Цитаты на тему «Стиль»

Ар-деко, что по-французски значит «декоративное искусство», — название художественного стиля, который царил в Европе и Америке после модерна, между двумя мировыми войнами. Причем царил в основном в промышленном дизайне — моде, украшениях, плакатах, фасадах, интерьерах, мебели. Происходило это, пока «большое искусство» той эпохи экспериментировало с экспрессионизмом, абстракционизмом, конструктивизмом и прочими -измами, которые, безусловно, гениальны, только видеть их постоянно в своей квартире не каждый сможет. А вещи ар-деко предназначены именно для повседневной жизни — очень богатой, роскошной и вальяжной, но все-таки повседневной.

Как узнать предмет в стиле ар-деко?

Эта вещь обязательно будет красивой — стильной, элегантной. Она сделана из материала с дорогой текстурой, но не кричаще роскошной, а просто ценной. Цвета будут сложных оттенков, черного — много.

Нередко автор явно использовал линейку — но при этом умудрялся весьма изысканно скруглить все углы. Геометрические узоры строятся по тщательным пропорциям и умеют гипнотизировать. Еще зачастую есть вкрапления чего-то древнеегипетского или японского, но в каком-то странном дизайне: ар-деко любило перетолковывать экзотические культуры. (Кстати, «русская экзотика» тоже ценилась.)

Нравился стилю и технический прогресс — поэтому тут и стилизованные поезда, летящие на огромной скорости, и винты самолетов и пароходов.

Стиль в моде

Заметней всего ар-деко — в женской моде. В эпоху, когда царил этот стиль, женщины начали коротко стричься, окончательно освободились от жестких корсетов и кринолинов, талия то сползала на бедра, то задиралась под самую грудь, а юбка укоротилась до высоты совершенно неприличной, по мнению тех, кто помнил викторианскую мораль.

Создатели стиля — великие модельеры Поль Пуаре, Мариано Фортуни — цитировали кимоно, арабские тюрбаны и шаровары, античные хитоны и столы, средневековые плащи.

Появились цельнокроеные вещи, везде были драпировки, тяжелые ткани, шик и блеск. В таких свободных вещах, расшитых переливающимся жемчугом, стеклярусом, стразами, бисером, было здорово танцевать новые бойкие танцы — фокстрот, чарльстон, танго. В общем, вспомним эпоху «Великого Гэтсби».

Стиль в ювелирных украшениях

Фирмы Cartier и Van Cleef & Arpels, а также другие ювелирные дома в своих работах целенаправленно работали по принципам ар-деко. После текучих форм и поэтических цветочков эпохи модерн (он же ар-нуво) их ювелирные украшения казались кричащими и эпатирующими.

Легкая платина для оправ позволила драгоценностям отказаться от «тяжелого доспеха» — золота. Чистые геометрические формы, абстрактные узоры, новаторское сочетание зеленого и синего, контрастный подбор камней, например черный оникс и красный рубин, использование не граненых, а резных камней, а также вкрапление подлинных древних артефактов (египетских скарабеев и т. п.) — вот узнаваемые черты.

Черный оникс вообще стал любимым камнем этого периода, в особенности в сочетании с бриллиантами. Их сопровождали яркими аккордами кораллов, лазуритов, нефритов, эмали.

А в России ар-деко было?

Блестящий стиль ар-деко, конечно, глубоко «буржуазный». Это символ потерянного поколения, мода персонажей Фицджеральда, Хемингуэя (а также Вудхауса и довоенных книг Агаты Кристи). Молодому Советскому государству в ту эпоху было не до этого внешнего блеска.

Впрочем, у них были «ревущие двадцатые», а у нас — нэп. Помните Эллочку Людоедку: «…сверкающая фотография изображала дочь американского миллиардера Вандербильда в вечернем платье. Там были меха и перья, шелк и жемчуг, легкость покроя необыкновенная и умопомрачительная прическа».

Советские нэпманы в своих повадках, конечно, подражали свободному западному соседу, хотя официально это не одобрялось.

С другой стороны, отпечаток ар-деко заметен в одном из самых официальных искусств — архитектуре. Воздействие импортного стиля легко найти в сталинском классицизме: фотографии фрагментов московских высоток с некоторых ракурсов трудно отличить от видов довоенных манхэттенских небоскребов.

Любовь ар-деко к геометризму, использование абстракций — все это легко усваивалось русскими мастерами на родине супрематизма. Уместным было и воспевание технических достижений человечества. Есть и более забавные приметы — помните, мы говорили об обращении ар-деко к египетским мотивам? Именно благодаря ему перед зданием МИДа на Арбате возникли обелиски-фонари, а сам подъезд здания стал похож на портал древнего храма.

Этот же стиль находят в некоторых станциях московского метро («Кропоткинская», «Маяковская», «Аэропорт»), здании Российской государственной библиотеки и т. д.

Мастера ар-деко русского происхождения

Но гораздо весомее вклад, который внесли в развитие ар-деко русские эмигранты. Годами модные журналы Vogue и Harper’s Bazaar выходили под обложками, нарисованными Эрте, настоящее имя которого — Роман Петрович Тыртов. Его «Симфония в черном» — одна из ключевых работ стиля.

Художница-абстракционистка Соня Делоне, которая работала в модной индустрии, обогатила ар-деко красочностью и энергетикой, которую мы видели и у других «амазонок авангарда». Главная портретистка ар-деко, одна из немногих художников, которая сумела использовать этот стиль для станковых полотен, — Тамара Лемпицка, уроженка российского царства Польского, до революции жившая в Петербурге. (А вот главный скульптор эпохи Дмитрий Чипарус, несмотря на такое родное нам имя, — румын.) Наконец, Леон Бакст, оказавшись в эмиграции, помимо театра, успел поработать и в модной индустрии — явно в стиле ар-деко.

Историки искусства вообще пишут, что стиль ар-деко изначально был вдохновлен Русскими сезонами, которые потрясли парижский художественный мир в 1900-х. Так что — спасибо Дягилеву и за ар-деко!

Платье и стиль женщины — это увертюра её отношений с мужчиной.

Вывел понятие «модамания» на основе такого явления как стремление быть модным, но не обязательно стильным, в силу отсутствия собственного вкуса и стиля. Если человек стремиться быть модным, скажем, жиробас облачается во все узкое и остроносое, но не стремиться быть стильным, то он страдает модаманией.

Коко Шанель говорила: «Мода уходит, стиль остается», - и мы с ней полностью согласны. Любая женщина выигрывает, имея свой собственный неповторимый стиль. Но как же выбрать его? Давайте посмотрим, что советует астрология прекрасной половине человечества.

Овен знает, что такое мода, и стремится от нее не отставать. Женщина этого знака Зодиака отлично чувствует себя в центре внимания, любит ловить на себе восхищенные взгляды окружающих людей. Ей подходят любые яркие и нестандартные вещи, будь то красное экстравагантное платье или зеленые браслеты. Конечно, Овен не бросается в крайности, и все ее изысканные вещи всегда гармонично сочетаются друг с другом. Даже если на работе принят дресс-код, она всегда может обойти его какими-то необычными аксессуарами.

Овну подходит как свободная одежда, так и обтягивающая. Она может носить и спортивный стиль, поскольку обладает чаще всего стройной и подтянутой фигурой. Что касается цветов, наиболее подходящих Овну, то здесь следует обратить внимание на все оттенки красного и оранжевого.

Для макияжа Овну можно использовать яркие и насыщенные краски. Красная помада будет отлично смотреться на загорелой коже лица. Из причесок она чаще всего выбирает короткую стрижку, которая идеально подходит для ее активного образа жизни. Украшения лучше всего выбирать из меди, золота и серебра. Из камней можно посоветовать носить алмаз, яшму, аметист, рубин, сардоникс, сердолик или горный хрусталь.

Телец обладает превосходным чувством стиля. Ей отлично подходит одежда из шерсти, хлопка и шелка. Телец умеет выбирать вещи, которые никогда не выйдут из моды и прослужат очень долго. Причем цена вопроса ее не особо волнует, очень часто она покупает вещи не по средствам, но зато отменного качества.

Телец обычно склонен к полноте, однако это играет ей только на руку. Даже пышные формы можно прекрасно подчеркнуть, сделав силуэт женственным и сексуальным. К тому же практика показывает, что такие женщины пользуются успехом у противоположного пола. Телец может смело выбирать длинные платья с глубоким декольте, высокие каблуки и шляпки. Правда, следует отказаться от различных рюшек, молний, множества пуговиц и пышных воротничков.

Для макияжа Тельцу подойдут теплые оттенки - бежевые, кремовые, розовые и коричневые. Обладательницам ярких черт лица и естественного румянца не следует перегружать лицо излишними красками. Из украшений на Тельце лучше всего будут смотреться натуральные камни - такие как агат, изумруд, сапфир, сердолик, оникс, топаз, розовый кварц и бирюза.

Близнецы - обладательницы самого огромного и разнообразного гардероба. А все потому, что настроение меняется несколько раз в день. Эта женщина не может придерживаться какого-то определенного стиля или цвета. Близнец всегда стремится что-то изменить в своем облике. В разной одежде она чувствует себя по-разному, поэтому для деловой встречи ей необходим строгий костюм, а для развлечений - легкое в горошек платьице. Вещи позволяют Близнецу настроиться на нужный лад. При этом любой стиль, любой цвет, любой предмет туалета смотрится на ней прекрасно.

Из тканей Близнец предпочитает легкие, полупрозрачные и неяркие. Среди одежды останавливает свой выбор на коротких платьях, сарафанах, корсажах и юбках - женственных вещей, приковывающих внимание мужчин.

Близнец имеет правильные черты лица, поэтому, применяя макияж, ей не нужно прятать или пытаться изменить какие-либо свои формы. Она может использовать в макияже неяркие краски, отдавая предпочтение естественности. Близнецу не стоит одевать на себя много украшений, поэтому лучше ограничиться, например, кольцами или перстнями.

Рак предпочитает уют и комфорт, в том числе и в одежде. Она выбирает обтягивающие вещи, полупрозрачный материал, зеленые и голубые оттенки и неяркий макияж. Именно поэтому Рак производят впечатление хрупкой и беззащитной женщины. Однако с возрастом она может пополнеть, что часто связано с рождением детей. В этот период Рак предпочитает свободную комфортную одежду.

Наиболее гармонично на Раке будут смотреться свободные платья, длинные юбки и аккуратные украшения из жемчуга и серебра. Ей необходимо подчеркивать свою женственность и нежность.

В макияже следует использовать косметические средства, которые помогут скрыть немного расплывчатые черты лица. Поможет в этом деле контурный карандаш для глаз и губ, светлое тональное средство. Для украшения себя Раку лучше всего использовать колье или кулоны из серебра. Среди камней ей следует отдать предпочтение изумруду, жемчугу, лунному камню и селениту.

Подобрав себе одежду, украшения и макияж, помните, что стиль на этом не заканчивается. Вам еще предстоит воплотить в себе те качества, которые вы цените, и избавиться от тех, что мешают вам жить. Ведь стиль - это не только то, что снаружи, но и то, что внутри!

Лев всегда любит быть в центре внимания. Женщина этого знака стремится быть во всем первой. Она выбирает для себя только лучшее, модное, роскошное и новое. Лев прекрасно умеет себя преподнести, и это неспроста, поскольку она уделяет много внимания и времени своему внешнему виду.

Любимая одежда Льва - классический костюм серого, черного, золотистого или бордового цвета. Также на ней будут прекрасно смотреться пиджаки, брюки и вечерние платья с дорогими украшениями, то есть все изысканные и благородные вещи.

Макияж Льва должен быть естественным, хотя возможно использование косметики с блеском. Ей подойдут теплые, мягкие оттенки. Из аксессуаров Льву лучше всего использовать украшения из золота с натуральными камнями. Ей подойдут янтарь, рубин, хризолит, горный хрусталь и золотистый кварц.

Дева всегда одевается «от иголочки». Она тщательно продумывает каждую деталь туалета, прежде чем выйти в свет. Когда Дева покупает какую-либо вещь, то подходит к этому делу очень рационально. Она никогда не купит ничего лишнего, отдавая предпочтение практичным вещам, которые будут служить ей долго и в любой ситуации. Именно поэтому в ее гардеробе не найдешь яркой, цветастой одежды - лишь спокойные пастельные оттенки, черные, серые и белые цвета.

Дева прекрасно умеет подобрать аксессуары: шляпки, перчатки, туфли, сумочки и прочее. Она любит носить часы, кольца и перстни. Среди драгоценных камней, подходящих Деве, - яшма, сердолик, нефрит и сапфир.

В макияже Деве следует использовать холодные оттенки и светлый тон для лица. Ей не стоит слишком сильно краситься, лучше предпочесть более естественный вариант макияжа.

Весы умеют выглядеть стильно, сексуально и женственно. В гардеробе такой женщины всегда можно найти легкие, пушистые и ворсистые ткани, ее любимые цвета одежды - белые, светлые, пастельные оттенки. Весы не стремятся во всем следовать за модой, выбирая только то, что действительно им подходит. Она обожает ходить по магазинам, поскольку не любит долго носить одну и ту же одежду.

Весам подойдет строгая классическая одежда: брюки, костюмы, платья. Отличными аксессуарами для женщины этого знака будут шляпки и шелковые шарфики. В макияже ей следует отдать предпочтение теплым оттенкам, используя светлый тон для лица и легкий румянец.

Украшения для Весов - это отличительный знак и прекрасное дополнение к внешнему виду. Именно поэтому они особенно внимательно выбирают эту деталь туалета. Причем, не найдя ничего подходящего, Весы могут сделать украшение своими руками. Главное для представительницы этого знака Зодиака - чтобы оно было оригинальным и красивым.

Скорпион любит притягивать к себе любопытные взгляды противоположного пола. Именно поэтому она тщательно подбирает себе купальный костюм и нижнее белье, которое всегда одевает под одежду комплектом. Большое значение для нее имеют и такие предметы туалета, как чулки, мини-юбки, полупрозрачные блузки, топы с глубоким вырезом и т. д. Весь вид Скорпиона кричит о сексуальности и притягательности. Именно это и следует подчеркивать представительницам этого знака. Для зрелых Скорпионов подойдут длинные платья, юбки и костюмы.

Скорпиону будут к лицу насыщенные цвета - такие как бордовый, зеленый, синий, фиолетовый. Ей придутся по нраву ткани, приятные для тела: бархат, вельвет, велюр, шерсть.

В макияже следует уделять особое внимание глазам, которые у Скорпиона завораживающие. Можно их ярко подчеркивать тенями для век, контурным карандашом и даже синей или коричневой тушью. Помада также может быть яркой и с блеском. Из украшений Скорпион предпочитает колье, кулоны и браслеты. Причем они должны быть крупными и дорогими, например, из золота и драгоценных камней.

Каждому знаку Зодиака присущи свои предпочтения в выборе одежды, макияжа или аксессуаров, однако не стоит забывать и о своих ощущениях. Если вам нравится сильно краситься или носить ковбойские шляпы, то продолжайте это делать. Ведь ваш стиль - это отражение внутреннего мира.

Стрелец любит путешествовать, узнавать что-то новое и радоваться каждому мгновению жизни. Представительница этого знака всегда находится в движении, поэтому одежду она выбирает удобную, свободного или спортивного стиля. Хотя для нее не последнюю роль играет мнение окружающих, ей важно, чтобы ее выбор одобрили другие. Стрелец предпочитает выбирать для одежды синие, белые и светлые оттенки. Ей хорошо подойдут брючные костюмы, рубашки и жакеты. Прекрасно будет на ней смотреться ткань с отливом.

Из аксессуаров Стрельцу необходимы пояс на талию и удобный портфель. К сожалению, женщины этого знака совершенно не умеют вмещать все необходимые вещи в маленькую дамскую сумочку.

Для макияжа Стрельцу можно использовать яркие помады и легкий румянец. Лучший выбор для нее - украшения из золота, платины и серебра. Из камней Стрельцу нужно обратить внимание на гранат, сапфир, изумруд, топаз и бирюзу.

Козерог не любит излишеств, не стремится выделяться из толпы, предпочитая прятаться в тени. Ей нравится одевать простые и строгие вещи - к примеру, блузки, кофты, прямые юбки, классические костюмы. Козерогу подходят практически все темные оттенки, что играет ей на руку, поскольку этот знак не отличается особенной чистоплотностью - в течение дня она всегда может посадить на свою одежду пятно.

Из обуви Козерогу лучше выбрать туфли на невысоком каблуке. Макияж представительнице этого знака не стоит делать слишком ярким, единственное условие - можно выделить темными тенями глаза, создав дымчатый взгляд. Козерогу не следует надевать на себя большое число украшений, лучше ограничиться одной вещью, но оригинальной. Можно даже сделать себе украшение своими руками или взять аксессуар из старинных семейных реликвий.

Водолей умеет поражать окружающих своим оригинальным и экстравагантным внешним видом. Представительница этого знака любит свободу, причем во всех сферах. Ее стиль тоже безграничный и свободный. Ее подойдет абсолютно любая одежда, любой цвет и фасон. Кстати, именно Водолеи чаще других знаков Зодиака являются законодателями моды, примером для подражания.

Для Водолея аксессуаром может стать практически все что угодно. Даже ноутбук или мобильный телефон становится в их руках модным украшением. Для макияжа ей нужно использовать серебристые и перламутровые тона, не стоит пренебрегать блеском для губ. Однако даже если у Водолея нет настроения краситься, она все равно будет оставаться загадочной и прекрасной. Из украшений ей подойдут как дорогие вещи, так и бижутерия. Из натуральных камней лучше всего выбрать сапфир, аметист или гранат.

Рыбы - мечтательные, загадочные и скрытные. Они любят теплые, уютные и комфортные вещи. Для них жесткая ткань или высоченная шпилька на туфлях - самые кошмарные моменты на свете. От синтетики у представительницы этого знака Зодиака тут же появляется раздражение и шелушение. Поэтому из тканей ей следует обратить внимание на натуральные, мягкие материалы, такие как ангорская шерсть и шелк. Ей отлично подойдут обтягивающие водолазки, боди, длинные платья и юбки. Хорошо будут смотреться на Рыбах кружевные и вязаные вещи. Классическая деловая одежда не для женщины этого знака. Хотя в ней она и будет чувствовать себя уверенней и собранней, однако при долгом ношении станет утомленной и расстроенной.

Среди цветов Рыбы предпочитают все оттенки голубого и зеленого, то есть все морские цвета. Прекрасно будут подчеркивать их загадочный и мечтательный вид ткани с отливом.

Для макияжа Рыбам следует использовать зеленоватые и голубые оттенки. Они могут смело подкрашивать глаза синей тушью и такой же подводкой для глаз. Можно применять контурные карандаши для глаз и губ, чтобы сделать черты лица четче и ярче.
Быть стильной и модной женщиной в нашем мире очень важно. Не стоит, конечно, слепо следовать советам астрологии, но, взяв на вооружение некоторые моменты, вы можете определиться, в каком направлении вам двигаться. Помните, что вы женщина, вы всегда должны вызывать у окружающих восхищение.

Есть люди, заставляющие нас недоумевать отсутствием у них стиля, но заставляющие нас задумываться над тем, насколько мы отстаем от моды, ярыми приверженцами которой, они являются.

Термин, обозначающий одно из явлений массовой культуры Специфическая разновидность духовного производства, ориентированного на «среднего» потребителя и предполагающая возможность широкого тиражирования оригинального продукта. Это также культура, популярная и преобладающая среди широкого слоя населения в данном обществе…

, Синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. Особое распространение получил в различных формах стандартизованного бытового украшения. Как элемент массовой культуры - точка максимального отхода от элементарных эстетических ценностей и одновременно - одно из наиболее агрессивных проявлений тенденций примитивизации и опошления в популярном искусстве.

Так как слово вошло в употребление в ответ на большой объём появившихся в XIX веке художественных работ, в которых эстетические качества были перепутаны с преувеличенной сентиментальностью или мелодраматичностью, китч наиболее близко ассоциируется с искусством сентиментальным, приторным или слезливым, однако это слово можно применить к предмету искусства любого сорта, неполноценному по подобным причинам. Независимо от того, выступает ли он сентиментальным, эффектным, напыщенным или креативным, китч называют ужимкой, подражающей внешней стороне искусства. Часто говорят, что китч опирается только на повторение условностей и шаблонов и лишён творческого начала и подлинности, демонстрируемых истинным искусством.

Кич - это дешевка, безвкусная массовая продукция, рассчитанная на внешний эффект; синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика. Возник в прикладном искусстве и в художественной промышленности 2-й половины XIX - начала XX века. Кич распространился как промышленная имитация уникальных изделий. Позже кич распространился на все сферы искусства: от станковой живописи до всех видов искусства, в т. ч. не только традиционные - литература, музыка, театр, архитектура, но и кинематограф, телевидение.

В 1960 - 1980-е г. предметы китча стали распространенным явлением массовой культуры. Особую популярность кич получил в оформлении бульварной печатной продукции, кино и видео в различных формах стандартизированного бытового украшения. Кич захватывает сферу не только самодеятельного и профессионального искусства, но народное искусство, куда проникают элементы дефольклоризации, псевдохудожественные произведения. В каждой стране обнаруживаются национальные особенности кича. Широкое распространение кич получил и в России.

Кич со временем стали определять как эстетически обеднённый объект низкопробного производства, предназначенный скорее для идентификации новоприобретённого социального статуса потребителя, нежели чем для пробуждения подлинного эстетического чувства. Кич считали эстетически скудным и сомнительным в нравственном отношении, заставлявшим жертвовать эстетической стороной жизни, обычно, хотя и не всегда, ради обозначения социального статуса.

В современном мире кич настолько распространен, что специалисты выделяют несколько его разновидностей (Т.А. Фетисова). Ретрокич - мода на классический исторический кич. Сегодня многие коллекционируют классический кич: статуэтки, коробочки, коврики, открытки. Ярмарочный кич - современные рыночные кошки-копилки, игрушки, отдаленно напоминающие народные, и другие поделки. Неокич, включающий в себя дизайн-кич, гаджет-кич (различного рода сувениры, отличающиеся поражающей нелепостью: авторучка - карманный фонарик, запонки с термометром или пушка, стреляющая сигаретами). Кэмп - псевдоинтеллектуальные образчики наиболее уродливых проявлений кича.

Для кича характерны набор суррогатов, стереотипов, сентенциозность, набор житейских формул, помпезность. В отличие от подлинных видов искусства, кич, не ставит вопросов, он содержит только ответы, заранее подготовленные клише. Он не вызывает духовных исканий, но стремится к созданию незамутненного, самоуверенного спокойствия. Подражая высоким художественным образцам, кич намеренно низводит их до банальности и пошлости. Паразитируя на высоком искусстве, кич тяготеет также ко всему таинственному, непознанному. Отсюда интерес к теософии, антропософии, оккультным наукам, но без стрессов и метаний. Поэтому в киче распространены упрощенные образцы сатанизма. Предметом интереса кича являются также скандальные сенсации, модные проблемы, современные научные идеи, поданные в вульгаризованном, поверхностном виде.

А. Моль в книге «Кич, искусство счастья» справедливо утверждал, что К. это не только стиль в литературе и искусстве, но и отношение к нему потребителей. Кичмен жаждет описаний «сладкой» жизни тех, кто не стеснен в средствах: аристократов, дам полусвета, финансовых магнатов, звезд кино, телевидения и эстрады и им подобных, что позволяет давать описания роскошных апартаментов и увеселительных заведений, полный реестр великосветских развлечений, «возвышенные» страсти и диалоги, пристойную дозу эротики или откровенный секс, то есть, всё то, чем зачитывалась несчастная Настя из горьковской пьесы «На дне».

На иной основе строятся взаимоотношения современного потребителя и неоки-ча. Если старый Кич стремился к красоте, какой она представлялась неразвитому вкусу нуворишей, то есть к пошловатой красивости, то Кич сегодняшний сознательно ввел моду на безобразное. Потребитель нередко понимает, что вещь некрасива и нефункциональна (например, чайник в форме кошки или дом в виде башмака) и именно поэтому покупает ее, чтобы идти в ногу со временем, не выглядеть отсталым. Столь тесной связи эстетики с престижностью не знал старый Кич. Нынешний заказчик и потребитель К. принадлежит к тому слою населения, для которого характерны достаточная материальная обеспеченность, довольство собой и жизнью, тяга к постоянному украшательству ее все новыми и новыми вещами и развлечениями. Погружаясь в иллюзорный мир Кича, его потребитель обнаруживает сходство своих стремлений, своих представлений о морали, нравственности, эталонах успеха со стремлениями и представлениями героев книг, фильмов и телепередач. Для него важно только одно условие: показанное или написанное должно обладать всеми внешними приметами жизнеподобия. Кич апеллирует к инстинктам; теоретическое обоснование этого исследователи находят у 3. Фрейда, поскольку Кич нередко делает ставку на спекуляцию сексуальностью и жестокостью. Манипулирование сознанием реципиентов, точный учет психологии восприятия в сочетании с прогрессом технических возможностей распространения Кич-продукции - основы как Кича, так неокича.

Китч в любых видах искусства воспроизводит вещи большими или меньшими, чем образец, он имитирует материалы (имитация мрамора, пластмассы и т. д.), он подражает формам или комбинирует их неподходящим образом, он повторяет моду, не проживая ее. Во всем этом он подобен гаджету в техническом плане: гаджет также является технологической пародией, наростом из бесполезных функций, непрерывной симуляцией функций без реального практического референта.

Декаданс - красивое слово. Но в переводе с латинского decadentia означает упадок. И тут уж каждый волен представлять декаданс как угодно, потому что у каждого человека по жизни может быть свой декаданс, и не один. Можно даже применить это слово к нынешнему экономическому кризису. Но термин этот имеет свою историю, и, когда группа «Агата Кристи» в середине 90-тых предлагала «поиграть в декаданс», мало кто понимал, что это за игра такая.

Движение декаданса началось в 19 веке. Хотя по своей форме декаданс напоминает эпоху упадка Римской империи и другие подобные случаи в истории, которые выразились затем в искусстве. Но ярко декаданс проявился все же в 19 веке, тогда утонченные романтики от литературы встали, что называется, в позу и не приняли банальности и натуралистичности современного им искусства. И стали они декадентами! На Западе декадентами называли Ш. Бодлера, Марию Корелли, П. Верлена, Метерлинка, Гюисманса, Станислава Пшибышевского. В России декадентами были Бальмонт, А. Добролюбов, Коневский, Ф. Сологуб, Мережковский, Зинаида Гиппиус и «ранний» Брюсов.

Основными элементами декаданса называют субъективизм, индивидуализм, аморализм и как следствие отход от общественных норм и правил. В изобразительном искусстве декаданс проявляет себя тематикой падения и некой апатичной сексуальностью. Бледные равнодушные лица, обнаженные и полуобнаженные тела, бесстрастные или, наоборот, полные отчаянной страсти.

Те же самые мотивы, только в словесной форме присутствуют в поэзии декаданса. Вот как Зинаида Гиппиус изобразила боль в одноименном стихотворенье.

Красным углем тьму черчу,
Колким жалом плоть лижу,
Туго, туго жгут кручу,
Гну, ломаю и вяжу.

Как видно, декадансу свойственна экспрессия и яркость. В философии ближе всего к декадансу стоит Фридрих Ницше. Его философия тоже противопоставляет себя традиции, обществу, морали.

Современный нам декаданс - это больше стиль, настроение, чем идеи. Нынешний декаданс вышел из андеграунда и вобрал в себя элементы готики и гламура. В 2006 году поклонники этих стилей устроили первый фестиваль «Бархатное подполье». Само название уже говорит о многом, например, о том, что фестиваль должен был собрать людей искусства, в некотором роде оппозицию «попсы». Выглядело это примерно так - экстравагантные дамы в нарядах немыслимых фасонов, мужчины во фраках, при бабочках. Прибавьте к этому соответствующую музыку, манеры и Вы поймете, что современный декаданс похож больше на карнавал, чем на собрание интеллектуалов, пекущихся об искусстве.

«Морали нет, есть только красота!» - вот кредо нынешних декадентов. Поэтому, дорогой читатель, если Вы считаете, что мораль и общепринятые нормы поведения вполне можно променять на красоту в самых невероятных формах, то добро пожаловать в игру! Не забудьте только наряд поярче, научитесь манерничать, будьте немного депрессивны, сделайте вид, что Вам безразличен окружающий мир со всеми его проблемами, станьте эгоистом. И не забывайте, что это всего лишь игра..

У каждой кукушки свой стиль.
…особенно если не на месте кукушка

В XIX веке мужчины разглядывали черно-белые порнографические фотографии с женщинами, стыдливо отводившими глаза от фотографа. «Сексуальная революция» 60−70-х годов ХХ века привела к появлению множества журналов для мужчин с изобилием обнаженных женских тел. Но существовал и переходный этап, жанр журнальной иллюстрации - pin-up.

В 30-х годах ХХ века на обложках американских журналов стали появляться нарисованные красотки в развевающихся платьях, с оголенными ногами и соскальзывающими с плеч лифами. Большего американская мораль не позволяла, но большего и не требовалось: журналы, в которых, к слову, красавицы на обложках не имели ничего общего с содержанием, пользовались огромной популярностью.

Вскоре их стали раскупать не столько из-за содержания, сколько из-за самих обложек, которыми дальнобойщики и холостяки обклеивали свои жилища и кабины автомобилей. Задорных куколок с журнальных обложек в юбках, застигнутых врасплох порывом ветра, в просвечивающих пеньюарах, в наброшенных в последний момент полотенцах стали называть Pin-up Girls («to pin up» - прикалывать, прикреплять к стене). Обнаружив, что мужскую аудиторию интересует, прежде всего, не печатный текст, а ножки в чулках с подвязками, издатели стали нашпиговывать свои журналы изображениями белозубых красоток. Больше того, появились журналы, которые специализировались именно на таких иллюстрациях («Beauty Parade», «Whisper», «Flirt»).

Непременным условием pin-up была естественность ситуации и намек: главное осталось за кадром. Это заставляло работать воображение. Один из лучших художников pin-up - Джил Элвгрен - довел до совершенства этот прием, на котором ныне построена вся эротика Голливуда.

В годы Второй мировой кокетливые соблазнительницы украшали борта самолетов и гильзы снарядов, а в кармане у любого американского солдата лежала зажигалка Zippo с их изображением. Американское правительство в целях поддержания в оторванных от дома солдатах гетеросексуальных намерений поощряло выпуск журналов, открыток и календарей с эротическим подтекстом.

Поскольку в то время различия между порнографией и эротикой никто не делал, да и слова такого - «эротика» - еще не придумали, то все эту продукцию можно было смело относить в разряд порно. Разумеется, как и всё прочее в нашем лучшем из миров, эта порнография была относительной.

Девушки на картинках не были дамами полусвета, эдакие «соседские девчонки», они не оголяли срамные места, а вполне целомудренно, особенно по сегодняшним меркам, съезжали по перилам в ночных сорочках, лазили по пальмам и сверху бросались кокосами, в легкомысленных передничках подметали пол и склонялись над кастрюлями, помешивая какие-нибудь полуфабрикаты.

Мы из Pin-Up

В 50-х улыбки нарисованных кокеток становились все более зазывными, позы - более откровенными, а одежда больше открывала тело, чем прикрывала, если вообще присутствовала. На это время и выпал пик популярности Бетти Пейдж.

Лучшие модели, позировавшие для журналов, назывались The Great American Pin-up Girls и становились настоящими звездами. Без Бетти Пейдж, этой длинноволосой брюнетки с ее фирменной прической, весь pin-up немыслим - недаром она удостоилась титула «Pin-up на все времена». В течение семи лет она правила балом фетишистов, оттеснив традиционно-приторных блондинок. Из простой модели Бетти превратилась в поистине культовую фигуру американской и западноевропейской культуры 50-х годов: подпольным образом продавались брошюры с описанием ее любовных похождений, вышли любительские короткометражки, в которых она в сапогах на шнуровке и с плетью в руках показывала связанным мужчинам, кто в доме хозяин.

В середине 50-х, во время президентских выборов, один из кандидатов в президенты выдвинул лозунг борьбы с порнографией. На сенатских слушаниях Бетти Пейдж обвинили в растлении молодежи и чуть ли не в развращении духа нации, после чего она ударилась в христианство и ушла в монастырь. Интерес к ней возродился в 70-х - вместе с началом эпохи порно - и с тех пор не угасает (в 2005 году вышел фильм «Непристойная Бетти Пейдж»).

В стройных рядах стройных звезд Pin-up Girls блистала и Мэрилин Монро, чьи дела в кино в начале 50-х шли из рук вон плохо. Настолько плохо, что ей приходилось сниматься в таких вот сомнительных журналах. Однажды ее изображение pin-up попалось на глаза фотографу Хью Хефнеру, задумавшему издавать свой собственный журнал - «Playboy». Моделью для первого номера журнала, увидевшего свет в декабре 1953 году, он выбрал понравившуюся ему Мэрилин. На этом первом номере не было даже указано, что это первый номер, поскольку надежда на издание второго и последующих номеров теплилась слабо. Однако невероятный успех «пробного шара» определил дальнейшую судьбу журнала.

Хефнер решил вдохнуть новую жизнь в однообразный и уже отживавший свое pin-up. Соединив вычурность и кокетство pin-up с обнажением женского тела, он создал свой стиль, стиль playboy. За «Playboy» последовал выход ряда других журналов для мужчин. Изображения жеманниц в старомодных купальниках уступили место фотографиям голых тел. То, что шокировало в 50-х, в сексуально раскрепощенных 70-х могло вызвать лишь снисходительную улыбку.

Клич свободной любви, брошенный хиппи и с энтузиазмом подхваченный всем миром, сделал свое дело.

Фовизм (произошло от фр. fauvisme, от fauve - дикий, хищный) - авангардистское течение во франц. живописи начала 20 века, для которого характерны: предельно интенсивное звучание открытых цветов; сопоставление контрастных хроматических плоскостей, заключенных в обобщенный контур; сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы.

Во Франции на Осеннем Салоне в 1905 году будущие фовисты выставили свои произведения в составе целой творческой группы. Критики назвали их выставочный отдел «клеткой диких» (от франц. fauve - дикий). Произведения фовистов вызвали бурю критики и эмоций. Вскоре вышла рецензия Луи Вокселя, который впервые использовал слово «фовизм», в дальнейшем закрепившееся как название этого направления. В своей эстетике фовисты опирались на философию Шопенгауэра и Ницше. Прежде всего в живописи фовистов интересовал цвет, его выразительность. Они считали, что «для живописца решение всех проблем нужно искать в ящике с красками». Все фовисты опирались прежде всего на эстетику Ван Гога, живопись которого отличается особой цветовой гаммой - яркой, насыщенной, полной эмоций. Самое главное, что Ван Гог «открыл им глаза» на выразительность чистых, локальных цветов. Фовисты не стремились передать реальность жизни. Им важно было показать «страсть к жизни», ее краски и эмоциональные проявления.

Фовисты работали в основном в жанре пейзажа, иногда изображали различные сцены в интерьере. Редко они прибегали к портрету, а если это и случалось, что их портретное творчество отличалось легкой иронией по отношению к портретируемой модели.

Мориса Вламинка (1876 - 1958) и Анри Матисса (1869 - 1954) были основными лидерами фовизма. Также в группу входили Альбер Марке (1875 - 1947) и Анри Манген (1874 - 1943), Кес ван Донген (1877 - 1953), Отон Фриез (1879 - 1949) и Рауль Дюфи (1877 - 1953). Андре Дерен был дружен с группой «диких» и на какое-то время примкнул к их рядам. В более позднее время к фовистам присоединились Жан Метценже (1883 - 1957), Анри Ле Фоконье (1881 - 1946) и Жорж Брак (1882 - 1963). На некоторое время идеи фовизма оказались близкими Жоржу Руо (1871 - 1958).

Экспрессионизм (произошло от фр. expression - выразительность) - модернистское течение в западноевропейском искусстве начале 20 века, возникло как отклик на острейший социальный кризис - 1-ю мировую войну. Идейной основой экспрессионизма стал протест против уродливого мира, все большее отчуждение человека от мира, чувства крушения надежд. Экспрессионистам свойственны тяготение к мистике и пессимизм.

Экспрессионизм развивался стремительно и хаотично. В первых работах, проделанных художниками в 1905 - 1909 гг. г. - нет четкой определенности, вектора направления. Ужас и паника охватывают умы деятелей модернистического направления. И они начинают творить: размыто, уродливо, апокалиптично. Картины буквально пропитаны бесприютностью, олицетворяют крушение мира, идею бесполезной борьбы. Осознание надвигающейся войны вызывает бурный всплеск эмоций.

Художники-бунтари «жесткой» рукой выводят проблемы времени на холст, прибегая к совершенно новым приемам. Происходит отказ от иллюзорности пространства, предметы и объекты насильно деформируются, как бы расползаются в плоскости. Все пропитывается трагическим мистицизмом. Нет веры в бога, веры в себя, веры в будущее. Все предрешено. Резкие краски в работах выводят из душевного равновесия, быстро возвращая в состояние уныния и пустоты. Картины пропитаны множеством беззвучных голосов. Крики о помощи, плачь о потере близких людей, исповедь перед смертью - все это можно с легкостью прочитать у художников-экспрессионистов.

Первый период развития экспрессионизма происходит в Германии (1905−19 012г.г.). Студенты архитектурного факультета в Дрездене создают самостоятельные группы единомышленников: «Мост» и «Синий всадник». Организация «Мост» поведала о себе на выставке, проводившейся в магазине ламп. Над ее созданием и выпуском работал союз талантливых авторов: Эрнст Людвиг Кирхнер, Куно Амье, Макс Пехштейн, Аксель Галлен и другие. В этот период за образец брались творения, создаваемые грубыми и тяжелыми мазками. Разрушались первозданные рамки предметов и объектов, все до ужаса вытягивалось и расщеплялось. Спустя шесть лет выставка была жестко воспринята в штыки и раскритикована. Искусство стало бок о бок сотрудничать с литературой, иллюстрировались романы русских и зарубежных писателей. Э. Хеккель взяв за основу произведение Ф.М. Достоевского «Идиот» изобразил встречу князя Мышкина и Рогожина, назвав сие творение «Двое мужчин за столом» (1912 год).

Объединение «Синий всадник» было организовано В. Кандинским и А. Явленским в качестве протеста «Мюнхенскому Сецессионизму» в 1909 году. Выступая за абстрактное искусство, авторы решили отказаться от грубой реальности, создать новый взгляд на нее. Ощущение приближающейся войны, смертельной опасности породило сильные и самостоятельные образы. Примером данных работ могут служить скульптуры «надломленной грации» Вильгельма Лембрука и Эрнста Барлаха.

Второй виток экспрессионизма возник на рубеже 1920−1930г.г. в Австрии и Германии. Очень четко стала прослеживаться уникальность художника-творца. Так П. Пикассо и М. Шагал - нашли себя в примитивизме. Ж. Руо и О. Кокошка - боролись над созданием мрачных образов, беспрестанно пугая зрителей и вызывая физический, практически животный страх. Г. Гросс и О. Дике более реалистично подошли к проблеме трагизма, оголяя духовные поиски и стремления. Все не просто старались, но и вносили существенные коррективы, создавая неповторимый узор. Бунтарские порывы художников не остались незамеченными, а экспрессионизм провозгласили самым ярким и судьбоносным течением в изобразительном искусстве.

Футуризм (произошло от итал. futurismo - будущее) - течение в искусстве начала 20 века. Основные темы футуризма: достижения техники и технический прогресс. Основоположниками футуризма были Балла Джакомо, Джорш Северени, Боччони, Руссоло, Карра.

В качестве своей основной программы футуристы выдвигали идею разрушения сложившихся в культуре стереотипов. Взамен они предлагали апологию урбанизма и техники, признавая в них главные признаки настоящего и будущего. Темп современной жизни они пытались выразить через пластику стремительности движения.

В начале 20-ого столетия Италия ожидала появления новых Рафаэлей, Тицианов и Караваджо, а взамен получила хулиганов-футуристов в лице Филиппо Маринетти, Джорджо Моранди и Джорджо де Кирико. В своем стремлении создать «искусство будущего», футуристы отвергли традиционную культуру с ее художественными и нравственными ценностями, одновременно провозгласив культ урбанизированной цивилизации - мегаполисов, движения, высоких скоростей, энергии и силы.

В футуризме отмечается родственность с экспрессионизмом и кубизмом, выраженная в использовании сдвигов, пересечений, наплывов и наездов форм, означавших множественность дробных впечатлений современного городского человека.

Родиной течения явилась Италия, а его основными идеологами - литератор Филиппо Маринетти, живописец и скульптор Уго Боччони, а также живописцы Джакомо Балла, Джино Северини и Карло Карра. Футуристический манифест «Искусство механизмов» говорит о двух основных ипостасях нового человека: первый - безликий функционер, робот, винтик в механизме окружающего общества, а второй - личность, воплощение сверхчеловека. Данный манифест был опубликован в феврале 1909 года в парижском журнале «Фигаро». В громкости ниспровержения предшествующих открытий футуристам не было равных, главными элементами творческой деятельности в манифесте назывались «храбрость, дерзость и бунт». Маринетти провозглашал: «Нет шедевров без агрессивности». Надо сказать, что подобных манифестов и программ у футуристов было гораздо больше, нежели реальных творческих достижений.

Постепенно громкое эхо итальянского футуризма докатилось до Парижа и России, где главным признаком будущего было признано движение. Работы художников прославляли индустриализацию, машины и урбанизацию. По заявлениям футуристов, движение, воспроизводимое ими на полотне, не было закреплено мгновением мирового динамизма, а само являлось динамическим ощущением. Они использовали тот же прием, что используют современные мультипликаторы, разбивая и фиксируя различные движения по этапам, - фазы движения показывались на картинах одновременно. В футуристической манере членить объемы легко читается живопись кубистов, которую футуристы попрекали в «застылости». Нередко разложение движения доводило изображение до полной абстракции, что наглядно просматривается в циклах Баллы «Линия-Скорость», «Скорость-Пейзаж» и «Вихрь».

Нет смысла искать глубокий психологизм и интерес к внутреннему миру человека в футуристическом искусстве, мечтой которого было создать «механического человека с заменимыми частями». Северини заселил со своими единомышленниками полотна механическими существами. Шаг за шагом футуризм начал растворяться в других художественных течениях.
Русский футуризм разительно отличался от западного варианта, от которого унаследовал только пафос строителей «искусства будущего». Русская версия - кубофутуризм - имела за основу соединение общеэстетических установок европейского футуризма и пластических принципов кубизма. В России течение существовало в рамках направления модерн и представляло собой совмещение различных группировок. Члены футуристического «Союза молодежи» называли себя «будетлянами». В Союзе творили: П.Н. Филонов, В.Е. Татлин, А.А. Экстер, М.З. Шагал, участники знаменитых выставок «Трамвай Б», «Мишень» и «Ослиный хвост» - Н.С. Гончарова, М.Ф. Ларионов, К.М. Зданевич, К.С. Малевич, а также члены группы «Гилея» - Д.Д. Бурлюк и В Маяковский.

Символизм (происходит от фр. symbolisme) - одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870−80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства.

Символизм возник как альтернатива исчерпавших себя и художественной практики реализма и натурализма, обратившись к антиматериалистическому, антирационалистскому образу мышления и подхода к искусству. В основе его мировоззренческой концепции лежала идея существования за миром видимых, реальных вещей другой, настоящей действительности, смутным отражением которой и является наш мир. Все случающееся с нами и вокруг нас символисты считали порождением цепи причин, сокрытых от обыденного сознания, а единственным путем достижения истины, моментом прозрения - творческий процесс. Художник становится посредником между нашим иллюзорным миром и сверхчувственной реальностью, выражая в зрительных образах «идею в форме чувств».

Символизм в изобразительном искусстве - явление сложное и неоднородное, не сформировавшееся в единую систему и не выработавшее своего художественного языка. Вслед за поэтами-символистами художники искали вдохновения в тех же образах и сюжетах: темы смерти, любви, порока, греха, болезни и страданий, эротика привлекали их. Характерной чертой движения было сильное мистико-религиозное чувство. Художники-символисты часто обращались к аллегории, мифологическим и библейским сюжетам.

Черты символизма отчетливо прослеживаются в творчестве самых разных мастеров - от Пюви де Шаванна, Г. Моро, О. Редона и прерафаэлитов до постимпрессионистов (П.Гогена, Ван Гога, «набидов» и др.), работавших во Франции (родине символизма), Бельгии, Германии, Норвегии и России. Для всех представителей этого направления характерны поиски собственного изобразительного языка: одни уделяли особое внимание декоративности, экзотическим деталям, другие стремились к почти примитивной простоте изображения, четкие контуры фигур перемежались с размытыми, теряющимися в туманной дымке, очертаниями силуэтов. Такое стилевое многообразие в совокупности с освобождением живописи «от оков достоверности» создало предпосылки для формирования многих художественных тенденций 20 в.

Символизм в изобразительном искусстве характеризуется своей концентрацией не на повседневности, в которой, а на таинственных (и даже божественных) силах, проявляющих себя через душевные переживания персонажей картин символизма, или же яркие проявления божественного в природе. Одной из ярчайших картин символизма является «Демон сидящий» Михаила Врубеля. Поистине, данная работа знаменитого русского художника является, безусловно, одной из знаковых для самого течения - русский символизм.

Мастера символизма: Гюстав Моро, Пьер Пюви де Шаванн, Одилон Редон, Фелисьен Ропс, Эдвард Бёрн-Джонс, Данте Габриэль, Россетти, Джон Эверетт Миллес, Уильям Холмен Хант, Виктор Борисов-Мусатов, Михаил Врубель.

Рококо (происходит от фр. rococo, rocaille) - стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость. Его появление в Европе первой половине XVIII века вызвало бурю эмоций не только у начинающих художников, но и творчески устоявшихся авторов.

В архитектуре исчезли темные навесные детали, появились легкие, плавные и игривые черты. Картины рококо имеют четкую сюжетную направленность: пикантные любовные сцены, стремление к бесконечному удовольствию и мифологической божественности, интимность стоп-момента. На холсте даже трагизм выполняется особо мягко и пластично. Некуда спешить, жизнь прекрасна в своем воплощении. Погружение в негу создает особую атмосферу, располагает к лености, аморфности и чревоугодию. Большой популярностью пользуется пастораль - пастушечья тема, изображающая быт сельских жителей, их сакральную долю.

Художники данной эпохи углублялись в мелкие детали, тщательно и в тоже время воздушно прорисовывали как пейзажи, так и персонажи своих полотен. Банты, рюши, многочисленные оборки, накладные парики с четко выложенными буклями - служили не только предметами женского гардероба, но и принадлежали к декору мужской моды. Пышные, сладостные формы нарисованных женщин, красиво парили в закрытых салонах, игральных комнатах, домах знатных особ и являлись говорящими объектами интерьера. Эротико-мифологическое настроение быстро перекочевало с Франции в европейские страны, вызывая эфирный трепет и безграничное кокетство. Свободные нравы шагнули в жизнь граждан данного времени. Литература начала радовать легкими пьесами, в музыке появились игривые повороты, которые невесомо исполнялись на клавесине (музыкальный инструмент). Все способствовало созданию совершенно нового, можно даже сказать «параллельного» мира. Люди, окружающие себя предметами роскоши в стиле рококо, пропитывались особыми эмоциями, с удовольствием покидали скучную реальность, добавляя полутона, полунамеки. Да и сами цвета, используемые в художественном творчестве XVIII века: голубой, серебристый, розовый, пшеничный, мягко-золотистый, белый, зеленый - служили некими путеводителями в страну грез, уводили за бескрайние горизонты.

Первопроходцем рококо принято считать Антуана Ватто - талантливого живописца, показавшего в своих работах утонченность, меланхоличность, мечтательность человеческой натуры. Его идею переняли Жан Батист Патер и Никола Ланкре. Большой вклад в «игривое» искусство внес прекрасный портретист - Лемуан Франсуа Буше. Его любовные истории завораживали интимностью момента, а образы влюбленных - были заботливо вписаны в историю, поражая замысловатыми сюжетами вплоть до французской революции 1789 года. Школу Буше окончили: братья Ванлоо, Шарль-Жозеф Натуар, Антуан Куапель и другие.

Рококо оставил большой отпечаток на живопись, изобразительное искусство. В скульптуре он слегка добавил иллюзорность портретным бюстам, ввел моду на небольшие статуи (нимфы, купальщицы, амуры). Ими заполняли парки, беседки, купальни. Рококо нашел свое отражение и в украшениях интерьера, добавив много изящных деталей в отделку помещений, зданий, домов. Просуществовав около половины века, художественный стиль плавно отдал бразды правления - неоклассицизму и заслужено ушел на пенсию.

Поп-арт (произошло от англ. popular art - популярное, общедоступное искусство или от pop - отрывистый звук, лёгкий хлопок) - буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект - неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта - сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

Если вы солидарны с мнением американца Энди Уорхолла (1928−1987г.г.) и считаете газовый насос красивее холма или дерева, то современное искусство в стиле поп-арт окажется вам по душе. Английские художники «Независимой группы» при участии лондонского Института Современных Искусств отошли от правильности и скучности форм и линий, создав совершенно новый, уникальный продукт. Чучело курицы, мусорное ведро, недоеденный бутерброд - становятся объектами интереса, полностью меняя угол восприятия и приводя в легкое замешательство.

На итальянском «Фестивале двух миров» толпа зевак громко реагировала на произведение художника Роберта Раушенберга - настоящую кровать с воздвигнутой на нее подушкой и заправленным одеялом, которые к всеобщему удивлению были выкрашены насыщенной масляной краской. Вслед за нелепой выходкой появилось новое творение - томатный суп в консервной банке. Он стал визитной карточкой поп-арта и сподвиг многих талантливых коммерческих художников на другие шокирующие изобретения. Жесткая издевка, неподражаемая смелость и максималистичная веселость - вскоре дали свои плоды и обзавелись непревзойденной финансовой поддержкой. Работы начинающих авторов не просто пользовались популярностью, а занимали ведущие места в рейтинге самого продаваемого искусства.

Поп-арт, переродившись когда-то из невостребованного дадаизма, совершенно быстро пришел к выводу, как подать себя. Стандартное искусство долгое время являлось увлечением определенно настроенной группы людей, так сказать художественно просвещенной. Оно не могло в полной мере вызвать глубокий интерес у всех без исключения народных масс и заявить о себе на мировом уровне. Именно поп-арт со своей простотой и «клоунадой» мог оказаться в каждом доме, стать не только украшением, объектом желания, но и попасть на телевидение, захватив рекламу. Информация о поп-арте лилась отовсюду, была доступна каждому, что привело к незамедлительному эффекту.

Энди Уорхолл, один из известных художников, работавший в стиле поп-арт, сколотил колоссальное состояние на слабости людей - идолопоклонничестве. Он разместил на огромных рекламных щитах портрет Мэрилин Монро, а также бутылки «CocaCola». Уорхолл не только прославил свое имя, но и заставил по-новому взглянуть на всеми любимые образы.

Задача поп-арта - заставить зрителя изменить угол восприятия, увидеть в обыденных вещах скрытый смысл. К примеру, холодильник, установленный на сейфе и выставленный в музее как экспонат, воспринимается совершенно по другому. Нежели тот же самый холодильник на сейфе в подвале, или общественном складе.

Поп-арт уникальное направление в искусстве. Яркие, ровные, лаконичные пятна Тома Вессельмана, или мешковатые, газетные комиксы Роя Лихтенштейна - ничто не пройдет стороной. Нам все еще приходится затаивать дыхание при виде новой коллекции современного творчества. А что будет дальше? Не знает никто.