Фантен-Латур Анри французский импрессионист
Французский художник и литограф. Родился Анри Фантен-Латур 14 января 1836 года в Гренобле. Первым учителем Фантен-Латура был отец, портретист. Вместе с семьей в 1851 году Анри переезжает в Париж, поступает в мастерскую де Буабодрана. Но подлинных учителей Фантен-Латур находит в Лувре - Тициана, Веронезе, Ван Дейка, Ватто. Подружившись с художником Уистлером, Анри подолгу живет в Англии (4 раза за период с 1859 года по 1881 год), где приобретает известность. Сближается с прерафаэлитами, особенно с Россетти.
В 1863 году Анри Фантен-Латур принимает участие в «Салоне отверженных», с 1864 - регулярно выставляется в Салоне (официальном), вначале в основном портретами: «Эдуард Мане» (1867, Чикаго, Институт искусств), «Мадам Фантен-Латур» (Гренобль, Музей изящных искусств), «Две сестры» (1859, Антверпен, Музей), «Портрет четы Эдвардсов» (1875, Вашингтон, Национальная галерея искусства), «Чтение» (1877, Лион, Музей изящных искусств). Известность получили групповые портреты Фантена-Латура. Художник пишет людей искусства, близких ему по духу: «В честь Делакруа» (1864), «Мастерская в Батиньоле» (1870), «У фортепьяно» (1885, все - Париж, музей Орсе) и другие картины. Анри Фантен-Латур создает яркие индивидуальные образы и в то же время передает особую атмосферу творческого содружества - перед нами единомышленники.
- мастер натюрморта. Живописец с любовным вниманием, легким и точным прикосновением кисти выписывает лепестки, тычинки, листья цветов, от его букетов веет свежестью. Столь же хороши у него фрукты и ягоды: «Клубника и бокал вина» (1869, Гренобль, Музей изящных искусств), «Цветы в глиняной вазе» (1883, Санкт-Петербург, Эрмитаж), «Натюрморт» (1866, Вашингтон, Национальная галерея искусства).
В ранний период Фантен-Латур работал в традиционной манере, принятой парижским Салоном. Однако романтическое видение художника побудило его отказаться от канонов академизма. С 1865 года он выставляется вместе со своими друзьями-импрессионистами, включая Эдуарда Мане. Помимо натюрмортов Фантен-Латур известен своими композициями с фигурами. Одна из них изображает Эдуарда Мане и его друзей-художников перед портретом Эжена Делакруа. Порой художник обращается к миру аллегорий, фантастических идей и образов, изображая нимф, одетых в причудливые одеяния; нередко это как бы видения, навеянные музыкальными темами Шумана, Вагнера, Берлиоза - композиторов, которых любил Фантен-Латур. Аллегорическая композиция подобного рода - «Годовщина» (1876, Гренобль, Музей изящных искусств). Фантен-Латура связывала дружба со многими художниками-импрессионистами, хотя сам мастер работал в более традиционной манере. Фантен-Латур исполнил также серию литографий, служащих иллюстрацией к музыке Вагнера и других композиторов-романтиков. Скончался Анри Фантен-Латур 25 августа 1904 года в Буре, Орне
Украина пожирает Европу
Маленький победоносный Майдан, устроенный и оплаченный, в первую очередь США, и направленный исключительно против России, все глубже засасывает Европу в колоссальные финансовые затраты.
Еврочиновники сосчитали затраты на Украину и пребывают в шоке.
Экономика Украины разрушена полностью, финансовая система рухнула, нет никакого потенциала и ресурсов для того, чтобы обеспечить даже социальные выплаты. Никакого - кроме прямого и очень долго финансирования нужд нищего и разваливающегося государства.
Только сейчас к еврочиновникам приходит осмысление происходящего и медленное отрезвление. Посчитав затраты на то, чтобы вывести страну из системного кризиса, европейцы ужаснулись. Если они и дальше буду платить за все, что происходит на Украине, то этот наверняка станет пусковым механизмом к окончательному развалу ЕС, который и так находится в очень сложной политико-финансовой конфигурации.
Европейские страны-доноры - Германия и Франция в первую очередь - вынуждены практически содержать стремительно нищающие экономики других европейский стран и напрямую датировать такие страны как Греция, которые уже никогда в зоне ЕС не смогут иметь промышленно-финансового суверенитета, и не смогут реанимировать национальную экономику для того, чтобы перестать быть для ЕС чемоданом без ручки.
С Украиной дело обстоит намного хуже. Сегодня об этом впервые набрался смелости публично заявить еврокомиссар по энергетике Гюнтер Эттингер. Осознав, во что вляпалась Европа, он обнародовал шокирующую информацию.
Для преодоления экономического кризиса на Украине, как посчитали только энергетики, помощь этой стране придется оказывать в течение 10−15 лет, а для финансирования такого масштаба понадобится участие многих сторон. Речь идет о многих десятках миллиардов евро в год. Это практически исключает продолжение интеграции в ЕС стран с неразвитой или стагнирующей экономикой - все ресурсы ЕС будут уходить на поддержание функционирования Украины.
Для того чтобы обеспечить финансирование такого масштаба, понадобится участие многих сторон: «налогоплательщиков, избирателей, Европейской комиссии, США, Канады, Международного валютного фонда и других», - добавил еврокомиссар.
Финансовая помощь Греции покажется мизерной на фоне средств, выделяемых на преодоление украинского экономического кризиса, отметил он.
Латур Морис Кантен Великий портретитст
Великий французский портретист Морис Кантен де Латур, работавший преимущественно пастельными карандашами, родился 5 сентября 1704 года в Сен-Кантене (департамент Эна). В молодости Латур уехал в Париж, где обучался живописи у Клода Дюпуша. Приятная манера исполнения камерных пастельных портретов, отличавшихся достоверным сходством, вскоре сделала художника популярным. Работал Латур и в Париже и Сен-Кантене; около 1725 года уехал Великобританию, через несколько лет вернулся в Париж. Первые два произведения Латура (портреты его самого и жены живописца Буше), выставленные в парижском салоне 1737 года, доставили ему звание сопричисленного к Королевской академии художеств; в 1746 году Латур был избран ее действительным членом. В 1750 году по велению Людовика XV Морис Кантен де Латур удостоен чести быть первым «живописцем короля». Для творчества Латура характерны камерные, исполненные в технике пастели портреты, в которых тонкая градация оттенков показывает «жизнь души» модели в игре мимолетных мимических нюансов. В серии образов философов, художников, актрис, общественных деятелей «эпохи века Просвещения» художник Латур утверждал
достоинство деятельной и волевой личности, подчеркивая не только социальное положение портретируемых, но и их интеллектуальную активность. В 1766 году Морис Кантен де Латур посетил Голландию с целью ближе ознакомиться с творчеством Рембрандта, Рубенса и других фламандских и голландских живописцев. На протяжении долгой творческой жизни художнику Латуру позировали Вольтер, Руссо, д’Аламбер, король Людовик XV, маркиза Помпадур, Габриэль Бернар де Руэ, художники, актрисы, кардиналы, общественные деятели (портрет философа д’Аламбера, 1753, автопортрет - обе картины в Лувре, Париж). Лучшими картинами Латура, помимо вышеперечисленных, считаются портреты живописца Рету, проповедника Фиакра, президента де Рио, госпожи Салле, госпожи Буассиер, аббата Леблана, наследной принцессы саксонской, аббата Гюбера, самого художника, госпожи Леконт, Мармонтеля, Сильвии, польской королевы Марии Лещинской и некоторых других. Многие произведения Латура были гравированы выдающимися мастерами 18 столетия. Скончался Морис Кантен де Латур 17 февраля 1788 года в городе Сен-Кантен департамента Эна.
Гений французского Ренессанса Жорж де Латур
Открытие в XX веке наследия Жоржа де Латура не только обогатило представление о французской живописи первой половины XVII столетия, но и ввело в мировую историю искусств новую яркую творческую фигуру. Один из самых своеобразных живописцев долго оставался забытым. Знакомству европейской общественности с творчеством мастера способствовала выставка «Живописцы реальности во Франции XVII столетия», состоявшаяся в 1934 - 1935 годах в Париже, на которой было представлено двенадцать картин Латура. Она активизировала научные изыскания, однако и сегодня далеко не все проблемы, и в первую очередь хронология произведений Латура, могут считаться решенными. Не всегда ясны и биографические сведения о нем.
Жорж де Латур родился в многодетной семье булочника в Лотарингии, в городке Вик-сюр-Сей близ Нанси. Детство его прошло в ремесленной среде. В 1620 году, после женитьбы на Диане ле Нерф, происходившей из знатной семьи, художник по разрешению герцога Лотарингского переехал в Люневиль, где при герцогском дворе издавна работали мастера из разных стран. Архивные материалы рассказывают об активной коммерческой деятельности Латура и присущей ему практической хватке. Латур - свидетель жестоких и трагических событий на земле его родной Лотарингии, которая превратилась в арену ожесточенных сражений во время Столетней войны. Бедствия войны сопровождались ужасающим голодом и эпидемией чумы. В 1636 году Люневиль сгорел; вероятно, в огне погибли многие произведения живописца. Затем, по-видимому, он вместе с семьей переехал в Нанси. А в 1639 году, судя по документам, посетил Париж, где получил официальный титул «ординарного живописца короля». Существует рассказ (возможно, легендарный) автора XVIII века о том, что, когда Латур преподнес Людовику XIII своего «Святого Себастьяна» (картину, действительно, замечательную), король приказал убрать из своих покоев все другие полотна.
Картины Латура на бытовые и религиозные сюжеты немногословны, просты, подчас суровы. Жизнь в Лотарингии, сохранявшей в своей культуре местные, восходящие к Средневековью черты, наложила отпечаток на его искусство. Вместе с тем Латур - художник своего времени, глубоко чувствовавший то новое, что порождалось современной ему эпохой. Предположительно, он посетил Италию. Воздействие караваджизма он, вероятно, воспринял через фламандских караваджистов.
Латур любил писать картины больших размеров, наделяя крупные фигуры почти скульптурной объемностью. Группу его произведений составляют фигуры слепых музыкантов-рылейщиков, изображенных в рост, реже - поколенно. В руках они держат рыли - народные струнные инструменты, отчасти напоминающие гусли. Самый известный «Рылейщик» (Нант, Музей изящных искусств) еще Проспера Мериме поразил своей «низменной и жестокой правдой»; выразителен и мастерски написан изображенный в профиль слепой музыкант из собрания музея Прадо.
С такой же мерой суровой достоверности и интересом к народным типам художник писал святых и апостолов, похожих на нищих странников. В картине «Кающийся Святой Иероним» (Гренобль, Музей изящных искусств) видный богослов и христианский писатель IV века, один из учителей Церкви представлен Латуром как несломленный духом, но изможденный аскезой полуобнаженный старец.
Обращаясь к популярным караваджистским сюжетам - «Гадалка» (Нью-Йорк, Музей-Метрополитен), Шулер (Париж, Лувр), - живописец решал жанровые сцены сдержанно, без нарочитой развязности и отвлекающих внимание деталей. В картине «Шулер» каждый образ найден с поразительной точностью: наивный принаряженный юноша, коварная дебелая куртизанка, простодушная служанка и самоуверенный шулер, который приобщает зрителя к своей мошеннической игре. Главное здесь - не столько мимика лиц, сколько взгляды и жесты посетителей притона. Косой настороженно холодный взгляд куртизанки с ее набеленным, напоминающим маску плоским лицом определяет напряженный эмоциональный настрой картины. Звучные цветовые пятна четко выступают на темном глухом фоне.
Картина принадлежит к дневным сценам Латура, которые принято разграничивать от более многочисленных ночных сцен. Именно эти произведения принесли ему заслуженную славу. Приемы искусственного освещения, изображение свечи, факела, светильника - излюбленные у караваджистов. Но в искусстве Латура свет приобрел особое значение. Идущий широким потоком, рассеивая тьму, он подчеркивает строгую обобщенность композиций; под действием света загораются, бросая теплые рефлексы на лица, насыщенные сильным цветовым звучанием красные, коричневые, фиолетовые тона одежд. Свет у Латура - главное средство эмоционального воздействия картины, он создает впечатление торжественного величия, глубокой, подчас драматической содержательности происходящего. В полотнах нет активного действия; фигуры устойчивы, статичны, лица часто изображены в профиль. Ночные сцены написаны на религиозные сюжеты, но многие их них кажутся трактованными в жанровом духе. В каждом простом мотиве он стремится увидеть нечто возвышенное, важное, в явлениях жизни передать ощущение некоего таинства, и в этом волнующая привлекательность его искусства.
К шедеврам Латура принадлежат «Рождество» (или Новорожденный; Ренн, Музей изящных искусств) - одно из самых лиричных произведений мастера, «Поклонение пастухов», «Святой Иосиф-плотник» (оба - Париж, Лувр) и «Явление ангела Святому Иосифу» (Нант, Музей изящных искусств).
Вершина творчества Латура - «Святой Себастьян, оплакиваемый Святой Ириной» (Берлин, Государственные музеи). В безмолвии глубокой ночи, освещенные ярким уносящимся вверх пламенем факела, над распростертым телом пронизанного стрелой Себастьяна поникли скорбные фигуры оплакивающих его женщин. Художник передает не только общее чувство, объединяющее плакальщиц, но и оттенки этого чувства в каждой из фигур - оцепенелую застылость, скорбное недоумение, горький плач, милосердное сострадание. Художник нигде не допускает преувеличения, и тем сильнее воздействие его образов, в котором не столько лица, сколько движение, жесты, сами силуэты фигур обретают эмоциональную выразительность. Как красноречив, например, жест одной из женщин, разведшей руки в стороны, или скрещенные сухие пальцы другой, лицо которой почти целиком закрыто темным капюшоном. Взгляды женщин и основные композиционные линии направлены к телу Себастьяна. В его возвышенной наготе воплощено героическое начало, роднящее этот образ с созданиями мастеров французского классицизма.
Как за неделю создать самую могущественную террористическую державу в мире
Создание новых государств - занятие опасное и почти всегда чревато насилием. Но та страна, которая сейчас рождается к югу от Турции, поперек старых колониальных границ, имеет все шансы поставить в этой области новый мировой рекорд. Ей не нужны ни международное признание, ни место в ООН, ни соответствующее пятно на картах - там у людей совсем другие цели. Они хотят порадовать человечество тем, что совместят у себя знаменитые ужасы исламского мира: к ближневосточным нефтедолларам добавят неудержимый фанатизм талибов, и все это с международным размахом «Аль-Каиды».
Пока название у новой страны довольно громоздкое и сильно отдает старыми реалиями: Исламское государство Ирака и Леванта. Такое трудно будет втиснуть на политические карты, и сокращается оно как-то неблагозвучно. Но проблема с придумыванием названия для новой страны - это пока самая серьезная трудность, с которой столкнулись ее создатели. Потому что во всех остальных областях у них сплошные успехи.
У них под контролем уже есть приличная территория: примерно от пригородов Алеппо на севере Сирии, дальше на восток по долине Евфрата, через старую колониальную границу в северный Ирак до самых пригородов Багдада. Есть государствообразующая нация - арабы сунниты, которые составляют абсолютное большинство населения этой территории. Есть своя государственная идеология - фундаменталистский суннитский ислам. А главное, уже есть немаленький государственный бюджет и постоянные источники его пополнения, доходам от которых могут позавидовать многие другие страны.
Исламское государство Ирака и Леванта сформировалось совершенно неожиданно и очень быстро - буквально за последнюю неделю. Но его корни можно отыскать в событиях еще десятилетней давности, когда американские войска только сносили памятники Саддаму Хусейну. Тогда же они начали разгонять старый госаппарат диктатора и заменять его новым, демократическим. Соответственно пришлось чуть ли не полностью зачистить иракскую армию и прочие весьма многочисленные силовые структуры от представителей суннитского меньшинства и демократически заменить их на шиитское большинство. Но у людей, которые на протяжении 30 лет правления Саддама довольно часто занимались тем, что пытали и расстреливали или просто ходили с важным видом, не очень получилось встроиться в новую свободную жизнь, поэтому многие из них присоединились к антиамериканскому и одновременно антишиитскому вооруженному подполью. Так в 2004 году появилось иракское ответвление «Аль-Каиды».
Через несколько лет связь с конторой бен Ладена перестала представлять для них интерес, и они переименовались в Исламское государство Ирака. А по мере роста амбиций к Ираку добавился еще и Левант, то есть Восточное Средиземноморье. По-настоящему успешной эта организация стала после того, как Обама вывел американские войска из Ирака в конце 2011 года. Исламские государственники даже наладили выпуск красивых ежегодных отчетов, не хуже чем у какого-нибудь «Сити-банка» (вот, например, за 1433 год по хиджре - примерно наш 2012-й). В этих отчетах по красивым картинкам и без знания арабского понятно, сколько за год они взорвали машин, сколько было терактов со смертниками, сколько и какого оружия захватили. А рост показателей год от года просто выдающийся.
В 2013 году центр активности группировки сдвинулся в восточную Сирию, где после двух лет гражданской войны можно было творить все, что угодно. И наконец, уже в этом июне исламисты организовали блицкриг в Ирак, присоединив к своим владениям за несколько дней почти все районы с суннитским большинством, включая второй по важности иракский город Мосул. Такого не удавалось даже талибам. Они в 1994 году тоже возникли из ниоткуда, но им на захват южного Афганистана с Кандагаром потребовалось больше двух месяцев, а тут люди управились всего за неделю.
Невиданный успех Исламского государства Ирака и Леванта случился не на пустом месте, а оттого, что его лидеры в отличие от многих своих коллег думают не только о партизанско-террористических делах, но и о государственных - в полном соответствии со своим названием. Они не только взрывают и убивают, но и старательно выстраивают на завоеванных территориях убогое, крайне примитивное, но все-таки государство. Они собирают налоги, вершат правосудие, предоставляют населению какие-то базовые социальные услуги, занимаются идеологической обработкой лично и через социальные сети, вербуют добровольцев в армию, численность которой за последние дни увеличилась в несколько раз и сейчас оценивается на уровне 15 тысяч человек.
А главное - они последовательно создают для своего халифата надежную экономическую базу. Поначалу им приходилось пробавляться типичной мелочевкой: похищениями людей, рэкетом, контрабандой. Но на таком много не заработаешь. Поэтому в дело пошли красочные ежегодные отчеты, чтобы привлечь аравийских спонсоров. Потом они занялись торговлей древностями, которых в долине Евфрата разбросано в избытке. Но все равно набиралось всего несколько десятков миллионов долларов в год - на это государство не построишь.
Тогда иракские исламисты занялись нефтяным бизнесом. В безвластной восточной Сирии они захватили несколько нефтяных месторождений и электростанций и стали продавать нефть и электричество Башару Асаду. Тот охотно покупал, потому что иракские исламисты параллельно сражались за территорию с другими группировками сирийских повстанцев. Это позволило Исламскому государству Сирии и Леванта накопить к началу лета более 800 млн.
А дальше деньги пошли к деньгам. Разбогатевшие исламисты смогли организовать блестящую операцию по захвату северного Ирака и особенно Мосула. Перепуганная иракская армия разбежалась оттуда, не оказав почти никакого сопротивления. В результате исламисты смогли заполучить кучу финансовых активов - в одном только центральном банке Мосула они нашли золота и прочих ценностей более чем на 400 млн. А их совокупный бюджет теперь оценивается в 2 млрд. И это не предел, потому что сейчас они ведут бои за крупнейший нефтеперерабатывающий завод Ирака, производящий 150 тысяч баррелей нефтепродуктов в день. Естественно, у исламистов вряд ли получится использовать его на полную мощность да еще и продавать продукцию по мировым ценам, но даже небольшая часть этого производства гарантирует им стабильный и высокий доход.
Другие террористические организации не могут даже мечтать о таких доходах. Нищеброды из ХАМАС в своем секторе Газа с трудом наскребают 70 млн в год. Ужасная «Аль-Каида» в лучшие свои годы имела ежегодно всего несколько десятков миллионов долларов. Даже «Талибан» с его опиумными полями в Афганистане, по самым смелым оценкам, не зарабатывает больше 400 млн в год. А тут уже больше двух миллиардов долларов, что примерно равно ВВП целого Сомали или годовому доходу госбюджета стран типа Мавритании или Эритреи.
Перспективы рисуются прекрасные. Между Алеппо и Багдадом возникает нефтетеррористический халифат, заваленный американским оружием, которое побросала бегущая иракская армия. У них там теперь даже грузовые самолеты есть, осталось только научиться ими пользоваться. Во главе халифата - жесточайшие фанатики похлеще талибов. Но в отличие от талибов им не надо возиться с опиумом, потому что у них завались нефти, чтобы осуществить любые свои желания. Сражаться с новыми исламистами некому, потому что иракская армия ни на что не годна, а для Обамы нет страшнее унижения, чем повторно вводить войска в Ирак, которые он совсем недавно так торжественно оттуда вывел. Тут уже можно поверить в возможность объединенного фронта Тегерана и Асада, которые с двух сторон и при американской поддержке с воздуха пойдут отбивать Мосул для иракского правительства.
И тогда события на востоке Украины покажутся образцом логики и здравого смысла.
Геральдическая символика
Понятие Геральдика своим происхождением обязана средневековому латинскому слову heraldus (глашатай) и являет собой гербоведение. Со второй половины XIX века геральдика является вспомогательной исторической дисциплиной, изучающей гербы. Ранее, начиная с XIII столетия и до первой половины XIX века, геральдика - это наука о составлении дворянских, цеховых и земельных гербов. В наиболее распространенном понимании геральдика занимается гербами, появившимися в европейском средневековье.
Рыцарская геральдика - это искусство и система использования геральдических символов. Восходят они к временам крестовых походов и возникли в середине XII века как средство идентифицировать средневекового рыцаря, который в доспехах и с опущенным забралом не мог быть опознан ни врагом, ни товарищами по оружию. Первоначально четкие и живописные символы писались на щитах, те же символы изображались на плащах, шлемах. Первым гербом, о котором свидетельствуют документы, в Европе является упоминаемый под 1127 годом герб на щите Жоффрея, графа Анжуйского. Во времена, когда большинство населения было неграмотно, рыцари и дворяне сочли удобным использовать герб для своих печатей, которыми они «подписывали» документы; самая ранняя печать, изображающая геральдический щит, датируется 1136 годом.
Герб Жоффруа Плантагенета,
графа АнжуйскогоРаспространению геральдики способствовали рыцарские турниры. Введенный в середине XI века французским бароном Жоффруа де Прели для практики в конном сражении турнир стал центральным действом средних веков. Турниры распространили моду на гербы и эмблемы (не только на щитах и плащах, но также на шлемах, знаменах и одеянии лошадей) по всей Европе. В 1320 году был составлен древнейший справочник по геральдике - «Цюрихский гербовник». В XIV веке первое изложение правил геральдики было сделано итальянским юристом Бартоло. Скоро стало ясно, что в применении гербов необходимо навести порядок, поскольку их носители часто выбирали гербы по своему усмотрению, и случаи повторения были нередки. Контроль над этим был поручен представителям короля или наиболее сведущим дворянам - герольдам.
Став официальными арбитрами, представляющими королевский дом, герольды разработали строгую систему, позволяющую регулировать использование гербов и следить за тем, чтобы они не повторялись. Поскольку гербы выдавались герольдами только дворянам от имени королевского дома, то они рассматривались как знаки отличия и символы высочайшего социального статуса. Важность правильного составления и понимания гербов была так велика, что королевские дома повсеместно создают коллегии герольдов, специальные институты, где изучают гербы и родословные. Правила геральдики входят в учебные программы молодых дворян. При пожаловании нового титула или получении дворянства составляются новые гербы, которые подтверждаются королевской грамотой. Коллегии разных стран действуют по различным правилам, большая часть различий касается отдельных нюансов, например, размещения девиза. Для описания гербов повсеместно применяется блазон (язык геральдики, от старофранцузского слова blason - щит).
Старейшая из коллегий действует и сейчас - это «Колледж оф армз», разбирающий родословные и гербы Англии, Северной Ирландии и Уэльса. Он основан Ричардом III в 1484 году. Своя коллегия есть в Шотландии, Ирландии. Они же присваивают гербы новым дворянам, а также государственным и общественным организациям, пожелавшим иметь герб. Существуют лица трех рангов, имеющие право определять герб: короли гербов, герольды и пурсуиванты. В некоторых других странах также сохранились учреждения, занимающиеся вопросами геральдики: это Бельгия, Дания, Финляндия, Нидерланды, Италия, Испания, Швеция, Швейцария и ЮАР.
Джим Уоррен - мастер воображения
Джим Уоррен (Jim Warren) - современный американский художник, более 40 лет рисующий свои картины.
Его называют «живой легендой в мире искусства» и «мастером воображения» за уникальную способность удивлять людей своим искусством.
Возможно, вам не знакомо имя этого художника, но вам однозначно должны быть знакомы его картины.
С одной стороны, это фантастичные, сюрреалистические картины, с другой - манерой письма они мало чем отличаются от академической живописи.
Может поэтому, поддаваясь убедительности его иллюзорной живописи, втягиваешься в полумистическую атмосферу действия этих загадочных и обманчивых образов.
Для картин Джима Уоррена характерна выразительность композиции и духовное возвышение над материальным миром. Подчиняясь своему правилу в искусстве - «К черту правила… рисуй то, что тебе нравится», художник изображает свои жизненные ценности: красоту природы и красоту женщины, мир детства, семейную гармонию, животных и еще множество абсурдных образов, невозможных в реальности и существующих только в сознании автора.
По утверждению самого Джима Уоррена - его любимым художественным редактором является матушка-природа, которая присутствует почти в каждой его картине. Так при просмотре его картин особенно остро чувствуешь эту связь - человека и природы.
Недаром, его картина «Земля… Люби её или потеряешь», стала символом мирового движения защиты окружающей среды.
Джим Уоррен родился в 1949 году в Лонг Бич (Калифорния). Утверждает, что начал рисовать в один год, а уже в семь твердо знал, что будет художником. Как бы там ни было, но этот человек добился своей цели. В числе его клиентов числятся мировые знаменитости и процветающие бизнесмены, работы художника украшают обложки музыкальных альбомов и многочисленных книг, биллборды и афиши к фильмам.
Театр абсурда Михаила Хохлачева
Михаил Хохлачев (Michael Cheval) художник - сюрреалист, родился в 1966 году в Котельниково, в небольшом городке на юге России. Михаил Хохлачев создает необыкновенные картины, они пропитаны иронией и остротой восприятия, их интересно рассматривать. Реальные объекты причудливо смешиваются с другими реальными объектами, рождая третье измерение, он сам себе выдумщик, актер и режиссер, самобытный волшебник.
В 1980 году его семья переехала в Германию. Музеи и замки, древние улицы и прекрасные пейзажи южной Германии окончательно определили вкусы Майкла. После окончания школы и службы в Советской Армии, Майкл переехал в Небит-Даг (Туркменистан) Восточная философия и характер Центральной Азии сформировали его стиль. Майкл сотрудничал с несколькими театрами и издательствами в Небит-Даг и Ашхабаде. В 1992 году он окончил школу изобразительного искусства в Ашхабаде. В 1990 году Майкл провел свою первую персональную выставку в Туркменистане, в Национальном музее изобразительного искусства. Это было знаменательное событие для 24-летнего художника. В 1994 году Майкл переехал в Россию и работал в Москве как независимый художник и иллюстратор для различных издательств, в том числе известного книжного издательства «Планета».
Новая эпоха для художника началась когда он принял решение иммигрировать в 1997 году в США. Он вернулся к западной культуре, которая в значительной степени вдохновила его в юности. В 1998 году он стал членом престижного Нью-йоркского Национального клуба искусств. С 1998 года Майкл регулярно проводит выставки в различных галереях Нью-Йорка. Он является членом Общества искусств Лондона с 2002 года и участвует в ежегодных европейских выставках, проведимых Ассоциацией изобразительных искусств.
Эгоизм во всем. Эгоизм личности обнаруживается во всех социальных и возрастных группах, во всех сферах бытия. Он причиняет своим жертвам неизлечимую боль и страдание, моральный и материальный ущерб, ломает судьбы людей, разрушает коллективы и организации.
Мы слышим жалобы на чрезмерное себялюбие, своекорыстие детей, родителей, стариков, руководителей, бизнесменов, сталкиваемся с беззастенчивым игнорированием чувств, нужд, желаний в сфере потребления, встречаем циничное корыстолюбие в области распределения благ и вознаграждений, упрекаем партнеров, коллег, родственников, друзей в том, что они думают лишь о себе, дружат только по соображениям пользы, всё тянут на свою сторону и пр.
«Эгоизм колоссален, он возвышается над миром, - писал А. Шопенгауэр, - ибо если бы каждому отдельному человеку был предоставлен выбор между его собственным уничтожением и гибелью всего мира, то мне нет нужды говорить, куда, в огромном большинстве случаев, склонился бы этот выбор».
Во время кризиса эго растет.
Эгоизм возрастает в угрожающих масштабах именно в периоды социальных катаклизмов, экономических кризисов, войн, когда все острее ощущается в обществе скудность ресурсов выживания, когда ослаблена система контроля и расширены границы дозволенного.
Теория эгоизма.
Согласно теории этического эгоизма, человек имеет доминирующую обязанность по отношению к самому себе, следовательно, для него значимы лишь его собственные интересы. Он ограничивает их только рамками собственного Я, тогда как неэгоистичная личность включает в свое Я заботу о других, рассматривает себя как часть целого. Апологет эгоизма М. Штирнер писал: «Для эгоиста нет ничего настолько высокого, чтобы он унизился перед ним, нет ничего настолько самостоятельного, чтобы он жил ради него, нет ничего святого, чтобы он пожертвовал собой для него». В итоге эгоизм предстает как крайняя форма индивидуализма.
Характеристики эгоизма.
Чрезмерная индивидуалистическая ориентация, свобода от каких-либо обязательств перед другими, стремление к обладанию, целеустремленность, конфликтность, деструктивность.
Э. Фромм пишет: «Быть эгоистом - означает, что я хочу всего для себя, все, что мне доставляет удовольствие владеть самому, а не делиться с другими. Я должен стать жадным, потому что если моей целью является обладание, то я тем больше значу, чем больше имею. Я должен испытывать антагонизм по отношению ко всем другим людям: к своим покупателям, которых хочу обмануть, к своим конкурентам, которых хочу разорить, к своим рабочим, которых хочу эксплуатировать. Я никогда не могу быть удовлетворенным, так как моим желаниям нет конца. Я должен завидовать тем, кто имеет больше…»
Конфликтность эгоизма.
Себялюбие делает людей враждебными друг другу, считал Д. Юм. Этика эгоизма изначально содержит конфликт интересов, причем конфликтность переходит и в личностное качество самого эгоиста. Эгоисты чувствительны к окружающим факторам, которые обычно генерируют их недовольство. Эгоисты прямо или косвенно блокируют осуществление целей конкурентов или уменьшают их результативность. Эгоисты не считаются с чувствами других людей, не признают их заслуг и достоинств, за исключением случаев, когда это им выгодно. Эгоисты не чувствительны к заботам и устремлениям окружающих, - и это воспринимается их жертвами, как несправедливость.
А. Шопенгауэр предостерегает: «Если человек ищет только своей выгоды, своего удобства, даже в ущерб другим, если он присваивает то, что предназначено для всех, - то можно быть уверенным, что ему чужда всякая справедливость, что он и в крупных делах будет мошенничать, если его руки не будут связаны законом или силою». Эгоистическое поведение отдельных эгоистов провоцирует повсеместную своекорыстную стратегию действий. Лаут заключает: «Другие будут убеждены, что для их личной выгоды требуется нарушение законов общества, и поэтому они должны добиваться силой того, что им нужно. Чтобы избежать наказания, они станут прибегать к обману и к открытому насилию».
Эгоист оправдывает себя.
Эгоисты проецируют собственные отрицательные склонности на окружающих людей, желая такой проекцией оправдать собственные недостатки.
Зависть.
Эгоизм обнаруживает тесную связь с мстительностью и завистливостью, нетерпимость к ущемлению собственных интересов, готовность рассчитаться с обидчиком. Успех и превосходство окружающих вызывают у эгоиста досаду, раздражение, недовольство и зависть.
Эгоизм - не оптимизм.
Хотя эгоист устремлен к цели, он не оптимист в жизни. Показательно отсутствие связи эгоизма с самоуважением, стыдливостью, самоконтролем. Эгоист не дает правильной оценки компетентности, уверенности, привлекательности собственной личности.
Эгоисты легко просят о помощи.
Эгоисты менее отзывчивы к нуждам других, реже оказывают помощь нуждающимся, но часто проявляют готовность просить поддержки.
Мнение о других.
Эгоисты характеризуют окружающих в негативных моральных категориях. Они приписывают людям пренебрежительность, агрессивность, циничность, эгоизм, завистливость и мстительность.
Эгоизм разрушает нормы.
Эгоист увеличивает свою выгоду за счет ущемления интересов окружающих и этим не только наносит ущерб другим, но и разрушает нормативную жизнь, обесценивая категории долг, справедливость, сострадание, великодушие, благотворительность, щедрость, честность и порядочность.
Павел Рыженко - православный художник
Павел Викторович Рыженко родился в 1970 г. в Калуге.
В 1982 г. поступил в Московскую среднюю художественную школу при институте имени Сурикова.
1988−1990 гг. - служба в армии.
В 1990 г. поступил в Российскую академию живописи, ваяния и зодчества, учился у профессора, народного художника России
В 1996 г. защитился дипломной картиной «Калка».
С 1997 г. - преподаватель Российской Академии живописи, ваяния и зодчества
«Мысленно обращаясь к читателю, я сразу хочу извиниться перед ним за необходимость рассказа о себе, поскольку биография моя совершенно банальна и ничего необычного в ней нет. Я родился в еще недалеком 1970 году в Калуге. Годы моего детства… Это время многие называют „эпохой застоя“. Для меня же семидесятые - это радость общения с любящими меня родителями, бабушкой, которую я и по сей день считаю чуть ли не святой, друзьями по двору… Тогда всё было другим, а главное - другими были люди. Почему-то я особенно хорошо помню стариков (почти все они воевали или прошли через войну). Эти старики окружали нас во дворе, стучали в домино, ласково глядели на наши игры и практически никогда не закрывали двери своих скромных по теперешним временам жилищ. Помню, как-то зашел в квартиру своего приятеля, которого не оказалось дома. Его мама - Изольда Иринарховна и бабушка, нисколько не удивившись моему появлению на кухне, тут же усадили меня обедать. Есть я не хотел, но отказаться было неудобно. Медленно поглощая окрошку, я рассматривал висевшую над столом репродукцию с картины Пуссена, на которой древние римляне праздновали какое-то событие, и один из них почему-то бросался на меч… Эти воспоминания для меня очень важны. Важнее, чем сухие отчеты, словно сводки с фронта - родился, учился, служил, поступил, постиг тайны творчества, стал признанным, успешным и далее, и далее. Это для меня и есть Родина, светлая, тихая, полная любви, которую многие позабыли, а многие - нет.
После поступления в МСХШ в 1981 году я обрел для себя новый мир запахов. Теперь к медово-горьковатому миру акварельных красок примешался аромат масляных красок, от которого я и по сей день не могу отвыкнуть, впитав его до корней волос. Дивный мир Третьяковской галереи, сырость старинных улочек Замоскворечья, бурое небо над Москвой, когда, приникнув к ледяному стеклу, я глядел на красный флаг над зданием Верховного Совета… Все это смешалось тогда в сознании мальчика, и только в 18 лет, поступив на службу в армию и оказавшись совершенно в другом мире, я понял, что путь мой - это не поиски того, чего не терял, а путь, данный мне, путь живописца.
Девяностые - это годы моей учебы в Академии, это метания, поиск веры, ответов на вопросы, это встречи с совершенно новыми для меня людьми - священниками. Первые серьезные мысли о назначении творчества возникли именно тогда, в Академии живописи ваяния и зодчества, в которой мне посчастливилось „дображивать“. Мои однокурсники, как и я, были проникнуты общением с великим учителем, художником, воином - Ильей Сергеевичем Глазуновым. Помню тот восторг, который впервые охватил меня в залах Эрмитажа перед картинами Рембрандта, Ван Дейка, Вермеера… Казалось все эти великие мастера присутствуют здесь, рядом со мной. Я ощущал дыхание живой истории, величие могущественных империй - Византии, Рима, Российской Империи. Я ощущал прохладу Синайской пустыни и запах порохового дыма над Бородино, передо мной вставали строгие лики русских воинов, бесстрашных и непобедимых.
Каждый, а в особенности русский, человек тянется в глубинах и тайнах своего сердца к свету - Христу. Ко мне вера во Христа пришла очень поздно, но, поверив, я захотел побежать за ним, надеясь когда-нибудь приблизиться к этому свету. Трудно мне писать об этом, нет слов, чтобы ясно изложить мысли, но о людях, ушедших и живых, которые являются носителями веры и духа Российской Империи, мне сказать необходимо. И сказать на холсте, потому что это мой долг перед великой правдой Руси. Долг не до конца сломленного жителя мегаполиса, который сквозь очертания современных домов, сквозь смог Третьего кольца видит, как вновь и вновь проступают эти строгие и любящие лики наших предков, проливавших свой пот и кровь за Христа и за каждого из нас.
Приблизившись к рубежу своей жизни, рубежу, который не смог переступить великий Пушкин, у которого остановились многие, я задаю себе вопрос вопросов: кому я служил? Именно кому, а не чему, и вообще, что есть искусство?
Надеюсь, что мои картины разбудят генетическую память моих современников, гордость за свое Отечество, а быть может, помогут зрителю найти для себя единственно правильный путь. И тогда - я буду счастлив выполненным долгом.»
Магический ревлизм Майкла Паркеса
Хотя мы были приучены не воспринимать ничего, кроме нашего собственного мира, это не значит, что мы не можем входить в другие миры.
Майкл Паркес
Американский художник Майкл Паркес родился 12 октября 1944 года в городе Сайкстоун, штат Миссури. Учился в Университете Канзаса и в течении четырех лет преподавал изобразительное искусство в Кентском государственном университете в Огайо, а также в Университете Флориды. В молодости он писал картины в стиле абстрактного экспрессионизма, представители которого составляли значительную часть преподавательского состава в то время. Однако в возрасте 26 лет он понял, что обладает лишь техническими навыками, которых недостаточно для того, чтобы стать настоящим художником, и принял решение, круто изменившее всю его жизнь.
В 1970 году он вместе со своей женой Марией отправился в долгое путешествие по Европе и Азии. Это была эпоха хиппи и многие молодые люди обратились к Востоку в поисках новой духовности, которая могла бы сплотить мир, разделенный на два враждующих лагеря. Это была эпоха Beatles, психоделиков и войны во Вьетнаме. Америка вступала в новую эпоху тотальной массовой культуры, в которой не оставалось места для духовного самосовершенствования, и Майкл не хотел становиться частью этого вопиющего насилия над человеческим духом.
Паркес искал вдохновения в восточной философии и религиозных практиках древних культур, изучал религиозные и эзотерические доктрины Востока и Запада: буддизм, индуизм, тантру и каббалу. Вдвоем супруги путешествовали по Индии, Непалу и Пакистану и учились новому восприятию жизни за пределами обыденного мира, поглощенного неутолимой жаждой наживы. Полные энтузиазма они хотели найти, ни много ни мало, источник всего сущего, но к сожалению взятых с собой 800 долларов оказалось недостаточно для столь отважного предприятия. Позднее полученный во время этого путешествия опыт лег в основу жизненной философии Майкла, воплотившейся в его работах.
В 1974 году у них родилась дочь, и супруги были вынуждены вернуться в Европу, где поселились в небольшой испанской деревушке на берегу Средиземного моря. В то время Испания находилась под властью диктатора Франко, но жизнь там была вполне сносной. К тому же, большую часть года там светило солнце, а для любого художника это имеет огромное значение. Впрочем, в ту пору Майкл еще не был готов вернуться к живописи, и занялся изготовлением и продажей кожаных ремней для туристов. На смену приключениям в экзотических странах пришла размеренная жизнь, занятая поисками стабильных доходов. Супругам необходимо было заботиться о подрастающей дочери.
Майкл сменил множество рабочих мест, пока случайная встреча с одним испанским художником не вернула ему вдохновение. Через него Майкл познакомился с галеристом, которому были нужны картины для его новой галереи. Остро нуждаясь в деньгах, Майкл снова обратился к живописи и осознал, что путешествие по Азии дало ему основу для нового взгляда на собственное искусство. Страстно увлеченный восточной философией, он попытался перенести ее на холст и попутно начал экспериментировать с цветной каменной литографией, став впоследствии непревзойденным мастером в этом чрезвычайно трудоемком и кропотливом занятии.
Однако путь к успеху оказался более долгим и тернистым, чем казалось ему в ту пору. Долгие годы Паркес искал себя, вырабатывал собственный неповторимый стиль. Он хотел перевести абстрактные философские идеи на язык живописи, сделав их доступными для зрителей. Лишь к началу 80-х годов он почувствовал уверенность в своих силах и смог найти способ сделать эзотерические концепции зримыми. Отыскав магический ключ к собственному подсознанию, он постепенно отыскал тайную тропу, ведущую к подлинному творчеству. Для этого было недостаточно безупречной техники, нужно было еще научиться путешествовать по ландшафтам внутреннего мира и рассказывать об этом другим людям.
Паркес начал соединять в своих работах различные исторические эпохи, предавая им естественность и вневременность. Костюмы, пейзажи и символы, которыми богаты его полотна, дезориентируют зрителя, погружая его в мир удивительно ярких и четких сновидений. Это определенное состояние сознания не опирается на привычную нам реальность (Паркес даже не использует живые модели), но служит путеводителем по внутреннему миру самого художника, где не существует разделения на различные стили и эпохи. Критики находят в его работах некоторые сходства с творческим стилем бельгийского художника Фелисьена Ропса (1833 - 1898). В них так же прослеживаются мотивы, которые можно встретить у Сальвадора Дали, Рене Магритта, Сандро Ботичелли и Франсиско Гойи. Впрочем, Паркес отнюдь не копирует этих прославленных живописцев, но отталкивается от накопленного ими опыта, чтобы двигаться дальше по избранному им пути. В его работах нет ни какрикатурной демоничности Ропса, ни показного пафоса Дали, ни холодной надменности Гойи, поэтому любые сравнения с ними кажутся искусственными и излишними. Паркес вполне самодостаточен и одарен, чтобы сравнивали с ним, а не его.
Современное прочтение архитипических символов открывает дверь в удивительные пространства неизвестного космоса, который не чужд каждому из нас. Оказавшись в этом пространстве зритель испытывает странное ощущение, будто он бывал уже там раньше, но забыл о своем визионерском опыте. При этом картины Паркеса не являются созданием мира снов, но превосходят любое сновидение своей удивительной ясностью и осмысленностью. Для Паркеса мир снов более реален, чем так называемая «реальная жизнь», поскольку он исходит из самого человека, а не навязан извне репрессирующими сознание догмами и запретами. Художник ставит перед собой цель найти комбинацию символов, которые помогут зрителю погрузиться в свой собственный мир и прочитать его тайные письмена.
Сочетание реалистической манеры исполнения и мифологических образов и мотивов создают удивительные волшебные миры, в которых встречаются друг с другом причудливые животные и крылатые женщины, уродливые карлики и повелители марионеток, печальные тигры и грациозные жонглеры. Сила гравитации не властна над фантазиями, они свободно парят в невесомости, запечатленные на мгновение кистью художника. Здесь нет ничего случайного, но каждая деталь преисполнена особенного смысла и важности. Работы Паркеса требуют кропотливой расшифровки, осуществить которую невозможно без знания мифологической и эзотерической символики.
Картины Паркеса завораживают и заставляют возвращаться к ним снова и снова. В них слой за слоем открываются новые смыслы, о которых, быть может, не подозревал и сам художник. Глядя на его работы, зритель смотрит вглубь себя, обнаруживая доселе неизведанные ландшафты внутреннего мира. За внешней красотой скрывается незримая загадка. Паркес не дает ответов, он лишь задает вопросы, которые должны побудить зрителя к поиску внутренней гармонии. В мирах Майкла Паркеса нет ни прошлого, ни будущего, а лишь круговорот умирающих и возрождающихся образов, изменчивых, но все равно узнаваемых. Магия и реальность сливаются в единое целое, которое и есть человек.
Первая персональная выставка Паркеса прошла в Амстердаме в 1977 году. Затем последовали другие в Базеле, Чикаго, Нью-Йорке, Франкфурте. Его работы одинаково ценимы как частными коллекционерами, так и прославленными галеристами. В 2007 году Майкл был почетным гостем на международной выставке «Venus and the Female Intuition», проходившей в Дании и Голландии. Также в 2007 году работы Майкла Паркеса легли в основу современного балета Scorpius Dance Theater из Феникса, где его искусство ожило в декорациях и персонажах. Его талант неоспорим, а репутация - безупречна. Майклу удалось не только создать свой собственный уникальный стиль, но и занять подобающее место в мире искусства.
Его работы погружают внимательного зрителя в медитативное состояние повышенной осознанности. В созданном им мире даже чудовища прекрасны и мечтательны, и столь же необходимы для создания общей гармонии, как и ангелоподобные создания. В отличии от тревожно-агрессивного сюрреализма, работы Паркеса дышат удивительным умиротворением. Внимательный к деталям, Майкл тратит много времени на создание каждого шедевра, что нечасто встречается в мире, где художники готовы рисовать множество картин ради удовлетворения коммерческого спроса.
Особое место в творчестве Паркеса занимает каменная литография, которой он увлекся в начале 80-х. В своих работах он использовал до 14 различных цветов, которые приходилось наносить на 14 камней. Однако со временем Майкл усовершенствовал эту технику и начал использовать по 2−3 камня для оттиска. Это ускорило процесс, однако сделало его более рискованным. После того, как цвет отпечатан, его невозможно исправить, и любая ошибка становится фатальной. Из-за этого современные художники практически не занимаются каменной литографией. Однако Майкл находит удовольствие в этом адском труде, поскольку результат многократно превосходит затраченные усилия, особенно если в качестве основы используется не обычный пергамент, а тонко выделанные шкуры млекопитающих (vellum).
Сегодня Майкл Паркес является ведущим представителем магического реализма в живописи. Вместе с женой он открыл собственное издательство Swan King International, которое и занимается теперь публикацией и продвижением его работ. Помимо картин и литографий он занимается аурографией, производством плакатов и литьем бронзовых скульптур. Новые его работы пользуются неизменным успехом и быстро попадают в частные коллекции.
Какое вино самое древнее?
Виноделие появилось после того, как люди научились выращивать виноград. Началось это еще в эпоху неолита. Винодельческие производства возникли на Ближнем Востоке, в Греции, на Кипре и в Месопотамии.
На территории современного Ирана в районе Хаджи Фируз Тепе, был найден кувшин с остатками веществ, которые однозначно свидетельствовали о хранении в нем виноградного вина. На сегодня этот кувшин является самой древней находкой, свидетельствующей о производстве вина, так как в этом месте люди жили еще 7 000 лет назад. Принято считать, что уже тогда был выведен вид винограда, похожий на современный Vitis vinifera, из которого производят большую часть современных вин. Разумеется, качество вин того времени оставляло желать лучшего. Чтобы убрать посторонние запахи, вино ароматизировали, сдабривая пряностями и травами.
Греки заслужили звание мастеров виноделия во времена Гомера, они производили много сортов вина, а их рецина заслуженно входит в список древнейших вин. Этот сорт сухого вина с привкусом смолы известен примерно 2 700 лет. Оригинальный вкус появился в результате запечатывания амфор смолой, чтобы уберечь вино от контакта с воздухом.
Самым старым сладким десертным вином Европы считается кипрское. О нем писал еще Гесиод в VII веке до н. э. В наши дни оно называется - «Коммандария». Это название появилось в начале XIII века. Во время Третьего крестового похода английский флот попал в шторм случилось это неподалеку от острова Кипр. Корабль, на котором плыла невеста Ричарда Львиное Сердце, Беренгария Наваррская, был выброшен на берег. Правитель Кипра взял девушку в плен, и у Ричарда не было другого выхода, как покорить остров и освободить свою любимую. Предводителю англичан так понравился остров, что свадьбу устроили там же, а на торжестве гости пили самое лучшее кипрское вино.
Примерно тогда же на острове обосновались рыцари ордена Святого Иоанна. Через какое-то время в их владениях образовался феод - Большая Коммандария Кипра, его центр находился в местечке Колосси. Отсюда рыцари дали местному вину имя «Коммандария». Напиток пришелся по вкусу английским монархам из династии Плантагенетов. Много этого вина поставляли в Венецию, Константинополь и Египет. Есть даже легенда, что только ради этого вина турецкий султан Селим II захватил в 1571 году Кипр.
Это вино и сейчас производят точно так же, как во времена античности и Средневековья. Для него подходят лишь два сорта винограда, растущего на Кипре: белый ксинистери и черный маврос. Виноград должен быть перезревшим, тогда концентрация сахара в нем доходит до нужной степени. После сбора ягоды высушивают на солнце 10 - 15 дней, чтобы сделать еще слаще, затем выжимают сок, который держат в дубовых бочках не менее двух лет.
От древних греков культура виноделия передалась жителям юга Италии, а те распространили ее еще дальше, на всю Римскую империю и ее колонии. Здесь начинается история рейнского и мозельского вин. В Лузитании (современная Португалия) культура вина зародилась примерно в этот же период. А во Франции, виноградную лозу укоренили галлы. Неравнодушные к вину, они начали выращивать виноград в окрестностях Массалии (современный Марселя), а затем и внутри страны. А в районе 200-го года до н. э., стал известен и херес - вино, созданное в одноименном городе в Испании.
Как не краснеть при разговоре
Покраснение лица, а иногда и шеи, плеч при разговоре выдает в собеседнике испытуемое смущение. И если некоторым это кажется крайне милым, то у других это вызывает чувство дискомфорта. Ведь даже банальное обращение внимания может вызвать такую реакцию, или же внезапный вопрос, на который собеседник не может дать быстрого ответа. Это занижает самооценку, а иногда заставляет человека совсем замыкаться в себе.
Некоторые дамы пытаются бороться с этой проблемой с помощью декоративной косметики, однако и она чаще всего бывает неэффективной. Поэтому прежде всего важно понять, что вызывает такую реакцию организма? К сожалению, покраснение часто выдает истинные чувства человека - страх, неуверенность, смущение, стыд.
Банальный страх быть непонятым, неуслышанным, высмеянным или оскорбленным вызывает прилив крови. Только вот стоит заметить, что покраснения - это вполне естественная физиологическая реакция человека. Причем она проявляется только в случае, если он находиться не один.
Ведь если остаться наедине в закрытой комнате, то даже проигрывая аналогичную ситуацию покраснеть вряд ли получится. Поэтому один из методов борьбы с покраснением лица - мысленно представить, что вы сейчас в глухой комнате, совершенно один.
Такой метод поможет людям, которым предстоит выступать перед публикой или большой аудиторией. К сожалению, он совершенно не работает, если происходит общение с малым количеством людей. Очень важный пункт в борьбе с покраснением - работа над собой, повышение собственной самооценки. Сделать это не просто, ведь комплексы копились многие годы.
Только постоянный тренинг и осознание собственных сил смогут помочь. А еще понимание того, что люди могут ошибаться, что идеалы есть только в кино, и любой ваш собеседник когда-то тоже был в неловких ситуациях, из которых не мог правильно выйти. И ситуация, которая сейчас воспринимается так остро и болезненно, через день окажется просто смешной. Вы чувствуете легкий жар перед покраснением? Сумейте его приостановить! Для этого достаточно успеть начать разговаривать на любую тему, чтобы отвлечься. А если не успели - сведите все на шутку. Немаловажным является и зависимости от мнения окружающих. Ведь каждый хочет быть лучше, чем есть на самом деле, да еще и ждет подтверждения этого от кого-либо. А если при любом, даже незначительном замечании или легкой шутке человек краснеет, то в дальнейшем он начинает избегать общения и постепенно становится социофобом. Однако стоит осознать то, что ваше покраснение - это отличительная черта, которая есть у немногих. Для поднятия личной самооценки попробуйте провести тест среди близких друзей и родственников, чтобы узнать их отношение к вашим покраснением. С большой вероятностью они ответят, что-либо они этого не замечают, либо им это даже нравится. Поэтому перестаньте зацикливаться, не стоит делать из этого проблему. Живите полной жизнью и работайте над своей самооценкой и самовосприятием.. .
Что такое эгоцентризм?
Каждый человек приходит в этот мир для того, чтобы реализовать свою самобытность, раскрыть свой внутренний потенциал. Просто раскрыть свой потенциал недостаточно. В процессе своей эволюции человек получает новые знания и овладевает совершенно новыми навыками. Личность накапливает новые свойства и качества, наращивая собственный потенциал. Ее задача-углубить свое «Я», выработать собственный внутренний ритм жизни.
Опасность для роста и развития личности состоит в том, что любой человек в определенные моменты жизни испытывает чувство страшной отделенности от других людей, от всего мира. Человеком может двигать мысль о том, что никому нет до него дела, никто ему не поможет в трудную минуту и тому подобные соображения. Человек начинает рассматривать самого себя как центр своего мира, как единственное существо, достойное внимания.
Эгоцентризм личности может достичь огромных размеров. Мир для человека замыкается на нем самом, взгляд обращен только внутрь себя и прикован к собственным ощущениям. Собственное внутреннее состояние становится единственно важным в жизни. Главное-это ублажить и насытить свои внутренние ощущения. Окружающий мир для человека превращается лишь в средство для того, чтобы разнообразить свои ощущения. Мир играет роль вспомогательной среды, а интересы окружающих полностью игнорируются. Личность отделяет себя от целостной природы бытия и блокирует поступление свежих сил и энергии из внешнего мира.
В результате у личности образуется внутренний вакуум. А этот вакуум нужно чем-то заполнить. Рождается стремление к наслаждением, к удовлетворению своих желаний и прихотей. Внутренний вакуум заполняется изысканной пищей, тонкими ароматами, сладостной музыкой, красивыми и престижными вещами. У личности возникает потребность испытывать все новые и новые переживания. Человек испытывает потребность в постоянном усилении ощущений от удовольствий. Личность занята не реальной жизнью и ее проблемами, а мечтами о наслаждениях, смакованием воспоминаний о них и предвкушением новых. У человека создаются устойчивые стереотипы мышления.
Созданию стереотипов мышления способствуют средства массовой информации.
Успешные бизнесмены в моем кругу общения шутят:" Если хочешь думать своей головой-не читай газет и не смотри телевизор. Иначе СМИ загрузят в твою голову полную программу жизни и все решат за тебя!"Они правы! Для многих людей бегство в иллюзорный мир телевизионной мечты становится единственной альтернативой их повседневной, скудной и безрадостной жизни. Вся жизнь для них переходит в одно стремление-к упоению чувствами и ощущениями, которые в избытке предоставляет массовая реклама, телевизионные сериалы и передачи.
Люди настолько погружаются в процесс получения хоть каких-то удовольствий, что уже не умеют, да и не хотят, изменить свою повседневную скудную жизнь к лучшему. Алкоголь и наркотики дают возможность отключиться от внешнего мира, сосредоточиться всецело на своем внутреннем состоянии. На этом уровне человек уже ищет наслаждение во всем-и в любви, и в ненависти, и в реальных и в воображаемых переживаниях. В состоянии хронической самопогруженности человек постепенно теряет способность испытывать истинные чувства. Они подменяются тонким качеством наслаждения.
В результате вся воля личности направляется на усиление и углубление наслаждений.
Даже партнер подчас становится жертвой. Мучения и переживания партнера придают наслаждениям еще большую остроту. Иногда необходимость в партнере отпадает вообще. Индивидууму достаточно просто зрелища чужого наслаждения. Телевидение и интернет дают возможность упиваться сценами секса и насилия. Сознание личности практически отсутствует. Связь с внешним миром нарушена. Изобретательность в наслаждениях достигает максимума.
Происходит полное внутреннее перерождение личности. Человек превращается в центр гигантской энергетической воронки, засасывающей в себя все вокруг. Цель личности-соблазнителя не столько в том, чтобы получить наслаждение самому, сколько в том, чтобы вовлечь как можно больше людей в орбиту своего влияния и заразить их качеством самоуслаждения. Цель соблазнителя-растлить душу и тело других людей. И жертвы и соблазнитель могут полностью погибнуть духовно, а затем и физически. Самообман истощает и душу, и разум, и тело.
Еще один способ самоуслаждения-возврат к прошлому, попытка остановить время. Проявляется стремление личности жить в собственном субъективном мире. Человек отделяет себя полностью от реального мира, от необходимости решать свои проблемы, свои эволюционные задачи. Личность оказывается не в состоянии выявить свою духовную природу.
Ведь духовная часть человека-это всегда субстанция, неразрывно связанная с внешней средой, с окружающим миром. Когда человек преднамеренно отделился от мира и запер сам себя в клетке эгоцентризма-его духовной среде уже не чем питаться. Дух индивидуума постепенно гибнет от истощения. Душевные субстанции тоже не получают подпитки истинных чувств. Ведь самоуслаждение-это не чувство как таковое, а всего лишь его эмоциональный суррогат. Душа тоже гибнет, она не может питаться суррогатом. Такая пища для души ядовита.
Российский сюрреалист Владимир Куш
Конечно, сюрреализм эволюционировал! В настоящее время трудно говорить о нём как о чистом направлении: он испытал сильное влияние фэнтази-арт и классического искусства. Многие современные художники рисуют в стиле «сюрреализма». Сегодня, хочу познакомить вас с прекрасным российским художником - Владимиром Кушем.
Владимир Куш родился в Москве в 1965 году в небольшом деревянном доме с резными окошками и собственным вишневым садом недалеко от известного московского парка «Сокольники». Отец Владимира - математик, с художественными склонностями, поощрял природный талант сына с раннего возраста. Старался обеспечить книгами романтических приключений, в надежде, что маленький ум будет путешествовать за пределами серого мира, который окружал его.
«Карьера» Владимира началась в три года, как только мальчик научился держать карандаш, сидя у папы на коленях. С семи лет посещал художественную школу, в 17 - поступил в Московский художественный институт.
В 14 лет Владимир Куш нарисовал одну из первых своих картин: шторм обрушивается на остров в океане, пальмы трепещут на ветру. Он заявил родным, что изобразил Гавайи, которые позже он назовёт своей «землёй обетованной».
Как говорится, от судьбы не уйдешь, - она и сыграла свою роль в успешной карьере Владимира. В 1987 году, будучи художником на Старом Арбате, Куш нарисовал портрет пары иностранцев, прогуливавшихся по улице. Мужчина оказался доктором Вольфом, медицинским атташе американского посольства. Он был восхищён работой Куша и пригласил его рисовать портреты в американское посольство.
Там Владимир установил отношения с работниками американского посольства, которые помогли облегчить его переселение в США, после того как успешная выставка в Германии в 1990-м привела Куша в Лос-Анджелес. С течением времени судьба привела его на Гаваи, его нынешний дом. Так воплотилась давняя мечта жизни. Художник переехал на Мауи, один из гавайских островов.
Ах, эта судьба - непредсказуемая! Неожиданно, в конце 1995 года, тридцатисемилетний художник, оставляет свою студию и галерею, что расположены лишь в нескольких кварталах от прозрачных вод Тихого океана и пляжа с пальмами на Мауи, и отправляется в холодную серую Москву.
Причина была проста. Куш был изнурён и подавлен - шесть лет он провёл в Америке, пытаясь продать свои работы, и никакого результата. Владимир вспоминает, что это было тяжёлое для него время, сравнимое только со службой в российской армии. А ведь в голове были новые проекты, требующие концентрации творческих усилий, потока фантазии, воображения - и Гавайи тут бы не помогли, несмотря на всю свою красоту. Кушу нужно было вновь очутиться на родной земле.
«Воображение просто не работает там, где солнце светит так ярко, - отметил он, заканчивая работу над одним из своих очередных полотен. - Мне была необходима мрачная зимняя Москва - и это какое-то подсознательное ощущение».
Зимой 1996 года Куш жил и работал в небольшой квартирке на северо-востоке Москвы. Именно мрачные условия вокруг, как отмечал художник, заставляли его воображение работать. Это было бы невозможно, если бы он только что не вернулся с «божественных» Гавайев.
Живя «в заточении» в той тесной комнатушке, Куш нашёл для своих работ новые идеи и с головой погрузился в работу. По его словам, картины, которые он создал тогда, были как никогда «красочны и полны жизни».
То недолгое пребывание зимой в Москве действительно сыграло большую роль. Для Куша это был период реального творчества, в течение которого он написал полотна, сделавшие его имя узнаваемым в галереях Соединённых Штатов.
Весной, возвратившись на Мауи, Владимир представил свои работы на суд владельцев крупнейших художественных галерей на улице Front Street, и они сразу были встречены с необычайным восторгом. Около сорока галерей делают огромные деньги на более чем двух миллионах достаточно богатых туристов, приезжающих ежегодно на Мауи.
Узнав, что «Celebrities Gallery» на Front Street заработала более миллиона долларов на продаже его работ, Куш решил открыть свою собственную галерею. Так остров Мауи, окончательно стал его домом. Здесь Владимир сложился как художник. Здесь окончательно сформировался его неповторимый стиль, названный впоследствии, - «метафорическим реализмом».
Российский художник Владимир Куш совсем не использует компьютер в своей работе. Свои картины он пишет «по старинке» - маслом на холсте, используя манеру и визуальные образы Сальвадора Дали. Возможно, Куш один из талантливейших сюрреалистов нашего времени, утверждают эксперты.