Поп-арт (произошло от англ. popular art - популярное, общедоступное искусство или от pop - отрывистый звук, лёгкий хлопок) - буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект - неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта - сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.
Если вы солидарны с мнением американца Энди Уорхолла (1928−1987г.г.) и считаете газовый насос красивее холма или дерева, то современное искусство в стиле поп-арт окажется вам по душе. Английские художники «Независимой группы» при участии лондонского Института Современных Искусств отошли от правильности и скучности форм и линий, создав совершенно новый, уникальный продукт. Чучело курицы, мусорное ведро, недоеденный бутерброд - становятся объектами интереса, полностью меняя угол восприятия и приводя в легкое замешательство.
На итальянском «Фестивале двух миров» толпа зевак громко реагировала на произведение художника Роберта Раушенберга - настоящую кровать с воздвигнутой на нее подушкой и заправленным одеялом, которые к всеобщему удивлению были выкрашены насыщенной масляной краской. Вслед за нелепой выходкой появилось новое творение - томатный суп в консервной банке. Он стал визитной карточкой поп-арта и сподвиг многих талантливых коммерческих художников на другие шокирующие изобретения. Жесткая издевка, неподражаемая смелость и максималистичная веселость - вскоре дали свои плоды и обзавелись непревзойденной финансовой поддержкой. Работы начинающих авторов не просто пользовались популярностью, а занимали ведущие места в рейтинге самого продаваемого искусства.
Поп-арт, переродившись когда-то из невостребованного дадаизма, совершенно быстро пришел к выводу, как подать себя. Стандартное искусство долгое время являлось увлечением определенно настроенной группы людей, так сказать художественно просвещенной. Оно не могло в полной мере вызвать глубокий интерес у всех без исключения народных масс и заявить о себе на мировом уровне. Именно поп-арт со своей простотой и «клоунадой» мог оказаться в каждом доме, стать не только украшением, объектом желания, но и попасть на телевидение, захватив рекламу. Информация о поп-арте лилась отовсюду, была доступна каждому, что привело к незамедлительному эффекту.
Энди Уорхолл, один из известных художников, работавший в стиле поп-арт, сколотил колоссальное состояние на слабости людей - идолопоклонничестве. Он разместил на огромных рекламных щитах портрет Мэрилин Монро, а также бутылки «CocaCola». Уорхолл не только прославил свое имя, но и заставил по-новому взглянуть на всеми любимые образы.
Задача поп-арта - заставить зрителя изменить угол восприятия, увидеть в обыденных вещах скрытый смысл. К примеру, холодильник, установленный на сейфе и выставленный в музее как экспонат, воспринимается совершенно по другому. Нежели тот же самый холодильник на сейфе в подвале, или общественном складе.
Поп-арт уникальное направление в искусстве. Яркие, ровные, лаконичные пятна Тома Вессельмана, или мешковатые, газетные комиксы Роя Лихтенштейна - ничто не пройдет стороной. Нам все еще приходится затаивать дыхание при виде новой коллекции современного творчества. А что будет дальше? Не знает никто.
Я не люблю моду. Мода - это то, что делает людей одинаковыми. Вещь, машина, сленг и даже жесты, везде одно и тоже. Нет никакого почерка индивидуальности. Стиль, вот что я люблю. Проводить пальцами по шее при разговоре. В лексиконе иметь одно слово, которое всегда будет напоминать о тебе другим, где бы его не услышали. Иметь татуировку, которая будет действительно что-то значить, а не просто разукрашивать себя. В этом твоя личность. Стиль - это твой вкус. Это то, что позволяет сказать «кто ты» не произнося ни слова. А мода, она переменчива.
Кубизм (от фр. cubisme, произошло от cube - куб) - модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово «кубисты» было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881−1973).
На рубеже первой мировой войны влияние европейской живописи резко сократилось. Мягкие строго пропорциональные формы, идеальная контрастность цвета, утонченная гротескность - уступили место грубой, выходящей за установленные рамки африканской скульптуре. В искусстве произошла модернистическая революция, которая послужила резким толчком к образованию кубизма.
Поль Сезанн расширил рамки восприятия природы «посредством цилиндра, шара, конуса». Две его выставки (1904 и 1906 г. г.) произвели двоякое впечатление. Люди с нескрываемым интересом изучали творения, которые вызвали много споров и пересудов. Основоположниками данного искусства принято считать Пабло Пикассо с его жестко вырубленными на холсте «Авиньонскими девицами» (1907 г) и Жоржа Брака, удивившего пейзажами, созданными аналогичным методом. В дальнейшем «кубическая» муза посетила таких выдающихся французских авторов как: Хуан Грис, Фернан Леже, Робер Делоне, Луи Маркуси. В кубизме на первый план выходит абстрактное мышление, умение видеть предметы в пространстве, разложение их на геометрические составляющие. Матис, находившийся в восторге от картины Брака «Дома в Эстаке», четко дал понять - данное искусство состоит из множества кубиков, переплетенных между собой. Позже критик Луи Воксель в журнале «Жиль Блаза» написал о жизни кубов, чем вызвал небывалый интерес к творчеству художников-бунтарей.
Кубизм имеет три стадии развития: сезанновскую (1907−1909), аналитическую (1910−1912) и синтетическую (1913−1914). С каждым витком в искусстве появляются новые формы и идеи, резко возрастает число приверженцев абстрактного стиля.
Ранний период кубизма окрещен «сезанновским» после открытия нашумевшей пейзажной выставки Ж.Брака. Молодой художник наравне с мастером Пикассо протестовал против вымученного империализма, пустоты салонной «красивости», символичной недосказанности образов. Понятие «объема» раскрывалось в простых и незамысловатых сюжетах. За основу картин легли обыденные предметы существования. Интструменты, дома, деревья, животные, первозданные образы мужчин и женщин - по-новому вырисовывались руками художников-кубистов.
Со временем целостность и стабильность заменили прерывистыми линиями. Контуры стали более размытыми, крупные детали разбились на множество отголосков. Зрителям развернулась изнанка форм, что вызвало желание изучить картины, «ощупать» их глазами. Задуматься, что скрывает художник в своих творениях, из чего состоит созданный им предмет. В аналитической стадии главную роль сыграли материалы разной фактуры (бумага, ткань, дерево). Если всмотреться в картину Ж. Брака «Бутылка, стакан и трубка» (1913 г.), то можно заметить, что основные фигуры нарисованы тонкими слабыми линиями (эффект карандаша), а вот рельеф двери и газетные вставки четко прописаны на переднем плане.
Коллаж привнес много декоративности в синтетическую стадию кубизма. Художники не просто уничтожали целостность предмета, но и экспериментировали с материей. Картины пугали и завораживали одновременно. Абстрактность усилилась до невменяемости. Сочетания различных поверхностей, уход от кубической к овальной структуре - послужили толчком к образованию рокайльного кубизма.
Кубизм оставил большой след в искусстве ХХ века. До сих пор некоторые художники берут за основу его техники и создают непревзойденные шедевры.
Импрессионизм (от фр. impression - впечатление) - направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.
Новое движение возникло как реакция на застой господствующего в те годы академизма, однако его появление было подготовлено несколькими факторами: изобретением 1839 г. Л. Дагером фотографии, внесшей в искусство новое видение; научными открытиями Э. Шёвреля и О. Руда в области цветоделения; появлением в 1941 г. оловянных тюбиков для скоропортящихся красок, давших возможность художникам работать на пленэре. Благодатную почву для развития импрессионизма подготовили художники Барбизонской школы: они первыми стали писать этюды с натуры. Принцип «писать то, что видишь среди света и воздуха» лег в основу пленэрной живописи импрессионистов.
Импрессионизм зародился в 1860-х гг., года молодые художники-жанристы Э. Мане, О. Ренуар, Э. Дега попытались вдохнуть во французскую живопись свежесть и непосредственность наблюдения жизни, изображение мгновенных ситуаций, зыбкость и неуравновешенность форм и композиций, необычные ракурсы и точки зрения. К началу 1870-х гг. импрессионистское видение сформировалось в пейзаже: К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей впервые выработали в своих произведениях последовательную систему пленэра. Работа на открытом воздухе помогала им создавать на полотнах ощущение сверкающего снега, богатства природных красок, растворения объектов в среде, вибрации света и воздуха. Во многом этому способствовала разработанная в тонкостях колористическая система, при которой сложные тона разлагались на чистые цвета солнечного спектра. Они накладывались на холст раздельными мазками в расчете на оптическое смешение в глазу зрителя, что создавало удивительно светлую, как бы трепещущую живопись. Особое внимание художниками- импрессионистами уделялось взаимоотношениям предмета с окружением, исследованиям изменения цвета и тона объекта в изменяющейся среде. С этой целью они воспроизводили один и тот же сюжет по несколько раз, добиваясь невероятной чистоты цвета и практически очистив свою палитру от черной краски.
Свое искусство импрессионисты представляли на выставках, проводившихся с нерегулярными интервалами с 1874 по 1886 гг. С первой выставкой тогда еще анонимной группы художников связана история происхождения термина «импрессионизм». Критик Луи Леруа, иронически отзываясь о представленных работах, особо отметил картину К. Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872), заметив, что «обои в первоначальной стадии обработки более закончены, чем этот морской пейзаж…». Новое название пришлось по душе сторонникам движения (правда, не всем), поскольку отвечало творческому методу, который они исповедовали: передача впечатления, фиксация ускользающих мгновений жизни.
В 1886 г. состоялась последняя выставка импрессионистов. Однако, как живописный метод, импрессионизм не прекратил свое существование: аналогичные поиски велись мастерами других стран - Англии (Дж. Уинстлер), Германии (М. Либерман и Л. Коринт), России (И.Грабарь и К. Коровин).
Совершив художественную революцию в сознании современников, раскрыв им новые горизонты, импрессионизм дал толчок к развитию искусства и появлению новых концепций, течений и форм. В его недрах зародились неоимпрессионизм, постимпрессионизм, фовизм, приведшие в свою очередь к возникновению новых художественных эстетик и направлений.
Мастера импрессионизма: Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Гюстав Кайботт, Джеймс Уистлер, Константин Коровин, Ловис Коринт.
Дадаизм (произошло от фр. dadaisme, dada - деревянная лошадка; в переносном смысле - бессвязный детский лепет) - модернистское литературно-художественное течение 1916−1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886−1966), Марсель Дюшан (1887−1968), Макс Эрнст (1891−1976), Филипп Супо (1897−1990), Тристан Тцара (1896−1963).
ДАДА в Цюрихе (1916−1919). Датой рождения этого движения считается 1916 год, года в цюрихском «Кабаре Вольтер» собрались вместе Гуго Балль, Рихард Гюльзенбек, Марсель Янко, Жан Арт и Тристан Тцара, придумавший название новому объединению и написавший «Манифест Дада». Главной формой самовыражения дадаистов стали различные акции - шумные вечерние представления, спланированные «события», мистифицирующие публику и провоцирующую ее на ответную реакцию. Помимо этого они использовали и традиционные методы пропаганды: издавали журнал «Дада», редактором которого был Балль, читали лекции, публиковали свои поэтические сочинения, многочисленные брошюры, написанные в форме речёвок и заклинаний. В 1917 г. Балль и Гюльзенбек, а годом позже и Тцара покинули группу. Она перестала существовать, уступив место берлинскому объединению.
ДАДА в Берлине (1981−1920). В 1917 году в Берлине организовалась группа дадаистов, которую возглавил Гюльзенбек. Деятельность этой группы имела ярко выраженную социально-критическую и антимилитаристскую направленность, поскольку в нее входили в основном художники, занимавшие по отношению к власти позицию открытой конфронтации - Георг Гросс, Джон Хартфильд, Хана Хёх, Иоганнес Баадер. Главными средствами художественного выражения стали памфлет, политический плакат, карикатура, фотомонтаж, листовка, в которых коммунистические и анархические идеи вытеснили спонтанный дух отрицания цюрихской группировки.
ДАДА в Ганновере (1919 - 1923). Движение в Ганновере связано исключительно с деятельностью голландца Курта Швиттерса, автора и создателя необычных мерц- произведений. Утверждая, что границы между видами в современном искусстве сглаживаются, что ведет к их полному исчезновению, Швиттерс выдвинул понятие «Мерц» как единое начало в искусстве, освобождающее художника от всяких оков и ведя его к творческому созиданию.
ДАДА в Кёльне (1919−1922). Ключевыми фигурами кёльнской группы, сформировавшими ее неповторимое лицо, стали художники Макс Эрнст и Жан Арп. Основной формой их деятельности стали представления, поставленные по цюрихскому образцу, и выставки. В 1920 г. состоялась самая скандальная в истории дада выставка, в помещение которой можно было пройти только через мужской туалет при кафе. В центре зала стояла девочка в библейских одеждах и читала непристойные стихи, а зрители могли во время просмотра крушить экспонаты, что отвечало концепции дада, отрицающей ценность искусства.
ДАДА в Нью-Йорке (1913- 1921). История американского дадаизма началась со скандально-известной выставки Армори-шоу 1913 года, на которой были представлены работы европейских мастеров Марселя Дюшана и Франсиса Пикабиа.
Пикабиа создавал фантастические конструкции, чьи названия и биомеханический вид были одновременно и гимном и приговором индустриальному обществу. Его работы оказали значительное влияние на Ж. Арпа и М.Эрнста. Дюшан прославился как автор концепции «ready made» (готовых объектов) - предметов промышленного и производства, художественной волей преобразованных в произведения искусства. Эта теория давала понять, что искусство - это идея, которая может быть заключена и в готовом предмете, а не только в создана художником или скульптором.
ДАДА в Париже (1919- 1924). В 1919 г. Дюшан и Пикабия знакомятся с Тцара и вместе перебрались в Париж, где влились в группу молодых поэтов и художников, сплотившихся вокруг Андре Бретона. Парижский период 1920 - 1922 гг. стал временем нового расцвета дадаизма - опять с проведением всевозможных шумных представлений, выставок, провозглашений разного рода заявлений и манифестов. Однако, внутри группы назревал конфликт: Бретона и его сторонников уже не устраивал скандал ради скандала и дух всеобщего отрицания. В его голове созревал план создания нового объединения с конкретно поставленными задачами и ясной перспективой. В 1923 г. произошел окончательный разрыв, приведший к появлению нового направления - сюрреализма. Дадаизм вынужден был отойти на второй план и постепенно сойти с художественной арены.
Мастера Дадаизма: Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Жан Арп, Марк Эрнст, Курт Швиттерс, Хана Хёх, Рауль Хаусманн, Геогр Гросс, Джон Хартфильд.
Барокко (от итал. barocco - странный, причудливый) - с конца XVI и до середины XVIII вв. являлось основным направлением, господствующим в Европе и Америке. Отличительная черта барокко - стремление к торжественному «большому стилю», что отражает сложность, многообразие и изменчивость мира. Барокко характеризуется контрастностью, напряжённостью, динамичностью образов, аффектацией, тяготением к величественности и пышности, к сочетанию реальности и иллюзорности, к слиянию искусств. Сохранялась тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке). Архитектура барокко отличается пространственным размахом, слитностью, текучестью сложных, обычно криволинейных форм, для живописи и скульптуры - это парадные портреты и эффектные декоративные композиции. Принципы барокко использовались в литературе, музыке и театре. Барокко отличается разнообразием национальных вариантов (барокко славянских стран). Центр развития барокко - Италия, именно в таких её городах как Рим, Мантуя, Венеция, Флоренция и зародилось данное течение.
Барокко являлось оппозиционным направлением к классицизму и рационализму. Появлению этого течения в мире предшествовал раскол Италии и утрата её былого могущества. В результате, страна раздроблена, ей диктуют условия Испания и Франция, но, несмотря на ограниченные материальные возможности, Италия богата культурно и духовно, ведь Рим является центром католического мира. Именно для того, чтобы создать иллюзию богатства и могущества и возник такой стиль как барокко. Важно отметить, что мировоззренческие основы направления явились результатом потрясения, которое вызвали в XVI веке Реформация и открытие Николая Коперника. Устройство мира, известное с античности, оказалось несостоятельным. Подверглись сомнению представления о человеке как о разумном и сильном существе, которому подвластно всё в этом мире. В барокко полагали, что человек далеко не всё может, он был либо чем-то средним, либо вовсе ничем. Характерные черты барокко в искусстве: динамизм композиций, «плоскость» и пышность форм, аристократичность и незаурядность сюжетов, а также идеализация художественных образов, которые гармонируют с неожиданными композиционными и оптическими эффектами. Основоположниками барокко считались живописцы Караваджо и Рубенс. Полотна Караваджо, написанные на религиозную тематику, создают реалистичные сцены современной художнику жизни, таким образом, достигается контрастность времён поздней античности и Нового времени. Герои погружены в полумрак, а лучи света буквально выхватывают наиболее выразительные их жесты, контрастно вписана их характерность. Рубенс освоил творческую манеру Караваджо, в его полотнах соседствуют реальное и сверхъестественное, фантазия и действительность, духовность и учёность.
Немаловажное значение заключалось в эмоциональном, ритмическом и колористическом единстве целого, непринуждённой лёгкости мазка. Помимо Рубенса и Караваджо в стиле барокко писали Антонис ван Дейк, Франц Хальс, Рембрандт, Ян Вермеер, Диего Веласкес, Никола Пуссен. Стиль барокко с пренебрежением относится к такому понятию как целесообразность. Например, в картине Рубенса «Похищение дочерей Левкиппа» абсолютно неоправданна такая яростная динамическая композиция с вздыбившимися конями. Наиболее памятными полотнами эпохи барокко стали «Поклонение волхвов», «Охота на львов» П.П. Рубенса, «Даная» Рембрандта, «Медуза Горгона», «Призвание апостола Матфея» Караваджо и другие. В России расцвет барокко пришёлся на царствование императрицы Елизаветы Петровны (1741−1761), художники рисовали преимущественно портреты. Произведения А.П. Антропова изображают насыщенную мощь и силу образов портретируемых, контраст внутренней энергетики и внешней неподвижности, натурную достоверность тщательно выписанных деталей в яркой декоративной красочности. Примерами его творчества служат «Портрет Петра III», «Портрет А.В. Бутурлиной» и другие.
В первой половине XVIII века появляется одна из разновидностей барокко - стиль рококо, который некоторое время сосуществует с барокко, а уже с 1770 года начинается постепенное вытеснение его классицизмом.
Ар-нуво - это стиль, возникший в 1880 - 1900 годах. Ну, а если уже быть совсем точными, это одно из направлений модерна, причем самое декоративное и орнаментальное.
Интерьер в стиле ар-нуво предполагает естественное сочетание различных текстур, материалов и видов декорирования. Здесь переплетаются (зачастую в прямом смысле слова) металл и камень, стекло и дерево, зеркала и витражи. И именно витражам ар-нуво скорее всего и обязан своим происхождением. Все дело в том, что именно так назвался парижский магазин, который открыл в конце 19 века Зигфрид Бинг. В одной из его секций владелец представил современное искусство: стекло известных французских и японских мастеров и красочные витражи. Магазин, а вместе с тем и его товары начали набивать невиданную популярность. Зигфрид Бинг, впрочем, был скорее талантливым предпринимателем, чем креатором и декоратором: плавность линий и природность в сюжетах он перенял от своих коллег-японцев, а вот название магазина подглядел на страницах журнала «Современное искусство» («L'Art Moderne») в 1881 г.
Первой «архитектурной ласточкой» стиля ар-нуво стал бельгиец Виктор Орта, построивший в 1893 знаменитейший дом профессора Эдмона Тасселя, первое здания в стиле ар-нуво. Однако в полной мере ар-нуво проявился в работах чешского художника и иллюстратора Альфреда Мухи. Именно ему выпала честь стать главным «визуализатором» «нового искусства». Взглянув даже мельком на работы Мухи можно понять об ар-нуво все. Именно поэтому его афиши, плакаты, виньетки, витражи, а также глобальные работы «Времена года» и «Славянская эпопея» обязательны к рассмотрению для каждого, кто хочет создать интерьер в стиле ар-нуво. Сложно переоценить вклад этого талантливого чеха в развитие нового стиля, именно поэтому это направление часто называют «стилем Мухи».
Впрочем, несмотря на деятельность видных представителей, выставки и популярность, австрийцам было сложно отличить французский ар-нуво от привычного для них «сецессион», немцам - от «юнегедстиля», итальянцам - от «либерти», испанцам от «модернисимо», а русским и другим европейцам - от модерна. Споры о границах между разными направлениями идут до сих пор и вряд ли когда-нибудь закончатся, но очертить особенности ар-нуво все-таки можно.
Во-первых, бросаются в глаза извилистые плавные линии. Они и становятся основой орнамента, главным средством выразительности, воплощением красоты, да и вообще несут стилеобразующую функцию и самостоятельное значение. Во-вторых, в ар-нуво решающее значение придается декоративности. В-третьих, особое внимание всегда уделяется природности - без листочка или деревца декор в стиле ар-нуво - неполноценен. Именно поэтому интерьеры в этом стиле изобилуют природными и растительными мотивами: вьющиеся растения, изображения женщин со струящимися по плечам волнами волос. Не меньшую популярность завоевали и водные растения: кувшинки или лилии, а также всяческие русалки, нимфы, осьминоги и рыбы. Вдохновляют дизайнеров также и некоторые насекомые, в основном бабочки и стрекозы - именно они чаще всего изображаются на богатых и невероятно детализированных витражах - если окна выходят на солнечную сторону, этим стоит воспользоваться. Также декоративность ар-нуво требует большого количества деталей, поддерживающих стиль: подсвечников, люстр, сантехнических приспособлений, керамической плитки, кованых решеток, шкафчиков и столиков с изящными резными ножками, картин - в общем, всего, вплоть до вилок и ножей. Особенно ценятся элементы интерьера ручной работы. Ар-нуво стал последним оплотом индивидуальных форм перед стандартизацией и безликостью массового производства. Главное правило ар-нуво - стилистическое единство и отсутствие углов. Волнистая мебель, округлые ступени, овальные рамы окон, камины-гроты. Все должно быть одинаково плавным, перетекающим, естественным и природным. Даже один строго прямоугольный элемент может разбить целостность стиля.
Стоит упомянуть, что ар-нуво довольно быстро перестал привлекать внимание художников и декораторов - уже в начале 20 века на первый план вышла простота форм, четкость линий и возможность машинного воспроизводства деталей. Второе дыхание у ар-нуво открылось только спустя 50 лет, когда декораторы освежили природный, декоративный и романтичный ар-нуво достижениями современного производства. Однако художественные ориентиры ар-нуво остались неизменными. Чтобы пропитаться ими и окончательно влюбиться в самое декоративное направление модерна, стоит посетить галерею «Ар-нуво» в Москве или музей Альфонса Мухи в Праге.
Не надо, чтобы кто-то «умирал», «вешался» или «топился» из-за вашего платья или сумочки. Одевайтесь так, чтобы люди думали: как ей это идёт. Зависть - неприятное чувство. И не надо её будить.
Между телом и одеждой должен быть один плюс.
Обтягивающее трико на женщине за 50 не вызывает притяжение…
Совершенствуйте свои стиль и мировоззрение!.Элегантность и утонченность вкуса -это самое лучшее украшение для женщины!
Если мне что-то понравилось, это вовсе не означает, что непременно должно заинтересовать нечто подобное, и более того, обязана нравиться тематика только этого направления.
Стиль не шрифт, изменить сложно…
Стиль изложения - визитная карточка в сети.
Такие люди, как я, не исчезают - это не мой стиль.
В первую очередь чувство вкуса - это уважение к себе. Когда это уважение появляется, оно порождает твой личный, особенный, стилистический образ, восприятие жизни. Нет уважения - нет стиля. «Забив» на себя, вы подаете страшный пример своим детям. Именно таким образом рождается бескультурье, которое мы сегодня массово наблюдаем на улицах города.
Девушки, разделяйте понятие моды и стиля.
Стиль - это то, что удобно и то, что вам идёт.
А мода - это непонятные шмотки, придуманные педиком из Милана.