, одну из ее картин купил государственный музей. Через год после смерти художницы ее дочь и друзья открыли вторую персональную выставку, которая имела небывалый успех у публики и критиков.

Семейные сцены

Члены семьи Моризо были очень близки друг с другом. Когда Эдма вышла замуж за морского офицера, ей пришлось забыть про живопись, она писала сестре: «Я с тобой, дорогая Берта, в мыслях я следую за тобой по студии. Как бы мне хотелось сбежать пусть даже на четверть часа, чтобы вдохнуть воздух, которым мы дышали столько лет». Пример замужества сестры (кстати, счастливого замужества!) не вдохновлял Берту: она не мыслила свою жизнь без живописи, а для женщины считалось невозможным совмещать карьеру и семью. Мать беспокоилась: Берте исполнилось 30, но о браке она не помышляла, хотя недостатка в поклонниках не было. «Она казалась бесконечно гордой и сдержанной, но ее холодность была так пленительна, что было невозможно остаться равнодушным», — говорил поэт Стефан Малларме.

Мы вряд ли узнаем, как удалось Эжену Мане, младшему брату Эдуарда Мане, убедить Берту изменить скептическое отношение к браку, но вскоре после их свадьбы в 1874 году она писала: «Я вышла замуж за прекрасного, честного молодого человека. Думаю, он искренне меня любит. Я долго гонялась за иллюзиями, которые не сделали меня счастливой, теперь начинается настоящая жизнь». Эжен носил ее мольберт, когда она работала на пленэре, заказывал рамы для картин, следил, как развешивают ее работы на выставках, подбадривал жену и восхищался ее талантом. Их единственный ребенок родился через четыре года после свадьбы, когда Берте было уже 37 лет.

Семейные сцены были ее излюбленным сюжетом, моделью выступала сестра Эдма, позднее — муж и дочь Жюли. Любимое дело помогло Берте пережить раннюю смерть Эжена в 1892 году. Три года спустя она умерла от воспаления легких. Ее последнее письмо было к дочери: «Моя маленькая Жюли, я люблю тебя, я буду любить тебя, даже когда умру. Умоляю, не плачь, это расставание было неизбежным».

Иероним Босх — наверное, самый загадочный художник в мире. До сих пор исследователи спорят о сути его творчества, о том, почему он выбирал такие странные и пугающие сюжеты… Его называют религиозным еретиком, магом, алхимиком, пришельцем, контактером…

Член Братства Богоматери

Настоящее имя живописца было Ерун ван Акен. Он родился около 1450 года в голландском городе Хертогенбос, входившем тогда в состав Бургундского герцогства. Семья ван Акенов происходила из немецкого города Ахен. Художниками были и дед Еруна, Ян ван Акен, и его отец Антоний.

Впервые имя молодого ван Акена упоминается как «Jheronimus» в архивных документах за 1474 год. В 1478 году отец Иеронима скончался, и сын унаследовал его художественную мастерскую. В основном ван Акены занимались выполнением различных заказов — стенных росписей, золочения деревянных скульптур, изготовления церковной утвари.

Согласно документам, в 1480 году Иероним взял себе псевдоним Босх. Это было всего лишь производное от сокращенного наименования его родного города Хертогенбос — Den Bosch.

В 1486 году живописец вступил в Братство Богоматери («Zoete Lieve Vrouw»), куда входили как люди духовного сана, так и миряне. Возможно, Босхом двигал коммерческий интерес: ему стали поручать оформление различных церемоний, росписи в храме и т. п. Он быстро стал известен и за пределами общины.

Скончался Босх в 1516 году. После него сохранилось около 25 картин и 8 рисунков. Среди них — триптихи, фрагменты триптихов и, наконец, отдельные полотна.

Рисующий ад

Многие полотна Босха созданы на заказ по религиозным сюжетам. Так, свой знаменитый триптих «Страшный Суд» он предположительно писал по заказу тогдашнего правителя Нидерландов и короля Кастилии Филиппа I.

«Искушение Святого Антония» — по заказу сестры короля Филиппа Маргариты Австрийской, ставшей после кончины брата наместницей в Нидерландах.

Первое, что обращает на себя внимание в работах живописца — изобилие разнообразных демонов и чудовищ, хаотические сочетания частей человеческого тела, растений и животных… Его называли художником, рисующим ад.

Возьмем одно из самых известных полотен Босха — «Сад земных наслаждений». На нем изображены гигантские чудовища, на фоне которых копошатся обнаженные люди.

Или монстр, тело которого представляет собой надколотое яйцо, а ноги — древесные стволы. Внутри чудища виден кабак, заполненный посетителями, которые пьют и едят…

Свет иных измерений

Изображения Апокалипсиса встречаются у многих живописцев, но трактовка Босха весьма далека от общепринятых христианских канонов.

На одной из расписанных им фресок, сохранившейся в соборе Хертогенбоса, толпы людей во мраке с простертыми вверх руками наблюдают за снижающимся конусообразным объектом, внутри которого мерцает яркий белый шар. Внутри него виднеется фигура без одежды, лишь частично похожая на человека.

Голландский профессор истории и иконографии Эдмунд Ван Хооссе предположил, что Босх предвидел контакт землян с инопланетянами (который, правда, еще не состоялся).

А американский парапсихолог и уфолог Джордан Хардс утверждает, что художник и сам был пришельцем, а все его картины изображают не что иное как космические путешествия…

Алхимик, еретик, провидец?

В наше время интерес к Босху даже выше, чем среди его современников. Одни исследователи полагают, что художник был сюрреалистом эпохи Возрождения, и все чудовищные образы извлекались им из глубин подсознания.

Другие видят в произведениях Босха различные символы, связанные с магией, астрологией, алхимией. Третьи убеждены, что Босх был еретиком. Якобы он состоял в Братстве Свободного Духа, членов которого называли также адамитами — секте, возникшей еще в XIII столетии.

Какую же символику на самом деле можно увидеть в творениях Босха? Так, лестница в эзотерике обозначает путь к познанию. Перевернутая воронка — мошенничество или ложную мудрость. Ключ — познание. Отрезанная нога — ересь. Стрела — зло.

А на что указывают изображения животных? Например, сову принято считать символом мудрости, но у Босха она встречается в контексте, скажем, коварства и греха. Поэтому логично предположить, что сова, хищная и ночная птица, символизирует темную сторону человеческой природы.

То же символизируют и черные птицы, которые тоже присутствуют на полотнах художника. Жаба в Средние века считалась безусловно «дьявольским» созданием и в алхимии символизировала серу, которая в религии ассоциируется с преисподней…

На картинах в достаточном количестве встречаются сухие деревья и скелеты животных. Это не что иное как символы смерти.

Американская исследовательница, автор книги «Тайная ересь Босха» Линда Харрис считает, что живописей обладал так называемым визионерским (пророческим) даром. Так, картины Страшного Суда она соотносит с войнами и катаклизмами современной эпохи.

Пустая могила

Еще одна тайна связана с могилой художника. Останки его были захоронены в приделе храма Святого Иоанна, который он некогда расписывал.

В 1977 году захоронение вскрыли археологи, и выяснилось, что внутри пусто! По словам руководителя раскопок Ханса Гаальфе, странным выглядел и плоский камень, не похожий на гранит или мрамор, который в те времена обычно использовали для надгробий.

Когда осколок камня поместили под микроскоп, тот безо всякого воздействия начал испускать слабое свечение и нагрелся на три с лишним градуса.

Продолжить исследования захоронения не дала церковь: она восприняла эти манипуляции как осквернение могилы знаменитого художника. Сегодня в храме Святого Иоанна можно увидеть надгробную плиту с написанным на нем именем живописца и годами его жизни.

А наверху находится выполненная им когда-то фреска, изображающая распятие, окруженное странным зеленоватым светом…

Сюжет

Боттичелли изобразил Ад в виде воронки. Некрещеные младенцы и добродетельные нехристиане в лимбе преданы безболезненной скорби; сладострастники, попавшие во второй круг за похоть, терпят кручение и истязание ураганом; чревоугодники в третьем круге гниют под дождём и градом; скупцы и расточители перетаскивают тяжести с места на место в четвертом круге; гневливые и ленивые вечно дерутся в болотах пятого круга; еретики и лжепророки лежат в раскалённых могилах шестого; всевозможные насильники, в зависимости от предмета надругательства, мучаются в разных поясах седьмого круга — кипят во рву из раскаленной крови, терзаемы гарпиями или изнывают в пустыне под огненным дождем; обманщики не доверившихся томятся в щелях восьмого круга: кто влип в кал зловонный, кто кипит в смоле, кто в цепи закован, кто мучим гадами, кто выпотрошен; и девятый круг уготовлен тем, кто обманул. В числе последних и вмёрзший в лед Люцифер, который терзает в трёх своих пастях предателей величества земного и небесного (Иуду, Марка Юния Брута и Кассия — предателей Иисуса и Цезаря соответственно).

Карта Ада была частью большого заказа — иллюстрирования «Божественной комедии» Данте. Неизвестны точные даты создания манускриптов. Исследователи сходятся, что Боттичелли начал работу над ними в середине 1480-х и с некоторыми перерывами был занят ими до смерти заказчика — Лоренцо Великолепного Медичи.

Сохранились не все страницы. Предположительно, их должно быть около 100, до нас дошло 92 манускрипта, из них полностью раскрашено четыре. Несколько страниц с текстом или цифрами пусты, что говорит о том, что Боттичелли не завершил работу. Большинство же — это эскизы. В то время бумага была дорогой, и художник не мог просто взять и выбросить лист с неудавшимся наброском. Поэтому Боттичелли сначала работал серебряной иглой, выдавливая рисунок. На некоторых манускриптах видно, как менялся замысел: от композиции в целом до положения отдельных фигур. Только когда художник был удовлетворен эскизом, он обводил контуры чернилами.

На оборотной стороне каждой иллюстрации Боттичелли указал текст Данте, который пояснял рисунок.

Контекст

«Божественная комедия» — это своего рода ответ Данте на события его собственной жизни. Потерпев фиаско в политической борьбе во Флоренции и будучи изгнанным из родного города, он посвятил себя просвещению и самообразованию, в том числе изучению античных авторов. Неслучайно в «Божественной комедии» проводником является Вергилий, древнеримский поэт.

Темный лес, в котором герой заблудился, — это метафора грехов и исканий поэта. Вергилий (разум) спасает героя (Данте) от страшных зверей (смертные грехи) и проводит через Ад в Чистилище, после которого на пороге рая уступает место Беатриче (божественная благодать).

Судьба художника

Боттичелли был из семьи ювелиров и должен был заниматься золотом и другими драгоценными металлами. Однако выполнять эскизы, рисовать мальчику нравилось гораздо больше. Погружаясь в мир фантазий, Сандро забывал об окружающем. Он превращал жизнь в искусство, и искусство становилось для него жизнью.

Среди своих современников Боттичелли не воспринимался как гениальный мастер. Да, хороший художник. Но то был период, когда творили многие, ставшие впоследствии известными мастера. Для XV века Сандро Боттичелли был надежным мастером, которому можно было доверить роспись фресок или иллюстрацию книг, но никак не гений.

Боттичелли покровительствовали Медичи, известные ценители искусства. Считается, что пока живописец последние годы жизни провел чуть ли не в нищете. однако есть сведения, что Боттичелли был не таким бедным, каким хотел казаться. Тем не менее ни своего дома, ни семьи у него не было. Сама идея брака его пугала.

В после знакомства с монахом Джироламо Савонаролой, который в своих проповедях убедительно призывал покаяться и отказаться от прелестей земной жизни, Боттичелли и вовсе впал в аскезу. Скончался художник на 66-м году жизни во Флоренции, где и сегодня покоится его прах на кладбище церкви Всех Святых.

Об известных художниках можно найти огромное количество информации — как они жили, как творили свои бессмертные произведения. Многие обычно не задумываются об особенностях характера и образа жизни художника. А ведь некоторые факты из биографии или история создания той или иной картины являются порой весьма занимательными и даже вызывающими…

Пабло Пикассо

Хорошие художники копируют, великие — воруют.

— Когда Пабло Пикассо родился, акушерка посчитала его мертворожденным. Спас ребёнка его дядя, который курил сигары и увидев младенца, лежащего на столе, пустил дым ему в лицо, после чего Пабло заревел. Таким образом, можно сказать, что курение спасло Пикассо жизнь.

— Видимо, Пабло родился художником — его первое слово было PIZ, сокращенное от LAPIZ («карандаш» по-испански).

— В ранние годы своей жизни в Париже Пикассо был настолько беден, что иногда был вынужден топить своими картинами вместо дров.

— Пикассо носил длинную одежду, а также у него были длинные волосы, что было неслыханно для тех времен

— Полное имя Пикассо состоит из 23 слов: Пабло-Диего-Хосе-Франсиско-де-Паула-Хуан-Непомусено-Мария-де-лос-Ремедиос-Киприано-де-ла-Сантисима-Тринидад-Мартир-Патрисио-Клито-Руиз-и-Пикассо.

Винсент ван Гог

Не опасайся совершать ошибки. Многие считают, что они станут хорошими, если не будут делать ничего плохого.

— Обилие желтого цвета и желтых пятен разных оттенков на его картинах, как считают, вызвано большим количеством употребления лекарств от эпилепсии, которая развилась от чрезмерного употребления абсента. «Звездная ночь», «Подсолнухи».

— За свою беспокойную жизнь Ван Гог побывал не в одной психиатрической больнице с диагнозами от шизофрении до маниакально-депрессивного психоза. Его самая знаменитая картина «Звездная ночь» была написана в 1889 году в больнице в городке Сан Реми.

— Покончил жизнь самоубийством. Он выстрелил себе в живот, спрятавшись во дворе фермы за кучей навоза. Ему было 37 лет.

— Всю жизнь Ван Гог страдал от низкой самооценки. Он продал при жизни лишь одно свое произведение — Red Vineyard at Arles. А слава к нему пришла только после его смерти. Если бы только Ван Гог знал, насколько станут популярны его работы.

— Ван Гог отрезал себе не целое ухо, а только кусочек его мочки, что практически не больно. Однако до сих пор широко распространена легенда, что художник ампутировал себе всё ухо. Эта легенда даже отразилась в характеристике поведения больного, который оперирует себя сам, либо настаивает на определённой операции — его назвали синдромом Ван Гога.

Леонардо да Винчи

Кто в страхе живет, тот и гибнет от страха.

— Леонардо первым объяснил, почему небо синее. В книге «О живописи» он писал: «Синева неба происходит благодаря толще освещенных частиц воздуха, которая расположена между Землей и находящейся наверху чернотой»

— Леонардо был амбидекстром — в одинаковой степени хорошо владел правой и левой руками. Говорят даже, что он мог одновременно писать разные тексты разными руками. Однако большинство своих произведений он написал левой рукой справа налево

— Он виртуозно играл на лире. Когда в суде Милана рассматривалось дело Леонардо, он фигурировал там именно как музыкант, а не как художник или изобретатель.

— Леонардо первым из живописцев стал расчленять трупы, чтобы понять расположение и строение мышц.

— Леонардо да Винчи был суровым вегетарианцем и никогда не пил коровье молоко, так как считал это воровством.

Сальвадор Дали

Не будь у меня врагов, я не стал бы тем, кем стал. Но, слава богу, врагов хватало.

— Приехав в Нью-Йорк в 1934 году, в качестве аксессуара он нес в руках батон хлеба длиной 2 метра, а посещая выставку сюрреалистического творчества в Лондоне оделся в костюм водолаза.

— Полотно «Постоянство памяти» («Мягкие часы») Дали написал под впечатлением от Эйнштейновской теории относительности. Идея в голове Сальвадора обрела форму, когда он одним августовским жарким днем разглядывал кусок сыра «Камамбер».

— Сальвадор Дали часто прибегал ко сну с ключом в руке. Сидя на стуле, он засыпал с зажатым между пальцами тяжёлым ключом. Постепенно хватка ослабевала, ключ падал и ударялся о лежащую на полу тарелку. Возникшие во время дремоты мысли могли быть новыми идеями или решениями сложных проблем.

— Великий художник при жизни завещал похоронить его так, чтобы по могиле могли ходить люди, поэтому его тело замуровали в стене в музее Дали в г. Фигерас. В этой комнате запрещено фотографировать со вспышкой.

— Прозвищем Сальвадора Дали было «Avida Dollars», что в переводе означает «страстно любящий доллары».

— Логотип «Чупа-Чупса» нарисовал Сальвадор Дали. В несколько изменённом виде она сохранилась до наших дней.

— Почти в каждой из работ Дали есть либо его портрет, либо силуэт.

Анри Матисс

Цветы цветут всюду для всех, кто только хочет их видеть.

— В 1961 году картина Анри Матисса «Лодка» (Le Bateau), выставленная в нью-йоркском музее современного искусства, провисела вверх ногами сорок семь дней. Картину вывесили в галерее 17 октября, и лишь 3 декабря кто-то увидел ошибку.

— Анри Матисс страдал от депрессии и бессонницы, иногда рыдал во сне и просыпался с воплями. Однажды без всякой причины у него вдруг появился страх ослепнуть. И он даже научился играть на скрипке, чтобы зарабатывать себе на жизнь уличным музыкантом, когда потеряет зрение.

— Многие годы Матисс жил в нужде. Ему было около сорока, когда он, наконец, смог самостоятельно обеспечивать семью.

— Анри Матисс никогда не рисовал в картине скал, четких кристаллов домов, обработанных полей.

— За последние 10 лет жизни ему был поставлен диагноз рак двенадцатиперстной кишки, и ему пришлось остаться в инвалидной коляске.

Эдвард Мунк

В своём искусстве я попытался объяснить себе жизнь и её смысл, я также попытался помочь другим разъяснить свою жизнь.

— Мунку было всего пять лет, когда умерла от туберкулеза его мать, а затем он потерял и старшую сестру. С тех пор тема смерти не раз возникала в его творчестве и жизненный путь художника с первых же шагов заявлял себя как жизненная драма.

— Его картина «Крик» — это самое дорогое произведение искусства, проданное на открытом аукционе.

— Он был одержим работой и сам об этом говорил так: «Писать для меня — это болезнь и опьянение. Болезнь, от которой я не хочу отделаться, и опьянение, в котором хочу пребывать».

Поль Гоген

Искусство — это абстракция, извлекайте её из природы, фантазируя на её основе, и думайте больше о процессе творчества, нежели о результате.

— Художник родился в Париже, но детские годы провёл в Перу. Отсюда его любовь к экзотике и тропическим странам.

— Гоген легко менял техники и материал. Увлекался он и резьбой по дереву. Часто испытывая материальные затруднения, он был не в состоянии купить краски. Тогда он брался за нож и дерево. Двери своего дома на Маркизских островах он украсил резными панелями.

— Поль Гоген работал чернорабочим на Панамском канале.

— Натюрморты художник писал в основном не прибегая к модели.

— В 1889 году, основательно изучив Библию, он написал четыре полотна, на которых изобразил себя в образе Христа.

— Частые и беспорядочные связи с девушками привели к тому, что Гоген заболел сифилисом.

Ренуар Пьер Огюст

В сорок лет я обнаружил, что король всех цветов — черный.

— Примерно в 1880 году Ренуар впервые ломает свою правую руку. Вместо того, чтобы расстроиться и горевать по этому поводу, он берёт кисть в левую, и через некоторое время ни у кого не возникает сомнения, что он сможет писать шедевры обеими руками.

— Успел написать около 6000 картин за 60 лет.

— Ренуар был настолько влюблен в живопись, что не прекращал работать даже в старости, болея разными формами артрита, и рисовал кисточкой, привязанной к рукаву. Однажды его близкий друг Матисс спросил: «Огюст, почему вы не оставите живопись, вы же так страдаете?» Ренуар ограничился лишь ответом: «La douleur passe, la beaut reste» (Боль проходит, а красота остаётся).

По легенде, Элизабет Сиддал, с которой Джон Эверетт Милле писал тонущую Офелию, вскоре после завершения полотна скончалась. И хотя риск воспаления легких был вполне реален — девушка часами позировала, лежа в ванне, — к счастью, модель осталась жива, правда, не очень здорова. Для прерафаэлитов, стремившихся к предельному натурализму и писавших только с натуры, страдания натурщиков (их роли исполняли в основном друзья и родственники) были обычным делом. В целом как и страдания зрителей, совершенно растерявшихся при виде нового искусства, взбудоражившего Викторианскую Англию в 1850-х годах.

Сюжет

Из шекспировского «Гамлета» Милле не нашел сцены лучше, чем гибель Офелии. Сошедшая с ума девушка, не дождавшаяся любви принца и потерявшая отца, сплела венок и предала себя воле волн. Искаженное лицо, сведенные судорогой руки, растрепавшиеся волосы и разметавшиеся цветы — таков образ агонии.

Несколько дней Милле писал по частям пейзаж, выбрав место у реки Хогсмилл, в графстве Суррей. При этом неизвестно, был ли художник точен в часах. По всей видимости, он писал в течение нескольких дней каждый раз в разное время суток, а затем «склеивал» этюды в мастерской.
Вот как Милле описывал свои впечатления от пленэров: «В течение одиннадцати часов я сижу в костюме под зонтиком, отбрасывающим тень размером не больше, чем полпенни, с детской кружечкой для питья… Мне угрожает, с одной стороны, предписание предстать перед магистратом за вторжение на поля и повреждение посевов, с другой — вторжение на поле быка, когда будет собран урожай. Мне угрожает ветер, который может снести меня в воду и познакомить с впечатлениями тонувшей Офелии, а также возможность (впрочем, маловероятная) полного исчезновения по вине прожорливых мух. Мое несчастье усугубляют два лебедя, упорно разглядывающие меня как раз с того места, которое я хочу рисовать, истребляя по ходу дела всю водную растительность, до которой они только могут дотянуться».

Для Офелии позировала 19-летняя Элизабет Сиддал, для которой было специально куплено старинное расшитое платье. Девушка терпеливо лежала в ванне, которую подогревали лампами. Есть история, что однажды одна из ламп перегорела, Элизабет замерзла и заболела туберкулезом. Однако есть версия, что Сиддал болела и до позирования. Как бы то ни было, Милле пришлось оплатить лечение.

Каждый цветок в венке Офелии не только выписан так, что ботаник не придерется, но еще и наделен средневековым символизмом. (Правда, тут надо оговориться, что в Викторианской Англии уже мало кто помнил эту «цветочную азбуку»). Так, лютики — символ неблагодарности, инфантилизма; ива — отвергнутой любви; крапива — боли; маргаритки — невинности; розы — любви и красоты; фиалки и незабудки — верности; адонис — горя.

Контекст

Джон Эверетт Милле был одним из основателей братства прерафаэлитов. Объединенные этим красивым словом авторы — причем не только живописцы, но также поэты, архитекторы, издатели и т. п. — полагали, что искусство Викторианской Англии зашло в тупик и должно вернуться к доакадемическим традициям, то есть к эпохе Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини. До конца неясно, почему на роль основателя академизма был выбран именно Рафаэль, а не, скажем, Леонардо да Винчи или Тициан.

Восстав против Королевской академии художеств, определявшей лицо британского искусства, они выступали против условности «образцовых» произведений. По их мнению, искусство должно было способствовать возрождению духовности в человеке, нравственной чистоты и религиозности, не скованной обрядностью. Видимо поэтому они вольно трактовали евангельские сюжеты, отступая от принятых композиционных и колористических канонов. Правда, зрителям не все было понятно. Например, почему привычный им Иисус вдруг превратился в «рыжеволосого еврейского паренька, как написала критика о картине «Христос в родительском доме».

В качестве тем прерафаэлиты предпочитали сюжеты со скрытой драмой. Особенно о неразделенной или отвергнутой любви. Обращаясь к историческим сюжетам, прерафаэлиты старались быть максимально точны в изображении костюмов. Конечно, они не проводили дни напролет в архивах, но, например, во время путешествий в Италию копировали фрески, с которых потом брали материал для своих полотен.

Старые мастера, которым поклонялось братство, не знали того, что в XIX веке было само собой разумеющимся в живописи: перспектива, свето-теневая лепка лица, пропорции тела. И прерафаэлитам, желавшим смотреть на мир, как это делали художники до Возрождения, надо было все это забыть. Однако, конечно, эта была абсолютная утопия.

Прерафаэлиты выбирали в качестве моделей друзей или родственников. На их картинах нет вымышленных или случайных лиц. Настаивали они и на необходимости писать только с натуры. Пейзажи требовали от живописцев выносливости. Шутка ли, сидеть или стоять часами под палящим солнцем, дождем или ветром?! Вероятно, поэтому пейзаж довольно быстро был оставлен.

Критика писала, что декларируя следование правде и приверженность простоте природы, прерафаэлиты на самом деле «рабски имитируют художественную неумелость». Несмотря на это, братству удалось сформировать новый стиль жизни и новый тип женской красоты.

Просуществовали прерафаэлиты недолго. Вскоре после признания публикой братство распалось, и ни одна попытка воссоединения не увенчалась успехом.

Судьба автора

Милле был гением — в Королевскую академию художеств его приняли в 11 лет, и это при том, что уроки рисования он начал брать лишь за два года до того. Проведя восемь лет как прилежный живописец, в 1848 году на одной из выставок Милле познакомился с Холманом Хантом и Данте Габриэлем Россетти. Именно им принадлежит идея организации братства прерафаэлитов.

Поначалу критика — и, как следствие, отсутствие заказчиков — не беспокоила Милле. Все изменилось после женитьбы на Эффи Грей. Кстати, Милле увел ее у Джона Рескина. История эта достойна мелодрамы. После 5 лет брак Грей и Рескина так и не был консумирован. Это, а также супружеская неверность Эффи, стало причиной развода и последующей женитьбы с Милле.

Новобрачным нужно было на что-то жить, и тогда Милле начал писать быстро и продаваемо. Это означало отречение от идеалов прерафаэлитов, что вполне неплохо окупалось примерно по 30 тыс. фунтов в год. На портретах и пейзажах Милле заработал не только состояние, но и титул баронета, а затем и пост президента Королевской академии художеств.

Архип Куинджи обожал птиц. Считал себя «птичьим избранником», рассказывал, что птицы понимают его речь, легко даются ему в руки. Обычно немногословный Архип Иванович делался чрезвычайно словоохотлив, когда речь заходила о птицах. Он часами просиживал на крыше своего дома, «беседуя» с голубями и воронами. Ежемесячно на прокорм пернатых друзей он закупал 60 французских булок, до 10 кг мяса и 6 кулей овса. Однажды иллюстратор Павел Щербов опубликовал карикатуру, на которой Куинджи ставит птице клизму. Говорят, не отличавшийся особым чувством юмора Архип Иванович страшно обиделся

Клод Моне начинал со смешного…

Не слишком прилежный ученик, Клод разрисовывал обложки тетрадей и рисовал карикатуры на учителей. Да так удачно, что к 15 годам прославился в родном Гавре как искусный карикатурист. Его стали просить рисовать карикатурные портреты, что он и делал, причем — уже за деньги: с вас 20 франков! Вскоре забавные рисунки Клода Моне красовались в витрине единственной лавки художественных принадлежностей города. При виде их юный Моне «готов был лопнуть от гордости».

Суперзрение

У гениальности Куинджи было научное объяснение. Многие художники теряли покой, пытаясь повторить его палитру, достичь той достоверности, с которой Куинджи рисовал тени и свет. Говоря о картине «Украинская ночь», Крамской писал в письме Репину: «Я — совершенный дурак перед этой картиной. Я вижу, что самый свет на белой избе так верен, так верен, что моему глазу так же утомительно смотреть на него, как на живую действительность: через пять минут у меня глазу больно, я отворачиваюсь, закрываю глаза и не хочу больше смотреть».

Между тем, секрет «куинджевских красок» был проще, чем казался. Однажды Куинджи (преподававший в то время в Академии художеств) пригласил в класс своего приятеля — Дмитрия Менделеева. И тот принес прибор, позволяющий оценить чувствительность глаза к цветовым оттенкам. Куинджи сильно опередил по этому показателю своих молодых студентов. Он видел иначе. Не в плане творческой позиции, а в самом буквальном физиологическом смысле.

Аппетит Маковского

Маковский славился не только «открыточными» портретами жен состоятельных господ, но и баснословными ценами, которые устанавливал на свои работы. Но однажды он чуть не продешевил. Барон Аккурти пригласил популярнейшего художника позавтракать в ресторане — он только что купил роскошный особняк с плафонами, расписанными Маковским, но без его автографов. Сибарит и гурман, Маковский размяк в предвкушении трапезы и пообещал сразу же после нее поехать и подписать все три плафона бесплатно. Барон, наконец сделал заказ: скомандовал лакею подать корюшку и хлебца. «Корюшку? Мне?», — возмутился про себя Маковский. А вслух сказал: «Пять тысяч рублей за подпись на каждом плафоне!»

Обет Модильяни

Амедео Модильяни — выдающийся итальянский художник-экспрессионист, — очень рано стал интересовался рисованием и живописью. Окончательное решение стать художником он принял в одиннадцатилетнем возрасте после тяжелого плеврита, когда, лежа в бреду, Амедео решил: если выживет, то посвятит себя живописи. И он сдержал слово.

Валентин Антон Серов

Друзья и родные звали Валентина Серова Антоном. Это не самое очевидное прозвище возникло — вернее, начало возникать — в детстве. Родители звали маленького Валентина Валентошей, Тошей, иногда — Тоней. Позднее, на даче Мамонтовых в Абрамцеве, Тоша превратился в Антошу. И письма, которые Илья Репин писал уже взрослому Серову, нередко начинались обращением: «Антон, Антон!».

Подозрительные зарисовки

В 1887-м Серов вместе с Ильей Остроуховым и братьями Михаилом и Юрием Мамонтовыми предпринял путешествие в Европу. В Вене молодых художников очаровал собор Святого Стефана, и те не расставались с карандашами, постоянно рисуя эскизы. Однажды к молодым людям подошли полицейские и предложили пройти в ближайший участок — иностранцы, то и дело что-то зарисовывавшие в своих альбомах, показались им подозрительными. Инцидент замяли, русских художников настоятельно просили не жаловаться в посольство.

Позднее, уже в поезде они рассказывали о том, как их приняли за русских шпионов попутчикам — студентам из Вены. «Не волнуйтесь, господа, — успокоили те Серова и Остроухова, — на днях на соседней улице обворовали ювелирный магазин. Скорее всего, вас приняли за обыкновенных грабителей

Билибин как иллюстратор сказки

Иллюстраторов детской книги много. Один из таких художников-иллюстраторов — Иван Яковлевич Билибин. Но именно его иллюстрации помогли создать детскую книгу нарядной и доступной.

Родился он 140 лет назад 4 (16) августа 1876 в имении Тарховка близ Петербурга. Выходец из старинного купеческого рода.

Гениальность Билибина заключается в том, что он ориентируясь на традиции древнерусского и народного искусства, разработал логически последовательную систему графических приемов, сохранявшуюся в основе на протяжении всего его творчества. Эта графическая система, а также присущее Билибину своеобразие трактовки былинных и сказочных образов дали возможность говорить об особом билибинском стиле.

Сын военно-морского врача, потомок древнего рода, И. Я. Билибин предполагал стать юристом и закончил полный курс юридического факультета Петербургского университета (1896−1900). Но одновременно занимался в Рисовальной школе при ОПХ, в мастерской А. Ашбэ в Мюнхене, в школе М. К. Тенишевой у И. Е. Репина.

Русской сказочной теме художник посвятил все свое творчество, серьезно для того подготовившись: много ездил по России, особенно по Северу, с интересом изучал русское народное и декоративное искусство.

Билибин рано выработал свой графический стиль, основанный на тщательно прорисованном и подробном узорчатом контурном рисунке, расцвеченном акварелью. Стиль этот получил название «билибинский», сделался популярным и породил немало подражаний.

Сам художник перенес его из иллюстраций к сказкам в журнальную и промышленную графику (открытки, рекламные плакаты, календари и пр.), а также в политическую карикатуру, которой занимался в годы первой русской революции. Его же он использовал и в своих театральных работах, тем более что Билибину предпочитали заказывать декорации к спектаклям на темы русских сказок или русской старины.

Правда, первой его работой в театре были декорации к средневековому мираклю «Действо о Теофиле» (1907). Затем он оформил оперные спектакли «Золотой петушок» (1909) и «Садко» (1914) Н. А. Римского-Корсакова, «Руслан и Людмила» М. И. Глинки (1913) и стал признанным театральным художником.

Издания сказок относятся к типу небольших по объему крупноформатных книжек-тетрадей. С самого начала книги Билибина отличались узорностью рисунка, яркой декоративностью. Художник создавал не отдельные иллюстрации, он стремился к ансамблю: рисовал обложку, иллюстрации, орнаментальные украшения, шрифт — все стилизовал под старинную рукопись.

Названия сказок исполнены славянской вязью. Чтобы прочесть, надо вглядеться в затейливый рисунок букв. Как и многие графики, Билибин работал над декоративным шрифтом. Он хорошо знал шрифты разных эпох, особенно древнерусские устав и полуустав.

Ко всем шести книгам Билибин рисует одинаковую обложку, на которой располагает русские сказочные персонажи: трех богатырей, птицу Сирин, Змея-Горыныча, избушку Бабы-Яги. Все страничные иллюстрации окружены орнаментальными рамками, как деревенские окна резными наличниками.

Они не только декоративны, но и имеют содержание, продолжающее основную иллюстрацию. В сказке «Василиса Прекрасная» иллюстрацию с Красным всадником (солнышко) окружают цветы, а Черного всадника (ночь) — мифические птицы с человеческими головами. Иллюстрацию с избушкой Бабы-Яги окружает рамка с поганками (а что еще может быть рядом с Бабой-Ягой?).

Но самым главным для Билибина была атмосфера русской старины, эпоса, сказки. Из подлинных орнаментов, деталей он создавал полуреальный-полуфантастический мир. Орнамент был излюбленным мотивом древнерусских мастеров и главной особенностью тогдашнего искусства. Это вышивки скатертей, полотенец, раскрашенная деревянная и глиняная посуда, дома с резными наличниками и причелинами.

В иллюстрациях Билибин использовал зарисовки крестьянских построек, утвари, одежды, выполненные в деревне Егны.

В разгар революционных событий, осенью 1917 г., Билибин уехал из Петрограда в Крым, где владел участком земли, а в начале 1920 г. ему удалось добраться до Египта. Он жил сначала в Каире, потом в Александрии — оформлял балетные спектакли для труппы Анны Павловой, делал эскизы росписей для православного храма.

В 1925 г. переехал в Париж, где интенсивно работал — оформил 10 спектаклей, среди которых наибольшую известность приобрели оперы «Сказка о царе Салтане» (1929) и «Сказание о граде Китеже и леве Февронии» (1934) Н. А. Римского-Корсакова, «Князь Игорь» А. П. Бородина, «Борис Годунов» М. П. Мусоргского (обе 1930), а также иллюстрировал народные сказки, в том числе и французские.

В 1936 г. Билибин вернулся на родину и был хорошо принят. Он получил место профессора графической мастерской ИЖСА в Ленинграде, в 1939 г. стал доктором искусствоведения. Тогда же художник оформил спектакли «Сказка о царе Салтане» (1937) и «Полководец Суворов» (1939), выполнил иллюстрации к роману А. Н. Толстого «Петр I» (1937) и к «Песне про купца Калашникова» М. Ю. Лермонтова (1939). Сергей Эйзенштейн задумал привлечь его как художника к работе над фильмом «Иван Грозный», но смерть Билибина не позволила осуществиться этой идее. Билибин Иван Яковлевич умер 7 февраля 1942 года — в первую же блокадную зиму в Ленинграде, от голода…

И сказочника Билибина следует благодарить за то, что двуглавый орел, изображенный на гербе ЦБ РФ, на рублевых монетах и бумажных купюрах — выглядит не как зловещая имперская птица, а как сказочное, волшебное существо. А в картинной галерее бумажных денег современной России на десятирублевой «красноярской» купюре четко прослеживается билибинская традиция: вертикальная узорчатая дорожка с лесным орнаментом — такие рамки окантовывали рисунки Билибина на темы русских народных сказок. Кстати сказать, сотрудничая с финансовыми органами царской России, Билибин передал фабрике «Госзнак» авторские права на многие свои графические разработки.

В заключение можно сказать, что Билибин был первым из художников, кто непосредственно создал детскую книгу, в основе которой лежит самый популярный вид литературы — народная сказка. Тематика, большой тираж, ясный, доступный изобразительный язык иллюстраций, «праздничный» характер оформления — все свидетельствует о том, что книги Билибина предназначались предельно широкому кругу читателей. Причем особая заслуга художника заключалась в том, что он не делал при этом скидок «на доступность». Его книги несут ту «благородную роскошь изданий», которая до этого была принадлежностью только «богатой» книги для избранных. Билибин первый из мирискусников применил обширный опыт изданий высокохудожественных книг для работы над детской книгой.

В конце 1960-х в Москве по улице Горького шли два не очень трезвых художника: Дмитрий Плавинский и Анатолий Зверев. Внезапно Плавинский предложил: «Давай зайдем в гости к Асеевой!» И уже через несколько минут нежданные гости сидели за накрытым столом: хрусталь, столовое серебро, дорогие закуски. В доме антикварная мебель, хорошая библиотека, живопись в солидных рамах. Но 37-летний Зверев, одетый в какие-то лохмотья, ничуть не смущен тем, насколько его внешний вид контрастирует с обстановкой: он, не отрываясь, смотрит на хозяйку, благородную даму, которой уже за семьдесят. Внезапно он восклицает: «Старуха, я тебя люблю!» Так начался роман одного из самых ярких художников-авангардистов ХХ века и вдовы поэта Николая Асеева, знаменитой «музы русского футуризма».
Зверев

Жизнь Анатолия Зверева была судьбой «неустроенного гения». Он родился в 1931 году в Москве, в семье бухгалтера-инвалида и уборщицы. Полуголодное детство, постоянные болезни, но внезапно мальчик увидел картины Леонардо да Винчи и… стал считать его своим другом. С тех пор он постоянно что-то рисовал, лепил, выжигал, и то, что он очень талантлив, было очевидно каждому, кто видел его работы. Однако вскоре стало очевидно и другое: талантливый парень не желал подчиняться общепринятым правилам, а значит, в СССР его ждала непростая судьба.

Он поступил в «Художественное училище памяти 1905 года», но его отчислили с первого курса — за нескрываемое нежелание слушать преподавателей. В 19 лет его призвали на флот — и через семь месяцев демобилизовали по состоянию здоровья: матрос Зверев в припадке ярости набросился на офицера и был отправлен на принудительное лечение от вялотекущей шизофрении.

Вернувшись в Москву, Анатолий устроился на работу маляром. И ходил в музеи. Там и учился. Преподаватели ему были не нужны. Своими учителями он считал теперь не только Леонардо, но и Гойю, Рубенса, Веласкеса…

Потом его работы попались на глаза преподавателю ВГИКа Александру Румневу. Пораженный талантом Зверева, Румнев сделал так, что вскоре о художнике знала вся Москва.

Зверев работал как одержимый. Скупал по дешевке портреты вождей и писал на обратной стороне, краски разводил не на палитре, а в огромном тазу, а если не было красок, писал пеплом, свеклой, помидорами. Мог написать пару десятков картин за день.
Дмитрий Плавинский: «Анатолий работал стремительно. Вооружившись бритвенным помазком, столовым ножом, гуашью и акварелью, напевая для ритма: „Хотят ли русские войны, спросите вы у сатаны“, — он бросался на лист бумаги, обливал бумагу, пол, стулья грязной водой, швырял в лужу банки гуаши, размазывал тряпкой, а то и ботинками весь этот цветовой кошмар, шлепал по нему помазком, проводил ножом две-три линии — и на глазах возникал душистый букет сирени!»
Его картины покупали, но деньги он моментально спускал. Поэтому, несмотря на то, что Зверев был модным и востребованным художником, он по-прежнему не имел ни собственного жилья, ни мастерской, одевался как бомж, скитался по случайным знакомым и, конечно же, ужасно пил. При этом он пользовался невероятным успехом у женщин, что, впрочем, неудивительно: Зверев был не только талантливым художником, но и очень интересным собеседником, писал стихи, музицировал.

В 1965 году Зверева узнали в Европе: его выставки с успехом прошли во Франции и Швейцарии. Известна такая история (которая, впрочем, вполне могла быть байкой самого Зверева): когда слава художника стала международной, с ним пожелала встретиться сама Екатерина Фурцева. Узнав об этом, Зверев облачился в самую рваную одежду, какую только смог найти, облил себя водкой, взлохматил волосы и бороду, обернул ноги газетами, всунул их в калоши и отправился на прием. Увидев его, Фурцева смогла лишь прошептать: «Вы кто?» «Я Зверев», — гордо сказал художник и, вытащив из кармана газету (между прочим, «Советскую культуру», весь спектакль был тщательно продуман!), громко в нее высморкался, осторожно свернул и положил обратно в карман. «Идите, идите с богом», — только и смогла сказать Фурцева.

Дмитрий Плавинский вспоминал: «Свою жену Люсю с двумя детьми Зверев запирал, уходя в Ботанический сад играть в шашки, на амбарный замок. Оставлял ей краску и стопу бумаги — чтобы к вечеру все было изрисовано. У Люси тогда был период «кипящих чайников». Чтобы создать эффект кипения, Люся обмакивала пятерню в разные краски и шлепала ею по «чайнику». И так из листа в лист — бесконечная серия. Зверев приходил вечером и на всех «чайниках» ставил свое знаменитое «АЗ». Вся пачка этих «чайников» была предложена Игорю Маркевичу для выставки в Париже. Когда впоследствии Зверев получил фотографии той парижской экспозиции, люсины чайники занимали центральную часть выставки. Он крайне опечалился: «Неужели французы в живописи ничего не понимают?»

Асеева

Оксана (Ксения) Михайловна была почти на сорок лет старше Зверева. Она родилась в Харькове в 1892 году. У нее было четверо братьев и четыре сестры, их большой гостеприимный дом был в 1910—1920-х годах центром художественной жизни города. В их доме бывали Хлебников, Пастернак, Маяковский, Бурлюк, они устраивали поэтические и музыкальные вечера.

Лиля Брик писала: «Синяковых пять сестер. Каждая из них по-своему красива. Жили они раньше в Харькове. Отец у них был черносотенец, а мать человек передовых взглядов и безбожница. Дочери бродили по лесу в хитонах, с распушенными волосами и своей независимостью и эксцентричностью смущали всю округу. В их доме родился футуризм. Во всех них поочередно был влюблен Хлебников, в Надю — Пастернак, в Марию — Бурлюк, на Оксане женился Асеев».

В 1920-е годы Оксана вместе с двумя сестрами и с одним приятелем вышли на Гоголевский бульвар, вся четверка была абсолютно нага, правда, на груди молодого человека была завязана лента, на которой была написано: «За свободу нравов!» Прогулявшись по бульвару, они сели в трамвай, приведя пассажиров в полное изумление. Так Оксана и ее сестры боролись с обыденностью и с общепринятыми приличиями.

«Когда наша мама умирала, — вспоминала Оксана Михайловна, — она позвала Надю и сказала: «Ради Бога, не пускайте ко мне священников. А сыграйте мне концерт Аренского». Когда отец пришел со священником, им категорически не давали войти. Вера села за рояль и начала играть концерт. А мещане говорили: «Смотрите, радость в семье Синяковых. Мать умирает, а они играют!» Мы были эстетически выше других, поэтому нас не любили. Вся наша юность прошла под знаменем искусства…»

В 1916 году Оксана вышла замуж за Асеева. Они прожили вместе до самой его смерти в 1963 году, и все эти годы он ее обожал и посвятил ей множество стихов.

Не за силу, не за качество
Золотых твоих волос
Сердце враз однажды начисто
От других оторвалось.
Я люблю тебя ту самую —
Все нежней и все тесней,
Что, назвавшись мне Оксаной,
Шла ветрами по весне.

«Этот человек — мой любовник»

Их любовь не была ни выдумкой, ни эпатажем. Зверев говорил об Оксане Михайловне: «Она для меня как Богородица, и мать, и жена, и дочь». Писал ей стихи:

Здравствуй, солнышко, мой свет,
голубая с тенью.
У любви один ответ —
здравствуй, Ксения.
…Здравствуй, розочка и цвет,
незабудка милая. Мой всегда тебе совет
взять меня из Свиблова.

(В Свиблове у Зверева был угол в квартире, где жила его сестра с детьми.) А ее свободолюбивая натура, казалось, сразу признала в нем родственную душу, «зеркало» своей прежней жизни, а еще гения — уж гениев-то она на своем веку повидала немало! Они могли часами болтать друг с другом, шутить или просто сидеть рядом и наслаждаться своим счастьем.

При этом жизнь со Зверевым была непростой. Несмотря на обретенное счастье, продолжалось его пьянство, а с ним и пьяные дебоши. Асеева терпеливо сносила его выходки. Когда он приходил к ней пьяный, она его не пускала в дом, и он укладывался на газетах у ее порога. Утром же она его уже впускала, кормила. Если соседи вызывали милицию, чтобы усмирить дебошира, Оксана Михайловна всегда его защищала: «Товарищи милиционэры, будьте с ним осторожней. Он великий художник, не делайте ему больно. Пожалуйста, берегите его руки!»

Однажды соседка подошла к Оксане Михайловне и сказала: «Боже, как вы терпите этого пьяницу? Давайте сдадим его в милицию, и он больше не будет сюда ходить!» «Тише-тише, я вам скажу по секрету, только вы никому не говорите, — ответила Асеева. — Этот человек — мой любовник». Больше к ней не приставали.

От этого союза осталось удивительное наследие — множество написанных Зверевым портретов Асеевой, на которых она всегда была молода и прекрасна. Он писал ее до самой ее смерти. Когда Оксана Михайловна умерла — случилось это в 1985 году, — он пришел в ее квартиру и остался один перед гробом. А потом попросил принести листы бумаги — чтобы написать последний ее портрет. Сам он умер через год.

Тициан Вечеллио прожил почти целое столетие в удивительную эпоху Возрождения, давшую миру величайших художников. Ведь именно в эти годы рождались, творили и умирали Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль. А к концу этой легендарной эпохи «царствовал» один Тициан — гениальный мастер кисти, «сумевший сотворить чуть не столько же, сколько все великие итальянцы его времени, вместе взятые».

К слову, о точной дате рождения до сих пор ведутся между исследователями споры: одни заявляют, что Тициан прожил 90 лет, иные — 96. И, что касаемо причины смерти также нет единого мнения. Однако как бы то ни было, Бог отмерил ему втройне, ибо средняя продолжительность жизни по тем временам была в пределах 35 лет. Таков вот он загадочный мастер великой эпохи.

Детский рисунок, предопределивший судьбу будущего гения

«По натуре Тициан был молчалив, как истинный горец», так как родился в городе-крепости Пьеве ди Кадоре в северной Италии, местности с суровым климатом и суровыми нравами. И что интересно, ни в самом роду Вечеллио, ни во всём Кадоре, городе кузнецов, ткачей и лесорубов, художников испокон веков не водилось. Горцы считали, что заниматься в жизни нужно тем, что будет тебя кормить. Поэтому мальчикам приходилось наравне со взрослыми работать в кузнечных мастерских или же на рубке леса, а девочкам собирать ягоды и травы, из которых изготавливались красители для домотканого полотна.

По воскресным дням обязательными были посещения храма. Однажды Тициан, вернувшись из церкви под впечатлением иконописи, которой была расписана церковь, взял из домашней красильни красители и на белой стене дома изобразил облик Девы Марии, в котором без труда можно было узнать черты его матери.
И хоть отец, военный и государственный муж, предпочел бы видеть сына нотариусом, мать все же настояла на том, чтобы отправить даровитого сына на обучение рисованию в Венецию. А чтобы не так было страшно отпускать мальчишку одного с ним отправили и его старшего брата Франческо.

Венеция — город становления и поисков уникального почерка

Искусствоведы частенько говорят, что в эпоху Возрождения Флоренция предпочитала линии, а вот Венеция — исключительно краски. Поэтому только Венеция могла дать миру лучшего колориста Тициана.

В 13-летнем возрасте юный Тициан приедет в этот удивительный город, чтобы остаться там навсегда и снискать мировую славу и себе, и Венеции. Не пройдет и семнадцати лет как молодому Тициану присвоят титул первого художника Венецианской республики. В своем творчестве юный Вечеллио не скупится на яркую многокрасочную палитру. При этом, накладывая краски на холст не только кистью, как все художники, а шпателем и просто пальцем.

И что не мало интересно, до Тициана картины практически не писали на холстах. Живописцы творили свои работы на досках, подобно русским иконам, и на стенах в виде фресок. Но в Венеции был влажный климат, и такая живопись не была долговечной. Новаторством Тициана было использование грунтованного холста и масляных красок.

Гениальный мастер психологического портрета

«Король живописцев и живописец королей» — так называли Тициана его современники, так как был он превосходным портретистом. Запечатленные им образы уже сколько веков смотрят с полотен так, будто за изображениями скрываются души портретируемых.

С удивительной точностью писал Тициан портреты своих современников, изображая не только внешнее сходство, а порой противоречивые черты их характеров: лицемерие и подозрительность, уверенность и достоинство. Умел мастер передать и неподдельное страдание, и скорбь.

Джорджо Вазари, писал, что «не было такого именитого человека и знатной дамы, которых бы не коснулась его кисть. И в этом смысле не было, нет и не будет ему равных среди художников». И заказать ему свой портрет старались многие влиятельные деятели того времени, включая кардиналов, пап и европейских монархов.

Испанский и французский короли, приглашая Тициана к себе, уговаривали поселиться при дворе, но художник, выполнив заказы, всегда возвращался в родную Венецию.

Когда Тициан писал портрет императора Священной Римской империи Карла V, он случайно обронил кисть, и император не посчитал зазорным встать и подать ее художнику, сказав при этом: «Услужить Тициану почётно даже императору».

В 16 столетии считалось, что быть запечатленным кистью Тициана — значило стать бессмертным. Так оно и вышло. Уже более пяти веков портреты Тициана украшают галереи мировых музеев и волнуют поображение посетителей.

Пристрастия и любовь великого мастера

Тициан был «высоким статным горцем с гордой осанкой и орлиным профилем», имевшим несокрушимое здоровье. Его жизнь была наполнена множеством любовных историй, в основном с натурщицами. А быть моделью для Тициана считалось за большую честь.

Женщины самых разных сословий: от графинь и маркиз до куртизанок, которыми кишела Венеция, имели за счастье быть увековеченными на портретах гениального живописца. Тициан не любил изображать худых женщин, он любил статность и дородную красоту. Его натурщицы зачастую были с рыже-золотистыми волосами. От этого и цвет волос получил называние — тициановский.

Скандальный привкус имела история любви Тициана к красавице Виоланте, дочери художника Пальмы Старшего. Девушка не отличалась особой скромностью и охотно соглашалась позировать — причем не только Тициану. С нее то живописец и напишет множество своих портретов. Ее облик можно увидеть на многих сюжетных полотнах мастера. Этот роман вызвал у отца девушки бурю негодования — Тициан был старшее ее вдвое и был ровесником самого Пальмы.

И так как в Венеции насчитывалось в ту эпоху более 11 тысяч куртизанок, вполне было закономерным, что пышущий здоровьем Тициан частенько прибегал к услугам жриц любви.

Однако любимец женщин жену себе взял не из пышнотелых белокожих венецианок, а привез из тех горных мест, откуда сам был родом. Чечиллия долгое время была его экономкой, что не мешало ей рожать Тициану детей. Лишь намного позже Тициан обвенчается с ней.

Основательность и медлительность мастера, так раздражавшая заказчиков

Творил художник свои шедевры основательно и не спеша, как бы знал, что жизнь ему отмерена очень длинная, и спешить ему некуда. Работая, он много размышлял, обдумывая каждый штрих и мазок кисти. За это его «за глаза» называли «тугодумом».

А ежели работа над картиной «не клеилась», Тициан разворачивал холст лицом к стене до лучших времен. Это то и дело приводило к скандалам. Заказчики буквально осаждали Тициана напоминаниями о том, что все сроки уже истекли.

Не было предела возмущениям и жалобам герцога Альфонсо Д’Эсте, ожидающего очень долго свой портрет. Однако когда заказ был все же выполнен, герцог оставил все свое недовольство и от души восторгался работой мастера.

А однажды одному из заказчиков показалось, что работа не окончена и он попросил Тициана дописать картину. И так как на полотне мастер уже оставил свой автограф: «Тициан слелал», он невозмутимо дописал еще одно слово и надпись уже звучала «Тициан слелал, сделал», а в оригинале это выглядело так: «Titianus fecit, fecit».

«Тициан Божественный»

Тициану посчастливилось прожить невероятно длинную для того времени жизнь. Еще при жизни получил славу величайшего колориста всех времён и прозвище «Тициан Божественный». И что совсем удивительно — до конца дней мастер сохранил ясность ума, остроту зрения, и твердость руки.

Рассказывают, что в день своей кончины он велел накрыть праздничный стол на множество персон. Он как бы решил попрощаться с тенями умерших своих учителей и друзей, которых уже давно не было на свете: Джованни Беллини и Джорджоне, Микеланджело и Рафаэлем, императором Карлом V. Он мысленно простился с ними, но сам к последней трапезе приступить не успел. Его так и нашли лежащим на полу с кистью в руке. Он едва успел закончить свою прощальную работу — «Оплакивание Христа».

По одной из версий Тициан умер, заразившись от своего сына чумой, которая из-за сырого климата так часто свирепствовала в Венеции. Хотя если бы это было действительно так, то его тело должны были бы сжечь. Однако гениальный живописец нашел свое последнее пристанище в венецианском соборе Санта-Мария Глориоза деи Фрари.

Через 200 лет на могиле живописца создали грандиозный памятник и высекли слова: «Здесь лежит великий Тициан Вечелли — соперник Зевсов и Апеллесов».