Памяти Джеймса Ласта
На его музыке выросло не одно поколение.
Его романтичные и нежные мелодии звучали в каждом доме. Они стали музыкальными темами ко многим фильмам.
А его необыкновенно щемяще-печальная мелодия «Одинокий пастух» стала его визитной карточкой.
Во Флориде в возрасте 86 лет скончался Джеймс Ласт (James Last) - один из самых узнаваемых композиторов и популяризаторов инструментальной музыки, руководитель собственного биг-бенда. Как сообщил менеджер музыканта, Ласт скончался «после тяжелой непродолжительной болезни». За свою более чем полувековую карьеру Джеймс Ласт выпустил более 200 альбомов с инструментальными переложениями популярных мелодий, хитов и классической музыки. Пожалуй, самым известным его произведением стала композиция «Одинокий пастух» («Einsamer Hirt»). Записи музыканта безошибочно узнаются благодаря атмосферному звучанию струнных, попсовым аранжировкам с доминированием грува и использованию известных мелодий.
«Когда люди слышат мою музыку - они знают: это играет оркестр Джеймса Ласта. Это стиль. Многие группы играют без стиля. А мы делаем оригинальное звучание благодаря аранжировке. В противном случае у нас не было бы такого успеха», - рассказывал Джеймс Ласт в интервью NME в 1976 году.
За время своей пядидесятилетней карьеры Джеймс Ласт выступал в Европе, Америке, СССР (а впоследствии России и странах СНГ), Китае, Австралии…
Дмитрий Санджиев. Линия и штрих, чёрное и белое
Дмитрий Санджиев - Действительный Член Российской Академии художеств. Родился 1949 г. в семье художников в городе Новосибирске. С отличием окончил Московский Государственный Художественный Институт имени
Виртуозно выполненные графические и живописные работы Дмитрия Санджиева позволяют по-новому воспринимать самые заурядные ситуации повседневной жизни. Художник создает свои параллельные миры, видя в частном факте, конкретном событии значительно большее, чем открывалось в них обыденному сознанию.
Через конкретную судьбу женщины-калмычки прослеживается судьба целого народа с особым укладом жизни и традициями в серии графических листов «Вдова чабана». В пластически выразительных листах каждый конкретный сюжет приобретает характер глубокого обобщения, опоэтизированной «картины-воспоминания».
Дмитрий Санджиев - мастер, наделенный редкой способностью видеть в обыденном - сверхъестественное, в прозаичном - невероятное, в реальном - фантастическое. Линия и штрих, сочетание черного и белого создают в его графических работах одухотворенную атмосферу. Изображение, необъяснимым образом, воспринимается светоносным. Черно-белая графика обретает черты неповторимой живописности.
В литографиях к «Мастеру и Маргарите» художник не иллюстрирует, а интерпретирует писательский текст, отдельные образы литературного произведения. Фантасмагория фантазий М. Булгакова созвучна мироощущению и самого Санджиева. Образный мир художника заполнен множеством кошек, загадочных знаков, выдуманных персонажей.
Графика в творчестве Санджиева гармонически сосуществует с его живописью - яркой, непредсказуемой, фантастической. Фантастический реализм творчества мастера созвучен космической устремленности человеческого сознания, предчувствиям появления параллельных миров в просторах Вселенной. Может быть, поэтому его динамичные рисунки и изысканные по колориту полотна обладают мощной энергетикой, которая вовлекает зрителя в воображаемый, заново сотворенный, вопреки традиционным представлениям и знаниям, мир.
За внешней легкостью прочтения и восприятия работ Санджиева угадывается многозначительная символика создаваемых им образов. Обратив на себя внимание еще в студенческие годы творческой самодостаточностью и загадочностью натуры, художник продолжает удивлять зрителя бесконечностью образных импровизаций. Особая поэтизация, метафоричность его творчества говорят о богатстве воображения, вобравшего в себя и жизненный опыт, и опыт поколений, пришедший к мастеру из глубины веков.
Дмитрий Санджиев - Действительный Член Российской Академии художеств, Заслуженный художник России.
Работы художника находятся в Государственной Третьяковской Галерее, Государственном Русском музее, Музее народов Востока, во всемирно известной коллекции Людвига (Германия), Метрополитен-музее (США), в картинных галереях и частных коллекциях России и многих стран мира
Греческие боги и богини. Имена греческих богов
Культура и религия в Афинах были тесно переплетены с незапамятных времен. Поэтому неудивительно, что в стране так много достопримечательностей, которые посвящены идолам и богам древности. Наверное, нигде нет ничего подобного. Но все-таки наиболее полным отражением древнейшей цивилизации стала греческая мифология. Боги и титаны, цари и герои из легенд - все это частички жизни и существования античной Греции.
Конечно, свои божества и идолы существовали у многих племен и народом. Они олицетворяли собой силы природы, непонятные и пугающие древнего человека. Однако древни греческие боги были не только символами природы, они считались создателями всех нравственных благ и хранителями прекрасных и великих сил античного народа.
Поколения богов Древней Греции
В разное время были и различные греческие боги. Список одного античного автора отличался от другого, но все-таки можно выделить общие периоды.
Итак, во времена пеласгов, когда процветал культ поклонения силам природы, появилось первое поколение греческих богов. Считалось, что в мире правила Мгла, из которой и появилось первое верховное божество - Хаос, и их дети - Никта (Ночь), Эрос (Любовь) и Эреб (Мрак). На земле царил полный беспорядок.
Имена греческих богов второго и третьего поколения уже известны всему миру. Это дети Никты и Эбера: бог воздуха Эфир и богиня дня Гемера, Немезида (Возмездие), Ата (Ложь), Мом (Глупость), Кера (Несчастье), Эриния (Месть), Мойра (Судьба), Эрида (Раздор). А также браться близнецы Танатос (вестник Смерти) и Гипнос (Сон). Дети богини земли Геры - Понт (внутреннее Море), Тартар (Бездна), Нерей (спокойное море) и другие. А также первое поколение могущественных и разрушительных титанов и гигантов.
Греческие боги, которые существовали у пелагестов, были низвергнуты титанами и рядом вселенских катастроф, сказания о которых сохранились в мифах и легендах. После них появилось новое поколение - олимпийцы. Это имеющие человеческий облик боги греческой мифологии. Список их огромен, а в данной статье речь пойдет о самых значимых и известных персонах.
Первый верховный бог Древней Греции
Кронос или Хронов - бог и хранитель времени. Он был самым младшим из сыновей богини земли Геры и бога небес Урана. Мать любила его, лелеяла и во всем потакала. Однако Кронос вырос очень амбициозным и жестоким. Однажды Гера услышала предсказание о том, что погибелью Кроноса станет его сын. Но она решила сохранить это в тайне.
А тем временем Кронос убил своего отца и получил верховную власть. Он обосновался на горе Олимп, которая уходила прямо в небеса. Отсюда и появилось такое название греческих богов, как олимпийцы. Когда Кронос решил жениться, мать рассказала ему о пророчестве. И он нашел выход - стал проглатывать всех своих рожденных детей. Его бедная жена Рея пришла в ужас, но убедить мужа в обратном ей не удалось. Тогда своего третьего сына (маленького Зевса) она спрятала от Кроноса на острове Крите под присмотром лесных нимф. Именно Зевс и стал погибелью Кроноса. Когда он вырос, отправился на Олимп и сверг отца, при этом заставив его отрыгнуть всех своих братьев.
Зевс и Гера
Итак, правителями мира стали новые человекоподобные греческие боги с Олимпа. Отцом богов стал громовержец Зевс. Он - собиратель облаков и повелитель молний, творящий все живое, а также установитель порядка и правосудия на земле. Греки считали Зевса источником добра и благородства. Громовержец - отец богинь Ор, повелительниц времени и годичных перемен, а также Муз, которые даруют людям вдохновение и радость.
Женой Зевса была Гера. Она изображалась сварливой богиней атмосферы, а также хранительницей домашнего очага. Гера покровительствовала всем женщинам, которые хранили верность своим мужьям. А также вместе со своей дочерью Илитией облегчала процесс родов. Согласно мифам, Зевс был очень любвеобилен, и после трехсот лет супружеской жизни заскучал. Он стал наведываться к смертным женщинам в самых разных обличиях. Так, к прекрасной Европе явился в виде огромного быка с золотыми рогами, а к Данае - в виде звездного дождя.
Посейдон
Посейдон - бог морей и океанов. Он всегда оставался в тени своего более могущественного брата Зевса. Греки считали, что Посейдон никогда не отличался жестокостью. И все беды и наказания, которые он посылал людям, были заслуженными.
Посейдон - покровитель рыбаков и моряков. Всегда, перед тем, как выйти в плавание, люди молились в первую очередь ему, а не Зевсу. В честь владыки морей несколько дней курились жертвенники. Согласно легендам, Посейдона можно было увидеть во время шторма в открытом море. Он являлся из пены в золотой колеснице, запряженной лихими конями, которых ему подарил его брат Аид.
Женой Посейдона была богиня шумящего моря Амфитрита. Символом - трезубец, который даровал полную власть над морской пучиной. У Посейдона был мягкий, неконфликтный нрав. Он всегда стремился избежать ссор и конфликтов, и был безоговорочно предан Зевсу, в отличие от Аида.
Аид и Персефона
Греческие боги подземного мира - это, прежде всего, мрачный Аид и его жена Персефона. Аид - бог смерти, владыка царства мертвых. Его боялись даже больше, чем самого громовержца. Никто не мог спуститься в подземный мир без разрешения Аида, а тем более, вернуться. Как гласит греческая мифология, боги Олимпа разделили между собой власть. И Аид, которому досталось подземное царство, был недоволен. Он затаил обиду на Зевса.
Несмотря на то что прямо и открыто он никогда не выступал, но в легендах есть немало примеров, когда бог смерти всячески пытался подпортить жизнь своему венценосному брату. Так, однажды Аид похитил прекрасную дочь Зевса и богини плодородия Деметры Персефону. Он насильно сделал ее своей королевой. Зевс был не властен над царством мертвых, и предпочел не связываться с озлобленным братом, потому отказал расстроенной Деметре в просьбе спасти дочь. И только, когда богиня плодородия в горе забыла о свои обязанностях, и на земле начались засуха и голод, Зевс решился поговорить с Аидом. Они заключили договор, согласно которому Персефона две трети года будет проводить на земле вместе с матерью, а все остальное время - в царстве мертвых.
Аид изображался мрачным мужчиной, восседающим на троне. По земле он путешествовал в колеснице, запряженной адскими конями с горящими пламенем глазами. И в это время люди боялись и молились, чтобы он не забрал их в свое царство. Любимцем Аида был трехглавый пес Цербер, который неустанно охранял вход в мир мертвых.
Афина Паллада
Любимая греческая богиня Афина была дочерью громовержца Зевса. Согласно мифам, она родилась из его головы. Сначала считалось, что Афина - богиня чистого неба, которая своим копьем разгоняла все черные тучи. Она также была символом победоносной энергии. Греки изображали Афину мощной воительницей со щитом и копьем. Она всегда путешествовала вместе с богиней Никой, олицетворяющей победу.
В Древней Греции Афина считалась защитницей крепостей и городов. Она даровала людям справедливые и правильные государственные порядки. Богиня олицетворяла собой мудрость, спокойствие и проницательный разум.
Гефест и Прометей
Гефест - бог огня и кузнечества. Его деятельность проявлялась извержениями вулканов, чем очень пугала людей. Первоначально он считался лишь богом небесного огня. Так как на земле люди жили и умирали в вечном холоде. Гефест, как и Зевс, и другие олимпийские боги был жесток к миру людей, и даровать им огонь не собирался.
Все изменил Прометей. Он был последним из титанов, кому удалось уцелеть. Он жил на Олимпе и был правой рукой Зевса. Прометей не смог смотреть, как страдают люди, и, похитив священный огонь из храма, принес его на землю. За что был наказан громовержцем и обречен на вечные муки. Но титан смог договориться с Зевсом: тот даровал ему свободу в обмен на тайну сохранения власти. Прометей мог видеть будущее. И в будущем Зевса он увидел его смерть от руки сына. Благодаря титану отец всех богов не женился на той, кто могла родить ему сына-убийцу, и тем самым навеки закрепил свою власть.
Греческие боги Афина, Гефест и Прометей стали символами античного праздника бега с зажженными факелами. Прародителем Олимпийских игр.
Аполлон
Греческий бог солнца Аполлон был сыном Зевса. Его отождествляли с Гелиосом. Согласно греческой мифологии, Аполлон зимой живет в далеких краях гипербореев, а в Элладу возвращается по весне и вновь вливает жизнь в увядшую природу. Аполлон также являлся богом музыки и пения, так как вместе с возрождением природы он даровал людям желание петь и творить. Его называли покровителем искусства. Музыка и поэзия в Древней Греции считались даром Аполлона.
Благодаря своей возрождающей способности он также считался богом целительства. По легендам Аполлон своими солнечными лучами изгонял из больного всю черноту. Древние греки изображали бога светловолосым юношей с арфой в руках.
Артемида
Сестра Аполлона Артемида была богиней луны и охоты. Считалось, что по ночам она бродила по лесам вместе со своими спутницами наядами и орошала землю росой. Ее также называли покровительницей животных. Вместе с тем с Артемидой связано и немало легенд, где она жестоко топила мореплавателей. Чтобы умилостивить ее, в жертву приносились люди.
В одно время греки называли Артемиду покровительницей невест. Девушки совершали обряды и приносили богине подношения в надежде на крепкий брак. Артемида Эфесская даже стала символом плодородия и деторождения. Греки изображали богиню с множеством сосцов на груди, что символизировало ее щедрость, как кормилицы людей.
Имена греческих богов Аполлона и Артемиды тесно связаны с Гелиосом и Селеной. Постепенно брат и сестра потеряли свое физическое значение. Поэтому в греческой мифологии появились отдельные бог солнца Гелиос и богиня луны Селена. Аполлон остался покровителем музыки и искусств, а Артемида - охоты.
Арес
Первоначально Арес считался богом бурного неба. Он был сыном Зевса и Геры. Но у древнегреческих поэтов он получил статус бога войны. Он всегда изображался яростным воином, вооруженным мечом или копьем. Арес любил шум битв и кровопролития. Поэтому он всегда враждовал с богиней ясного неба Афиной. Она была за рассудительность и честное ведение боя, он - яростные стычки и бесчисленные кровопролития.
Арес также считается создателем трибунала - суда над убийцами. Суд проходил на священном холме, который был назван в честь бога - Ареопагом.
Афродита и Эрос
Прекрасная Афродита была покровительницей всех влюбленных. Она - излюбленная муза для всех поэтов, скульпторов и художников того времени. Богиню изображали красивой женщиной, выходящей нагой из морской пены. Душа Афродиты всегда была полна чистой и непорочной любви. Во времена финикиян Афродита содержала в себе два начала - Ашеру и Астарту. Ашерой она была, когда наслаждалась пением природы и любовью юноши Адониса. А Астартой - когда ее почитали, как «богиню высот» - суровую воительницу, которая налагала на своих послушниц обет целомудрия и охраняла супружескую нравственность. Древние греки соединили в своей богине эти два начала и создали образ идеальной женственности и красоты.
Эрос или Эрот - греческий бог любви. Он был сыном прекрасной Афродиты, ее посланником и верным помощником. Эрос соединял судьбы всех влюбленных. Его изображали как маленького пухлого мальчика с крылышками.
Деметра и Дионис
Греческие боги, покровители земледелия и виноделия. Деметра олицетворяла собой природу, которая под солнечным светом и проливными дождями созревает и плодоносит. Она изображалась «русой» богиней, дарующей людям урожай, заслуженный трудом и потом. Именно Деметре люди обязаны науке хлебопашества и сеяния. Богиню также называли «землей-матерью». Ее дочь Персефона была связующим звеном между миром живых и царством мертвых, она принадлежала к обоим мирам.
Дионис - бог виноделия. А также братства и радости. Дионис дарует людям вдохновение и веселье. Он научил людей обрабатывать виноградную лозу, а также диким и буйным песням, которые затем послужили основой для древнегреческой драмы. Бога изображали молодым веселым юношей, его тело оплетала виноградная лоза, а в руках был кувшин с вином. Вино и лоза - это главные символы Диониса.
Художник-иллюстратор Тристан Элвелл
Тристан Элвелл родился и вырос в Нью-Йорке, где закончил Высшую школу музыки и искусства. Он учился в Школе визуальных искусств на полную стипендию, которую окончил в 1990 году будучи первым учеником своего класса. Учась в SVA он также работал в качестве помощника живописца и его работы отметил известный художник фотореалист Charles Bell. После окончания колледжа Тристан Элвелл сделал очень успешную карьеру в качестве иллюстратора. В 1994 году Tристан Элвелл был зачислен в штат SVA, где преподает рисунок и живопись.
Иллюстрации и картины художника-иллюстратора Тристан Элвелл выполнены маслом на холсте и всех их объединяет авторская техника с уникальным концептуальным смыслом. Яркий талант художника - иллюстратора обеспечивает Tристан Элвелл многочисленные задания от самых известных редакционных, рекламных и корпоративных клиентов. Он сделал обложки книг для всех крупных издательств, в том числе Avon, Bantam, HarperCollins, Penguin, Pocket Books, Scholastic, и Tor. Его статьи были опубликованы в печати в Communication Arts, и он также является членом Общества иллюстраторов Annuals и Spectrum.
Загадки русского Леонардо
250 лет назад, 15 апреля 1765 года, перестало биться сердце великого русского ученого Михаила Ломоносова. Он покинул этот мир в возрасте 53 лет, в расцвете сил, его дар мыслителя, естествоиспытателя и организатора продолжал раскрываться. Однако многие обстоятельства жизни и смерти гения до сих скрыты покровом тайны: мы даже точно не знаем, как он выглядел…
В советское время Ломоносова «отрекламировали» до оскомины. Но обильные славословия шли только во вред. Да и скорректированная биография ученого с его якобы бедняцкой родословной вызывала сомнения. В какой-то момент Михайло Васильевич стал чуть ли не анекдотичным персонажем, упоминать о заслугах которого «в приличном обществе» было не принято.
Он вышел родом из народа
Насчет происхождения академика советская пропаганда говорила часть правды. Предки его были простыми поморами, а вот отец принадлежал уже к купеческому сословию, имел в собственности несколько промысловых судов и торговую компанию. Глава семейства отличался вельми буйным нравом, решая конфликты при помощи пудовых кулаков. Кстати, сама фамилия Ломоносов возникла из прозвища основателя династии Дорофея, тоже охочего до битья по лицу. Михайло Васильевич поддерживал семейную традицию. Так, уже в почтенном возрасте, отвечая на козни коллег, в основном немцев, в первой половине XVIII века «оккупировавших» Российскую академию наук, он, согласно многим свидетельствам, любил приложиться от всей души. Благо, силушкой был не обделен.
Историю с «бегством» молодого человека в Москву тоже стоит уточнить. «Во-первых, юноша уже имел неплохое образование. Читал-писал, знал счет, два, а то и три иностранных языка (включая латынь) - для купеческих семей это было нормой. Во-вторых, на ученье его собирали „всем миром“, согласие дал не только отец, но и сельская община, где они жили. Без этого ему бы не выписали паспорт. В-третьих, в Первопрестольной студент не бедствовал, то есть родитель выделил ему некие средства», - объясняет директор Музея истории Московского университета Александр Орлов.
Попутно развенчаем еще один конспирологический миф - к династии Романовых Михайло Васильевич не имеет никакого отношения. В 1915 году философ Василий Розанов назвал Ломоносова «духовным сыном Петра Великого». Слово «духовный» быстро забыли (такое уж начиналось время), а вот про сына запомнили. Однако царь-реформатор последний раз приезжал в Архангельск в 1702-м, а Ломоносов родился спустя девять - не месяцев - лет.
Тем не менее с рождением ученого ясно далеко не все. Точная дата окутана мраком, записи церкви, где младенца крестили (ее, кстати, перестроили на деньги Василия Ломоносова) не сохранились. И в XIX веке историки, дабы не мучаться, «решили», что академик родился в день Михаила-архангела, то есть 8 ноября по старому стилю. С датой смерти тоже отчего-то напутано. Академик скончался 17 апреля на современный лад.
Чужое лицо
Внешность Ломоносова тоже полна загадок. «Был он высок, под два метра, кулачищи имел громадные, раза в два больше, чем у обычного человека. В общем, настоящий помор-богатырь», - утверждает доктор исторических наук, заведующая питерским музеем Ломоносова (в составе Кунсткамеры) Маргарита Хартанович.
Среди немногих сохранившихся личных вещей ученого есть красивый стеклянный кубок. Объем - явно больше литра, как раз для великана. Кстати, расхожая версия о том, что Михайло Васильевич умер от пьянства - ложь. Историкам известно, что выпить он любил, но предпочитал пиво - пристрастился к нему в Германии. Хотя меру знал.
Но кто держал в руках этот кубок? На всех известных нам изображениях ученого какой-то другой человек. «Канонический портрет Ломоносова написали в конце XVIII века, спустя много лет после его смерти, бюст Федор Шубин лепил тоже „по памяти“. Единственная прижизненная гравюра - на сборнике его работ от 1755 года», - говорит Александр Орлов.
С этим оттиском опять же непросто. «Ломоносову данный портрет очень не понравился, он неоднократно говорил „я тут сам на себя не похож“. Тем не менее матрица для печати была уже готова и ничего переделывать не стали», - уточняет Маргарита Хартанович.
Объяснить отсутствие нормальных портретов какой-то особой скромностью академика нельзя - бессребреником или аскетом он не был, скорее, наоборот. Жил на широкую ногу, совершенно заслуженно получал огромную зарплату, имел громадную усадьбу на Мойке и не хилое поместье в Усть-Рудице, где трудились более двухсот семей крепостных. Богато одевался, любил хорошие вещи, хотя и не сибаритствовал. То есть парсуну вполне мог себе позволить, да и по рангу она была ему положена.
Портрет действительно существует, но он мало кому известен. В Российской национальной библиотеке (бывшая Императорская публичная библиотека) в Санкт-Петербурге висит картина, которую мало кому показывают. В каталоге она числится как «портрет Ломоносова неизвестного автора», вот только ее существование стараются не афишировать. Уж больно изображение непривычное.
«Судя по всему, автор картины - либо сам Федор Рокотов, либо кто-то из его учеников или сподвижников. Это явно 50−60?е годы XVIII века, академику около сорока. На портрете нормальный русский человек, а не нарисованная после „икона“ с пухлыми щечками. Здоровый мужик, серьезный взгляд, русые волосы. Картина была приобретена библиотекой еще в XIX веке, ее история известна, а подлинность не вызывает сомнений», - объясняет научный сотрудник музея Ломоносова Наталья Копанева.
Сегодня нежелание выставлять правильный портрет понятно - пухляк в парике давно разошелся на открытки, марки, в школьные учебники. Если признать, что Ломоносов выглядел не так, как мы думаем, - все это добро можно считать макулатурой. Интересно и то, почему
Севморпуть и вертолеты
Главную тайну представляют научные работы Ломоносова, следы которых порой обнаруживаются до сих пор. Так, в начале этого года исследователи обнаружили часть труда Михайла Васильевича по фейерверкам - ученый был очень разносторонним человеком, в том числе химиком. Однако это не более чем обрывки гигантского архива академика, надежно спрятанного куда-то ровно 250 лет назад.
«После смерти ученого, в тот же день, приехал Григорий Орлов, который опечатал и увез весь его личный архив. Между тем там были важнейшие научные работы академика, его дневники, журналы, куда записывались результаты опытов, и прочие бесценные бумаги», - свидетельствует в сторону сиятельного однофамильца Александр Орлов.
Некоторые темы исследований Ломоносова можно с натяжкой назвать «секретными». «Он работал над проблемами Северного морского пути, готовил экспедицию Василия Чичагова, хотя и не дожил до нее. Помимо этого, в интересах Адмиралтейства разрабатывал навигационные и оптические приборы, которые в то время являлись стратегически важной продукцией», - объясняет ученый секретарь ломоносовской комиссии Санкт-Петербургского научного центра РАН Татьяна Моисеева.
В Кунсткамере имеется одно из творений Ломоносова - многоколенная телескопическая подзорная труба. Ее длина в разложенном виде - почти три метра. Линз давно нет - утеряны. Зато есть легенда, что в сей монокуляр можно было смотреть даже в темноте. Вряд ли это сравнимо с современными приборами ночного видения, хотя версия «просветленной» оптики весьма вероятна. Но и в таком случае русский ученый на века обогнал свое время.
Впрочем, он мог и не такое. Кто, например, слышал о «вертолете Ломоносова»? А таковой был - сохранились чертежи, в Кунсткамере есть модель. Небольшой аппаратик с двумя винтами предназначался для забора проб воздуха на больших высотах. Привод - от мощной пружины: через систему шестеренок она крутила лопасти. Присутствовала и «стартовая катапульта», которая подбрасывала винтокрылый исследовательский зонд вверх. Такой вот отечественный хай-тек XVIII столетия.
Многие из секретов Михайла Васильевича пригодились бы и сегодня. Например, рецептура производства смальты, из которой он собирал удивительные по красоте мозаики. Но, увы, с большой вероятностью его бумаги давным-давно уничтожены.
Альтернативная история
«Ломоносов занялся довольно опасным делом - стал писать древнерусскую историю. Заказ он получил от Елизаветы, конкретнее - от Алексея Разумовского. Они придерживались сугубо патриотических позиций и хотели видеть объективную картину прошлого. Ученый много времени провел за летописями, большинство из которых до наших дней уже не дошло. Изучал и античных авторов, сохранились его пометки на полях книг. Причем порой очень критические - он нередко писал „чушь“, возмущался», - рассказывает Моисеева.
На исторический проект академик получил солидное госфинансирование. Но с воцарением Екатерины? II поддержка закончилась, трудиться над трактатом приходилось уже на собственные средства, в минуты свободные от академической деятельности. «Древняя Российская история от начала Российского народа до кончины Великого князя Ярослава Первого или до 1054 года» увидела свет в 1766 году. «Книга была опубликована после смерти академика. И что именно напечатали, насколько текст соответствует написанному Ломоносовым, неизвестно. Есть большие подозрения, что очень незначительно», - считает Орлов.
Судя по дошедшим до нас отрывочным сведениям, Михайло Васильевич занимался тем, что сегодня называется «альтернативная история». Но не в стиле пресловутой «фоменковщины», а на совершенно ином уровне, подкрепленном железными доказательствами. Коих у Герхарда Миллера - автора нормандской теории не было.
«В архиве ученого были как выкопировки из древнерусских (и не только) летописей, так и подлинники уникальных старинных документов, на основе их он писал свой исторический труд. И Ломоносов явно до чего-то докопался, причем новая власть (нелишне вспомнить, что матушка Екатерина была чистокровной немкой) этого сильно испугалась. Речь шла о фактах, которые могли на корню разрушить „германскую“ теорию происхождения русского государства», - напоминает бывший заведующий музеем Ломоносова Энгель Карпеев.
Детектив? XVIII века
Вскоре после того, как Софья Фредерика Августа Ангальт-Цербстская села на престол, прежде могучее здоровье Ломоносова внезапно стало сдавать. Ходил он с трудом, а в 1763 году сильно занемог и провел в постели почти два месяца. Скоротечное развитие болезни напоминало собой последствия отравления. «Ученый много времени проводил в химической лаборатории, где активно работал с различными опасными веществами, в том числе со ртутью. Мог отравиться испарениями, подорвать здоровье», - высказывает свои предположения Маргарита Хартанович.
В том же 1763?м академик резко пошел на поправку. Причем после того, как с визитом к нему домой прибыла лично Екатерина? II. Случай совершенно уникальный. «Екатерина - умнейшая женщина своего времени, которая ничего просто так не делала. Сейчас ее поступок преподносят как желание показаться просвещенной и прогрессивной - посетила прославленного ученого, но вряд ли дело ограничивалось только этим. Ломоносов что-то знал, и ей просто пришлось к нему приехать», - считает Карпеев.
Михайла Васильевича восстановили на работе в Академии наук, присвоили чин статского советника. Жизнь налаживалась - Ломоносов продолжал работы над историческим трудом, более того, получил заказ на второй - «Новейшую историю России». Очередная встреча с Екатериной была запланирована на май-июнь 1765 года. Но академик скоропостижно скончался. А к нему домой немедленно примчался фаворит императрицы…
Однако не стоит рассматривать исторический труд как возможную причину его гибели. Возможно, тот был, скорее, пиар-составляющей, прикрытием для некоего заговора. «Ломоносов слыл опытным царедворцем, не чурался политики. Дружил с Иваном Шуваловым, был накоротке с „тайным мужем“ Елизаветы Петровны - Разумовским. После смены власти оба попали в опалу, но академик с ними общался…» - рассуждает Татьяна Моисеева.
Ломоносов слишком много знал. «Григория Орлова очень боялись. Пользуясь своей безнаказанностью, он просто забрал у наследников архив ученого. Попутно прихватив и часть личной библиотеки Ломоносова. Книги впоследствии нашлись - они ведь не содержали каких-то тайн. Но все остальное так и сгинуло», - разводит руками Хартанович.
Искали - не нашли. «После Великой Отечественной войны президент Академии наук СССР Сергей Вавилов развернул активнейшую работу по популяризации наследия нашего гения, было издано собрание его сочинений. Но опубликовали только то, что обнаружили в академических архивах. Туда ученый был обязан сдавать копии своих „подотчетных“ работ, по которым шло госфинансирование. Личный же архив Ломоносова пропал бесследно…» - объясняет Александр Орлов.
Что имеем - не храним
Тайны древнерусской истории и дворцовых переворотов XVIII века - лишь малая часть наследия гениального ученого и организатора отечественной науки, которое мы потеряли. Ломоносов был удивительно разносторонним человеком, в списке его трудов есть даже работы по юриспруденции, он переводил на русский научные трактаты и стихи, занимался теоретической физикой. Многие его мысли, подобно идеям Леонардо да Винчи, опередили века.
«Михайло Васильевич считал, что существуют некие носители гравитационного взаимодействия. Сегодня эти гипотетические элементарные частицы называют гравитонами: в 30?е годы их открыли советские ученые Федор Гальперин и Дмитрий Блохинцев. Но они, по сути, повторили гениальное озарение Ломоносова. Или не озарение… Он ведь был еще и отличным математиком, о его расчетах (они тоже не сохранились) неоднократно с восторгом отзывался Леонард Эйлер», - рассказывает Энгель Карпеев.
К сегодняшнему моменту от Ломоносова в России осталось в основном только имя. «Впервые про него вспомнили в 60?е годы XIX века, когда после отмены крепостного права царизму срочно потребовался простой мужик, ставший успешным. В годы Первой мировой Ломоносов стал почти лубочным символом борьбы с германским засильем в науке. Хотя он с ним особо и не боролся, разве что только с Миллером, да и жена у него была немкой. Потом в СССР его снова поднимали на щит как бедняцкого гения, причем в 70?е годы памятники и бюсты штамповали тысячами и ставили где ни попадя. Вот тогда-то и возникли пошлые шутки про закон сохранения энергии Ломоносова и прочие анекдоты. Хотя это важнейшее правило физики, действительно, он открыл», - резюмирует Хартанович.
Роль Ломоносова в становлении российской науки, образования и культуры сегодня в полной мере не осознается. А ведь его многогранная активность дала старт сразу десяткам направлений. Раскрыть все тайны гения, наверное, уже не удастся. Но вспоминать Михайла Васильевича с благодарностью и живым интересом мы просто обязаны.
Гвидо Рени. Жизнь и творчество
РЕНИ Гвидо (4 ноября 1575, Болонья - 18 августа 1642, там же), итальянский живописец, мастер барокко.
Рени был выпускником Болонской академии художеств, проводником и наследником ее живописной традиции и педагогической системы. Непосредственно он учился у Аннибале Карраччи, был, как и он, поклонником античности и Рафаэля. Работы раннего периода (до 1660) носят, скорее, ученический характер и демонстрируют большую зависимость от стиля учителя.
Римский период (1600−30)
После переезда в Рим, привлекший молодого художника широтой художественных начинаний, открывается блестящий период его деятельности. Сначала он помогает А. Карраччи в росписях Галереи Фарнезе, постигая иные пути соединения идеала и реальности, изучает живопись Караваджо в церквях «вечного города», наслаждается его великим классическим наследием. После смерти учителя (1609), Рени, завоевав уже известность, станет фактически главой классицистической живописной школы Рима, центральной фигурой в кругу работающих здесь болонских мастеров.
В своих алтарных образах и станковых полотнах, исполненных на заказ, Рени пытается примирить принципы болонцев и нововведения Караваджо. Об этом свидетельствуют, например, большой алтарный образ «Распятие Св. Петра» (1604−1605, Рим, Ватиканская пинакотека) и полотна на мифологический сюжет «Давид с головой Голиафа» (1605, Лувр) и «Самсон-Победитель» (1611−12, Болонья, Национальная пинакотека). В первом Рени почти повторяет композицию Караваджо из римской церкви Санта Мария дель Пополо. В этих работах он прежде всего акцентирует нравственные принципы, лежащие в основе поступков героев, эффектно подчеркивает характерные детали, использует сильный контраст света и тени. И вместе с тем, спокойная поза, например, Давида, задумчиво стоящего между колонной и пилястрой, далекая от выражения трагической смерти, как у Караваджо, голова Голиафа, переданы в манере болонской школы.
Верность увлечению традицией Караваджо проявилась и в известном полотне Рени «Избиение младенцев» (1611−12, Болонья, Национальная пинакотека). Динамичная композиция картины подчинена действию, объединяющему всех персонажей. Попытка драматизации действия в духе Караваджо, приобрела у Рени, как и у болонцев, театральную аффектацию. Особенно выразительна фигура матери с младенцем на руках, с криком убегающей от убийцы, с занесенном ножом. Фон, как и в работах мастеров Болоньи, напоминает красивую сценическую декорацию.
В некоторых работах этого времени появляется больше повествовательности, обилие бытовых деталей («Моисей и сбор манны небесной», 1614−15, Равенна, собор), но фигуры главных персонажей по-прежнему хорошо смотрятся издали.
Глубокий пиетет Гвидо Рени к изучению наследия античности и Рафаэля проявился в росписи плафона палаццо Роспильози («Аврора», 1613−14). Грация легких, словно парящих фигур, гармония ритма композиционного строя, чистые светлые тона красок придают изысканную красоту этой фреске, пополнившей галерею шедевров, созданных в Риме болонскими мастерами. Богатая палитра цвета, динамика, присущи известному полотну Рени - «Аталанта и Гиппомен» (1622−1625. Неаполь, Нац. Галереи Каподимонте). Скрещенные и ярко освещенные холодным светом фигуры переданы в резких движениях, эффектно выделяются на коричнево-голубом фоне земли и неба. Развевающиеся края их пеплосов тоже привносят острую динамику в композицию.
Поздний период (1630−1642)
На протяжении всего творчества Рени будет сохранять верность своей стилистике, основанной на богатой палитре ярких холодных цветов и динамичной композиции. Хотя в этот период его живописная манера приобретет большую утонченность: краски станут более прозрачными, образы более печальными и нежными. Лучшие свои произведения художник отсылал в церкви Болоньи и другие города Эмилии, что способствовало распространению влияния его манеры. Кроме того, работы Рени много копировали его многочисленные ученики. Характерным примером поздней манеры Рени может служить полотно «Похищение Елены» (1631, Лувр), исполненное для Болоньи. Композиция приобретает в нем большую статику: она обрела строгую выверенность и совершенное равновесие всех элементов - цвета, света, рисунка, что свидетельствует об усилении классицистического начала. Образы наделены благородной красотой и изнеженной грацией. Кажется, что они движутся под звучащую музыку барочных театральных мелодрам.
Гвидо Рени был ярким мастером болонской школы живописи. Он стал одним из образцов для подражания в системе европейского академического обучения в 17−19 вв., как самый верный последователь классицистического принципа соединения идеализации и натурности. Его искусство оказало большое влияние на мастеров академического направления в европейском искусстве.
Вильям Шекспир. Жизнь и творчество
О жизни Шекспира мы знаем мало. Шекспир не писал воспоминаний и не вел дневника. Рукописи его пьес утеряны. Те немногие клочки бумаги, на которых сохранилось несколько строк, написанных рукой самого Шекспира, или просто стоит его подпись, считаются редчайшими историческими ценностями.
Многие поколения ученых, в том числе русских и советских, неутомимо и упорно, по крупинке собирали данные о жизни Шекспира, сопоставляли их, сравнивали, строили догадки и проверяли их.
Нужно было положить бесконечно много труда, чтобы мы могли прочитать теперь о Шекспире то, что должен знать о нем каждый образованный человек.
Вильям Шекспир родился 23 апреля 1564 г. в маленьком английском городе Стратфорде, расположенном на реке Эйвон. Его отец был ремесленником и купцом. Когда Шекспиру было немногим более двадцати лет, он отправился в Лондон. Оказавшись в большом городе без средств, без друзей и знакомых, Шекспир, как утверждает предание, зарабатывал первое время на жизнь тем, что караулил около театра лошадей, на которых приезжали знатные господа. Позже - это известно достоверно - Шекспир стал служить в самом театре: следил, чтобы актеры вовремя выходили на сцену, переписывал роли, заменял суфлера - словом, хорошо узнал закулисную жизнь театра.
Потом Шекспиру начали поручать маленькие роли в театре. Большим актером он не стал, но так метко высказывался в своих пьесах об актерском искусстве, а главное, так мастерски строил свои пьесы, что это свидетельствовало о поразительном знании сцены.
Шекспир писал не только пьесы. Его стихотворения - сонеты пленяли современников и продолжают пленять потомков силой чувств, глубиной мысли, изяществом формы. На русский язык шекспировские сонеты замечательно перевел Самуил Яковлевич Маршак.
Но главным делом Шекспира, страстью всей его жизни было создание пьес.
Ликующая радость жизни, прославление здорового, сильного, отважного, ярко чувствующего, смело думающего человека - вот основное в первых пьесах Шекспира - комедиях: «Укрощение строптивой», «Комедия ошибок», «Два веронца», «Сон в летнюю ночь», «Много шума из ничего», «Как вам это понравится», «Двенадцатая ночь» (1593−1600). В них выражена важная для эпохи Возрождения мысль: о человеке нужно судить не по платью, не по званию, не по сословию и богатству, а по его уму, отваге, благородству.
В пьесе «Два веронца» Шекспир прославляет постоянство в дружбе, верность в любви, мужество, готовность отстоять свое счастье в борьбе. Действие многих своих пьес, особенно ранних, Шекспир переносит в Италию, которая была родиной гуманизма, а сюжеты охотно заимствует из произведений итальянских писателей эпохи Возрождения.
Шекспира породило в ней образы Горчичного Зернышка, Паутинки, Мотылька, близкие к героям народных сказок. Их участие в судьбе влюбленных приводит к счастливой развязке.
Но в ту жестокую эпоху гуманистическим идеям Возрождения не суждено было победить. Шекспир с горечью ощущает это. В следующих пьесах он изображает столкновение идеалов Возрождения с действительностью, и краски этих пьес становятся мрачнее. В творчестве Шекспира начинает звучать тема гибели особенно дорогих ему героев, воплощающих светлые гуманистические идеи.
Юные Ромео и Джульетта - герои первой великой трагедии Шекспира (1597) - пламенно любят друг друга. Но их любовь наталкивается на непреодолимую преграду - старинную вражду семейств. В неравном поединке с вековыми предрассудками Ромео и Джульетта гибнут. Однако в их любви, которая не пожелала мириться с предубеждениями старины, заключена высокая нравственная победа.
Театр, где работал Шекспир и где шли его пьесы, был похож на круглый загон под открытым небом. Часами стояли в тесном загоне солдаты, рыбаки, ремесленники, торговцы, школяры, не отрываясь смотрели на сцену, в напряженной тишине слушали речи героев.
Что же заставляло простых лондонцев валить толпой в этот театр, например, на представление шекспировского «Юлия Цезаря»?
Они видели на сцене властолюбивого правителя, покорившего Рим, его прежних друзей - республиканцев, составивших против него заговор, развитие и неудачу этого заговора. Лондонцы недавно пережили борьбу двух королев - Елизаветы и Марии Стюарт (для Марии эта борьба окончилась плахой). Они чувствовали в воздухе дымок новых смут и заговоров. Они ощущали в пьесе горячее дыхание страстей своего времени. И может быть, некоторые из них смутно догадывались, что не диктатор Цезарь, прославленный и возвеличенный историей, а Брут, терпящий поражение, погибающий, но несогласный мириться с рабством, настоящий герой этой трагедии!
После постановки «Юлия Цезаря», с 1601 по 1608 г., Шекспир создал самые великие трагедии: «Гамлет», «Король Лир», «Макбет» и «Отелло».
Датский, принц Гамлет горько скорбит об умершем отце. Но вдруг он с ужасом узнает, что отец не умер, а убит. Убийца - родной брат убитого, дядя Гамлета - не только унаследовал престол покойного короля, но и женился на его вдове - матери Гамлета. Гамлет вначале обличает лицемерие коронованного преступника, а затем мстит ему за смерть отца. Но это только внешние события пьесы.
Нелегко кратко пересказать, а тем более истолковать эту трагедию Шекспира. Если собрать вместе все статьи и книги на разных языках мира, посвященные этой пьесе, из них можно составить большую библиотеку.
Некоторые видели в Гамлете прежде всего нерешительность, слабость, колебания. Так возникло выражение гамлетизм. Его употребляли, когда хотели сказать о мучительной раздвоенности человека, который осознал свой долг, но не мог решиться на действие. Другие писатели, философы, актеры не соглашались считать Гамлета слабым человеком.
Одно из наиболее глубоких истолкований образа Гамлета принадлежит великому русскому критику
Погибает и благородный мавр Отелло - герой другой трагедии Шекспира. Отелло казнит себя за то, что открыл свою душу Яго, оклеветавшему его жену Дездемону. Но гибель Отелло - это победа его веры в человека. Отелло умирает с сознанием, что Дездемона невиновна. Его вера в нее и вера в людей торжествует. Зловещую фигуру короля-убийцы, захватившего власть в свои руки ценой кровавого злодеяния, рисует Шекспир в трагедии «Макбет». В «Короле Лире» он изображает, как уродуют человеческую душу деспотизм и безграничное самовластие. Только испытав на себе ужас зависимости от тиранов, король Лир перед смертью становится настоящим человеком.
Жизнь Шекспира была небогата значительными событиями. Военные и политические бури проносились над Европой. Англия вела войны, выигрывала морские сражения. Составлялись и рушились заговоры. А Шекспир не принимал участия ни в одном из этих событий. Он писал пьесы. Английские корабли бороздили далекие моря и открывали неведомые земли. А Шекспир переезжал только с одного берега Темзы на другой да иногда совершал поездку в родной Стратфорд, чтобы, вернувшись в Лондон, снова взяться за перо.
Но не было такого чувства, такой судьбы, таких потрясений, которых Шекспир не пережил бы, создавая свои наполненные дыханием современности и бессмертными мыслями пьесы!
Самые дорогие Шекспиру герои этих пьес гибнут, сталкиваясь с непреодолимым для них злом, но побеждают не их враги, побеждает вера в человека, в его ум и душу, вера в право и долг восставать против всего, что несет людям горе, порабощает их, искажает их жизнь и чувства.
Характеры людей и обстоятельства, в которых они действуют, изображены Шекспиром во всей сложности и глубине чувств, в движении, в развитии, в переменах. Они - создания великого и зоркого художника, знавшего, как сложна и многообразна жизнь и правдиво ее изображавшего.
В последние годы творчества Шекспира (1608−1612) его пьесы приобретают иной характер. Они несколько удаляются от реальной жизни. В них начинают звучать фантастические мотивы.
Но и в этих пьесах: «Перикл», «Цимбелин», «Зимняя сказка», «Буря» - Шекспир осуждает деспотизм и своевластие, встает на защиту дорогих ему идеалов, прославляет силу любви, веру в лучшие побуждения человека, утверждает естественное равенство всех людей. Восклицание героя одной из этих пьес: «Как прекрасно человечество!» - может служить знаменем эпохи Возрождения, подарившей миру Шекспира.
В 1612 г. Шекспир написал свою последнюю пьесу - «Буря». Вскоре он оставил театр, а в 1616 г., в день, когда ему исполнилось 52 года, умер. Шекспир был похоронен в церкви родного Стратфорда. Сюда до сих пор со всех концов мира приезжают почитатели его таланта, чтобы поклониться могиле великого драматурга, посетить дом, где он жил, посмотреть его пьесы в Стратфордском мемориальном театре.
После смерти Шекспира нашлись люди, которые стали утверждать, что Шекспир не был Шекспиром, что скромный актер не мог написать тех пьес, которые и при его жизни, и после смерти были известны как творения Шекспира. Эти люди хотели во что бы то ни стало доказать, что сын простого англичанина, выходец из народа не мог быть гениальным драматургом.
Каких только знатных вельмож не называли они авторами пьес Шекспира! К каким только «доказательствам» не прибегали в этом стремлении!
Понадобилось немало времени и труда, чтобы опровергнуть все это и доказать, что происхождение Шекспира, его близость к народу не помешали, а помогли ему создать то, чем гордится все человечество.
Бесконечные вариации и повторения говорят о незнании, а лишь о представлении.
КАК СОЗДАВАЛСЯ ФИЛЬМ «ЧЕЛОВЕК-АМФИБИЯ»
Пятьдесят два года тому назад на экраны вышел культовый фильм «Человек-амфибия». Его посмотрела, без преувеличения, вся страна. Этот год можно считать датой полноценного открытия подводного мира для миллионов наших сограждан. Мы беседуем с отечественным Колумбом Подводного Света, режиссёром фильма, Владимиром Александровичем Чеботарёвым.
- Владимир Александрович, первый вопрос. С чего всё началось, как возникла идея фильма?
- До этого я снимал фильмы о войне - теме мне близкой и хорошо знакомой. Я сам воевал, прошёл с боями «от» и «до», был тяжело ранен, инвалид ВОВ. Но в тот момент мне хотелось отдохнуть от этой темы. Снять фильм красивый и необычный. Я просматривал сценарный портфель киностудии «Ленфильм», где работал в то время. Увидел сценарий «Человек-амфибия». А этот роман Беляева я полюбил с детства.
Мне нравится фантастика, которая ходит хотя бы одной ногой по земле. Истории, пусть нереальные, но которые происходят на нашей планете. Хотя читали сценарий многие, он не заинтересовал никого из режиссёров. Наверное, они не представляли, как его снять технологически. Вдобавок, сценарий был довольно слабый.
Работу над фильмом я начал с разговора с подводниками. К тому времени я уже знал, что такое акваланг и что такое погружения. Но никому ещё в нашем кинематографе не приходилось снимать актёров под водой. Были только документальные фильмы. Мы с оператором Эдуардом Розовским связались с чемпионом страны тех лет Рэмом Стукаловым, другими специалистами. И пришли к выводу, что это трудно, очень трудно, но возможно.
Начинать нужно было с обучения актёров подводному плаванию. А я в это время занялся переделкой сценария. Помогал мне в этом Акиба Гольдбурт.
Исходя из технической сложности предполагаемых съёмок, мы решили попросить на это побольше денег. Но денег нам не давали - в затею мало кто верил. Мой учитель, Козинцев сказал, что это моя вторая полнометражная картина в кино, и «под меня» денег не дадут. Мне необходима была помощь человека, имеющего большой вес в кинематографе.
И эта помощь пришла со стороны моего сценариста Гольдбурта. Он предложил обратиться к Каплеру, с которым вместе сидел в лагере. По разным причинам - один за анекдоты, второй за любовь - но по одной статье. Чтобы он посмотрел профессиональным взглядом, что нужно доделать и поставил свою подпись. Таким образом, появился Каплер, появилась солидная фирма. Говоря современным языком, Каплер, по существу, стал продюсером фильма, и мы получили право на подготовительный период.
Наняв фелюгу и взяв с собой трёх подводников и аппаратуру, мы начали пробовать снимать под водой. Одновременно искали место для съёмок. На этой фелюге мы прошли по берегу Крыма и нашли место, которое называется Ласпи. Эта бухта показалась нам чрезвычайно удобной. Во-первых, потому что там очень чистая вода.
Беда Чёрного моря в том, что оно мало прозрачно. Слишком много взвесей. Во-вторых, там было место, где можно поставить вольер. Мы собирались запустить в него дельфинов для съёмок. Любопытно, что когда мы нашли эту бухту, это было совершенно дикое место. А после съёмок там стали строить правительственную резиденцию, ныне известную всему миру как дача Горбачёва в Форосе. Получается, что именно мы нашли это место
В Финляндии мы нашли старую рыболовецкую шхуну, которую назвали «Медуза». Её пригнали к берегам Ласпи. Так мы начали снимать.
- Владимир Александрович, вы пытались перенять опыт тех, кто уже снимал под водой?
- Я связался с Кусто. Он уже тогда был известен, мы смотрели его фильмы и заходились от зависти, глядя на 80 метров прозрачной воды. Это такие возможности, о которых мы могли только мечтать. Что хочешь, то и делай. Даже получил приглашение приехать, он заинтересовался нашим проектом. Но нам просто не дали немножко валюты. Министр культуры сказал, что это детский фильм и: «Какие могут быть деньги?». Хотя я был убеждён, что этот фильм будут смотреть люди от 8 до 80 лет. И оказался прав.
- Как выглядела технология подводных съёмок?
- Актёры опускались под воду в аквалангах вместе с инструктором-подводником. Когда они добирались до места съёмок, актёр делал вдох. После этого инструктор вынимал загубник изо рта, брал акваланг и уходил из поля видимости камеры. Примерно минуту Настя Вертинская и Володя Коренев держали воздух и работали. Точнее, сколько актёр мог держать воздух, столько мы и снимали. Потом я давал сигнал «стоп», и им засовывали в рот загубник. После этого они отдыхали до следующего эпизода. Таким образом, мы сделали все подводные съёмки.
- А как работали операторы?
- Операторы тоже работали в аквалангах. Мы первыми боксировали камеру, ещё не очень умея это делать. Боксы нам сделали в мастерской по специальному заказу.
Оператор Розовский придумал интересное приспособление. Так как живности в Чёрном море не много, то он сделал такой раструб, который одевался на объектив подводной камеры, и мы наполняли его рыбой. Все панорамные съёмки делались на фоне рыбы из раструба на первом плане. Такое маленькое рукотворное Карибское море.
Мы ждали больших дельфинов, был заключён договор с Новороссийском, с бригадой, которая ловила дельфинов в Чёрном море. Туда даже поехал дрессировщик, который должен был их отловить и привести на съёмочную площадку. Вольер в Ласпи уже стоял, опущенный под воду. Но дельфинов не было. Мне не дали денег на перевозку. Вообще, весь фильм я задыхался от отсутствия денег.
Поэтому мы взяли метровых катранов, которых купили у рыбаков, и запустили в этот вольер. Ну и рыбу поменьше. Правда, катран - рыба хищная, и надо было успеть снять до того, как они сожрут мелкую рыбу. Позже удалось купить у тех же рыбаков несколько небольших дельфинов.
- Сколько, говоря современным языком, дайверов участвовало в создании фильма?
- В съёмках фильма участвовало пять подводников. К сожалению, я не помню их фамилий. Из них двое выполняли функции дублёров для Насти Вертинской и Володи Коренева. Правда, в основном они работали сами. Надо отдать должное, ребята были героические. Но некоторые съёмки я проводил с дублёрами.
Например, сцена ареста Ихтиандра.
Там, если вы помните, на него надевают наручники. Он вырывается и прыгает со скалы вниз, а потом всплывает шляпа. Это всё в одном кадре, никакого монтажа. Наручники надевали на Коренева, он бежал, а прыгал с 25-метровой скалы уже Володя Иванов, дублёр. Дальше он находил акваланг, дышал, после этого снимал шляпу, и она всплывала. И всё это, повторюсь, в одном кадре. Это был высший класс профессиональной работы подводника. Мы всё старались делать по высшему классу - съёмки, декорации, музыку, костюмы.
- Из чего был сделан костюм Ихтиандра?
-Для Ихтиандра придумали комбинезон из эластичной ткани (из которой делали плотные женские колготки). Из старой кинопленки вырубили чешуйки (10 000 штук), покрасили их перламутровой краской и вручную нашили на комбинезон. Таких костюмов сделали четыре", - рассказывал оператор.
Исполнитель роли Ихтиандра актер Владимир Коренев рассказывал: «Единственная неприятность - я постоянно замерзал, потому что был очень худым, а снимали под водой по нескольку часов в день. Трикотажный костюм сразу намокал и нисколько не грел. Сначала мне сшили под него прокладку из поролона, но и это не спасало. Потом под костюм смастерили резиновые рубашечку и трусы. Вода под них проникала, нагревалась от тела, и было чуть теплее».
Дальше ласты, длинные, не отечественные, средне-короткие. Их покупали в Германии по совету подводников. Володя Иванов, который был чемпионом Ленинграда по подводному плаванию, плавал как раз в таких ластах. Они давали в два раза большую скорость. Я сам в них плавал.
- Это правда, что Рэм Стукалов спас Володю Коренева?
- Да, был один очень напряжённый момент. Мы снимали ту сцену, когда Ихтиандр, привязанный к якорю, опускается на дно во время приезда Зуриты. Как всё это происходило. Мы выбрали место, где «Медуза» сбрасывала якорь. Обычно мы работали на десяти метрах глубины, а тут якорь ушёл метров на двадцать.
Но когда мы с Розовским опустились и увидели, как красиво падают и преломляются солнечные лучи на этой глубине, то решили не вздёргивать якорь, а на двадцать метров опустить Володю. После репетиции его крепко привязали и опустили с аквалангом.
Он должен был вырываться из пут, которыми его привязали к якорю. Мотор! Начали! Коренев вырывается, всё отлично. Стоп. Снято. Подводник, который был рядом, даёт ему загубник акваланга. Володя начинает тянуть, а воздух не поступает, акваланг не работает. Он ничего не понимает, он же без маски, а без неё под водой видно плохо. В этот момент, находившийся справа от меня Рэм Стукалов мгновенно реагирует.
Он сбрасывает свой акваланг и даёт его Володе. Коренев даже не понял, что произошло. А Стукалов, с двадцати метров, один раз вздохнув, без декомпрессионных остановок выходит на поверхность. Ценой кессонной болезни он спас исполнителя главной роли. Володе мы тогда ничего не говорили. Боялись, что кураж пропадёт. Рассказали только после окончания съёмок.
- На съёмках фильма вы обошлись без травм?
- Бог миловал. Потому что были довольно опасные сцены. Возьмите, например, сцену, когда на героиню Вертинской нападает акула, она опускается на дно моря и плавно ложится на песок. А ведь она это делает без акваланга.
На тренировках подводники её научили, как травить воздух. Ведь, если у вас в лёгких воздух, вы не опуститесь. А надо тонуть. Кроме этого, мы ей в трусики свинцовый водолазный пояс прикрепили, килограммов десять весом. Когда она опускалась на дно, ей надо было ещё несколько секунд лежать.
И только в этот момент ей давали акваланг. Потом, когда она делала несколько вдохов, мы отбирали у неё акваланг. К ней подплывал Ихтиандр, брал её за талию и вытаскивал из воды. Тут уже без дублёрш. Настя работала сама.
- У вас не возникало желания сделать сиквел фильма?
- Мне много раз поступали подобные предложения. Но я глубоко убеждён, что можно только один раз сделать хороший фильм, любые продолжения будут заведомо хуже.
- Ну, а просто фильм на подводную тему?
- Я, конечно, заразился этой темой. И с удовольствием бы снял фильм о подводном мире. Но материала уровня «Человека-амфибии» мне больше не попадалось.
- А заниматься дайвингом для собственного удовольствия вы продолжали?
- Да, я очень люблю этот вид спорта. Занимался им до тех пор, пока мне это позволяла раненая на фронте нога. Кстати, о спорте. На моё восьмидесятилетие мне преподнесли грамоту от Комитета по физической культуре и спорту. Они оценили мой вклад в пропаганду подводного плавания. Это произошло на фестивале в Ялте, в прошлом году, когда праздновалось сорокалетие фильма.
На набережной, в других местах были поставлены большие экраны, на которых в один и тот же вечер демонстрировался фильм «Человек-амфибия». И каждый вечер в ресторане отеля, где мы жили, выбегала девушка и пела: «Нам бы, нам бы всем на дно. Там бы, там бы пить вино». Замечательная песня композитора Андрея Петрова.
- Это, насколько мне известно, его первый опыт работы в кино?
- Да, это его первый фильм. Дело в том, что сначала был другой композитор. Пестуя молодого режиссёра, мне посоветовали большого композитора, преподавателя Гнесинки, руководителя курса, который начал писать мне музыку. Когда он прислал несколько кассет в Баку, где мы тогда находились, и я соединил её с уже готовыми текстами, то понял, что моему фильму конец.
В этой музыке не было той романтики, которой я хотел, той стильности и современности. Я понял, что мне нужно с этим композитором расставаться. И тогда я решился, к великому возмущению музыкального отдела студии, расторгнуть с ним договор. Я был знаком с Петровым, он был, как и я, ленинградец. Привёз его в Баку, показал материал. И через десять дней он прислал две кассеты потрясающей музыки к песням и основную музыкальную тему фильма. Я, в некотором роде, дал путёвку в жизнь этому замечательному композитору.
Мало кто знает, что роль Ихтиандра в фильме озвучил Юрий Родионов, а роль Гуттиэре озвучила Нина Гуляева.
- Как встретили фильм?
- Критика встретила фильм резко отрицательно. Достаточно вспомнить название одной из статей: «Плачь по Ихтиандру». Упрекали меня в отходе от романа и дурном вкусе. Только в 1962 году, когда прошёл первый фестиваль фантастических фильмов в городе Триесте, на котором фильм получил один из главных призов - «Серебряный парус» (приза «Золотой парус» на фестивале не было), отношение изменилось. А зрители приняли фильм сразу.
Во время премьеры в кинотеатре «Россия», в конце 1961 года, выдавили огромные стеклянные витрины, и люди стояли в проходах. За первый квартал демонстрации фильма он собрал 67 миллионов зрителей.
- Последний вопрос. Ваши пожелания читателям журнала?
- Занимайтесь дайвингом. Это даёт возможность физически окрепнуть и, самое главное, увидеть красоты подводного мира. Проявить смелость и испытать чувство риска. И ещё. Моя самая большая неосуществлённая мечта - опуститься где-нибудь на коралловых рифах Красного моря. Хотя… Жизнь ещё не окончена.
Михаил Врубель. Жизнь и творчество
Ранние годы
Если ничего не знать о Врубеле, кроме его картин, можно вообразить его похожим на Демона. Но, как свидетельствовали хорошо знавшие его люди, ничего демонического не было ни в характере, ни в наружности Михаила Александровича Врубеля. В его характере коренилась какая-то вечная невзрослость, беспечная нерасчётливость, - человек мгновенных порывов, неожиданных поступков, внезапных причуд.
Отец Врубеля служил по военному ведомству, и семья часто переезжала, поэтому у будущего художника не было родного гнезда и связанных с ним воспоминаний: родился он в Омске, через три года жил уже в Астрахани, потом год в Петербурге, затем в Саратове, снова в Петербурге, пять лет в Одессе и, наконец, с 1874 года опять в Петербурге, где восемнадцати лет поступил в университет - в Академию художеств.
В университете Врубель учился на юридическом факультете, но к юриспруденции оставался более чем равнодушен - только философию изучал усердно, особенно труды Канта. Именно в университетские годы, часто бывая в Эрмитаже, завязав знакомства с художниками, он стал много рисовать сам и осознал своё настоящее призвание.
Искусство начинало забирать над ним власть. Он с грехом пополам после окончания университета отбыл воинскую повинность, и в 1880 году, уже двадцати четырёх лет, снова сделался студентом-первокурсником - на этот раз Академии художеств.
Ученичество
Искусство всецело овладело Врубелем уже в Академические годы. Прежний юноша, для развлечения почитывающий и порисовывающий, совершенно переменился: откуда взялась необыкновенная сосредоточенность на работе и равнодушие ко всему, что вне её! Он работал не замечая усталости, по 10 и по 12 часов в день и только досадовал, когда что-то отвлекало и вынуждало отрываться.
Когда после недель и месяцев такой работы, усугублявшей, изощрявшей художественное зрение, Врубель приходил на выставку и смотрел картины современных живописцев, они казались ему поверхостными, он не находил в них «культа глубокой натуры». По этой причине он вскоре охладел даже к Репину.
Врубель относился к нему с уважением, брал у него дополнительные уроки акварели, говорил, что Репин имеет на него большое влияние. Но вот открылась Одиннадцатая передвижная выставка, где среди прочих было выставлено капитальное полотно Репина «Крестный ход». И оно разочаровало ученика - недостаточной, как ему казалось, любовью к натуре, недостаточно пытливым вниканием в неё.
Но как бы не судил с юношески-максималистских позиций Врубель русскую школу, он сам к ней принадлежал, и не кто, как она, взрастила его редкостное дарование. В первую очередь эта заслуга принадлежала художнику-педагогу, которого признавали своим лучшим учителем и Суриков, и Васнецов, и Поленов, и сам Репин, - Павлу Петровичу Чистякову.
Собственные произведения Чистякова немногочисленны, большей частью незакончены и малоизвестны. Но как педагог он сыграл огромную роль. У него была своя система обучения - строгая, последовательная, а вместе с тем гибкая, оставлявшая простор личным склонностям, так что каждый извлекал из чистяковских уроков нужное для себя. Суть «системы» заключалась в сознательном аналитическом подходе к рисованию и письму с натуры. Чистяков учил «рисовать формой» - не контурами, не тушёвкой, а строить линиями объёмную форму в пространстве.
Сделавшись учеником Чистякова, Врубель так изощрил и натренировал свой глаз, что различал «грани» не только в строении человеческого тела или головы, где конструкция достаточно ясна и постоянна, но и в таких поверхностях, где она почти неуловима, например в скомканной ткани, цветочном лепестке, пелене снега. Он учился чеканить, огранивать, как ювелир, эти зыбкие поверхности, прощупывал форму вплоть до малейших её изгибов. Можно видеть, как он это сделал, на примере «Натурщицы в обстановке Ренессанса», а также великолепного рисунка «Пирующие римляне», сделанного ещё в стенах Академии.
Умный и проницательный Чистяков разглядел необыкновенную одарённость ученика и выделял его среди всех других. Поэтому, когда к Чистякову обратился его старый друг профессор
Так вышло, что весной 1881 года, не успев окончить Академию, Врубель отправился в Киев, где началась его самостоятельная художественная жизнь.
Киев. Встреча с древностью
Итак, Врубель в Киеве должен был руководить реставрацией византийских фресок XII века в Кирилловской церкви, кроме того, написать на стенах её несколько новых фигур и композиций взамен утраченных и ещё написать образа для иконостаса.
Врубель написал на стенах несколько фигур ангелов, голову Христа, голову Моисея и, наконец, две самостоятельные композиции - огромное «Сошествие святого духа» на хорах и «Оплакивание» в притворе. В нём есть неповторимый врубелевский лиризм, выражение скорби в сочетании с торжественным покоем; оно предвещает эскизы «Надгробного плача» для Владимирского собора, сделанные тремя годами позже, уже после поездки художника в Венецию.
Незамеченные шедевры
Врубель провёл в Венеции около полугода. Больше всего заинтересовали его палитру не корифеи Высокого Возрождения - Тициан, Веронезе, - а их предшественники, мастера кватроченто (XV век), теснее связанные со средневековой традицией, - Карпаччо, Чима да Конельяно и, особенно, Джованни Беллини. Влияние венецианского кватроченто сказалось в исполненных Врубелем монументальных иконах с фигурами в полный рост.
Венеция много дала Врубелю и стала важной вехой в его творческом развитии: если встреча с византийским искусством обогатила его понимание формы и возвысила его экспрессию, то венецианская живопись пробудила колористический дар. И всё же он нетерпеливо ждал возвращения. С ним происходило то, что часто бывает с людьми, оказавшимися на длительный срок за пределами родины: только тогда чувствуют силу её притяжения.
Была и ещё причина, почему Врубелю хотелось поскорее вернуться в Киев. Он был влюблён в жену Прахова Эмилию Львовну, о чём несколько раз, не называя имени, таинственно намекал в письмах к сестре.
Ещё до отъезда за границу он несколько раз рисовал
Из четырёх иконостасных образов богоматерь удалась художнику особенно. Это один из его несомненных шедевров. Написана она на золотом фоне, в одеянии глубоких, бархатистых тёмно-красных тонов, подушка на престоле шита жемчугом, у подножия - нежные белые розы. Богоматерь держит младенца на коленях, но не склоняется к нему, а сидит выпрямившись и смотрит перед собой печальным вещим взором. В чертах и выражении лица мелькает какое-то сходство с типом русской крестьянки, вроде тех многотерпеливых женских лиц, что встречаются на картинах Сурикова.
Впервые почувствованная любовь к родине, первая возвышенная любовь к женщине одухотворили этот образ, приблизили его к человеческому сердцу.
Вернувшись из Венеции, Врубель метался. Он словно не находил себе места - то принимал решение уехать из Киева (и действительно на несколько месяцев уезжал в Одессу), то возвращался опять; его потянуло к хмельному «кубку жизни», он бурно увлекался какой-то заезжей танцовщицей, много пил, жил неустроенно, лихорадочно, а к тому же ещё и жестоко бедствовал, так как денег не было, отношения же с Праховым стали более холодными и далёкими.
Нет прямых свидетельств душевного состояния художника в то время - он не любил откровенничать, - но достаточно очевидно, что он переживал не только денежный кризис. Два года Врубель работал для церкви, в атмосфере религиозности, которая также мало согласовывалась с окружающим, как мало совпадала с идеалом богоматери светская дама Эмилия Прахова. И впервые стал искушать Врубеля и завладевать его воображением сумрачный образ богоборца - Демона.
Одновременно Врубель работал тогда и над другими вещами, по заказу киевского мецената
Благодаря киевским ученикам и ученицам Врубеля уцелели его летучие наброски, его акварельные этюды цветов, которые он делал прямо на уроках, на клочках бумаги, а потом бросал, - ученики же их заботливо подбирали и хранили.
Одно заказное произведение Врубель в Киеве всё же довёл до конца: большое полотно маслом «Девочка на фоне персидского ковра» - портрет дочери владельца ссудной кассы.
А затем Врубель снова перешёл к работам для церкви. Теперь это были эскизы рукописей нового Владимирского собора в Киеве.
Работ Врубеля во Владимирском соборе нет, кроме орнаментов в боковых нефах. Его эскизы «Надгробного палача», «Воскресения», «Сошествия св. духа», «Ангела» не были осуществлены.
С. Яремич говорил о киевских работах Врубеля: «Видно всё же, что эти редкие по совершенству произведения ещё не окончательное проявление художника». У Врубеля ещё не откристаллизовалась своя тема - только брезжила в замыслах, ещё не было определившегося места в расстановке художественных сил России конца века. В Киеве он жил на отшибе, получая импульсы только от старинных мастеров. Ему предстояло войти в гущу художественной жизни - современной жизни. Это произошло, когда он переехал в Москву.
Демоническое
Переселение было внезапным и чуть ли не случайным. Осенью 1889 года Врубель поехал в Казань навестить заболевшего отца и на обратном пути остановился в Москве - всего на несколько дней, как он предполагал. Но Москва его затянула, закружила и навсегда оторвала от Киева. Ближайшим поводом было знакомство, через посредство В. Серова, с московским «Лоренцо Медичи» - Саввой Ивановичем Мамонтовым.
На первых порах Мамонтов совершенно пленил Врубеля своей широкой натурой в соединении с даровитостью, а Мамонтов, видимо, сразу оценил по достоинству талант Врубеля: уже через два месяца после первого знакомства Врубель поселился в его гостеприимном доме и стал своим человеком у него в семье.
В 1891 году Врубелю предложили сделать иллюстрации к собранию сочинений Лермонтова, издаваемому фирмой Кушнерева. Таким образом, он мог вернуться к давно задуманному образу Демона.
В течение многих лет Врубеля влекло к образу Демона: он был для него не однозначной аллегорией, а целым миром сложных переживаний.
Несохранившийся киевский «Демон», судя по отзывам тех, кто его видел, был более жестоким и смятенным, чем «Демон сидящий» с его сумрачной, но кроткой задумчивостью. Закончив картину «Демон сидящий», он принялся за иллюстрации к Лермонтову. Прежде всего к «Демону».
В течение полувека не находилось художника, который бы хоть сколько-нибудь достойно воплотил могучий и загадочный образ, владевший воображением Лермонтова. Только Врубель нашёл ему равновеликое выражение в иллюстрациях, появившихся в 1891 году. С тех пор «Демона» уже никто не пытался иллюстрировать: слишком он сросся в нашем представлении с Демоном Врубеля - другого мы, пожалуй, не приняли бы.
Вообще Лермонтовский цикл, в особенности иллюстрации к «Демону», можно считать вершиной мастерства Врубеля-графика. Листы эти создают впечатление богатой красочности, почти как «Восточная сказка», хотя фактически они монохромны - исполнены чёрной акварелью с добавлением белил.
Выражать цвет без цвета, одними градациями тёмного и светлого - эту проблему Врубель ставил перед собой сознательно, как показывает его гораздо поздняя работа над «Перламутровой раковиной». Кажется, вся красота раковины заключена именно в переливах цвета и пытаться воспроизвести эти переливы без помощи красок - безнадёжное дело. Но Врубель не считал его безнадёжным. Он говорил: «Эта удивительная игра переливов заключается не в красках, а в сложности структуры раковины и в соотношении светотени; в другой раз я передам цвет только белым и чёрным». Как можно видеть по графическим эскизам «Раковины», он действительно приближался к решению этой задачи.
Помимо «Демона», Врубель исполнил несколько иллюстраций к «Герою нашего времени», к поэме «Измаил-бей» и отдельным стихотворениям.
Музыка цельного человека
Невзирая на трудности и драматические перипетии, связанные с Нижегородской выставкой, 1896 год был счастливым для Врубеля - в начале этого года он познакомился, а в июле обвенчался с певицей Надеждой Ивановной Забелой.
Он увидел её - точнее, услышал - в Петербурге, на сцене Панаевского театра, где давала спектакли организованная Мамонтовым Московская частная опера.
Нельзя говорить о Забеле просто как о «жене Врубеля» - так же как странно читать, что Врубеля в театральных кругах называли просто «мужем артистки Забелы». И муж и жена были - каждый в своей области - большими художниками, и их брак означал содружество людей искусства, друг друга понимавших и вдохновлявших. Врубель был очень музыкален и принимал самое близкое участие в разучивании ролей Забелы, к его советам она всегда прислушивалась. Все его костюмы и грим он придумывал сам - став его женой, Забела ни разу не пользовалась услугами другого театрального художника. Она, правда, не могла принимать столь же прямого участия в работе Врубеля над картинами, но её пение, сама её артистическая индивидуальность значили для него необычайно много, так что в конечном счёте она помогала ему даже больше, чем он ей. В ней как в артистке он нашёл тот русский поэтический образ, который давно ему мнился, мечтался и ускользал от него. Забела стала поистине его музой: её портрет-фантазия, написанный в год женитьбы, так и назван - «Муза».
Забела была не только музой Врубеля, но и музой великого композитора Римского-Корсакова. Всё обаяние её таланта раскрывалось в исполнении партий в его операх - царевны Волховы в «Садко», Снегурочки, панночки в «Майской ночи», Царевны-Лебеди в «Сказке о царе Салтане» и Марфы в «Царской невесте». Две последние партии композитор писал специально для Забелы, в расчёте на её голосовые и артистические данные.
Вместе со своей женой Врубель вошёл в мир музыки Римского-Корсакова. В самом деле: если в киевских вещах цветовое решение уподоблялось россыпи сверкающих самоцветов, если в произведениях начала 90-х годов цвет как бы несколько тяжелеет, уплотняется, то теперь появляются волшебные, трепетные, не яркие, а словно бы затаённые переливы светлых тонов радужного спектра.
В этом опаловом и перламутровом ключе написаны прекрасные большие акварели «Тридцать три богатыря», «Морская Царевна».
Портреты
Портретный жанр как летопись нравов, типов и характеров был Врубелю чужд. Он избегал писать портреты по заказу, тем более лиц, которые его не интересовали.
У Врубеля много быстрых портретных зарисовок, набросков карандашом, акварелью; любопытно, что некоторые «без лица», то есть лицо не дорисовано. Большей частью это означало, что художника в данном случае интересовало не лицо, а что-то другое.
Зато в тех случаях, когда Врубеля заинтересовывало именно лицо, его тянуло подвергнуть этого человека переодеванию, превращению - представить его не в обычной обстановке и одежде, а превратить в какую-нибудь легендарную или воображаемую личность. Так он превратил дочку киевского владельца ссудной кассы в восточную принцессу среди ковров, а киевского сахарозаводчика и мецената
Некоторые лица становились постоянными спутниками его замыслов, героями его картин. Облик
Начало нового века. Поверженный Демон
К началу ХХ века в русской художественной жизни происходили заметные сдвиги. Обострился антагонизм художественных группировок, возникали новые течения. вырос в авторитетную организацию петербургский художественный кружок «Мир искусства».
Главным организатором «Мира искусства» был энергичный, инициативный С. Дягилев, душой и теоретиком - Александр Бенуа, почти такой же темпераментный, как В. Стасов; ядро «Мира искусства» составляли художники К. Сомов, М. Добужинский, Е. Лансере, Л. Бакст, а позже и В. Серов. В сущности - небольшая группа. Но на выставках «Мира искусства» принимали участие и Левитан, и Коровин, и Нестеров, и Рябушкин, и многие другие, в том числе члены товарищества передвижных выставок. И впервые стал выставляться Врубель.
До тех пор его работы приобретались частными лицами, а в выставочных залах не появлялись. «Выставка русских и финляндских художников», организованная в 1898 году в Петербурге С. Дягилевым, была фактически первой, где некоторые вещи Врубеля предстали на всеобщее обозрение. Журнал «Мир искусства» стал помещать репродукции его произведений. Потом они стали понемногу появляться и на московских выставках.
Хотя «Мир искусства» и открыл Врубеля для публики, между художественными принципами мирискусников и Врубеля было не много общего. Теоретически их сближал культ свободного творчества во имя красоты, но красота многолика, и единого ключа к ней нет. Изящный ретроспективизм и слегка иронические стилизации Сомова, Бакста, того же Бенуа были довольно далеки от Врубеля с его титанизмом, размахом, с его «культом глубокой натуры» и бьющей через край экспрессией. Своим «натиском» Врубель устрашал не только зрителей, воспитанных на гладенькой салонной живописи, но и ничего как будто бы не боящихся мирискусников.
Словом, ценителей искусства Врубеля и к началу ХХ века было мало, а поношений - много. В такой атмосфере Врубель начал работу над давно замышлявшимся «монументальным Демоном» - самым патетическим своим творением.
Болезнь. Рисунки с натуры
«Демон поверженный» был скорбной вехой в биографии Врубеля. Картина ещё висела на выставке, когда её автора пришлось поместить в одну из московских психиатрических лечебниц. В течении полугода его состояние было настолько тяжёлым, что к нему никого не допускали, даже сестру и жену. Потом он начал поправляться, писать вполне здравые письма близким, пытался рисовать, но это давалось ему с трудом - после эйфорического подъёма, которым сопровождалась работа над «Демоном», наступила долгая депрессия, состояние художника всё время было угнетённым, подавленным, себя он считал теперь ни на что не годным. Так он был настроен и тогда, когда вышел из лечебницы (в феврале 1903 года) и поехал на отдых в Крым. Ничто его не интересовало, Крым не нравился, работать он почти не мог. Его тянуло на Украину.
В мае 1903 Врубели доехали до Киева и остановились в гостинице. Неожиданно заболел ребёнок - маленький Саввочка, только начинавший говорить. Через два дня его не стало. Вскоре у художника снова начались приступы болезни.
Его отвезли сначала в Ригу, потом перевели в клинику Сербского в Москву. Он был грустен, слаб, беспомощен и физически совершенно истощён, так как ничего не ел, желая уморить себя голодом. К началу следующего года он почти умирал. Но кризис прошёл, его поместили в частную лечебницу доктора
Самыми замечательными среди рисунков, сделанных в больнице, являются несколько портретов - доктора Усольцева и членов его семьи. Карандашный портрет Усольцева по красоте и твёрдости техники и по выразительности психологической стоит на уровне лучших портретных работ Врубеля.
Последнее
Весной 1905 года Врубель снова ощутил знакомые симптомы приближения недуга. Теперь он воспринимал их на редкость сознательно. Собираясь опять вернуться в клинику, он, как вспоминала его сестра, «прощается с тем, что ему особенно близко и дорого». Он пригласил к себе перед отъездом друзей юности, а также своего любимого старого учителя Чистякова; посетил выставку «Нового общества художников», которому симпатизировал; отправился в сопровождении жены и вызванного из Москвы Усольцева в Панаевский театр, где девять лет тому назад впервые увидел Забелу. Круг жизни замыкался. На следующее утро Усольцев увёз Врубеля в Москву, в свой «санаторий».
Там художник продолжал работать - и в 1905 году, и в следующем. Работал над «Видением Иезекииля», сделал акварель «Путь в Эммаус», несколько портретов. Последним был портрет Валерия Брюсова.
Портрет Брюсова делался по заказу Рябушинского, издателя журнала «Золотое руно», который задумал поместить в журнале серию графических портретов поэтов и художников, выполненных выдающимися мастерами. Несмотря на то, что Врубель уже около года жил в лечебнице Усольцева, предприимчивого Рябушинского это не остановило - он приехал туда вместе с Брюсовым, снабдил художника мольбертом, ящиком цветных карандашей и уговорил принять заказ. Впрочем, Врубеля и не пришлось уговаривать, так как Брюсов ему очень понравился. Врубелю понравились и стихи Брюсова - раньше он их, по-видимому, не знал, а теперь, прочитав, нашёл, что «в его поэзии масса мыслей и картин».
Портрет Брюсова сначала был написан на фоне тёмного куста сирени, из которого лицо выступало рельефно и живо. Брюсов был в восторге от портрета, но художник не считал его законченным и продолжал сеансы. Брюсову нужно было уехать на две недели в Петербург; по возвращении он ахнул - весь фон с сиренью оказался стёрт. «Михаил Александрович так пожелал» , - объяснил молодой художник, посещавший Врубеля в больнице и помогавший ему смывать фон. Брюсову Врубель сказал, что сирень не подходит к его характеру и что он сделает новый фон с изображением свадьбы Амура и Психеи, по фотографии с итальянской фрески. Он принялся за новый фон, но успел нанести на полотно только предварительный набросок, где едва различаются намёки на изображение. На том работа оборвалась, так как зрение стало отказывать художнику - он плохо видел, что делает его рука, путал цвета, брал не те карандаши, какие хотел.
Потом художник, видимо, ещё пытался продолжать работу над «Видением Иезекииля», но слепота быстро прогрессировала, скоро он перестал видеть совсем.
Его снова перевезли в Петербург, поближе к жене, работавшей в Мариинском театре, и здесь - то в одной, то в другой лечебнице - провёл он последние четыре года жизни, медленно угасая и в 1910 году, пятидесяти четырёх лет от роду, Врубель скончался от воспаления лёгких.
Симонова Евгения Павловна
С юбилеем!
Евгения Павловна Симонова (1 июня 1955, Ленинград) - советская и российская актриса театра и кино, Народная артистка РФ (1995). Лауреат Государственной премии СССР (1984).
Об актерской карьере Евгения до поры до времени не помышляла. Она училась хореографии, окончила музыкальную школу имени Гнесиных. Решение поступать в театральный вуз пришло уже ближе к окончанию школы. В 1972 году Евгения Симонова поступила в театральное училище имени
Уже на первом курсе состоялся дебют молодой актрисы в кино. Она сыграла роль летчицы Маши Поповой в картине Леонида Быкова «В бой идут одни «старики». Евгения Павловна рассказывает, о том, как она была утверждена: «Я приехала в Киев в мае 1972-го. Как раз цвели яблони. На лестнице павильона киностудии имени Довженко увидела Быкова. Очень волновалась. А он просто пожал мне руку, и волнение прошло. Поняла, что все будет хорошо. Была маленькая проба, и режиссер меня сразу взял. Считаю Быкова своим крестным отцом в кино».
Собственно говоря, это была небольшая роль: несколько сцен крупным планом. Однако красивая улыбающаяся юная девушка запомнилась многим зрителей. А спустя пару лет, в 1975 году, о Симоновой уже заговорила вся страна. Произошло это благодаря знаменитой комедии Георгия Данелии «Афоня», где ее героиней стала доверчиво-наивная медсестра Катя Снегирева, влюбившаяся в слесаря-сантехника Афанасия, роль которого бесподобно исполнил Леонид Куравлев.
Столь же трогательный образ был создан актрисой и в музыкальном телефильме режиссера Владимира Гориккера «Под крышами Монмартра» (экранизации знаменитой оперетты Имре Кальмана «Фиалка Монмартра»): скромная продавщица цветов Виолетта Шевалье волей судьбы и усилиями друзей становится звездой оперетты.
В 1975 году вышла еще одна кинолента с участием Евгении Симоновой: приключенческий фильм «Пропавшая экспедиция». Актриса там досталась роль Таси Смелковой, дочери профессора Смелкова, возглавившего геологическую экспедицию к сибирской реке Ардыбаш, где, по рассказам местных жителей, было золото.
Окончив в 1976 году театральное училище, Евгения Симонова пришла в труппу Московского академического театра имени Маяковского, которым руководил знаменитый режиссер Андрей Александрович Гончаров. В юной, еще неопытной, но уже очень известной актрисе режиссеры видели идеальную героиню, и Симонова сразу же стала играть центральные роли.
Сцене Театра им. Маяковского актриса посвятила всю свою жизнь. В разное время она играла в спектаклях: «Кукольный дом» (Нора), «Шутка мецената» (Яблонька), «Любовный напиток» (Лотта), «Исповедь Анны» (Анна Каренина), «КПД одержимости» (Таня), «Чайка» (Нина Заречная), «Она в отсутствии любви и смерти» (Она), «Место для курения» (Катя), «Смотрите, кто пришел!» (Алина), «Да здравствует королева, виват!» (Мария Стюарт), «Валенсианские безумцы» (Эрифила) и др. Ее героинь отличали открытость, незащищенность, теплота и чистота, щемящая нежность и огромное обаяние.
В 1984 году за роли в спектаклях: «Жизнь Клима Самгина» (Лидия), «Молва» (Батюнина) актриса была удостоена Государственной премии СССР, а в 1995 году за роль в спектакле «Жертва века» ей была присуждена премия имени
Однако вернемся в 70-е годы. После непродолжительной паузы, вызванной рождением дочери, Евгения Симонова вновь была на съемочной площадке. И вновь ее ждал успех. Речь идет о замечательной картине Марка Захарова «Обыкновенное чудо», в котором снялся цвет отечественного кинематографа: Олег Янковский, Александр Абдулов, Андрей Миронов, Екатерина Васильева, Ирина Купченко, Юрий Соломин и многие другие. Для молодой актрисы это был настоящий экзамен, который она с честью выдержала. Ее хрупкая, очаровательная и вместе с тем по-мальчишески решительная Принцесса взяла в плен миллионы сердец.
Конец 70-х - первая половина 80-х - расцвет творчества актрисы. Помимо уже упомянутых ролей Евгения Симонова сыграла преподавателя английского Валентину Николаевну Романцову в веселой комедии «Баламут», певицу Джил Харт в телесериале «Рафферти», Аню в мелодраме «День свадьбы придется уточнить», студентку Александру Мороз в мелодраме «Контрольная по специальности», Альфонсину в экранизации романа «Подросток»
Одной из первых больших работ в новом веке для Евгении Симоновой слала роль Софьи Александровны в картине своего мужа «Дети Арбата». Поначалу Андрей Эшпай не планировал участие Симоновой в своем фильме. Евгения Павловна вспоминает: «„Я буду сниматься в „Детях Арбата“?“ - спросила я. „А кого ты там собираешься играть?“ - „Мне нравится мама“. - „Она старая. Она должна быть взрослее, чем ты“. - „Почему? Саше Панкратову 23 года, а мне 46. Нормальный возраст“. В конце концов, я его уговорила. И мы начали меня старить: я перестала краситься, отпустила волосы, чтобы вылезла седина. В результате меня после премьеры спрашивали: „Женя, у тебя там что, возрастной грим?“, а я смеялась над Андреем: „Видишь, а ты боялся, что я буду молодо выглядеть“. Никакого особого грима на „Детях Арбата“ у меня не было, правда, роль там такая страдательная, что, хочешь не хочешь, начинаешь казаться старше».
При создании образа Софьи Александровны Евгении Симоновой помогли ее воспоминания. В свое время отец рассказывал ей о своей матери, как та, высланная из Ленинграда, тайком возвращалась в город, навещала близких, ночевала на вокзалах. Над ней постоянно витала угроза быть отправленной в лагерь в качестве «жены врага народа». Эти рассказы отпечатались в памяти Евгении Симоновой на всю жизнь.
Работа Евгении Симоновой в «Детях Арбата» была достойно оценена специалистами. В 2006 году актриса была удостоена Премии «Золотой Орел» за лучшую женскую роль в телевизионном кино.
У каждого актера, актрисы есть заветная роль, о которой они мечтают. Евгении Павловне повезло - свою заветную роль в кино она сыграла. Ею стала скульптор Кира Георгиевна в мелодраме Андрея Эшпая «Многоточие» (2006). В основу фильма легла повесть Виктора Некрасова «Кира Георгиевна» о преуспевающей советской скульпторше-монументалистке, запутавшейся в воспоминаниях о прошлом. «Не так часто в современных сценариях пристальное внимание уделяется женщине. Причем женщине немолодой. Эта работа для меня - подарок судьбы», - признавалась в одном из интервью Евгения Симонова.
А какие актеры ее окружали на съемочной площадке! Евгений Цыганов, с которым они работали вместе еще в «Детях Арбата», Сергей Дрейден, который, по мнению актрисы, имеет какой-то свой особый способ существования в жизни и в сценических работах, а еще: Игорь Гордин, Инга Оболдина, Чулпан Хаматова, Ольга Лапшина и другие мастера. Работать в такой компании для Евгении Симоновой было одно удовольствие.
Роль Киры Георгиевны - одна из лучших жемчужин в коллекции киноработ актрисы. Если не самая лучшая. Пронзительная история любви и потери. История о том, что порой невозможно вернуть то, что когда-то связывало двух любящих людей.
Рассказывая о Евгении Симоновой, как-то не поворачивается язык говорить о ее возрасте. Она и сегодня по-прежнему много работает в кино и на сцене. Среди ролей, сыгранных в 2008 - 2010 годы в кино: Марина Викторовна в мелодраме «Цыганочка с выходом», Ефросиния Андреевна Старицкая в драме «Иван Грозный», врач Маргарита Станиславовна Селезнева в мелодраме «Капля света». Одна из последних работ актрисы в театре - Агафья Тихоновна в спектакле «Женитьба» по Гоголю. Образ яркий, намеренно карикатурный. Актриса сыграла не живого человека, а заводную куклу с остекленевшими глазами, марионетку, которую можно «завести». Такая трактовка вызвала оживленные споры как среди зрителей, так и среди критиков, а потому можно с уверенностью сказать, что спектакль удался.
У многих журналистов неизменно возникает вопрос - откуда у актрисы берутся силы на столь активную жизнь? На это Евгения Павловна отвечает: «По секрету скажу, иногда бывает ощущение, что все - я не могу больше, не могу всем этим заниматься. Бывает, хочется сделать паузу. Но я, наверное, все-таки сильно привязана к своей профессии. Я понимаю, какое это счастье, когда у тебя есть работа, потому что самое трудное - когда у тебя ее нет».
Помпео Джироламо Батони
В творчестве итальянского художника XVIII века Помпео Джироламо Батони (1708−1787) на редкость органично слились различные стилевые тенденции и направления эпохи: еще не изжитые, порою едва заметные, отголоски позднего барокко, легкие игривые формы рококо, веяния нового течения - неоклассицизма, основные эстетические принципы которого были провозглашены в 1763 году немецким ученым, жившим в Риме, Иоганном Иоахимом Винкельманом. Все это вместе придало искусству Батони своеобразие, но одновременно явилось причиной Некоторой расплывчатости и вялости стиля.
Батони родился в Лукке, в семье золотых дел мастера и первые художественные навыки получил у своего отца. Возможно, именно уроки отцовского ремесла сказались в столь последовательной приверженности Батони к ювелирной отточенности и изяществу формы. Девятнадцатилетним юношей Батони переезжает в Рим и остается здесь до конца своей жизни. Вначале, на очень короткий срок, он становится учеником Агостино Мазуччи и Себастьяно Конка. Но вскоре Батони встает на путь самостоятельных занятий, пристально изучая и копируя картины Рафаэля и Аннибале Карраччи, а также неустанно зарисовывая античные статуи, наполнявшие тогдашний Рим. Эти рисунки стали хорошей школой для мастера. Уже к началу 1730-х годов относятся первые произведения и в общих чертах оформляется стиль Батони, который на протяжении последующих десятилетий лишь так или иначе модифицировался в соответствии с изменением художественных привязанностей мастера.
Судьба Батони сложилась удачно. Успех сопутствовал ему в Риме. Он не имел недостатка в заказах на алтарные образы и аллегорические картины. Слава портретиста привлекала в его мастерскую высшую аристократическую знать. Искусство Батони не знало конфликтов с общественным вкусом и находило неизменное признание у современников.
Помпео Батони не был мастером-монументалистом. Основное его призвание - небольшие алтарные образы, картины на мифологические и аллегорические темы и портреты. Его кисти принадлежат такие произведения, как «Падение Симона-мага» (Церковь Санта Мария дельи Анджели в Риме), «Ахилл среди дочерей Ликомеда» (Флоренция, Уффици), «Возвращение блудного сына» (Турин), «Кающаяся Магдалина» (Дрезденская картинная галерея), «Святое семейство», «Геркулес на распутье», «Великодушие Сципиона Африканского» (Государственный Эрмитаж), портреты императора Иосифа II и его брата Леопольда Тосканского (Вена, Художественно-исторический музей), Джона Стейпла (собрание Систиери, Рим) и другие.
В его ранних работах сказались традиции барокко, отразившиеся в перегруженности композиции, в беспокойном ритме форм и цветовых контрастов («Падение Симона-мага»). Однако изучение Рафаэля и идеи неоклассицизма вскоре изменили его творчество. Все чаще художник стал обращаться к сюжетам с аллегорическим подтекстом, в которых немаловажное значение приобретает идея доблести, победы долга над личными привязанностями. Меняется и формальный строй его работ. Художественный язык становится ясным, строгим, форма обозримой, классические мотивы легко узнаются в позах, в трактовке лиц, рисунке обнаженных тел. В композиционных решениях рассудочный, рациональный характер получает преимущество над эмоционально-непосредственным выражением. Однако неоклассицистический строй его работ нередко носит поверхностный характер, классические элементы стиля порою облегчаются легкой игривой линией, невесомостью и изяществом формы, сглаженной, почти миниатюрной манерой письма.
К характерным работам мастера относится его картина «Геркулес на распутье между Добродетелью и Пороком» (Государственный Эрмитаж). К этому сюжету Батони обращался уже в своем раннем творчестве. В эрмитажном полотне замысел художника прозвучал более отчетливо, хотя и здесь авторская позиция выражена недостаточно ясно. Художник изобразил Геракла, находящегося в глубоком раздумье, выбирающего между долгом, представленным в образе мужественной Афины, и наслаждением, воплощенным фигурой Афродиты. Художник объединяет в единую группу Геракла и Афродиту, заключая их фигуры в классический треугольник, вертикаль же стоящей слева Афины противопоставлена им. Сцена изображена на фоне условного пейзажа с легкими контурами виднеющегося вдали античного храма и классического фонтана. Память о величии и достоинстве искусства Рафаэля сочетается здесь с чисто рокайльной игривостью складок одежд Афродиты, трактовки ее фигуры.
В искусстве Батони не могли не сказаться и реалистические тенденции, характерные для итальянской живописи XVIII века. Но и в этом аспекте позиция художника оставалась двойственной, нередко в одном произведении проявлялись весьма разнородные симпатии мастера. Например, в «Святом семействе» (Государственный Эрмитаж) композиция делится на две стилистически различные части. Группа Богоматери с младенцем Христом на руках и с Иоанном Крестителем, помещенная слева, изображена в условном неоклассическом духе. Иосиф, на мгновение оторвавшийся от чтения книги, чтобы взглянуть на играющего Христа, и протягивающая к младенцу руки святая Анна, данные слева, изображены как конкретные персонажи, с простонародными чертами лиц.
Наиболее цельное и полное выражение реалистические тенденции искусства Батони нашли в портретном жанре, где живопись всегда следует за действительностью. Лучшие портреты кисти Батони написаны серьезно, вдумчиво, с глубоким проникновением в характер изображаемого человека. Батони стоит у истоков парадного репрезентативного неоклассического портрета. Его модели обычно расположены на фоне античных ваз, саркофагов, статуй, колонн, хотя в ранних работах преобладает нейтральный фон. Чаще всего художник писал знатных лиц. Несмотря на яркость психологической характеристики портретируемых, им всегда присуще и нечто общее: аристократическое достоинство, эмоциональность, но вместе с тем и особое, «размышляющее» состояние.
К одной из лучших портретных работ раннего периода творчества Батони относится портрет кардинала Колонна ди Шарра, написанный около 1750 года. Величественная, полная достоинства фигура кардинала четким силуэтом вырисовывается на темном, почти нейтральном фоне. Художнику удалось соблюсти меру между подробностью прорисовки деталей одежды, рук, костюма и классической ясностью, лаконизмом художественного языка. Индивидуальная характеристика сочетается с классицизирующим идеалом, словно накладывающимся на живую натуру, нейтрализующим ее случайные проявления. Этот метод «пропускания» живого восприятия действительности сквозь призму идеала характерен не только для искусства Батони-портретиста, но и для его творчества в целом и знаменует начало нового направления европейского стиля - классицизма конца XVIII столетия.
Всегда быть рядом не могут люди: сказка с печальным концом …
«Всегда быть рядом не могут люди» - эту яркую и трагическую песню зрители впервые услышали в новогоднюю ночь 1979 года. Фильм «31 июня» мелькнул на телеэкранах, ошарашил звездным составом и… пропал на долгих 10 лет, переломав по пути несколько судеб…
История любви современного художника Сэма Пенти и средневековой принцессы Мелисенты могла бы стать первым советским мюзиклом - не зря ведь за его постановку взялся режиссер Леонид Квинихидзе, известный благодаря кинохитам «Небесные ласточки», «Соломенная шляпка», «Мэри Поппинс, до свидания».
Увы. Многие из тех, кто работал над этим безумно красивым музыкальным фильмом, называют его роковым. И не зря.
ПРИНЦЕССУ ВЗЯЛИ ЗА ГЛАЗА
Сниматься в новой ленте по пьесе популярного в СССР драматурга Джеймса Пристли пригласили созвездие знаменитых актеров - Владимира Этуша, Любовь Полищук, Игоря Ясуловича…
На главные роли тоже предполагались звезды. Гордой леди Нинет должна была стать либо Ирина Понаровская, либо Алла Пугачева. Трубадура Лемисона хотел сыграть Андрей Миронов. Претендентки на роль принцессы Мелисенты выстроились в очередь - Ирина Алферова, Елена Шанина… Но режиссер Леонид Квинихидзе предпочел знаменитым красавицам никому не известную балерину Наталью Трубникову.
«Посмотрите, какие у нее неземные глаза! Как у настоящей средневековой принцессы», - так обосновал мэтр свой выбор. Однако дело было не только в Наташиных глазах…
ЕРМЕНКО: ПРОСТО КРАСАВЕЦ
Леонид Квинихидзе был помешан на балете. Даже в качестве спутниц жизни режиссер выбирал исключительно балерин. И на главных ролях в своем фильме «31 июня» жаждал видеть танцоров балета.
- Это был смелый шаг, - вспоминает сценаристка Нина Фомина. - «Балетные» считались неблагонадежными. Уже эмигрировали Михаил Барышников и Рудольф Нуреев. Пять фильмов по моим сценариям запретили, потому что герои удрали на Запад. Я боялась, что с фильмом «31 июня» произойдет то же.
Однако Квинихидзе настоял на своем. Ключевых персонажей, помимо принцессы, тоже исполнили «балетные»: роли леди Нинет и трубадура Лемисона режиссер отдал супругам-танцорам Людмиле Власовой и Александру Годунову.
Единственным нетанцующим главным героем стал Николай Еременко - Квинихидзе нужен был красавец.
- Я понимал, что роль будет держаться только на моей внешности, - вспоминал Еременко. - Хотел отказаться, но услышал мелодии к этому фильму и… Они были потрясающими! У меня язык не повернулся сказать «Нет». Так я оказался в ленте единственным не поющим и не танцующим героем.
ГОДУНОВ И ВЛАСОВА СЫГРАЛИ СЕБЯ
Женщины, посмотревшие фильм «31 июня», влюблялись в Николая Еременко: мол, вот это актер - сыграл историю любви без единого поцелуя! Но в том была вовсе не его заслуга: на невинной лав стори настояла Наташа Трубникова, отказавшаяся не то что целоваться, но даже прикасаться к партнеру. Зато в другой паре пылали жаркие страсти.
Легендарный танцор Александр Годунов играл самую трагичную роль в фильме - музыканта Лемисона. Его жена, прима Большого театра Людмила Власова, была своенравной леди Нинет, отвергшей его любовь. Эти двое во многом повторили сюжет картины.
Людмила тоже долго отвергала Александра. Когда они встретились, ей было 25, она была солисткой балета Большого и состояла в браке. А он, никому не известный 18-летний мальчик, только-только приехал покорять Москву из Риги. И в первый же день, увидев танцующую Милу, поклялся: «Если я чего-нибудь добьюсь, то добьюсь и ее!».
Годунов искал взаимности Власовой несколько лет. И добившись своего, став звездой Большого, не замечал никого, кроме обожаемой жены. По утрам, убегая на репетиции, Александр оставлял на подушке признания в любви. Власова хранит их до сих пор…
В фильме «31 июня» есть эпизод, когда Лемисон признается в любви леди Нинет. Та издевается над ним. И вдруг, предчувствуя трагедию, опускается на колени. Но Лемисон отворачивается и исчезает в темном коридоре. - В их жизни все произошло, как в кино, - вспоминает Трубникова.
ВЫБРАЛА РОДИНУ
Спустя полгода после премьеры фильма «31 июня» Александр Годунов во время гастролей попросил политического убежища в США. Людмила Власова, прождав его три дня в самолете (на взлетной полосе, окруженной сотнями американских полицейских, в салоне, охраняемом десятком представителей советских спецслужб), приняла решение вернуться в СССР. Одна.
«Мила, не улетай, я умру без тебя!» - кричал вслед исчезающей точке в небе Годунов.
- Вы забыли, ЧТО тогда значило эмигрировать, - много лет спустя оправдывалась Власова. - Это значило НАВСЕГДА. А я выбрала Родину: и Москву, в которой я выросла, и Большой театр, и моего брата Алика, и маму! Я знаю, что мама не упрекнула бы меня, останься я с Сашей. Но она бы тихо угасла… Я бы не смогла с этим жить.
ОНИ ВСТРЕТЯТСЯ И ПРОСТЯТ?
«Все эти люди давно умерли. Умерли не своей смертью», - говорит в финале фильма герой Этуша - хранитель древнего музея, созданного на руинах замка Перадор. И кивает в сторону скульптуры музыканта Лемисона…
…Годунов и Власова больше не виделись. Мила вышла замуж за оперного певца, Саша тоже нашел себе женщину… Кинозвезда Жаклин Биссетт распахнула перед ним двери Голливуда, помогла стать богатым. Но не сделала счастливым.
В мае 1995 Годунова нашли мертвым в собственной квартире. Ему было всего 45. Обстоятельства его смерти до сих пор покрыты тайной.
Наталья Трубникова, ставшая суперпопулярной в новогоднюю ночь 1979-го, больше не сыграла ни одной значимой роли. «В кино я превратилась в „актрису кинопроб“, - жаловалась она. - Меня смотрели, но не утверждали. Считали, что после бегства Годунова я тоже могу уехать за границу».
Побег звезды Большого театра воплотил в жизнь и страхи сценаристки Нины Фоминой: фильм «31 июня» после единственного показа положили на полку на долгих десять лет.
Этот факт рассорил режиссера Квинихидзе с композитором Александром Зацепиным: последний не мог простить, что вместе с фильмом оказалась похоронена и его музыка. «Я не буду больше с вами работать. Никогда!» - категорически заявил обиженный Зацепин.
Прекрасная музыкальная сказка закончилась хеппи-эндом только на экране. Ее создателям осталось лишь надеяться, что они встретятся и простят друг друга где-нибудь на Млечном пути, в несуществующий лунный день 31 июня.
ЛЮБОПЫТНЫЕ ФАКТЫ О ФИЛЬМЕ «31 ИЮНЯ!
Две серии фильма были сняты за рекордно короткий срок - полтора месяца (ровно столько длились отпуска главных героев). Артисты снимались ежедневно, с семи утра и до десяти вечера.
Музыку к песне «Всегда быть вместе не могут люди» композитор Александр Зацепин написал специально для Пугачевой. Но Примадонна в фильме так и не засветилась. Голосом принцессы стала 23-летняя солистка ансамбля «Музыки» Таня Анциферова. Она исполнила песню лишь один раз и тут же умчалась на гастроли. Эта черновая запись и вошла в итоге в картину.
На съемочной площадке постоянно звучала музыка. «Режиссер видел, что нам, балетным актерам, трудно играть драматические сцены, - вспоминает Наталья Трубникова. - Он понимал: когда звучит музыка, открывается наша душа, и все время включал нам гениальную музыку Зацепина. Под нее мы играли. Если присмотреться, видно, что мы двигаемся плавно, пластично даже в тех сценах, где нет танцев».
Дама с горностаем. Леонардо да Винчи
Картина «Дама с горностаем» или же иначе картина «Портрет Цецилии Галлерани» написана художником около 1490 года. Размер картины 54,8×40,3 см, дерево, масло. Портрет хранился долгие годы в музее Чарторыйских. В картине «Дама с горностаем» художник Леонардо да Винчи внес новое в прием объемной моделировки фигуры. Флорентийские мастера, у которых линейно-объемные элементы играли ведущую роль в их изобразительном языке, издавна славились четкой, подчас даже резкой пластикой своих образов. Леонардо да Винчи же не любил сильного прямого освещения, дающего слишком резкие тени и блики. Более всего, как известно из «Трактата о живописи» Леонардо да Винчи, художника увлекал свет в сумерках в пасмурные дни, когда лица приобретают особую интимную мягкость. Нечто от подобного освещения есть и в картине «Дама с горностаем», где свет содействует мягкой нюансированной моделировке лица и фигуры, но и сообщает образу Цецилии Галлерани ореол своеобразной романтической поэзии.
Цецилия Галлерани (Cecilia Gallerani), в замужестве графиня Бергамино, одна из постоянных возлюбленных герцога миланского Лодовико Сфорца, мать его бастарда Чезаре, предполагаемая модель знаменитого портрета «Дама с горностаем» работы Леонардо да Винчи. Цецилия была одаренной и образованной женщиной, свободно говорила на латыни, прекрасно пела, музицировала и писала стихи на нескольких языках, отличалась изящным остроумием. Цецилия познакомилась с Леонардо да Винчи в замке Сфорца, как принято считать, в 1489 году он начал писать её портрет. Она приглашала Леонардо да Винчи на встречи миланских философов и литераторов, на которых обсуждалась история, естествознание и другие науки; Цецилия Галлерани лично председательствовала на этих встречах. У Леонардо сохранился черновик письма, предположительно адресованного Цецилии Галлерани и начинающегося: «Возлюбленная моя богиня…»; достоверно известно, что они были между собой на «ты», хотя в ту эпоху даже друзья и близкие родственники обращались друг к другу на «вы». Также по мнению многих исследователей творчества гениального художника картина «Дама с горностаем» явно насыщена эротико-сексуальной атмосферой. Опираясь на эти факты, историки искусства Эпохи Возрождения и исследователи живописи Леонардо склонны считать их связь интимной. Тем не менее, стопроцентной документальной достоверности того факта, что на портрете изображена именно дама Цецилия Галлерани не найдено. В 1492 году после свадьбы с Людовико ди Брамбилла, графом Бергамино, ей был подарен дворец Карманьола. Она родила мужу четырёх детей. После смерти мужа в 1515 году переехала в замок Сан Джованни ин Кроче в окрестностях Кремоны. Историограф Маттео Банделло описывает Цецилию Галлерани как покровительницу искусств; по другим свидетельствам, её салон признавался одним из первых в Европе. Как большинство образованных женщин своего времени, Цецилия занималась искусством и литературой лишь для собственного удовольствия. Она никогда не публиковала стихи и тексты, написанные ею. Цецилия Галлерани умерла в возрасте 63 лет и была погребена в часовне семьи Карминати в церкви Сан Заведро.
Лабухи. Вымирающий вид
Музыканты - люди по определению особенные, а уж кабацкие музыканты и вовсе отдельная каста со своими понятиями, жаргоном (довольно забавным, надо сказать) и историей. Я не случайно говорю об истории: на сегодняшний день настоящие лабухи - вымирающий вид. В Дубне и в Кимрах можно по пальцам пересчитать хороших ресторанных музыкантов, да и те - представители «старой гвардии», гремевшие еще в 80-х годах.
- Молодежь сейчас по своему уровню просто не дотягивает до ресторана. Если ты идешь работать в ресторан, значит, должен играть любую «вещь», а не только то, что нравится тебе. Есть талантливые молодые ребята, но они замыкаются исключительно в рамках какого-то одного направления, рока например.
Вторая причина вымирания - это исчезновение непосредственной среды обитания, то есть настоящих ресторанов. Как мне сказал один из завсегдатаев, в городе, по сути, остался один ресторан - «Дубна». Разумеется, есть обновленная «Таверна»… Но, как мне опять же объясняли частые посетители и, соответственно, специалисты по «злачным местам», - главное в заведении не дизайн, а атмосфера.
- Каждый ресторан раньше имел свою определенную публику, - рассказывает еще одна «легенда» кабацкой музыки.
Еще одна беда кабацких музыкантов- это, как ни странно, технический прогресс. Если раньше работали ансамбли c полным «боевым» комплектом: и гитаристы, и ударник, и вокалист, - то теперь чудеса техники позволяют резко сократить штат, что, в общем-то, приветствуется владельцами заведений (расходов на живую музыку меньше). Теперь может работать один-единственный вокалист с минусовкой (песенной фонограммой, записанной без основной вокальной партии). В помощь «лабухам» теперь существует масса сайтов, предлагающих «на шару», то бишь даром, скачать любую необходимую фонограмму. Правда, музыканты говорят, что качество таких минусовок довольно низкое и требует обработки. Существует и такое мнение: если музыканты не играют в живую поверх минусовок, то грош цена таким «музыкантам». Поэтому кабацкие музыканты творческие, пишут так, чтобы шикарно звучало в совокупности с живой игрой.
Конечно, выпившему гражданину совершенно все равно, играет ли музыкант в живую или просто жмет одним пальцем на нужную клавишу. Однако сами музыканты пытаются бороться за качество.
- Однажды приехал человек из Москвы… (вокалист). - Долго сидел в ресторане… Выяснилось, просто ждал, когда я «слажаю», а не дождавшись, с досады напился!
Впрочем, мода на мини-диски уже отошла: в столицах снова возвращаются к старым добрым ансамблям, играющим «живьем», а вокалистов с мини-дисками не принимают на работу даже в дешевых кафешках. Сможет ли возродиться эта традиция у нас - вопрос времени. Я бы очень этого хотел!
Музыкант музыканту…
- Раньше мы запросто могли приходить после работы в другие рестораны послушать, как играют наши друзья… Сейчас такого нет. Действительно, пообщавшись с несколькими представителями кабацкой богемы, я пришёл к выводу, что музыкант музыканту сегодня если не волк, то по крайней мере не друг. Оно и понятно: каждый сам за себя. И финансовое положение «лабуха» не располагает к дружелюбию. В зависимости от заведения и уровня музыканта платят «лабухам» примерно от 2000 до 3000 рублей за выход. Кто-то работает время от времени, кто-то почти каждый день, кто-то старается осесть в каком-нибудь заведении со стабильным, пусть и небольшим доходом, а кто-то играет в нескольких местах по определенным дням. В любом случае доход получается небольшой. Если бы не «левые», то есть заказы раздобревших от вина посетителей… Официальная такса - 100 рублей за песню. Гуляющий народ, как правило, не скупится: работая на каком-нибудь банкете, музыкант за-просто на одних заказах может заработать тысячу. Впрочем, бывают и курьезы.
- Приносят заказ на песню «Я куплю тебе дом» и десять рублей. Я и сыграл на десять рублей: первую фразу «Я куплю тебе дом…». И всё…
Ресторанная публика - вообще отдельный разговор. Профессиональный кабацкий музыкант должен быть отличным психологом и чувствовать, что сейчас нужно сыграть. Дамы очень любят «Ах, какая женщина» и «Снегирей», ребята с «кожаными» затылками - «Владимирский централ», люди постарше - что-нибудь из песен своей молодости вроде «Одессы» или «Там, где клен шумит». Всегда на ура проходят шлягеры 70-х/80-х, песни Антонова, Никольского и Розенбаума. Но расслабляться на «старине» не стоит - публика может потребовать и «Все, что тебя касается», и «Девочкой своею ты меня назови»… В репертуаре настоящего «лабуха» найдется порядка ста песен на любой вкус, включая новейшие хиты.
Говорят, «лабух» - это слово ругательное и что творчество в условиях массового увеселения - дело неблагодарное. Здесь музыканты расходятся во мнениях.
«Лабух» - это очень профессиональный музыкант, который может играть все. Он должен обладать широким диапазоном, вокальными данными. Играть в ресторане не всякому дано. Каждый выход - особенный. Каждая песня, сколько бы до этого ни исполнялась, звучит по-новому.
Кабак - это болото. Ты идешь туда, чтобы заработать деньги. О каком творчестве может идти речь, если ты каждый день играешь одно и то же? Задержишься там надолго - затянет, и как творческая личность ты погиб… В принципе и с этим мнением пожалуй тоже трудно не согласиться.
В общем, каждый выбирает для себя что-то свое: кто-то зарабатывает деньги, а кто-то ловит кайф от того, что своя аранжировка получилась лучше, чем у «звездного» оригинала, и ради этого таскает домой аппаратуру, часами предаваясь мукам творчества.
В конце концов болото - это родной дом для лягушки, а в стерильной коробке с ватой ей будет плохо. Ресторан - не цветник, там хватает и грязи, и пошлости. Многие «лабухи» погорели и на выпивке, и на доступных поклонницах. Кто-то воздерживается от соблазнов. А кто-то по-прежнему считает вышеперечисленное особыми прелестями профессии.
Кабацкий музыкант, как рыба в океане, -
Ему родимый дом весь этот не уют.
И мужики ему подносят мани-мани,
А девочки любовь бесплатно выдают…
Думаете, это тянет выпускников музыкальных училищ и талантливых самоучек на кабацкую эстраду? Возможно, это. И еще странная, но все-таки притягательная романтика беззаботно-терпкой кабацкой жизни