Брюллов Карл «Последний день Помпеи»
При волшебном прикосновении его кисти воскресала живопись историческая, портретная, акварельная, перспективная, ландшафтная, которой он дал в своих картинах живые образцы. Кисть художника едва успевала следовать за его фантазией, в голове роились образы добродетелей и пороков, беспрестанно сменяясь один другим, целые исторические события разрастались до самых ярких конкретных очертаний.
Карлу Брюллову было 28 лет, когда он задумал написать грандиозную картину «Последний день Помпеи». Возникновением интереса к этой теме художник был обязан своему старшему брату, архитектору Александру Брюллову, который подробно ознакомил его с раскопками 1824−1825 годов. Сам К. Брюллов находился в эти годы в Риме, истекал пятый год его пенсионерства в Италии. За ним уже числилось несколько серьезных работ, которые имели немалый успех в художественной среде, но ни одна из них не казалась самому художнику вполне достойной его таланта. Он чувствовал, что еще не оправдал возложенных на него надежд.
Давно уже не давало покоя К. Брюллову убеждение, что он может создать произведение более значительное, чем те, которые он сделал до сего времени. Сознавая свои силы, он хотел исполнить большую и сложную картину и тем самым уничтожить толки, начинавшие ходить по Риму. Особенно досаждал ему кавалер Каммучини, считавшийся в то время первым итальянским живописцем. Именно он относился с недоверием к таланту русского художника и часто говорил: «Что ж, этот русский живописец способен на маленькие вещицы. Но колоссальное произведение, но плечу кому-нибудь покрупнее!»
Другие тоже хотя и признавали у К. Брюллова большой талант, однако отмечали, что легкомыслие и рассеянная жизнь никогда не дадут ему сосредоточиться на серьезном произведении. Подстрекаемый этими разговорами, Карл Брюллов постоянно искал сюжет для большой картины, которая бы прославила его имя. Долго он не мог остановиться ни на одной из тем, которые приходили ему в голову. Наконец он напал на сюжет, который завладел всеми его помыслами.
В это время на сценах многих итальянских театров с успехом шла опера Паччини «L'Ultimo giorno di Pompeia». Несомненно, что Карл Брюллов видел ее и, может быть, даже не один раз. Кроме того, вместе с вельможей
Кругом так же, как и много веков назад, пышно зеленела растительность, покрывающая остатки несчастного города. И над всем этим высится темный конус Везувия, грозно дымящийся на приветливом лазоревом небе. В Помпеях К. Брюллов обо всех подробностях живо расспрашивал служителей, с давнего времени надзирающих за раскопками.
Конечно, впечатлительная и восприимчивая душа художника откликнулась на думы и чувства, возбуждаемые остатками древнего италийского города. В один из таких моментов в его сознании и мелькнула мысль представить эти сцены на большом полотне. Эту идею он сообщил
С любовью и жаром принялся К. Брюллов за исполнение картины и уже довольно скоро сделал первоначальный эскиз. Однако другие занятия отвлекли художника от демидовского заказа и к установленному сроку (конец 1830 года) картина не была готова. Недовольный такими обстоятельствами,
Стремясь к наибольшей достоверности изображения, Брюллов изучил материалы раскопок и исторические документы. Архитектурные сооружения на картине восстановлены им по остаткам древних памятников, предметы домашнего обихода и женские драгоценности скопированы с экспонатов, находящихся в Неаполитанском музее. Фигуры и головы изображенных людей писаны в основном с натуры, с жителей Рима. Многочисленные наброски отдельных фигур, целых групп и эскизы картины показывают стремление автора к максимальной психологической, пластической и колористической выразительности.
Брюллов построил картину как отдельные эпизоды, на первый взгляд не связанные между собой. Связь становится ясной лишь при одновременном охвате взглядом всех групп, всей картины.
Еще задолго до окончания в Риме начали говорить о дивной работе русского художника. Когда же двери его мастерской на улице Святого Клавдия широко распахнулись для публики и когда потом картина была выставлена в Милане, итальянцы пришли в неописуемый восторг. Имя Карла Брюллова сразу стало известным на всем италийском полуострове - с одного его конца до другого. При встречах на улицах, всякий снимал перед ним шляпу; при его появлении в театрах все вставали; у дверей дома, где он жил, или ресторации, где он обедал, всегда собиралось много народу, чтобы приветствовать его.
Итальянские газеты и журналы прославляли Карла Брюллова как гения, равного величайшим живописцам всех времен, поэты воспевали его в стихах, о его новой картине писались целые трактаты. Английский писатель В. Скотт называл се эпопеей живописи, а Каммучини (стыдясь своих прежних высказываний) обнимал К. Брюллова и называл его колоссом. С самой эпохи Возрождения ни один художник не был в Италии объектом такого всеобщего поклонения, как Карл Брюллов.
Он представил изумленному взору все достоинства безукоризненного художника, хотя давно известно, что даже величайшие живописцы не владели в равной степени всеми совершенствами в самом счастливом их сочетании. Однако рисунок К. Брюллова, освещение картины, ее художественный стиль совершенно неподражаемы. Картина «Последний день Помпеи» познакомила Европу с могучей русской кистью и русской натурой, которая способна в каждой области искусства достичь почти недосягаемых высот.
Что же изображено на картине Карла Брюлловa?
Пылающий и отдалении Везувий, из недр которого растекаются по всем направлениям реки огненной лавы. Свет от них так силен, что ближайшие к вулкану здания кажутся как бы уже горящими. Одна французская газета отмечала этот живописный эффект, которого хотел достичь художник, и указывала: «Художник обыкновенный, конечно, не преминул бы воспользоваться извержением Везувия, чтобы осветить им свою картину; но господин Брюллов пренебрег сим средством. Гений внушил ему смелую мысль, столь же счастливую, как и неподражаемую: осветить всю переднюю часть картину быстрым, минутным и беловатым блеском молнии, рассекающей густое облако пепла, облегшее город, между тем как свет от извержения, с трудом пробиваясь сквозь глубокий мрак, набрасывает на задний план красноватую полутень».
Действительно, основная цветовая гамма, которую К. Брюллов избрал для своей картины, была для того времени чрезвычайно смелой. Это была гамма спектра, построенная на синем, красном и желтом цветах, озаренных белым светом. Зеленый, розовый, голубой встречаются как промежуточные тона.
Задумав написать большой холст, К. Брюллов выбрал один из самых трудных способов его композиционного построения, а именно - свето-теневой и пространственный. Это требовало от художника точно рассчитать эффект от картины на расстоянии и математически точно определить падение света. А еще, чтобы создать впечатление глубокого пространства, ему пришлось обратить самое серьезное внимание на воздушную перспективу.
В центре полотна находится распростертая фигура убитой молодой женщины, как будто именно ею К. Брюллов хотел символизировать гибнущий античный мир (намек на такое истолкование встречался уже в отзывах современников). Это знатное семейство удалялось на колеснице, надеялось спастись поспешным бегством. Но, увы, - поздно: смерть настигла их на самом пути. Испуганные кони сотрясают бразды, вожжи рвутся, ось колесницы надламывается, и сидевшая в них женщина повергается наземь и гибнет. Рядом с несчастной лежат разные украшения и драгоценные предметы, которые она взяла с собой в последний путь. А необузданные кони дальше несут ее супруга - тоже на верную гибель, и тщетно старается удержаться он в колеснице. К безжизненному телу матери тянется ребенок…
Ищут спасения несчастные горожане, гонимые пожаром, непрерывными извержениями лавы и падающим пеплом. Это целая трагедия людского ужаса и людских страданий. Город гибнет в море огня, статуи, здания - все низвергается вниз и летит на обезумевшую толпу. Сколько разнообразных лиц и положений, сколько красок в этих лицах!
Вот мужественный воин и юный брат его спешат укрыть от неизбежной гибели престарелого отца своего… Они несут расслабленного старика, который силится отодвинуть, отстранить от себя ужасный призрак смерти, старается рукой заслониться от низвергающегося на него пепла. Ослепительный блеск молнии, отражаясь на его челе, приводит тело старика в содрогание… А слева, около христианина, группа женщин с тоской смотрит на зловещее небо…
Одной из первых появилась в картине группа Плиния с матерью. К пожилой женщине в порывистом движении склоняется молодой человек в широкополой шляпе. Здесь же (в правом углу картины) вырисовывается фигура матери с дочерьми…
…Владелец картины,
Настоящий же триумф ожидал К. Брюллова на родине. Картину привезли в Россию в июле 1834 года, и она сразу же стала Предметом патриотической гордости, оказалась в центре внимания русского общества. Многочисленные гравированные и литографические воспроизведения «Последнего дня Помпеи» разнесли славу К. Брюллова далеко за пределы столицы. Лучшие представители русской культуры восторженно приветствовали прославленное полотно:
Евгений Баратынский посвятил Карлу Брюллову такие строки:
Принес он мирные трофеи
С собой в отеческую сень.
И был «Последний день Помпеи»
Для русской кисти первый день.
Саврасов А. «Грачи прилетели»
На окраине маленького селения возвышается небольшая шатровая колоколенка. К светло-голубому с высокими облаками небу тянутся еще голые, но уже забродившие соками ветки берез. На них с шумом и граем опускается стая грачей. Лед на пруду растаял, да и снег потерял уже свою зимнюю чистоту и пышность. На глазах у зрителей происходило величайшее чудо рождения весны. «Грачи прилетели» назвал свою картину Алексей Кондратьевич Саврасов, и уже в названии содержится определенное отношение художника к природе. Знакомая всем с детства картина представляется сейчас одним из символов русского пейзажа, постоянно любимых народом верной и преданной любовью. В ней, такой простой и внешне безыскусной, было пронзительно воплощено свойственное русскому человеку лирическое чувство, поэтому картину сразу и восприняли как олицетворение русской природы, всей деревенской России. Пруд и березы, деревенские дома и церковка, потемневшие весенние поля - все обжито и согрето сердечным теплом.
Исаак Левитан так отзывался о картине «Грачи прилетели»: «Окраина захолустного городка, старая церковь, покосившийся забор, тающий снег и на первом плане несколько березок, на которых уселись прилетевшие грачи, - и только… Какая простота! Но за этой простотой вы чувствуете мягкую, хорошую душу художника, которому все это дорого и близко его сердцу».
Первоначальные этюды к картине «Грачи прилетели» А. Саврасов писал в селе Молвитино, находившемся близ Костромы. Это было довольно большое село со старинной церковью на окраине. Церковь была построена в конце XVIII века. Колокольня с кокошниками у основания остроконечного шатра, белый храм с пятью небольшими куполами. Потемневшие от времени избы, крестовые дворы, деревья с мокрыми стволами, свисающие с крыш длинные сосульки… Сколько было таких сел в России! Правда, рассказывают, что из этих мест происходил родом Иван Сусанин.
много и плодотворно работал над этюдами с натуры, так что ни одна мелочь не ускользала от его пристального взгляда. Уже в первых этюдах тонкие, трепетные стволы берез потянулись к солнцу, просыпалась от зимней спячки земля. Все оживало с наступлением весны - любимой поры художника.
Эти первоначальные этюды были решены А. Саврасовым в едином цветовом ключе. Природа на них живет своей внутренней жизнью, подчиняется своим законам. Тайны ее жизни и хочет разгадать художник. Однажды он пришел на окраину села, чтобы посмотреть вблизи на эту старинную церковь. Пришел ненадолго, да так и остался до вечера. То ощущение весны, которым он жил последние дни, вдыхая пьянящий мартовский воздух, здесь - у околицы обычного русского села - приобрело' особую силу и очарование. Он увидел то, что желал увидеть и на что смутно надеялся. Художник раскрыл этюдник и начал рисовать быстро, вдохновенно, забыв обо всем на свете.
Сначала А. Саврасов отвергает вариант за вариантом, пока наконец не находит тот характерный пейзажный мотив, который и лег в основу полотна. Правда, история создания этой известной картины еще и до сих пор осталась не до конца выясненной, даже подготовительные материалы к ней (эскизы, рисунки, этюды) полностью не выявлены. А. Соломонов, биограф художника, еще при жизни А. Саврасова, утверждал, что картина была исполнена в один день: «Начав картину рано утром, художник кончил ее к вечеру. Писал он ее не отрываясь, как бы в экстазе… пораженный с утра ярким впечатлением весны, вчера словно еще не наступившей, а сегодня уже спустившейся на землю и охватившей своими оживляющими объятиями всю природу». Правда, советский художник Игорь Грабарь утверждал, что этот маленький пейзаж был написан А. Саврасовым позже, уже в Москве. Сравнивая два дошедших до нас этюда с самой картиной, он предположил, что последний этюд к картине был сделан художником по памяти: «С натуры нельзя так написать. Береза всегда имеет свой рисунок… По такому этюду не сделаешь картину. Это скорее эскиз по памяти».
Вот такова краткая история написания картины «Грачи прилетели», которая впервые была показана в Москве на выставке Общества любителей художеств в 1871 году. А известность картины началась немного позже, когда она была выставлена в Петербурге на выставке Товарищества передвижников. Несмотря на то, что полотно А. Саврасова было показано в окружении других пейзажей, оно сразу же привлекло всеобщее внимание. Небольшой пейзаж вызвал в душах зрителей волнующие чувства, по-новому раскрыв красоту и поэзию скромной русской природы - той самой, о которой писатель К. Паустовский говорил: «Все прелести Неаполя я не отдал бы за мокрый от дождя ивовый куст на берегу Вятки».
Вместе с этим полотном в русскую живопись входил сюжет издавна знакомый жителям русских сел и деревень, напоминавший им о близком приходе весны. Одно это уже ставило содержание картины в круг близких А. Саврасову народных тем. И все же при появлении «Грачей» перед современниками неожиданно раскрывалось что-то новое, уже совсем по-иному говорящее о знакомом явлении.
Как будто по-прежнему идет жизнь вокруг, и среди этой жизни - на пустыре, огороженном забором, - совершается великое чудо тихого пробуждения природы от зимнего сна. Удивительный весенний свет, наполнивший всю картину и по-разному осветивший ее, чуть позолотил снежный бугор у забора и самый забор. Лужи растаявшего снега открыли землю, отразили силуэты деревьев, на потемневший снег упали тени от молодых березок, озарилось розовато-золотистым светом плотное облако, а на обозримых далях обнажились проталины.
В таком скромном, но пленяющем взор облике предстала перед А. Саврасовым весна, такой она навеки и запечатлена в его картине - со своей вечной темой обновления жизни. Все казалось таким обыденным, проще простого, и тем не менее волновало зрителя красотой живописи и гармонией светового строя. Это было единственное произведение на выставке, в котором И. Крамскому (с его исключительной чуткостью к такого рода живописи) открылось что-то новое. Недаром в письме к Ф. Васильеву он отмечал, что были на выставке пейзажи и с природой, и с воздухом, и с деревьями, «а душа есть только в «Грачах».
Загадки и легенды картины «Неравный брак» В.Пукирева.
Наверное не найдётся ни одного человека, кто не видел бы иллюстрацию этой картины.
Неравный Брак… Это понятно зрителю с первого взгляда. Что привело сюда столь юную, трогательную в своей прелести и чистоте девушку, что заставило ее связать свою жизнь со стариком…
…Полумрак церкви. Падающий из окна свет ярко освещает лишь жениха, невесту и священника, совершающего обряд венчания. Бледная, заплаканная невеста, опустив глаза, протягивает руку священнику, который готовится надеть на её указательный палец венчальное кольцо. Перешёптываются гости, оценивая красоту бесприданницы. Стоящий за нею молодой человек глубоко задумался о разыгрывающейся перед ним жизненной драме…
Как резки и неприятны глубокие морщины его длинного, черствого, дряхлого лица жениха. Особенно неподвижным и застывшим кажется оно, зажатое тугим и жестким воротником. На шее жениха орденский Крест Владимира II степени, а на груди сияет соответствовавшая этому ордену звезда. Он преисполнен сознания собственной значительности. Видя слезы невесты, он даже и головы не повернул в ее сторону и, лишь скосив глаза, шепотом высказывает ей свою досаду.
Совершенно по другому написана невеста. Нежный овал ее миловидного лица, шелковистые русые волосы, изящный маленький рот - все в ней полно девичьей прелести. Особенно трогательной и чистой кажется она в свадебном наряде. Резко контрастируя с жесткой ризой священника, почти невесомо легкими представляются прозрачная кисея ее фаты и нежная пена кружев ее платья.
Должно быть, до последнего мгновения девушка надеялась на что-то, что помешает этому ужасному для нее браку. Теперь, когда обряд венчания подходит к концу, нечего более ждать. Опустив заплаканные глаза с припухшими от слез веками, не глядя на священника, она, почти лишаясь сил, медленно, точно в полусне, не замечая, что свеча, которую она держит в своей упавшей руке, почти касается пламенем ее платья, протягивает другую свою руку священнику, чтобы тот тяжелым обручальным кольцом навсегда сковал ее судьбу с этим чуждым ей, нелюбимым человеком.
Тема эта трагичностью своей привлекала известных художников слова. Достаточно вспомнить пьесу
Это лучшая картина В.Пукарева.За неё ему присвоили звание профессора живописи. И имя его стало известным на всю Россию.
Многие в ту пору пытались докопаться, кого же и почему изобразил художник? Москва полнилась слухами. Говорили, будто Пукирев сам пережил подобную трагедию и потому самого себя изобразил на картине. Утверждали, что невеста его была выдана против своей воли за богатого старика. Слухи эти оказались живучи и ещё более утвердились в сознании наших современников. Надо сказать, в этом была доля истины.
В 2002 году в Государственную Третьяковскую галерею от родственников Пукирева поступили материалы, свидетельствующие о том, что в основу работы над картиной «Неравный брак» был положен действительный факт, связанный с другом
В 1860 году, за два года до создания картины «Неравный брак», в церкви Трёх Святителей на Кулишках венчался московский купец Андрей Александрович Корзинкин с дочерью богородского купца Софьей Николаевной Рыбниковой. Жениху было 37 лет, невесте - 24 года.
Не мудрено, что родители невесты предпочли влюблённому в их дочь 27-летнему купцу
Это нашло своё отражение В картине. Шафером, стоящим со сложенными на груди руками, был Варенцов, портрет которого, написанный маслом, с давних пор хранился в мастерской. Невесту Пукирев писал с Прасковьи Матвеевны Варенцовой. она происходила из знатного рода и была внучатой племянницей княгине Ольге Мироновне Щепиной-Ростовской.Это была его давняя любовь.
Из-за картины между Варенцовым и Пукиревым произошла крупная ссора, когда купец увидел на ней своё изображение. Он готовился к свадьбе с Ольгой Урусовой и возмутился, что художник поведал всем о его тайне. Пукирев вынужден был приделать маленькую бородку шаферу, оставив все черты лица без изменения. Внешне они походили друг на друга, и теперь можно было сказать, что Пукирев изобразил на картине себя.
Так вместе и оказались на полотне Прасковья Варенцова и Василий Пукирев. Только здесь они смогли быть вместе.
Молодому преподавателю московского училища живописи и ваяния, было 30 лет. Он мечтал о семье. Трудно сказать, когда Пукирев сделал предложение Прасковье Матвеевне. Одно очевидно: едва родители её узнали об этом, они поспешили выдать дочь за известного и богатого человека их круга. Он был намного старше Прасковьи Матвеевны.
Прасковья Варенцова похоже, всю жизнь хранила любовь к Пукиреву, иначе не стала бы рассказывать на старости лет незнакомому художнику, что когда-то позировала для картины «Неравный брак».
Какова же судьба людей, связанных с этой картиной?
В 2002 году В Третьяковскую галерею поступил портрет, сделанный в 1907 году, на котором написано: «Прасковья Матвеевна Варенцова, с которой 44 года назад художник
Брак Купца Корзинкина с Софьей Рыбниковой оказался удачным. Через год у молодых родилась дочь Елена, затем два сына. Дочь, повзрослев, окончила Училище живописи и ваяния, стала художницей. Старший сын, Александр, также был неравнодушен к живописи и, повзрослев, сдружился с
Трагедию Варенцова или свою собственную изобразил художник в картине…
Пукирев же так и не обзавёлся семьёй. Что-то будто сломалось в нём. Дела не ладились. Удача отвернулась от него. Он писал новые картины, но они не находили покупателя. Пукирев запил, прекратил преподавать в училище, распродал свою коллекцию картин, потерял квартиру, жил на подачки друзей и умер в безвестности 1 июня 1890 года. Так, написав на картине чужую судьбу, он будто предсказал свою.
Картина"Неравный брак" никого не оставляет равнодушным. Репин писал о её особом воздействии: «„Неравный брак“ Пукирева… говорят, много крови испортил не одному старому генералу». А историк Н. Костомаров признался друзьям, что, увидев картину, отказался от намерения жениться на молодой девушке.
Михаил Нестеров «Видение отроку Варфоломею»
Художник писал картину в Уфе, используя «Жития преподобного Сергия» Епифания Премудрого. А зарисовки пейзажей были сделаны им в окрестностях Троице-Сергиевой лавры. Он поселился в деревне Комяково недалеко от Абрамцева (бывшее имение Аксаковых, а затем Мамонтова), но первый набросок картины появился во время путешествия Нестерова в Италию. Место, где разворачивается сюжет картины - опушка одного из абрамцевских перелесков.
Нестерова очаровал наивный и поэтический рассказ Епифания Премудрого, его простодушная вера в чудо, и художник во время работы был полон этим ощущением. Но далеко не сразу он нашёл модель, чтобы через внешнее передать внутренний мир Варфоломея. Трудность задачи состояла в том, чтобы передать то неуловимое в облике мальчика, что сразу угадал неизвестный святой, увидев в нём «сосуд избранный». Художник уже отчаялся найти подходящий образ, и вот однажды на деревенской улице он неожиданно встретил хрупкую болезненную девочку с бледным лицом, широко открытыми удивленными глазами, «скорбно дышащим ртом» и тонкими прозрачными ручками. Это был образ «не от мира сего», и он узнал в нём своего Варфоломея.
Описание картины
На фоне милого сердцу художника среднерусского пейзажа на переднем плане картины стоят две фигуры: мальчик и явившийся ему под деревом святой в одежде схимника. Отрок застыл в наивной и трепетной надежде, сжав руки и широко открыв глаза, не отрываясь глядя на видение. Его глаза полны молитвы, и вместе с мальчиком как будто молится пейзаж. «Чарующий ужас сверхъестественного, - писал А. Бенуа, - редко был передан в живописи с такой простотой и убедительностью. Есть что-то очень тонко угаданное, очень верно найденное в фигуре чернеца, точно в усталости прислонившегося к дереву и совершенно закрывшегося своей мрачной схимой. Но самое чудное в этой картине - пейзаж, донельзя простой, серый, даже тусклый и все-таки торжественно-праздничный. Кажется, точно воздух заволочен густым воскресным благовестом, точно над этой долиной струится дивное пасхальное пение».
Картина впервые была показана на XVIII Передвижной выставке и сразу же стала сенсацией, вызвав очень противоречивые мнения: одни искреннее негодовали, другие недоумевали, а третьи восторгались. Больше всего зрителей поражала трактовка самого сюжета, стиль картины и живопись. Полотно было приобретено
Критик того времени Дедлов писал: «Картина была иконою, на ней было изображено видение, да еще с сиянием вокруг головы, - общее мнение забраковало картину за ее „ненатуральность“. Конечно, видения не ходят по улицам, но из этого не следует, что никто никогда их не видел. Весь вопрос в том, может ли его видеть нарисованный на картине мальчик».
Но публику волновало не само видение, а золотой венчик (нимб) вокруг головы святого. Зрителей почему-то больше всего волновал вопрос, допустимо ли золото в картине, которая вся должна быть написана красками? И не низводится ли художественная картина до церковного образа? Именно так: низводится, хотя до церковного образа надо подняться. Некоторые передвижники даже назвали картину Нестерова вредной. Г. Мясоедов, к примеру, даже уговаривал художника закрасить этот нимб. Но Нестеров не очень реагировал на эти замечания, поднятый вокруг картины шум произвели на художника обратный эффект: он ещё больше проникся созданным образом и в дальнейшем продолжил цикл, посвящённый этому святому.
Посмотрите эти картины, мы не даём к ним никаких комментариев, чтобы и вы прониклись тем трепетным отношением к преподобному Сергию Радонежскому, которое испытывал художник.
Картина В. Сурикова «Утро стрелецкой казни»
Художник не стал изображать сцены казни, а сосредоточил внимание на психологическом состоянии приговорённых и пытался вместе с ними пережить те чувства, которые испытывает каждый из них в последние минуты своей жизни.
Центром картины являются два персонажа: стрелец с рыжей бородой и царь Пётр.
Их непримиримые взгляды скрещиваются на полотне. Образ рыжебородого стрельца Суриков долго искал. «Рыжий стрелец - это могильщик, на кладбище я его увидел, - рассказывал художник, - злой, непокорный тип». Он не покорился, этот стрелец, и сейчас. Даже зажжённую свечу он сжал в руке, словно нож.
Идут последние минуты перед казнью… Действие происходит в Москве на Красной площади, на фоне храма Василия Блаженного.
Ещё не полностью рассеялся туман раннего осеннего утра. Все персонажи картины показаны эмоционально: первого приговоренного солдаты уже тащат к виселице. Затравленно озирается вокруг чернобородый стрелец. Взгляд седого стрельца безумен - он в ужасе от того, что сейчас произойдет. Стрелец на телеге прощается с народом, склонившись. Отчаянно кричит молодая жена стрельца, бессильно опустилась на землю старуха-мать.
Тёмный и тяжёлый колорит полотна подчёркивает трагизм происходящего.
Для картины символично число 7: на картине присутствует 7 свечей, 7 видимых с места события глав храма Василия Блаженного, 7 стрельцов (одного увели, осталась лишь свечка, как изображение его души).
Воспоминания В. Сурикова о создании картины
«Казнь стрельцов» так пошла: раз свечу зажженную днем на белой рубахе увидал, с рефлексами.
Я в Петербурге еще решил «Стрельцов» писать. Задумал я их, ещё когда в Петербург из Сибири ехал. Тогда ещё красоту Москвы увидал. Памятники, площади - они мне дали ту обстановку, в которой я мог поместить свои сибирские впечатления.
Я когда «Стрельцов» писал - ужаснейшие сны видел: каждую ночь во сне казни видел. Кровью кругом пахнет. Боялся я ночей. Проснешься и обрадуешься. Посмотришь на картину. Слава Богу, никакого этого ужаса в ней нет. Все была у меня мысль, чтобы зрителя не потревожить. Чтобы спокойствие во всем было. Все боялся, не пробужу ли в зрителе неприятного чувства. Я сам-то свят, - а вот другие… У меня в картине крови не изображено, и казнь еще не начиналась. А я ведь это все - и кровь, и казни в себе переживал. «Утро стрелецких казней»: хорошо их кто-то назвал. Торжественность последних минут мне хотелось передать, а совсем не казнь.
В Москве очень меня соборы поразили. Особенно Василий Блаженный: все он мне кровавым казался. Этюд я с него писал.
И телеги еще все рисовал. Очень я любил все деревянные принадлежности рисовать: дуги, оглобли, колеса, как что с чем связано. Все для телег, в которых стрельцов привезли. Пётр-то ведь тут между ними ходил. Один из стрельцов ему у плахи сказал: «Отодвинься-ка, царь, - здесь моё место». Я все народ себе представлял, как он волнуется. «Подобно шуму вод многих». Пётр у меня с портрета заграничного путешествия написан, а костюм я у Корба взял.
А дуги-то, телеги для «Стрельцов» - это я по рынкам писал. Пишешь и думаешь - это самое важное во всей картине. На колесах-то - грязь. Раньше-то Москва немощеная была - грязь была чёрная. Кое-где прилипнет, а рядом серебром блестит чистое железо. И вот среди всех драм, что я писал, я эти детали любил. Никогда не было желания потрясти…"
Питер Брейгель Старший. Вавилонская башня.
«Вавилонская башня» - знаменитая картина художника Питера Брейгеля. Художник создал несколько картин на этот сюжет. В основе этой работы лежит библейское иносказание о человеческой гордыне. Картина Брейгеля вместе с тем в своей грандиозной и вместе поэтической форме напоена ощущением жизни. Оно в бесчисленных фигурках строителей, в движении повозок, в пейзаже (особенно в изображении расстилающегося по сторонам от башни моря крыш - небольших, стоящих порознь и вместе с тем тесно друг около друга, отливающих нежными тонами). Характерно, что в картине, написанной на тот же сюжет ранее («Малая Вавилонская башня»; Роттердам), башня совершенно подавляла человеческое начало. Здесь Брейгель не только избегает такого эффекта, но идет дальше - он, для которого природа была несравненно прекраснее человека, ищет теперь в ней человеческое начало. В основу картины положен сюжет из Первой книги Моисея о строительстве Вавилонской башни, которая была замыслена людьми, чтобы достичь своей вершиной неба: «Построим себе город и башню высотою до небес». Чтобы усмирить их гордыню, Бог смешал их языки, так что они больше не могли понимать друг друга и рассеял их по всей земле, таким образом строительство не было завершено. Мораль сей картины - бренность всего земного и тщетность стремлений смертных сравниться с Господом. Вавилонская башня Брейгеля вполне отвечает традициям живописного изображения этой библейской притчи: налицо потрясающие воображение масштабы строительства, присутствие огромного количества людей и строительной техники. Известно, что в 1553 году Брейгель побывал в Риме. В картине «Вавилонская башня» Питера Брейгеля легко узнаваем римский Колизей с его типичными чертами римской архитектуры: выступающими колоннами, горизонтальными ярусами и двойными арками. Семь этажей башни уже так или иначе построены, возводится восьмой этаж. Вавилонская башня окружена строительными бараками, кранами, подъёмниками, использовавшимися в те времена, лестницами и строительными лесами. У подножия башни расположился город с оживлённым портом. Местность, где возводится Вавилонская башня, своими равнинами и морем очень напоминает Нидерланды. Изображённые на картине люди - рабочие, каменотёсы - кажутся очень маленькими и напоминают своим усердием муравьёв. Гораздо крупнее фигуры инспектирующего строительный объект Нимрода - легендарного завоевателя Вавилона во II тысячелетии до н. э., по традиции считавшегося руководителем строительства вавилонской башни, и его свиты в левом нижнем углу картины. Низкий, на восточный манер поклон каменотёсов Нимроду - дань происхождению притчи. Представляется интересным, что по мнению Брейгеля в неудаче, постигшей столь «масштабный проект», повинны не внезапно возникшие языковые барьеры, а ошибки, допущенные в процессе строительства. На первый взгляд огромное строение кажется достаточно прочным, однако при ближайшем рассмотрении видно, что все ярусы положены неровно, нижние этажи либо недостроены, либо уже рушатся, само здание кренится в сторону города, и перспективы всего проекта весьма печальны.
В Монголии решили создать Министерство морского флота. В Москве страшно удивились:
- Зачем оно вам? У вас же нет моря!
- Ну и что? - удивились монголы. - У вас же есть Министерство культуры.
Павел Федотов. Сватовство майора. История одного шедевра
В середине 19 века, когда публика пресытилась воспеванием красоты и благородства, на горизонте отечественной культуры появился художник Федотов Павел Андреевич. Его порой миниатюрные полотна были далеки от классики, а герои - от идеалов. Излюбленным сюжетом художника стала обыденная жизнь русских людей со своими недостатками и достоинствами.
Ярчайшим образцом творчества стала картина Федотова «Сватовство майора», созданная в 1848 году. Именно благодаря этой произведению ему было назначено почетное звание академика. Но этого стоило ожидать, на одном полотне художнику удалось показать столько различных колоритных характеров!
В основе сценария картины заурядный брак по расчету между дочерью зажиточного купца и разорившегося майора-дворянина. В то времечко подобные сделки были обычным делом: одни стремились заполучить деньги, а другие - звания в обществе, да и просто семье необходимо было выжить, банкротство было неминуемым крахом.
На полотне отражен интересный сюжет, предшествующий сватовству, в котором происходят последние моменты подготовки купеческой семьи к встрече жениха.
Сразу же заметным центром композиции, является милая девушка в нарядном, шитым из шелка, кажущемся воздушным, платье. Наверняка, это и есть невеста, которую сватают майору. Она пытается убежать перед приходом своего жениха, но мать вынуждает ее остаться в комнате. Практически сразу к выходу картины в свет художником были написаны стихотворные строки, озвучивающие «Сватовство майора», благодаря которым более подробно можно понять эту наигранную роль каждого из этих наших героев полотна.
Так, намерение невесты убежать в другую комнату при появлении сватов, истолковывается автором как напускная скромность девушки, жеманность ее характера, ведь по ее наряду понятно, что к приезду и встрече жениха она подготовлена наилучшим образом. В лице ее маменьки, удерживающей дочь от побега в соседнюю комнату, видны типичные черты купчихи - властность и расчетливость. Скорее всего, ее слово в семье и является главным в решении любого вопроса. Рядом с ней мы видим и самого купца - добродушного мужичка с окладистой бородой, который пытается застегнуть нарядную и не совсем привычную для него одежду, готовясь к появлению долгожданного гостя. Чего только не сделаешь ради очередной удачной сделки!
Сваха, стоящая рядом с отцом, указывает руками на дверь, где мы и видим пресловутого казанову жениха-майора, покручивающего свой ус. Судя по хитрому прищуру и довольному выражению его лица, он уже подсчитывает все выгоды своей будущей женитьбы. Естественно, что о каких-либо чувствах речь здесь и не идет. Ему нужно деньги, которые он и получит у своего тестя-купца. Подобная свадьба-сделка стала нормой для российского общества, это-то и высмеивает Федотов, изобразившей на своей полотне типичных представителей современной жизни.
Завершают череду колоритных образов глуховатая старуха-приживалка, расспрашивающая у помощника купца о происходящем, и кухарка, держащая поднос с пирогом. Все эти люди - неприемлемые атрибуты того общества, дополняющие образ купеческого дома, без них картина утратила бы свою колоритность.
Несмотря на иронию и легкий сарказм, которые заложил автор в свое творение, нельзя не отметить общую теплую атмосферу, присущее ему. Федотов высмеивал в своих работах не конкретные случаи невежества и расчетливости людей, а черты российского общества в целом. Своих же персонажей, по отзывам близких людей художника, он любил. Ведь они не виновны в падении нравов современности. Разве можно упрекнуть купца в том, что он таким макаром решает свои проблемы, желая подняться по социальной лестнице? А невесту - в неискренности чувств, если будущий брак сулит ей дворянство? В сватовстве майора, жениха-щеголя упрекнуть не в чем: жениться ради денег в то время было скажем в порядке вещей, это было модно, разве можно думать о какой-то там любви, пребывая без гроша в кармане? Вот и получается, что все герои картины просто заложники ситуации, поэтому и смеяться над ними можно без особой злобы и укоризны, а лишь со снисходительно-добродушной иронией.
История создания полотна по-своему примечательна. Павел Андреевич перед написанием картины долго не мог найти подходящее помещение, обойдя для этой цели несколько десятков купеческих домов, искомое сходство он случайно нашел в одном из российских трактиров. Поиски персонажей также заняли не одну неделю, прототипом майора стал один из знакомых художника.
Каждый штрих, каждая черточка героев, насыщены жизнью, настолько точно художнику удалось изобразить происходящее, что даже на мгновение нельзя засомневаться в подлинности и реалистичности происходящего. Становится интересной дальнейшая судьба дочери купца и майора: счастливы ли они? Как купчиха теперь ставит себя в обществе, учитывая ее новое родство с дворянином? Подобных вопросов возникает множество. Известно, что Федотов даже делал наброски продолжения картины, в которых молодая семья приезжает в родительский дом невесты, но завершать эту работу художник почему-то не стал.
В данный момент картина Федотова «Сватовство майора» хранится в Третьяковской галерее.
ПАТРИАРХ МУЗЫКИ ПЕТР ИЛЬИЧ ЧАЙКОВСКИЙ
Прошло более 170 лет со дня рождения Петра Ильича Чайковского. О великом композиторе написаны сотни книг, выпущенные к на разных языках по всему миру. Казалось бы, о жизни и творчестве композитора известно все, или почти все, его музыкальный стиля и новаторство исследованы до последней ноты. Жизнь великого композитора была наполнена множеством интересных фактов. Его всегда сопровождал шлейф сплетен и слухов, усилившихся после смерти.
О, эта музыка!
Он родился 7 мая 1840 года в заводском поселке Воткинск в Удмуртии. Отец Чайковского был человеком солидным, служил начальником завода на Урале и содержал значительное семейство. Да еще и бедных родственников подкармливал.
Петр, по-домашнему Пьер, Петруша, вырос тихим и слезливым. Только очень близкие люди, вроде гувернантки и воспитательницы Фани, могли заметить в нем нечто необычное, бурную фантазию, потаенные внутренние страсти в этом «стеклянном мальчике». Музыка ранила его сердце в пятилетнем возрасте, хотя это было не живое исполнение, а модная вещица, механический орган, игравший несколько мелодий.
Он знакомится с творчеством итальянских и немецких композиторов, впервые слышит мелодии «Дон Жуана» Моцарта и известные арии из итальянских опер. Впечатление оказалось настолько сильным, что мальчик по ночам кричал, как в бреду: «О, эта музыка, эта музыка!» И когда ему говорили, что орган молчит, он рыдал еще сильнее и, хватаясь за голову, кричал: «Она у меня здесь, здесь. Она не дает мне покоя!»
Казалось, предназначение Петра вполне было ясным. Но Чайковскому предстояло долгие годы учиться и работать, не имея никакого отношения к музыке. Она не могла дать твердого дохода, и будущее представлялось слишком неясным, поэтому родители выбрали для сына карьеру правоведа.
Петр Чайковский: «Ты будешь гордиться!»
В 1859-м закончилась учеба, началась скучнейшая служба в департаменте юстиции, переписывание вечных бумаг, прошений и отношений. Единственной отдушиной стала перспектива новой учебы в только что открывшейся Петербургской консерватории под руководством блистательного Антона Рубинштейна. Петр Ильич был настолько уверен в правильности своего решения, что однажды заявил брату: «С Глинкой мне, может быть, не сравняться, но увидишь, что ты будешь гордиться родством со мной». Знакомство с молодыми, не признающими авторитетов композиторами - Бородиным, Мусоргским, Балакиревым - дало Чайковскому толчок к профессиональному росту. Дядя, сильно огорченный подобным решением племянника, сказал: «Ах, Петя, Петя, какой позор! Променял юриспруденцию на дудку!»
В 1865 году Чайковский закончил консерваторию с серебряной медалью. Нелицеприятное высказывание известного музыкального критика и композитора Кюи о том, что «консерваторский композитор г. Чайковский совсем слаб», еще больше разожгло желание юного композитора к дальнейшему творчеству. Он принимается за сочинение симфонии под названием «Зимние грезы». В 1866 году Петр Ильич переехал в Москву, где получил место профессора Московской консерватории. Именно здесь его творчество достигло расцвета, во многом благодаря общению с различными выдающимися деятелями культуры. По совету Балакирева Чайковский пишет увертюру-фантазию «Ромео и Джульетта», а критик Стасов подталкивает его к написанию симфонической фантазии «Буря». По предложению певицы Елизаветы Лавровской Чайковский пишет знаменитую оперу «Евгений Онегин». «Вы только подумайте, представьте, какая это поэтическая, благодарная тема!.. Вы, и только вы, дорогой Петр Ильич, сможете написать такую оперу, и вы напишете ее!» - говорила Лавровская композитору. Подобная мысль поначалу показалась Чайковскому слишком смелой. Но в итоге, перечитав поэму, он все-таки решается.
Сердечные дела Чайковского
Петр Ильич был нелюдимым и несколько замкнутым в себе, и единственным шансом изменить ситуацию был роман с юной певицей, примадонной французской оперы, прибывшей на гастроли в Россию. Ее звали Дезире, что означает «желанная», и Петр Ильич воспринимал это буквально. Он предложил ей руку и сердце и получил благословение от своего престарелого отца. Дезире, некрасивая, полная, с красным запудренным лицом, но блестяще остроумная, отвечала Чайковскому взаимностью. Однако не в восторге оказались родители невесты. Петр был молод, пока неизвестен, а стало быть - беден. С браком предстояло подождать, но влюбленные расстались с надеждой на новую встречу. Дезире продолжила гастроли и месяц спустя вышла замуж за маститого баритона.
Она, безусловно, просчиталась, брак был неудачен, а слава Чайковского росла год от года. Вместе с известностью росли и слухи о личной жизни, которые стали задевать близких Петра Ильича. В отчаянии Чайковский пишет в своем дневнике: «Я должен всеми силами бороться со своей природой». Такой борьбой он считал скорейший официальный брак.
Композитора хорошо знали и имевший врачебную практику Чехов, и Толстой, яростно ненавидевший гомосексуалистов. И никто ни словом, ни намеком не обмолвился о том, о чем сейчас толкуют современные «исследователи».
Женой Чайковского стала Антонина Милюкова. Она сама прислала Петру Ильичу любовное письмо. Там же сообщала, что она «музыкантша», училась в классе у Лангера. Композитор был знаком с ним и попросил вспомнить какие-нибудь сведения об ученице. Лангер был краток: «Вспомнил. Дура».
Петр Чайковский с женой Антониной
«Это бедная, но добрая девушка с безупречной репутацией, которая меня любит», - так ее охарактеризовал композитор. Вскоре они расстались без развода, соблюдая каждый свои правила игры. Антонина Ивановна рожала детей от разных мужчин и получала деньги от Чайковского. Композитор покинул столицу и уехал за границу. В Италии Петр Ильич завершил Четвертую симфонию и оперу «Евгений Онегин». Первое представление состоялось в московской консерватории в марте 1879 года, но не увенчалось особым успехом. Славу легендарной опере принесла петербургская сцена. Следующей большой удачей Петра Ильича стала опера «Мазепа». Она была поставлена в Москве в 1884 году. А выдающееся произведение мировой музыкальной классики «Пиковая дама» появилось спустя еще 6 лет. Наравне с «Евгением Онегиным» эта опера обошла не только все российские сцены, но также обрела особую известность и за границей.
В жизни Чайковского была еще одна, весьма своеобразная связь с женщиной. Богатая вдова Надежда Филаретовна фон Мекк, бескорыстная покровительница, боготворившая Чайковского. Не желая слушать пересуды о своем любимце, не претендуя на личные встречи, тем более на какие-то особые отношения, Надежда Филаретовна высылала Чайковскому 6000 рублей ежегодно, не считая «мелких» расходов, связанных с его передвижениями по Европе.
Нелепая смерть Петра Чайковского
Однажды, возвращаясь из театра, Петр Ильич в сопровождении брата Модеста зашел в ресторан, поел макарон, после чего попросил у официанта стакан воды. Кипяченой в заведении почему-то не нашлось. Тогда Чайковский потребовал принести из-под крана. Результат не заставил себя ждать. На следующий день он заболел холерой и через шесть дней умер. Это случилось 6 ноября 1893 года. Жизнь великого композитора оборвалась в то время, когда он был полон творческих замыслов. Петр Ильич добился многого, а умер без церковного причащения, унеся в могилу тайны личной жизни. И можно согласиться с императором Александром I: когда ему доложили об очередном скандале, связанном с Петром Ильичом, он ответил: «Дело замять. Подданных у меня много, а Чайковский - один».
Кто умел возводить архитектурные шедевры без чертежей? Антонио Гауди.
Гений архитектуры появился на свет 25 июня 1852 г. в Реусе, каталонском уголке Испании. Уже на следующий день был крещен, поскольку жизнь его была в опасности, а родители прежде уже потеряли двоих младенцев. Да и те старшие дети, которые выросли, умерли в молодом возрасте.
Антонио врачи тоже с детства не раз предрекали смерть. Но этому болезненному мальчику суждено было другое. Впрочем, слабое здоровье отчасти даже способствовало формированию его характера и интересов, как ни покажется странным. С малых лет он полюбил наблюдать - море, небо, цветы - все, что окружало.
Став постарше, заглядывался на работу отца-котельщика в мастерской. Все это привило ему вкус к форме, и, пойдя в школу, он интересовался только геометрией и рисованием. Кстати, в роду Гауди, что по отцовской, что по материнской линии предки были котельщиками и кузнецами, и славились тем, что любой сложности вещи делали безо всяких чертежей.
Потом был переезд в Барселону, поступление в архитектурную школу. И сразу - участие в оформлении городской площади Реал: вместе со своим учителем Гауди создает «Монументальный каскад»: фонтаны, бьющие из озерной глади, переливы водных струй и потоков. В годы учения попытки участвовать в профессиональных конкурсах завершались фиаско. А при защите дипломного проекта пришлось услышать от председателя комиссии: «Перед нами либо гений, либо сумасшедший».
После окончания учебы - открытие собственной мастерской, заказов в которой долго ожидать не приходилось. Впрочем, немногие из читателей бывали в Барселоне, так что перечисление воплощенных мастером проектов мало что скажет. Самое главное - сформировалась уникальная стилистика.
Ее относят к модерну, неоготике, эклектике… Точнее всего, на мой взгляд, определение этого стиля как «гаудианского», ибо самобытен и неповторим. Вы когда-нибудь строили замки из песка или хотя бы видели их? Так вот - Антонио Гауди воплощал это в камне.
Расскажу всего лишь об одном творении гениального архитектора, поскольку оно было детищем всей его творческой жизни, претворением мечты о «храме века». Саграда Фамилиа, Искупительный храм Святого Семейства, начали возводить еще в 1882 г., предполагалось, что это будет обычный собор, один из многих. Но когда на строительстве появился Гауди, принявший руководство работами, все изменилось. Сам архитектор вскоре прекратил принимать заказы и занимался только этим проектом.
Если правда, что архитектура - музыка, застывшая в камне, то Саграда Фамилиа - звучащая божественная музыка, космический гимн! Это удивительное сооружение со 170-метровой башней Христа, фантастическими формами, спиральными лестницами, возникающими из стен скульптурными изображениями библейских сюжетов, мозаикой из венецианского стекла.
После закладки камня одержимый творчеством Гауди перебрался на стройку и вовсе, ночуя в углу небольшой мастерской, а Восточный придел строил чуть не собственными руками. Идеи возникали вновь и вновь, наплывая на те, что еще не были до конца воплощены. На чертежи не было времени и, похоже, что и желания.
Он не успел достроить храм. От рождения болезненный, стремительно старившийся (в 30 он уже выглядел на 50 лет), этот человек ушел из жизни вовсе не из-за болезни, а попав под трамвай, только что пущенный в городе. Это случилось 7 июня 1926 г.
И дряхлый старик непрезентабельного вида (настолько, что в последние годы жизни ему иногда на улице подавали милостыню, спутав с нищим), умер, не приходя в сознание, через три дня в приюте больницы Святого Креста, построенной извечным соперником Гауди по имени Доменек-и-Монтанер неподалеку от Саграда Фамилиа. Ирония судьбы!
От захоронения в общей могиле для бедняков его уберегло лишь случайное опознание. И Барселона вмиг поменяла облик, увесив себя траурными флагами, прощаясь с гордостью Каталонии.
Тело великого зодчего упокоилось в маленькой подземной часовенке любимого детища - Искупительного храма Святого Семейства. Говорят, по весне и по осени в ней воды - по колено…
ЮНЕСКО объявило 2002 год годом Гауди, несколько творений архитектора вошли в Мировое наследие этой уважаемой организации. Ватикан принял к рассмотрению прошение об его канонизации, так как испанцы убеждены, что Саграда Фамилиа - это чудо.
В объятиях Пикассо
25 октября - в день рождения великого мастера - парижский музей Пабло Пикассо открыл двери после реконструкции.
Здесь собрана крупнейшая в мире коллекция произведений художника: пять тысяч картин, рисунков, коллажей, скульптур, керамики. Не говоря уже про уникальные архивы мэтра. Несмотря на то, что выставочная площадь увеличилась в три раза, в постоянной экспозиции нашлось место только для 400 работ. Остальные ждут своего часа в запасниках.
«Дайте мне музей, и я его заполню»,? - повторял Пикассо, создавший за свою долгую жизнь около 80 000 произведений. «К счастью, мы имеем возможность представить творчество всех его периодов - голубого, розового, кубистского, неоклассического, сюрреалистического,? - рассказывает новый директор музея Лоран Ле Бон.? - Среди них и картина, которую Пикассо написал в 14 лет, и его последний автопортрет, выполненный за год до смерти».
«У Пабло был менталитет воина,? - вспоминал его кузен.? - Днем он сражался, а ночью распутничал». Едва ли в жизни какого-либо другого художника женщины играли такую исключительную роль. Они и работа, говорил Пикассо, служат эликсиром молодости, продлевают жизнь. При этом Пабло делил представительниц прекрасного пола на «богинь» и на «подстилок», подчеркивает Арианна Стасинопулос-Хаффингтон в книге «Пикассо: творец и разрушитель». «Богини», по словам биографа, обожали, когда Пабло превращал их в «подстилки».
«Все мое искусство эротично,? - утверждал живописец.? - Для меня секс и искусство - одно и то же». Именно секс во всех его ипостасях служил постоянным импульсом для его творчества. Эротические видения художник не только выплескивал на полотна, но и отливал в бронзе, наносил на керамику, оформлял в виде коллажей. Графические листы он называл «Объятия», «Поцелуй», «Совокупление», «Фаллос», «Пара, занимающаяся любовью», «Изнасилование».
Отдельный зал посвящен коллекции самого Пикассо - дарам художников, с которыми он обычно обменивался картинами,? - Матисса, Дерена, Руссо, Брака, Сезанна, Миро, Модильяни, Ван Донгена.
Пикассо всегда притягивала Россия. Именно этим объясняется его многолетнее сотрудничество с русским балетом Сергея Дягилева, дружба с композитором Игорем Стравинским, художниками Натальей Гончаровой и Михаилом Ларионовым и даже женитьба в Париже на балерине Ольге Хохловой. Неслучайно, ее портрет - одно из самых эффектных полотен на выставке. По ее просьбе работа выполнена в сугубо классической манере. «Я хочу узнавать себя на картине»,? - настаивала Ольга, не любившая «эксперименты» супруга.
Реставрация средневекового особняка Сале, где расположен музей Пикассо, обошелся в 52 млн евро - значительно больше изначальной сметы. Сам музей заработал 31 млн евро на предоставлении своей коллекции другим галереям: полторы сотни картин в течение нескольких лет путешествовали по всем континентам - от Москвы и Петербурга до Абу-Даби, Токио, Шанхая и Сиднея.
Одной из причин затянувшейся реставрации стал затяжной конфликт тогдашнего директора «дома Пикассо» Анн Бальдассари и министра культуры Орели Филиппетти с другими крупнейшими музеями мира. Распри завершились тем, что незадолго до открытия музея мадам Бальдассари была отправлена в отставку. Не спасла ее даже поддержка Клода Пикассо, сына художника, который ведает творческим наследием отца.
По расчетам дирекции, ежегодное число посетителей обновленного музея Пикассо возрастет до миллиона человек - это ровно в десять раз меньше, чем у Лувра. Для привлечения публики музей намерен периодически менять экспозицию. Осенью будущего года хронологическую развеску предполагается заменить тематической.
В 2015 году автору «Герники» посвятят новые экспозиции на берегах Сены: в Гран-Пале пройдет выставка «Пикассо и современное искусство», в музее Бранли - «Пикассо и примитивизм», а музей Орсе покажет картины голубого и розового периодов.
Неослабевающий интерес к Пикассо, отмечают эксперты, способствует тому, что цены на его полотна остаются запредельно высокими. В прошлом году, по данным, его работы были проданы на сумму в 361 млн. долларов - по этому показателю испанца «обошел» только американец Энди Уорхол, но за ним стоят мощные заокеанские галереи. Самое дорогое полотно Пикассо «Обнаженная, зеленые листья и бюст» (1932), на котором изображена его любовница Мари-Терез Вальтер, ушло с молотка в 2010 году за 106,5 млн. долларов.
Художник Ричард Янг. «Ритм, исходящий из сердца…»
Его зовут Ричард Янг (Richard Young) - художник из Великобритании, родился в городе Йоркшир в 1961 году. Сейчас проживает в Северном Девоне (Великобритания), где владеет офисом и художественной студией. Несмотря на то, что он всегда имел отличные навыки для рисования карандашом и мелом, к масляной живописи приступил только в 12 лет. Ричард очень старательно изучал этот стиль живописи, развивал свой талант и практиковался в рисовании в любой удобный для себя момент. Ему довелось поучаствовать во множестве региональных конкурсах, победы на которых принесли ему некоторую славу, после чего его работы стали чаще выставляться в северной части Англии. К счастью, его преподаватель рисования сумел точно определить задатки и талант молодого художника.
Будучи финансово состоятельным молодым человеком, Ричард после окончания университета много путешествовал и вел свободный образ жизни, работая в качестве консультанта по дизайну в различных международных компаниях. Однако, ощущая светлый трепет к чистому искусству, он вернулся к прежним занятиям в качестве полупрофессионального вольного художника, что позволило ему шаг за шагом оттачивать свое мастерство. Сегодня работы Ричарда Янга можно увидеть на различных сайтах, галереях, журналах, шоу и выставках. Он также является почетным членом Королевского Общества Изящных Искусств
Спасибо, партия, за это.
Дорогие товарищи империалисты.
Политик - дерьмо. Но как целуется.
Экономика должна быть экономной.
Не могли сделать как положено. Вот, черт побери, влипли в историю.
Вот, ездят тут всякие. А мне 2 раза в день встречать, провожать приходится.
Хрущёв развенчал культ Сталина после его смерти, а мы развенчали культ Хрущева при его жизни.
Сделать Москву образцовым коммунистическим городом - это дело чести всего советского народа.
Мы хотим, чтобы энтузиазм, живость ума, молодая энергия оставались у наших людей на всю жизнь.
Наша армия мира является оплотом мира во всем мире когда наша армия мира находится во всем мире дело мира торжествует мирно.
Они там что, в Израиле, нашу веру приняли? Почему они наши обычаи крадут - американцев хлебом-солью встречают? Вырази им немедленно дипломатический протест.
Что это? Почему нет одного глаза? Это же морфинистка какая-то!
Что это за безобразие, что за уроды? Где автор?
Как вы могли так представить революцию? Что это за лица? Вы что, рисовать не умеете? Мой внук и то лучше нарисует.
Вы что - мужики или пидорасы проклятые, как вы можете так писать? Есть у вас совесть? Кто автор?
Да что вы говорите, какой это Кремль! Это издевательство. Где тут зубцы на стенах - почему их не видно?
Вот я помню, мы посетили Дрезденскую галерею. Нам показали картину - вот так были написаны руки, что даже в лупу мазков не различишь. А вы тоже так не умеете!
Запретить! Всё запретить! Прекратить это безобразие! Я приказываю! Я говорю!
И проследить за всем! И на радио, и на телевидении, и в печати поклонников этого выкорчевать!
От саксофона до ножа - один только шаг!
Кто им разрешил так писать, всех на лесоповал - пусть отработают деньги, которые на них затратило государство,
Безобразие, что это, осел хвостом писал или что?
Очень общо и непонятно. Вот что, Белютин, я вам говорю как Председатель Совета Министров: все это не нужно советскому народу. Понимаете, это я вам говорю!
«ИСКУССТВО - ЭТО ПРИРОДА ПЛЮС ЧЕЛОВЕК»
Слова, вынесенные в заголовок, принадлежат великому русскому ученому
Алексей Адамов родился в Таганроге, на берегу Азовского моря, в 1971 году. С детства его окружали живописные пейзажи родного края и романтика близости моря.
Он учился в Таганрогской детской художественной школе, а в 1992 году окончил Ростовское художественное училище им.
Об этом училище у художника остались самые теплые воспоминания. В своей художественной галерее он хранит под стеклом журнальный список посещаемости однокурсников. Образ наставника Владимира Ивановича Бегмы и по сей день служит Алексею творческим ориентиром.
Первый свой рисунок Алексей предоставил на телеконкурс в возрасте 11 лет. Это был не пейзаж, не марина… Он изобразил концлагерь - прямую противоположность природной красоты. Можно долго и подробно разбирать чувства, мысли и мотивы маленького художника, но делать этого не стоит. Неизбежна ошибка. Одно точно - душа художника реагирует на уродства человеческого мира так же остро, как и на его красоту и вечную красоту природы. Последней Алексей Адамов и посвятил свое дальнейшее зрелое творчество. Благо, красоты в районе Таганрога и прилегающей обширной донской территории было много.
Если Алексея Адамова спрашивают о том, когда он начал рисовать, он говорит, что помнит себя всегда рисующим. Рисовал и его отец, и мастерски занимался чеканкой. То есть, была в его жизни какая-то предопределенность, направленность судьбы, помогшая сделать правильный выбор и стать художником.
Алексей Адамов представляет собой как художника-пейзажиста в привычном понимании этого слова, так и мариниста. Эти две основные составляющие его творчества существуют и развиваются параллельно, и трудно сказать, в какой из них он достиг большего успеха.
Картины Алексея Адамова - это романтические образы, где реальность и вымысел сливаются воедино. Его работы - новеллы со своими неповторимыми характерами, такие неожиданно близкие, словно они знакомы зрителю с детства. Автор ведет разговор о вечном, удивляет новизной сюжетов, увлекая виртуозностью простых и метких технических приемов. Пейзажи, в том числе и марины, как особый жанр живописи, можно сравнить с изысканными и тончайшими наблюдениями природы Ивана Бунина. Живописные произведения Алексея Адамова сродни лирическим новеллам этого великого русского писателя и поэта.
Морская стихия, во всех ее проявлениях, вошла в его жизнь с самого раннего детства и прочувствованна художником глубоко и тонко.
Алексея Адамова можно по праву назвать певцом Азовского моря. В отличии от Черного, Азовское море не имеет такой ослепительной синевы и яркости, оно более мелкое, в нем преобладают мягкие жемчужно-охристые тона. Сама природа оказывается более приближена к внутреннему миру человека, настраивает на созерцательность и раздумье, и тогда картины превращаются в чудесные поэтические новеллы о море и человеке.
Алексей Адамов - художник, следующий русской реалистической традиции. В его творчестве нет хаоса и разрушения, он с трепетом и любовью изображает русскую природу, где царит гармония, покой и умиротворение.
Глядя на картины этого мастера, замечаешь удивительную вещь: независимо от того, что на них изображено, под впечатлением от увиденного в памяти всплывают собственные воспоминания и чувства. Чувства, очевидно, схожие с ощущениями самого автора в момент создания полотна. И вот, смотря на картину, ловишь себя на мысли, что видишь уже не только талантливо переданную красоту Азовского моря на закате, а что-то свое, давно позабытое, но очень родное. Это умение передавать совершенство природы и затрагивать сокровенные струны души человека, находить в них искренний отклик и есть, очевидно, Божий дар.
Алексеем Адамовым написаны сотни работ. Он участвует в выставках с 1996 года, среди них - персональные выставки в Таганроге, Ростове-на-Дону выставки в Праге, Париже, ежегодные персональные выставки в Центральном Доме художника в Москве, персональная выставка в галерее Art gallery NOVEKS в помещении АRТА gallery в Торонто, выставка «Русский романтизм» в галерее Petley Fine Art в Лондоне и многие другие. В 2009 году Алексей Адамов участвовал в ежегодном «Международном художественном Арт-салоне» в Москве, его картины выставлялись в Доме Правительства и в Государственном Таврическом дворце Санкт-Петербурга.
Адамов - член Союза художников России с 2004 года, Международного художественного фонда, Московского объединения художников с 2005 года. С 2007 года он является членом-корреспондентом Международной академии культуры и искусства.
Алексей Адамов - художник перспективный, творчески целеустремленный, искусство которого привлекает искренностью чувств, полифонией цвета и образной содержательностью. Эпические и лирические пейзажи живописца наглядно свидетельствуют о верности традициям русского реалистического
реалиазма.
К настоящему времени Алексей Адамов провел много персональных и прочих выставок. В его возрасте это хороший показатель, говорящий о том, что человек нашел свое место в жизни. А это далеко не часто случается…