…Для меня единственный способ совладать с унынием любой действительности - опоэтизировать ее. Я это люблю и, смею надеяться, умею делать. А поэтизировать бодрую, конструктивную пошлость мне не с руки. Мне ближе Гюбер Робер, французский художник, - певец искусственных руин, поросших мхом. Или - ближе к русской жизни, - то, что называется «поэзией умирающих усадеб». Чтоб было все слегка кривое и поросшее лопухом. Вы видели на рынках - у южан фрукты расположены красиво, продуманно, ковром: тут пирамидкой, там полосками, завитками, - залюбуешься, но покупать неинтересно, даже жалко нарушить орнамент. А у подмосковных бабок все как попало, навалом, в ведрах, кучами, в пылище. И так всюду, у всех! А я это обожаю, это уникальный антиэстетизм. Как же его не воспеть! Как не привнести лирику в мусор! Плюнуть и презреть - проще всего, это неинтересно. Я уж не говорю о разговорах с этими бабками. Купишь редьку - и если хоть чуть-чуть отклонишься от скупых формул: «почем?» и «давайте», спросишь, например, какая редька лучше, длинная или круглая? - все, ты уже вовлечен в разговор, бабка тебе расскажет и про внука, и про дочь, и за что и на сколько сел зять, и давно ли у нее болит вот тут, и чем лечит. Такого нигде в мире не может быть.
- Особенно в Америке.
- Да, там на рынке не разговоришься. Я пробовала. Между прочим, там при дороге, как у нас, бывают крошечные прилавки с овощами, - кабачки, картошка, лук, яблоки, кошмарные букеты цветов. Автомобилисты останавливаются на обочине и покупают. Так вот, сколько раз я проверяла, меня это специально интересовало, - никаких разговоров на частные темы, только по делу. Да и вообще там, например, на людей глядеть не принято. Сейчас в Нью-Йорке приняли закон, по которому женщины имеют право ездить в метро голыми по пояс. А смотреть на них не рекомендуется, это уже будет квалифицировано как sexual harassment, сексуальное домогательство, а в это понятие включен и непрошеный взгляд. Каждый хочет жить в собственном коконе, и это право защищено многочисленными законами. Оно, может быть, и хорошо, но в результате ненормально большое число американцев чувствует себя одинокими, ненужными, несчастными. А в американской культуре принято быть счастливым. Человек думает: счастье - это норма, а я несчастен, значит, со мной что-то не в порядке. И идет к врачу. Кто счастлив - так это врач, околофрейдистский шарлатан, каких сейчас очень много. Жертву он отпустит нескоро. Вот случай, описанный в прессе: очень толстая женщина все пыталась выйти замуж, а где познакомишься с женихом? Вот она ходила по ночным кабакам, пьянствовала, заводила интрижки, но все впустую. Пошла к психологу. (У нас бы она пошла к подруге, и подруга ей, наверное, сказала бы: а на что ты, милая моя, с такой фигурой рассчитываешь? Кончай пьянство, садись на диету, не шатайся по злачным местам: мужья там не водятся…) Психолог обрадовался: ваш случай очень серьезный, вы подсознательно ищете в мужчинах образ доминантного отца, у вас с младенчества психологическая травма, поэтому пока вы не вспомните, как и когда ваш покойный отец вас домогался, вы не похудеете… Четырнадцать лет шла промывка мозгов! Толстуха «вспомнила», как отец ее сажал к себе на колени в годовалом возрасте - вот и домогательство! Потом еще, потом еще. Теперь она все такая же толстая, такая же несчастная в любви, но врач, говорит, ей помог: открыл глаза на папеньку, и ее теперь меньше тянет в бары…
- А что вы скажете о своих студентах? Они такие же доверчивые и наивные?
- Кто как. Они молодые, и в этом есть и плюсы и минусы: они еще не вполне индоктринированы современной американской мифологией, и в то же время совсем неопытны и часто малообразованны. Я преподаю им creative writing, то есть учу их, как писать художественную прозу, а точнее, как не писать, потому что научить писать невозможно. Это что-то вроде семинара: по пятнадцать человек в группе, они пишут короткие рассказы, и мы их коллективно обсуждаем. Это очень интересно, но очень трудно, в основном потому, что многие приходят из обычных государственных школ, где их не учат грамматике, так что они не знают разницы между глаголом и существительным - а в английском это особенно важно, - а многие не слыхали о том, что такое местоимение. Другие, наоборот, все прекрасно знают, так что уровень очень неровный. И я должна, не обижая безграмотных - ведь они в этом не виноваты - и не раздражая продвинутых, суметь понятно и доходчиво все объяснить за час двадцать.
- Вы, русский писатель, преподаете писательское мастерство американцам на английском языке. Не правда ли, в этом есть что-то парадоксальное?
- На приличном английском, между прочим! Я сама себя иногда спрашиваю: что это я делаю? Не с ума ли я сошла? Ну, а что я еще могу там преподавать?
- Ну, например, о русской литературе рассказывать…
- Был у меня курс русской литературы. С этого года отменен: слишком мало желающих. Интерес к нашей культуре упал до предела. Да и в моем колледже русской кафедры нет. А те, кто ко мне ходили, о России практически не слышали. Все приходится начинать с нуля. У большинства дикие, анекдотические представления: Сибирь, медведь, Достоевский, и все на каторге сидят. Те, кто слыхал о войне, думают, что СССР воевал на стороне Германии. О первой мировой войне никто не слыхал. А те редкие студенты, кто все же успел поинтересоваться русской литературой раньше, уверены, что книги разрешено писать только членам партии. Прежде, чем говорить о русской литературе, нужно, конечно, давать обзорный курс по русской культуре, и отдельно по советской. Мы, русские, сами виноваты: задурили всему миру голову нытьем и жалобами. «Замело тебя снегом, Россия!» - ведь только ностальгирующему эмигранту понятно, что это метафора, а американец думает, что Москва - это большой сугроб. Когда в городе Саратоге выпадает снег, и я приезжаю на работу, я с привычным раздражением думаю: сколько сегодня человек, - семь или двенадцать - заботливо спросят меня: «Вот теперь, Татьяна, ты чувствуешь себя как дома, да?»
Эвфемизм - это первое с чем придется справиться тому, кто хочет освоить новый опыт в эмпиризме.
Чем сильнее шок, тем больше популярность.
Сенсационное заявление итальянских ученых: найдены останки Моны Лизы
В научном мире поднялся переполох: итальянские ученые утверждают, что им удалось найти останки той женщины, которую Леонардо да Винчи запечатлел на знаменитой картине «Мона Лиза». Если проведенный анализ подтвердит эти факты, то можно будет не только восстановить внешний облик Лизы Герардини, жены флорентийского купца Франческо дель Джокондо, но и доказать или опровергнуть версию, согласно которой именно она позировала для портрета.
До сих пор достоверно не известно, кто именно послужил прототипом самого знаменитого в истории живописи портрета. Большинство историков и искусствоведов убеждены в том, что моделью была Лиза Герардини. Художник работал над картиной в 1503 - 1506 гг., и в это же время торговец шелком Франческо дель Джокондо заказал портрет супруги. Существуют и другие версии, по одной из которых Леонардо да Винчи в образе Джоконды изобразил самого себя.
Археологи начали поиски ее останков в монастыре святой Урсулы, где Лиза Герардини провела последние дни своей жизни. В ходе работы исследователи вскрыли фамильный склеп семьи Джокондо и установили, что только одна могила относится к тому историческому периоду, в который жила Лиза Герардини. Останки извлекли для проведения анализа ДНК. Их намеревались сравнить с ДНК детей флорентийки, останки которых были найдены ранее. Но кости были сильно повреждены в результате наводнений, и это усложнило проведение исследований.
Сильвано Винчети, возглавляющий итальянский Национальный комитет по развитию исторического и культурного наследия, уверен в том, что документация о месте захоронения Лизы Герардини подтверждает гипотезу ученых. «Если бы вы спросили меня лично, что я думаю, я бы сказал, что убежден, что мы нашли ее», - заявил он журналистам.
Следует отметить, что далеко не все ученые разделяют уверенность и оптимизм Сильвано Винчети. Хорошо сохранились только кости ног, и состояние останков пока не позволяет провести полноценный анализ и доказать эту версию. Ученые надеялись найти череп и по нему восстановить лицо, но этого не произошло. Тем не менее, они возлагают надежды на современные технологии, которые могли бы способствовать идентификации личности умершей.
Как это происходит каждый раз при попытке разгадать тайны опережавшего свое время да Винчи, загадок становится все больше, как и в случае с новой попыткой раскрыть тайну улыбки Джоконды. Остается ждать в скором будущем результатов экспертизы и развязки грандиозного арт-детектива.
Закуски, десерты и завтраки на мегареалистичных картинах Тьялфа Спарнэея (Tjalf Sparnaay)
Висит бургер, нельзя скушать. Или пирожное с кремом и вишенкой, или творожный десерт, или леденцы на палочке, - а тоже не съешь. Почему? Все это нарисовано - не сфотографировано голландским художником по имени Тьялф Спарнэей (Tjalf Sparnaay), да не с натуры, а благодаря воображению.
Люди годами заменяли рисование фотографированием, - и реалистичнее, и быстрее, и удобнее. Но до тех пор, пока не появились художники, называющие себя мегареалистами. Они рисуют гигантские полотна, в несколько раз больше оригинала, но настолько «по-настоящему», что запросто можно спутать если не с отражением предмета в зеркале, то с фотографией превосходного качества. Тьялф Спарнэей (Tjalf Sparnaay) как раз и относится к таким художникам.
Как можно заметить, рисовать он предпочитает еду: десерты, закуски, легкие завтраки, выпечку и прочие вкусности, при виде которых начинает урчать в животе и немедленно хочется начать обеденный перерыв. Было бы кощунством вешать их в кабинетах офисов, но в обеденном зале огромного дома состоятельных людей, или же на творчески оформленной кухне им будет самое место.
Несмотря на то, что в жанре гиперреализма, вариантом которого является излюбленный нашим автором мегареализм, работает много художников, картины Тьялфа Спарнея охотно приобретают для частных коллекций и галерей современного искусства. Несмотря на их внушительную мегастоимость в 10 000 и даже 40 000 евро.
Идеалы женской красоты
Идеал женской красоты в разные эпохи, у разных народов
Модницы существовали всегда, как и желание каждой женщины быть красивой и неповторимой. Правда, у разных народов в разные эпохи каноны красоты и понятия о женской красоте весьма разнились.
В древности на женщине лежало много тяжких обязанностей, выполнять которые могла только дама с мощным телом и недюжинной силой. Ведь условия жизни были тяжелые, вести домашнее хозяйство было сложно, к тому же в семье должно быть много детей. Поэтому идеал красоты тех лет - многократно рожавшая женщина с большим рыхлым животом, огромной отвисшей грудью, здоровым задом и руками с развитыми мускулами.
Майя считали, что Всевышний создал женщин непривлекательными, поэтому старались исправить его ошибку. Все женщины с ног до головы замазывали тело специальным раствором, состоящим из глины и краски. Конечно, это было вредно для кожи и организма женщин, однако, мужчины майя считали этот «макияж» восхитительным, а терпкий запах краски и немытого тела - сексуально очень привлекательным.
Древние египтяне считали красавицами обладательниц огромных блестящих глаз, ярких губ и алых щечек. Но не все рождаются с такими данными, поэтому египтянки были вынуждены закапывать в глаза белладонну для придания блеска и расширения зрачков, а лицо постоянно протирать соком ириса. Это было вредно, вызывало сильнейший кожный зуд, но, как следствие, появлялось желанное покраснение щек, поэтому женщины терпели все неудобства. Тело должно было быть стройным, с небольшой грудью и спортивными длинными ногами.
Древнекитайские красавицы должны были быть маленького роста, худенькие, с миниатюрными «лотосовыми ножками». Все красотки имели очень сложные прически, которые делались довольно редко. Поэтому, чтобы ночью не испортить укладку, женщины спали, положив голову на специальную дощечку, и не шевелились. Китайских девочек, чтобы приучить к неподвижности во сне, с детства ночью привязывали к кровати, тем самым постепенно вырабатывая у них привычку спать неподвижно. Неизменным атрибутом замужней женщины в Древнем Китае были черные зубы, для этого их красили черным лаком. Так что обладательницам нездоровых желтых зубов повезло - под черной краской были незаметны дефекты. Также мода тех лет позволяла скрывать недостатки женщинам с плохой кожей, ведь все они замазывали лицо и грудь белой краской.
В средние века стали считать, что женщины не должны демонстрировать свои достоинства и красоту. В моду вошли платья-балахоны, под которыми даже не вырисовывались силуэты фигуры, волосы полностью прятались под чепчик, лицо должно быть абсолютно некрашеным, да и мылись женщины редко. Не приукрашенные косметикой, с засаленными волосами и немытым вонючим телом - вот средневековая красотка.
Позже в моду вошла фигура с плоским животом и выпуклой «пятой точкой». Для этого под одежду на живот привязывалась дощечка. Красивой считалась женщина с вытянутым бледным лицом и смиренным безропотным нравом. Обладательницы румяных полненьких щек были вынуждены сбривать волосы на лбу, чтобы визуально удлинить лицо. Брови также полностью сбривались. А смирение и худоба достигались частыми молитвами, паломничеством и бесконечными постами. Грудь могли иметь только простолюдинки - ее наличие говорило о их приземленности и грубости. А аристократки должны были быть абсолютно плоскими.
А во времена Ренессанса стали в почете дамы с пышными формами. Стройные фигурки были не востребованы, бедняжки старались под одежду всюду насовать подушечек, а на платья пришивали многослойные оборки. А вот носителям жировых прослоек и целюлита было настоящее раздолье! Чем мясистей и толще была дама, тем востребованней. Волосы были модны светлые или рыжие, поэтому брюнетки всячески пытались осветляться.
В 17 - 18 веках в моду вошли огромные парики и накладные волосы. На головках парикмахеры создавали целые произведения искусства, что было очень дорогим удовольствием. Кожа должна быть белоснежной, что достигалось толстым слоем пудры. У многих не было средств и терпения, для того чтобы ежедневно умываться, краситься и причесываться заново (да и к тому же мыло стоило баснословно дорого). Поэтому мылись только один - два раза в год. Кожа портилась, появлялись прыщи, которые закрывались вошедшими в моду мушками. В прическах, в грязных волосах заводились вши, которые очень кусались. Чтобы почесаться, были в ходу специальные деревянные тонкие палочки, которые легко проникали в волосы и не портили прическу. Вонь от немытого тела старались заглушить огромным количеством духов, которыми практически поливали себя.
В 19 веке пришла мода на брюнеток с нормальными средними формами. Все стали носить корсеты, которые помогали исправить недостатки фигуры. Тонкая талия, круглые бедра и пышная грудь - вот что радовало мужской глаз.
В начале прошлого века каноны красоты снова изменились. Красавицы должны быть порывистыми, страстными, изящными и спортивными. В моду вошли короткие волосы, которые позволяли продемонстрировать тонкую шейку. И макияж, и фигура, и брови, и цвет кожи - -все должно было подчеркивать драматизм и страстность.
В пятидесятых годах 20 века худоба перестала привлекать мужчин. В моду вошли красотки, похожие на Мэрлин Монро.
А в наше время, к сожалению, снова востребованы худышки. К сожалению, потому что это заставляет молоденьких девушек в погоне за сомнительной красотой худосочности и модельной внешностью издеваться над собой. В результате - большое число заболевших анорексией.
Суперхит XX века. «El bimbo»
Как афганская песня стала мировым хитом?
У моего поколения эта знаменитая мелодия вызывает довольно курьёзные ассоциации. А именно сцену из 3-й части американской комедии «Полицейская академия». Ту самую, где незадачливые полицейские случайно попадают в гей-бар «Голубая устрица» и бравые геи увлекают их в парный танец.
К сожалению, истинного автора этой композиции знают далеко не все. Думаю, он сильно бы удивился, если бы узнал, в каком контексте используют мелодию его песни. Да-да, изначально это была песня, да ещё и написанная афганским певцом и композитором. Звали его Ахмад Зохир. Он родился в 1946 году в Кабуле и был сыном весьма влиятельного в стране человека.
Отец Ахмада имел медицинское образование и занимал важные правительственные посты в эпоху правления Захира-Шаха. Он хотел, чтобы сын тоже стал врачом, поэтому очень расстроился, когда тот выбрал себе стезю музыканта.
Ахмад Зохир:
«Я сроднил западную музыку с восточной…».
Свою самую известную композицию Ахмад Зохир выпустил в 1971 году на альбоме «Lylee». Называлась она вовсе не «El bimbo», а «Tanha shodam tanha» («Один, совсем один»). Текст был написан на фарси и, судя по всему, был лиричным и грустным.
Однако Ахмад не ограничился одними песнями о любви. Тому были и объективные причины. В 1979 г. после военного переворота к власти в Афганистане пришёл Хафизулла Амин. Диктатору совсем не нравились остросоциальные и вольнолюбивые композиции Ахмада, который к тому же был кумиром и гордостью многих афганцев. Поэтому 14 июля 1979 года 33-летний музыкант неожиданно погиб. Официальной причиной смерти назвали автокатастрофу, хотя позже врачи установили, что он был застрелен. Правда, и самому Амину оставалось недолго. Через несколько месяцев его свергли - при активном участии советского спецназа…
Творчество Ахмада Зохира до сих пор крайне популярно не только в Афганистане, но и в других азиатских странах - Иране, Таджикистане, Узбекистане, Пакистане, Индии… Несмотря на это, западный мир взял в оборот композицию «Tanha shodam tanha», забыв указать её автора.
Первый успех на Западе эта композиция снискала в 1974 году - в исполнении французской группы BIMBO JET. В их версии песня стала инструменталом, поменяла название на «El bimbo», стала 1 во Франции и 10 в Великобритании, а сингл был продан в количестве 3 млн. копий.
Александр Васильев «El bimbo». История песни":
«Непонятен вообще перевод самого названия песни. Во французском языке нет слова „bimbo“, равно как и артикля „el“. В переводе с испанского название получилось бы „Индюк“. Отбросив артикль „el“, в переводе с английского вышла бы „Красотка“ („красивая, но глупая девушка“; в просторечии и вовсе жаргонизм „с***ка“), а в переводе с итальянского „Ребёнок“. Некоторые „исследователи“ считают, что здесь возможно имеет место объединение испанского „el“ и английского „bimbo“, пытаясь придать песне налёт чего-то малопристойного. Не думаю, что это действительно так».
Однако гораздо важнее другое - то, что на обложке сингла BIMBO JET авторами композиции были указаны участники группы - Клод Морган и Лаурент Росси.
Ну, а вообще, кому только не приписывали авторство «El bimbo»! Например, у нас наиболее популярной была версия 1975 года в исполнении Оркестра Поля Мориа, которого и считали автором (кстати, именно эта версия звучит в антивоенном советском мультике «Полигон» 1979 года). Находились и те, кто приписывал авторство «El bimbo» Виктору Зубкову. И действительно, его знаменитый инструментал к фильму «Цыган» (1979) долго вызывал у меня ассоциации с «El bimbo» (хотя речь о прямом плагиате тут не идёт).
Довольно быстро появились и варианты «El bimbo» с текстом (например, испаноязычная «Bailemos el bimbo» 1975 г. в исполнении итальянской певицы Джильолы Чинкветти). Не отставали и русские. В 1976 году вышла советская версия «Мелодия БимбО» (именно так - с ударением на последнем слоге) - с текстом Марка Подберезовского в исполнении Марии Лукач.
Свой вариант песни под названием «Бомбей» предложил даже мастер «блатняка» - Аркадий Северный. Её исполнение на концерте 1977 года он предварил фразой: «Однажды я был в Бомбэе. После концерта ко мне подошёл один господин, поблагодарил за выступление и подарил мне песню, которую я вам сейчас спою».
Я прилетел теперь в Бомбей,
Давно покинул я Рассею.
Тревожно на душе моей,
Боюсь и жажду встречу с нею.
Все годы помнил я,
До каждой утренней росинки.
Я отдал сердце ей своё,
Без сожаления, без заминки…
Однако настоящего автора тоже забывать не стоит.
Скандальные «Обнаженные» Амедео Модильяни: почему полиция закрыла выставку картин
Сегодня Амедео Модильяни занимает лидирующие позиции среди самых дорогих художников в мире. А при жизни ему не удалось снискать славы, он жил и умер в нищете. Его первая и единственная выставка не только не была успешной - она стала причиной скандала, в результате которого по требованию полиции выставка была закрыта. Что могло поразить и возмутить искушенных французов в картинах ню?
Значительную часть художественного наследия Амедео Модильяни составляют картины в жанре ню. Скандальная серия, включающая около 30 работ, была создана по заказу Леопольда Зборовски в 1916 - 1917 гг. Невероятно тонкое и чувственное изображение обнаженной натуры было далеким от вульгарности, тем не менее, вызвало возмущенную реакцию публики. Ни одна картина тогда не была продана.
Выставка была организована в Париже в галерее Берты Вайль в 1917 г. Для привлечения внимания публики несколько работ вывесили на витрину. Не учли одного важного момента: галерея находилась напротив полицейского участка. Комиссар тут же вызвал Берту Вайль. Позже она напишет об этом инциденте: «Я приказываю Вам немедленно снять всю эту дрянь!». - Я отваживаюсь на замечание: «Но есть знатоки, которые отнюдь не разделяют Вашего мнения. Что же такого плохого в этих обнаженных?» - «Эти голые! У них срамные волосы! Если Вы тотчас же не выполните мой приказ, я прикажу моим полицейским конфисковать все!». Несколько полотен конфисковали «за покушение на нравственность». Выставка была закрыта через несколько часов.
Модильяни не понимал причин критики, поскольку телесное никогда не было для него первичным. Об этом свидетельствует его диалог с Ренуаром в 1919 г. Маститый художник советовал Амедео, как правильно писать обнаженную натуру: «Когда Вы пишете обнаженную женщину, Вы должны как бы ласкать кисточкой ее обольстительный зад». На что Модильяни возмутился: «Я не собираюсь гладить кисточкой женские задницы. Меня вообще не интересуют зады!»
Красота обнаженных на полотнах художника действительно имеет иную природу - они словно светятся изнутри. Теплая световая гамма и своеобразная техника словно оживляют работы, это не абстрактные образы. Жан Кокто писал об этой серии: «Ню Модильяни кажутся всегда индивидуальными и портретными. В этих образах сохраняется конкретно-чувственное начало, но оно „сублимировано“, одухотворено, переведено на язык музыкально-текучих линий и гармоний насыщенных охристых тонов».
Только после смерти художника «неприличную и аморальную» серию картин в жанре ню оценят по достоинству. «Прекрасная римлянка» была продана на аукционе Sotheby’s в 2010 г. за 68,96 млн долларов.
В наше время признание публики получили не только картины, но и скульптуры Модильяни
«Радуясь, свирепствуя и мучась…»
Третьего октября исполняется 120 лет со дня рождения великого русского поэта, уроженца Рязанской земли Сергея Александровича Есенина. Дети знакомятся с его стихами ещё в начальной школе при обучении чтению. Затем школьники узнают его биографию, читают лирические стихотворения, по есенинскому «Пугачёву» постигают особенности жанра драматической поэмы.
Наследие Есенина разнообразно и многогранно. Это и размышления о судьбах России в переломные периоды её истории, и философские раздумья, и глубоко прочувствованные описания родной природы, и проникновенное обращение к Родине, и любовная лирика. Изучение есенинского творчества позволяет проникнуть в самую суть русской жизни, которая сформировалась на основе исконных древних верований наших далёких предков и глубоко усвоенного, укоренившегося в народе православного представления о мироздании. Буквально каждое произведение пронизано образами, центральными для русской культуры, связано с традиционным для России осмыслением действительности.
Для творчества Есенина, прежде всего раннего, характерно соединение земного и небесного, дольнего и горнего, быстротечного и вечного. Есенинская поэзия - это преломление силой поэтического слова ощущений русского человека, который напряжённо и сосредоточенно ищет свой путь в жизни, это отражение истории всей русской цивилизации, существование которой сопряжено с подвижностью, поиском гармонии, вечной неуспокоенностью, со стремлением к самосовершенствованию, с восприимчивостью к окружающим влияниям и при этом с сохранением самобытной культуры и внутренней целостности.
В школьную программу включено знакомство с несколькими есенинскими шедеврами. Конечно, это крайне небольшая часть творческого наследия поэта. Однако анализ на уроках таких произведений, как «Не жалею, не зову, не плачу…», «Край ты мой заброшенный…», «Отговорила роща золотая…», «Гой ты, Русь моя родная!..» позволяет поднять насущные вопросы, актуальные и для сегодняшнего дня: о судьбах страны, о миссии человека в мире, о смысле жизни.
Строки Есенина «Край ты мой заброшенный, / Край ты мой, пустырь, / Сенокос некошеный, / Лес да монастырь» оказались пророческими. Поэт наблюдал только ранние этапы гибели деревни, утраты традиционного деревенского быта, той исконной жизни, для которой характерна кровная связь крестьянина с землёй, соотнесённость его существования - трудовых обязанностей, праздников и ритуалов - с земледельческим календарём, годичным природным циклом. Утрата Россией статуса земледельческой державы привела к трагическим последствиям. Источником, благодаря которому возможно преображение пространства, является для Есенина русский крестьянский мир. Это сила, создавшая Россию, сохранившая её в годы великих бедствий, страшных невзгод и тяжких испытаний.
Воспетая Есениным «страна берёзового ситца» стала ярким символом родины для многих почитателей его творчества. Этот мир - не просто череда берёз, это одухотворённый образ мира, где в согласии с природой живут люди, ведь берёзки для Есенина - это и чувственный женский образ. Недаром лирический герой «почти берёзке каждой / Ножку рад поцеловать». Ему «Так и хочется к телу прижать / Обнажённые груди берёз».
Представление о творчестве Есенина будет неполным без знакомства с лиро-эпической поэмой «Анна Снегина» - одним из вершинных его произведений, созданным в начале 1925 года на Кавказе. В поэме, в значительной степени построенной на автобиографическом материале, раскрываются драматические страницы жизни человека в переломные моменты отечественной истории. В основе сюжета - общение лирического героя произведения Сергухи - участника Первой мировой войны, известного поэта - с крестьянами и дочерью помещицы Анной Снегиной, в которую он был влюблён в юности. Среди прототипов главной героини называют прежде всего Лидию Ивановну Кашину - владелицу усадьбы в родном селе поэта Константинове и Анну Алексеевну Сардановскую, с которой он дружил и переписывался в юности.
Есенин одним из первых в русской литературе показал трагизм Первой мировой войны:
Я думаю:
Как прекрасна
Земля
И на ней человек.
И сколько с войной несчастных
Уродов теперь и калек!
И сколько зарыто в ямах!
И сколько зароют ещё!
Неприятие войны выражается в активном противостоянии лирического героя действительности: «Под грохот и рёв мортир / Другую явил я отвагу - / Был первый в стране дезертир». Отметим, что Есенин, являясь санитаром военно-санитарного поезда, неоднократно выезжал к линии фронта, участвовал в перевозке и лечении раненых. Во время Первой мировой войны поэт видел мучительные страдания и смерть десятков людей, которым оказывал посильную помощь, делая перевязки, помогая сойти с поезда, перенося на носилках. Трагизм звучит и в более ранних произведениях поэта, тематически связанных с военными событиями. Здесь проявляется одна из важнейших особенностей русской классической литературы, для которой самоценной является каждая человеческая личность.
«Анну Снегину» справедливо называют энциклопедией русской жизни начала XX столетия. В ней представлена галерея образов, галерея типов: крестьяне и дворяне, воины и защитники Отечества, убийцы и стяжатели. В ней преломились события Русско-японской, Первой мировой и Гражданской войн, революций 1917 года.
Каждый из героев глубоко индивидуально воспринимает происходящее, по-своему интерпретирует события. Мельник - наблюдатель, созерцатель, мыслитель. Его проникновенные письма никого не могут оставить равнодушным. Мельничиху серьёзно тревожат «сплошные мужицкие войны», причина которых кроется в безвластии, вседозволенности, растлевающе действующих на «неразумный народ». Для неё убийца старшины Прон Оглоблин - «булдыжник, драчун, грубиян». Однако именно такие люди получают в революционное время возможность поднять народ на борьбу. Как и другому народному вожаку, герою поэмы Есенина «Пугачёв», Прону Оглоблину уготована смерть - он погибает в стычке с белогвардейцами. Власть же получают люди вовсе без нравственных ориентиров, они легко приспосабливаются к любым обстоятельствам и везде находят свой корыстный интерес. Постигшая страну трагедия приводит к разобщённости, к трагической разорванности русского мира: Анна Снегина с матерью уезжают за границу, лирический герой - в Петроград.
Любовь, которую не могут заглушить ни различия в социальном положении, ни долгие годы разлуки, является тем стержнем, который позволяет человеку оставаться человеком, жить полной, насыщенной жизнь, сохранять свои лучшие душевные качества. Важен поиск смысла бытия, следование нравственным принципам, заложенным православной культурой. Память о светлых минутах жизни, о задушевных беседах, о чистой любви позволяет главным героям поэмы преодолеть все испытания - как моральные, так и физические. Лишь спустя многие годы лирический герой узнаёт о том, что его любовь не была безответной, несмотря на ласково прозвучавший, но глубоко ранивший его отказ. Как гимн молодости, гимн всепобеждающей любви звучат финальные строки поэмы:
Далёкие милые были!..
Тот образ во мне не угас.
Мы все в эти годы любили,
Но, значит,
Любили и нас.
Невозможно вернуть былое, реализовать иной сценарий развития событий. Но жизнь продолжается, счастье не утрачивается.
Художник Алексей Саврасов. Почему автор знаменитой картины «Грачи прилетели» закончил свои дни в полной нищете?
Во второй половине XIX века русская пейзажная живопись пережила бурный подъем. Зрители, привыкшие к ярким, но однотипным пейзажам, написанным в строгой академической манере, увидели истинную Русь, с её убогими деревеньками, величавыми реками, бескрайними полями пшеницы, милыми сердцу березовыми лесами. Это произошло благодаря творчеству целой плеяды прекрасных отечественных пейзажистов, среди которых видное место занял признанный знаток русской природы Алексей Кондратьевич Саврасов.
Алексей Саврасов, родившийся 12 (24 по н.с.) мая 1830 года в небогатой московской купеческой семье, с детства увлекся рисованием. Он самоучкой освоил живопись акварелью и гуашью, пробовал писать маслом. Стремление юноши «учиться на художника» вызвало решительное сопротивление отца, видевшего в Алексее продолжателя семейного торгового дела.
Обострившиеся отношения с отцом даже заставили Алексея бросить учебу в Московском училище живописи и ваяния, в которое он с большим трудом поступил в 1844 году. Продолжить учебу он смог только в 1848 году, благодаря помощи преподавателя училища Карла Ивановича Рабуса, взявшего его в свой пейзажный класс, и, как ни странно, московского обер-полицмейстера генерал-майора Ивана Дмитриевича Лужина, оказавшего покровительство талантливому юноше. Кстати, генерал и позднее продолжал опекать Саврасова, а в летнее время приглашал его в свое имение, где молодым художником было написано не мало интересных работ.
Несколько лет, проведенных вне стен училища, когда Саврасов, хоть и урывками, занимался самостоятельно, не прошли даром. Алексей практически сразу же выделился среди товарищей по учебе не по годам зрелым отношением к живописи и несомненным талантом. На него обратили внимание и меценаты, которых всегда хватало в Москве, выделив в 1849 году средства для поездки Саврасова на Украину, откуда Алексей Кондратьевич привез несколько хороших картин и массу этюдов.
Украинские работы Саврасова, показанные на училищной выставке, были с интересом приняты зрителями и, что для юного художника чрезвычайно важно, благожелательно отмечены критиками. На следующий год Саврасов окончил училище, получив звание художника за картины «Камень в лесу у Разлива» и «Вид Московского Кремля при лунном освещении». На выставках стали появляться его новые работы, о которых преподаватель училища Николай Александрович Рамазанов так отозвался в журнале Москвитянин: «Пейзажи г. Саврасова… дышат свежестью, разнообразием и тою силою, которая усваивается кистью художника вследствие теплого и вместе разумного воззрения на природу».
На молодого пейзажиста обратили внимание и представителей императорской семьи. Президент Академии художеств великая княгиня Мария Николаевна, приобретя в 1854 году одну из его картин, пригласила художника пожить в ее загородном дворце под Ораниенбаумом, чтобы отобразить самобытную местную природу. Здесь Саврасовым был написан цикл картин, за который Совет Академии художеств присвоил ему звание академика, что было для того времени событием весьма редким. Дело в том, что высокое звание получил живописец, не являвшийся выпускником академии, которому всего-то было 24 года.
Естественно, что творчество художника, к которому проявляли внимание члены императорской семьи, оказалось востребованным, его картины охотно покупали. В 1857 году, после смерти Рабуса, Саврасову предложили возглавить пейзажный класс в Московском училище живописи и ваяния. В этот же год он женился на Софье Герц, с братьями которой был хорошо знаком.
Несмотря на педагогическую и общественную деятельность Саврасов продолжал много писать, его картины стали выставляться не только в России, но и за границей. Он и сам в шестидесятые годы нашел возможность дважды побывать в Европе, посетив крупнейшие галереи и художественные музеи ряда стран, познакомившись с молодыми художниками, которые, как и он, искали новые пути в живописном отображении природы.
Стоит отметить, что Саврасов оказался талантливым педагогом, его учениками были Лев Каменев, Исаак Левитан, Сергей и Константин Коровины, Михаил Нестеров, Сергей Светославский, ставшие впоследствии знаменитыми художниками. Игорь Грабарь, которого со многими учениками Саврасова связывала тесная дружба, так описывал творческую атмосферу в мастерской Алексея Кондратьевича: «Саврасов умел воодушевлять своих учеников, и те, охваченные восторженным поклонением природе, сплотившись в тесный кружок, работали не покладая рук и в мастерской, и дома, и на натуре. С первыми весенними днями вся мастерская спешила вон из города и среди тающих снегов любовалась красотой пробуждающейся жизни. Расцветал дуб, и Саврасов, взволнованный, вбегал в мастерскую, возвещая об этом как о событии и уводил с собой молодежь опять туда, в зеленые рощи и поля».
Видимо, Саврасов и сам заражался задором своих учеников. В 60−70 годы им написано много прекрасных работ. Наиболее известной из них стала «Грачи прилетели», первые этюды к которой художник написал в деревне Молвитино на родине легендарного Ивана Сусанина. В конце 1871 года картина была представлена на первой выставке Товарищества передвижников, среди соучредителей которого был и Саврасов. Небольшая по размерам, всего 6248,5 см, она не затерялась среди работ других пейзажистов. А сразу же вызвала интерес и собратьев по живописи, и зрителей. Иван Николаевич Крамской так отозвался об этой картине: «Пейзаж Саврасова „Грачи прилетели“ есть лучший и он действительно прекрасный, хотя тут и Боголюбов, и барон Клодт, и Шишкин. Но все это - деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в „Грачах“».
Трудно поверить, что столь оптимистичную картину художник писал в год, когда у него умерла дочь и тяжело заболела жена. Тяжелые переживания художник старался глушить изматывающей работой. Казалось, что это ему удается, под его кистью рождались лиричные, наполненные светом и воздухом полотна, восхищавшие современников. Но в душе живописца назревал надлом, проявившийся уже во второй половине 70-х годов. Художник стал реже выставляться, в его работах становилось все меньше вдохновения. Саврасов все чаще стал прибегать к традиционному русскому средству глушить тоску, что сказалось не только на творчестве, но и на семейной жизни.
Ситуация усугубилась в 1882 году, когда Саврасов был уволен из училища и лишился казенной квартиры. Жена от художника ушла, а он стал все ниже и ниже опускаться на дно. Саврасов пытался бороться с судьбой, у него появилась гражданская жена, родилось двое детей. К сожалению, победить пагубную привычку он уже не смог. Но не зря на Руси говорят, что талант не пропьешь. В минуты просветлений он продолжал писать.
Естественно, что большинство картин в это время создавались Алексеем Кондратьевичем не по вдохновению, а для заработка. Но и в них чувствовалась рука мастера. 1894 году архитектор Александр Померанцев, отправивший в Академию художеств докладную записку с просьбой оказать помощь остро нуждающемуся Саврасову, отмечал: «Не могу не выразить уверенность в том, что художник даже за эти … бедственные для него годы не утратил своей способности и мастерства по части пейзажной живописи; то же должен сказать и о виденных мною его рисунках».
Дочь художника Вера, бывшие друзья и ученики всячески пытались помочь Саврасову, но результата добиться не смогли. 26 сентября (8 октября по н.с.) 1897 года Алексей Кондратьевич скончался в московской больнице для бедных. Похоронили художника на Ваганьковском кладбище.
«Алжирские женщины»: кто вдохновил Пикассо на создание картины, ставшей самым дорогим лотом аукциона
В мае 2015 г. на аукционе Christie’s в Нью-Йорке был установлен новый мировой рекорд - всего через 11 минут после открытия торгов со стартовой ценой 100 млн долларов картина Пабло Пикассо «Алжирские женщины (Версия О)» (Les femmes d’Alger (Version «O») была продана за 179,365,000. На данный момент она считается самой дорогой картиной в мире, проданной на аукционе. Как появилось знаменитое полотно и кто вдохновил художника на его создание - не менее интересный объект внимания, чем тот покупатель, который приобрел картину за баснословные деньги и пожелал остаться неизвестным.
«Алжирские женщины» - это серия из двух литографий и 15 живописных полотен, написанных в 1954 - 1955 гг. Они были объединены одним названием и обозначены в алфавитном порядке буквами от «А» до «О». Серия работ вдохновлена одноименной картиной Эжена Делакруа 1834 г., на которой изображены наложницы в восточном гареме. Путешествуя по северной Африке, Делакруа гостил у султана в Алжире. Там ему довелось увидеть наложниц в гареме, что и вдохновило его на создание полотна. Эта работа стала вехой в истории изобразительного искусства, от нее были в восторге Матисс, Ренуар, Пикассо и Врубель.
Однако полотно Эжена Делакруа - не единственный источник вдохновения Пикассо. Для двух картин серии «Алжирские женщины» художнику позировала его жена - Жаклин Рок, которая была удивительно похожа на женщину в светлой блузе с картины Делакруа. Пикассо всегда подчеркивал ее сходство с красавицами из гаремов и часто изображал в восточных нарядах.
Когда Пикассо впервые увидел Жаклин Рок, ей было 27 лет, а ему - 73 года. Она боготворила его и не скрывала своего восхищения - называла его «солнце» и «мой господин». Своей покорностью, благоговением и готовностью подчиняться Жаклин тоже напоминала художнику восточных женщин. Их союз продлился 20 лет, и 17 из них художник писал только свою жену. Она стала его последней музой. Через 13 лет после смерти Пикассо она застрелилась из пистолета, который ей когда-то подарил сам художник.
По мнению экспертов, 15-я версия «Алжирских женщин» является самой значительной работой Пикассо, находящейся в частной коллекции, «кульминацией серии и совершенно выдающимся произведением». Данная работа испанского художника входила в частную коллекцию Виктора и Салли Ганц, купивших ее у Пикассо в 1956 году за 212,5 тыс. долларов. Ее продали в 1977 году после смерти супругов. А в 2015 г. эта работа стала самым дорогим произведением искусства в мире, проданным на торгах.
Картины Пабло Пикассо всегда входили в число самых дорогих в мире - так, в 2009 г. две его работы попали в топ-10: самые дорогие картины
Мы часто говорим о том что древние цивилизации не оставили нам ни чего и многие народы не обладали письменностью. Но при этом наблюдаем как разрушаются уникальные исторические памятники в настоящем времени.
Что же мы хотим от менее крепких и ветхих материалов, на которых как правило излагались целые манускрипы?
Давайте вспомним какие носители информации нам известны.
Камень (наиболее известны 2 таблицы 10 заповедей Моисея), восковые таблички, росписи на черепках и стенах пещер, папирус, пергамент, велень, бумага, магнитные диски и ленты, пленки и грампластинки (виниловые и др.), лазерные носители (компакт диски), микросхематические и комбинированные носители (флешки и жесткие диски).
Думаю, вы согласитесь, что все данные носители при определенных условиях могут исчезнуть бесследно.
Причинами такого исчезновения могут стать как явления природы, так и человеческие деяния, причем последние несут катастрофические последствия.
Вы наверняка знаете как уничтожается ценнейшее наследие в результате войн на почве расовой, религиозной или иной нетерпимости.
Но я хочу предложить вам задуматься над таким явлением как технический прогресс, который в течении только 20-го века представил миру 3 вида носителей.
Оцените скорость технического прогресса и реальность переноса и сохранения такого объема информации который имеется на устаревших носителях.
Вспомните сколько книг и пластинок Вы лично выкинули не удосужившись поинтересоваться, а есть ли электронные версии данных произведений в столь любимом всеми интернете или на худой конец в библиотеках?
А ведь мы теряем свою самобытность, которая итак уничтожается при любой возможности, либо изымается из общего круга применения.
Подумайте что мы можем сделать, чтобы наш язык и култУра сохранись!
15 малоизвестных фактов о самом загадочном триптихе Иеронима Босха
Сад земных наслаждений Иеронима Босха.
Полотна голландского художника Иеронима Босха узнаваемы по фантастическим сюжетам и деликатным деталям. Одной из самых известных и амбициозных работ этого художника является триптих «Сад земных наслаждений», который уже более 500 лет вызывает споры у любителей искусства по всему миру.
1. Триптих назван по теме его центральной панели
В трёх частях одной картины Босх попытался изобразить весь человеческий опыт - от жизни земной до загробной. Левая панель триптиха отображает рай, правая - ад. В центре находится сад земных наслаждений.
2. Дата создания триптиха неизвестна
Босх никогда не датировал свои произведения, что усложняет работу искусствоведов. Некоторые утверждают, что Босх начал рисовать «Сад земных наслаждений» в 1490 году, когда ему было около 40 лет (его точный год рождения также неизвестен, но предполагается, что голландец родился в 1450). А окончена грандиозная работа была между 1510 и 1515 годами.
3. «Рай»
Искусствоведы утверждают, что райский сад изображён в момент создания Евы. На картине он выглядит как нетронутая земля, на который обитают загадочные существа, среди которых можно увидеть даже единорогов.
4. Скрытый смысл
Некоторые искусствоведы считают, что средняя панель изображает людей, сошедших с ума за свои грехи, которые упускают свой шанс обрести вечность на небесах. Похоть Босх изобразил множеством обнаженных фигур, занимающихся легкомысленными занятиями. Считается, что цветы и фрукты символизируют временные удовольствия плоти. Некоторые даже предположили, что стеклянный купол, который охватывает нескольких любовников, символизирует фламандскую поговорку «Счастье, как стекло - оно однажды разбивается».
5. Сад земных наслаждений потерянный рай?
Довольно популярным толкованием триптиха является то, что он является не предупреждением, а констатацией факта: человек потерял верный путь. Согласно этой расшифровки, изображения на панелях нужно смотреть последовательно слева направо, а не считать центральную панель развилкой между адом и раем.
6. Тайны картины
Боковые панели триптиха с изображением рая и ада могут складываться, закрывая центральную панель. На внешней стороне боковых панелей изображена последняя часть «Сада земных наслаждений» - изображение Мира на третий день после творения, когда Земля уже покрыта растениями, но еще нет ни животных, ни человека.
Поскольку это изображение по сути является введением к тому, что изображено на внутренней панели, то оно выполнено в монохромном стиле, известном как гризайль (это было обычным явлением для триптихов той эпохи, и предназначалось, чтобы не отвлекать внимание от цветов открываемой внутренней части).
7. Сад земных наслаждений является одним из трех подобных триптихов, которые создал Босх
Двумя тематическими триптихами Босха, подобными «Саду земных наслаждений», являются «Страшный суд» и «Воз сена». Каждый из них можно рассматривать в хронологическом порядке слева направо: библейское сотворение человека в Эдемском саду, современная жизнь и ее беспорядок, ужасные последствия в аду.
8. В одной из частей картины демонстрируется преданность Босха семье
О жизни нидерландского художника эпохи раннего Возрождения сохранилось очень мало достоверных фактов, но известно, что его отец и дед были также художниками. Отец Босха Антониус ван Акен был также советником Прославленного Братства Пресвятой Богородицы - группы христиан, которые поклонялись Деве Марии. Незадолго до начала работы над «Садом земных наслаждений» Босх последовал примеру своего отца и также вступил в братство.
9.Хотя триптих носит религиозную тематику, он не был нарисован для церкви
Хотя работа художника явно сделана на религиозную тематику, она была слишком странная, чтобы выставлять ее в религиозном учреждении. Гораздо более вероятно, что работа была создана для богатого покровителя, возможно члена Прославленного Братства Пресвятой Богородицы.
10. Возможно, картина была очень популярной в свое время
«Сад земных наслаждений» впервые упоминается в истории в 1517 году, когда итальянский летописец Антонио де Беатис отметил это необычное полотно в брюссельском дворце дома Нассау.
11. Слово Божье показано на картине двумя руками
Первая сцена показана в раю, где Бог, поднял правую руку, приводит Еву к Адаму. На панели «Ад» есть точно такой жест, но рука указывает умирающим игрокам на ад внизу.
12. Цвета картины также имеют скрытый смысл
Розовый цвет символизирует божественность и источник жизни. Синий цвет относится к Земле, а также земным удовольствиям (к примеру, люди едят синие ягоды из синей посуды и резвятся в синих прудах). Красный цвет представляет страсть. Коричневый цвет символизирует ум. И, наконец, зеленый, который повсеместно встречается в «Раю», почти полностью отсутствует в «Аду» - он символизирует доброту.
13. Триптих намного больше, чем все полагают
Триптих «Сад земных наслаждений» на самом деле просто огромный. Размеры его центральной панели составляют около 2,20×1,89 метра, а каждой боковой панели - 2,20×1 метр. В развернутом состоянии ширина триптиха - 3,89 метра.
14. Босх сделал скрытый автопортрет в картине
Это всего лишь предположение, но искусствовед Ханс Бельтинг предположил, что Босх изобразил самого себя на панели «Ад», расколотым на две части. Согласно этой интерпретации, художником является человек, туловище которого напоминает треснувшую яичную скорлупу, иронически улыбается, смотря на сцены ада.
15. Босх заработал репутацию сюрреалиста-новатора благодаря «Саду земных наслаждений»
До 1920-х годов, до появления поклонника Босха Сальвадора Дали, сюрреализм не был популярен. Некоторые современные критики называют Босха отцом сюрреализма, ведь он писал за 400 лет до Дали.
Микеланджело и Леонардо да Винчи: незавершенная битва титанов
Два величайших гения эпохи Возрождения - Микеланджело Буонаротти и Леонардо да Винчи - не просто не находили общего языка, они испытывали друг к другу откровенную антипатию и презрение. Несмотря на то, что жили они в одну эпоху, художники принадлежали разным поколениям. Соответственно, их взгляды на искусство были кардинально противоположными. Однажды оба были приглашены принять участие в оформлении зала Большого Совета в Палаццо Веккио. Их картины планировали расположить на противоположных стенах. Но битве титанов так и не суждено было завершиться.
Палаццо Веккио («Старый дворец») - это ратуша по Флоренции. Местные власти хотели увековечить военные подвиги флорентийцев во время пизанской войны. Мэр города Пьеро Содерини пригласил Микеланджело и да Винчи, чтобы они создали картины для зала заседаний Большого Совета ратуши. Леонардо да Винчи на тот момент был признанным мастером и снискал славу выдающегося художника, в то время как Микеланджело только постигал азы профессии. За их творческим противостоянием следила вся Флоренция.
Да Винчи выбрал эпизод схватки двоих всадников за знамя в битве при Ангиари. Микеланджело планировал изобразить победу флорентийцев над пизанцами в битве при Кашино в 1346 г. Но основной его целью было создать нечто абсолютно противоположное работе Леонардо, поэтому в пику ему Микеланджело выбрал не героический эпизод битвы, а бытовой: купавшихся в реке воинов застает врасплох призыв к оружию, и они собираются в спешке.
Леонардо начал работу в 1503 г., Микеланджело - чуть позже. Но этому творческому поединку так и не суждено было завершиться. Микеланджело в 1505 г. вызвал в Рим Папа Юлий II, поручивший ему строительство гробницы-мавзолея. Верхняя часть картины да Винчи не успела высохнуть достаточно быстро, и краски перемешались. В результате Леонардо также забросил проект.
Это был единственный раз, когда Микеланджело и да Винчи работали вместе над одним проектом. Их незавершенные картины висели в одном зале в течение почти десятилетия (1505−1512). Картина Микеланджело была разрезана на куски Бартоломео Бандинелли в 1512 году. В середине XVI века зал был расширен и перестроен, помещение стало залом суда. В ходе этой реконструкции известные работы были утрачены, в том числе «Битва при Кашине» Микеланджело и «Битва при Ангиари» Леонардо да Винчи.
С эскизов да Винчи и Микеланджело были сняты копии, благодаря которым мы сегодня можем восстановить оба произведения и судить о творческом поединке двух великих художников Возрождения. Картину да Винчи удалось реконструировать по подготовительным эскизам и копиям XVII века, картину Микеланджело - по наброскам и рисункам, воспроизводящим отдельные фигуры, и по копии XVI века.
Наверное, творческий поединок остался незавершенным не случайно: кто бы ни был признан лучшим на тот момент, все-таки невозможно сравнивать творчество двух великих гениев. И любые соревнования тут бессмысленны.
Почему забыт ас педагогики
Вспомните, когда вы в последний раз слышали упоминание имени Макаренко? В связи с какой-нибудь серьёзной статьёй на тему о воспитании подрастающего поколения? В какой-либо публичной дискуссии о вопросах образования? Сомневаюсь. Скорее всего в обычном разговоре в ироническом контексте: мол, тоже мне, Макаренко нашёлся…
1988 год специальным решением ЮНЕСКО был объявлен годом Макаренко в связи с его 100-летним юбилеем. Тогда же были названы имена четырёх великих учителей, определивших способ педагогического мышления XX века - это
Произведения Макаренко были переведены почти на все языки народов мира, а его главный труд - «Педагогическую поэму» (1935) - сравнивают с лучшими романами воспитания
А в России десять лет назад к 115-ой годовщине Макаренко было выпущено 10 000 экземпляров первого полного издания «Педагогической поэмы». Вы скажете, что за странный тираж для многомиллионной читающей страны? Однако издатели до сих пор ломают голову, как реализовать «непродаваемую» книгу.
Несовременно? Неактульно? Наверное, не осталось в педагогике нерешённых проблем, благовоспитанные девочки и мальчики послушно ходят в школу, а детская преступность на нуле?
Почти сто лет назад, оканчивая Полтавский учительский институт, Макаренко писал диплом на тему «Кризис современной педагогики». Кто возьмёт на себя смелость утверждать, что сейчас ситуация в корне изменилась?
Он был странным человеком, этот Макаренко. Проработав два года в нормальной школе, тихий, скромный учитель истории бросает всё и идёт работать директором колонии для несовершеннолетних преступников недалеко от Полтавы. Он руководил ею с 1920 до 1928 года и постигал педагогику перевоспитания в боевых условиях, как солдат на поле боя.
Что двигало этим человеком? Ведь было очевидно, что своим решительным поступком он ставит крест на спокойной размеренной жизни. Может быть, та самая активная жизненная позиция, о которой стало немодно говорить в последнее время?
В начале 20-х в России, пережившей революцию и гражданскую войну, насчитывалось более 7 миллионов беспризорных детей. Они представляли собой огромную социальную беду и опасность. В борьбу с детской преступностью и беспризорностью огромный вклад внёс
Изобретённая им система перевоспитания полезным производительным трудом в коллективе превращала сборище малолетних преступников в дружную сплочённую команду. В колонии не было охраны, заборов, карцера. Самым суровым наказанием был бойкот, к которому прибегали крайне редко. Когда под конвоем доставляли очередного беспризорника, он брал ребёнка и категорически отказывался принимать его личное дело. Это известный макаренковский принцип авансирования хорошего в человеке! «Мы не хотим знать о тебе плохого. Начинается новая жизнь!»
В эти цифры трудно поверить, но факт - вещь упрямая. Через руки Макаренко прошло более 3000 беспризорников, и ни один (!) не вернулся на преступный путь, все нашли свою дорогу в жизни, стали людьми. Таких результатов не удавалось добиться ни одному исправительному учреждению в мире. Не зря его называют не только теоретиком, но и практиком массового и быстрого перевоспитания.
Макаренко был уверен, что только труд по душе, а не пошив рукавиц и клейка коробочек способствует успешному перевоспитанию. С 1928 до 1936 года он руководит трудовой коммуной им. Дзержинского и с нуля строит два завода по производству электромеханики и фотоаппаратов ФЭД,
Он был удивительным человеком, этот Макаренко. Вчистую освобождённый от воинской службы по причине слабого здоровья - врождённый порок сердца, ужасная близорукость и ещё целый «букет» болезней - любил военную форму, дисциплину, армейский порядок.
Имея совершенно непрезентабельную внешность - круглые очки с толстыми стёклами, большой нос, тихий хриплый голос - пользовался успехом у красивых женщин. Его, немногословного и медлительного, обожали воспитанники и так ревниво к нему относились, что он решил не жениться, чтобы их не травмировать. Кстати, так и сделал: только оставив педагогическую работу, он расписался со своей гражданской женой.
Любил детей, но к несчастью не имел своих, однако воспитал двоих приёмных. Девочка, дочь родного брата, белогвардейца, успевшего эмигрировать во Францию, стала впоследствии матерью известной актрисы Екатерины Васильевой. А с любимым братом он поддерживал отношения до 1937 года, пока жена, измученная постоянным страхом ареста, не потребовала прекратить переписку.
Он умер от разрыва сердца в возрасте 51 года, и это был тяжёлый удар для мировой педагогики. Систему Макаренко изучают и ценят во всём мире. Так, в Японии его работы переиздаются массовыми тиражами и считаются обязательной литературой для руководителей предприятий. Практически все фирмы строятся по лекалам колоний Макаренко.
В Россию, на родину, система возвращается в виде зарубежных методик «мозгового штурма», «умения работать в команде», «тим-билдинга», «повышения мотивации сотрудника». Всё это усердно изучается на всевозможных тренингах и семинарах, притом за немалые деньги. А может, проще почитать первоисточники?
Нарушая законы жанра, я, к сожалению, не могу ответить на вопрос, поставленный в заголовке статьи. Пусть он присоединится к двум другим любимым вопросам русской интеллигенции «Что делать?» и «Кто виноват?».