Цитаты на тему «Культура»

Джироламо Савонарола

Кто же такой был этот Савонарола? Аскет, монах, религиозный фанатик, ненавистник всего светского, считавший искусство излишеством, а литературу не религиозной направленности - происками лукавого. Но… при этом талантливый лидер, покровитель бедных, неплохой хозяйственник и непримиримый противник роскоши в церкви. Твердой рукой управлял он Флоренцией в 90е годы 15 века.

Джироламо Савонарола объявил себя пророком и проповедовал отказ от излишеств, честный труд и скромность со средневековым фанатизмом. Надо сказать, что проповеди его пользовались огромным успехом. Под их влиянием богатые флорентийки запирали в шкафы богатые наряды и жертвовали свои драгоценности в пользу бедных, а знатные флорентийцы уходили в монастыри. Савонарола помогал бедным, снижал налоги и даже самолично отстоял независимость Флоренции, когда Карл VIII направился было ее завоевывать. Благодаря ему Флоренции даже возвратили утраченные ранее земли… Боюсь представить что именно Савонарола втирал Карлу, убеждая его не нападать на город, да еще и вернуть ему утраченные земли. Но подозреваю, что в конце беседы Карл был счастлив, что еще так дешево отделался…
А еще Савонарола ссорился с политиками и папским Римом, сжигал живьем на костре развратников и гомосексуалистов, вырезал языки святотатцам, организовывал шпионские бригады из мальчишек, которые следили за знатью и отбирали у жителей города светские книги, духи, карты, музыкальные инструменты и прочие «излишества», которые потом прилюдно сжигались на костре.

В конце концов, Савонарола утратил популярность у ранее поддерживавших его представителей власти и был обвинен в лжепророчестве и много еще в чем… Что в принципе неудивительно. Странно, что его вообще кто-то поддерживал… Савонаролу арестовали, пытали с исключительно средневековой жестокостью, достойной его проповедей, а после казнили через повешение. Тело Савонаролы было прилюдно сожжено. Так окончил свои дни этот непримиримый противник всего, что всегда было, есть и будет символом Флоренции - искусства, литературы и свободы слова.

Рафаэль Санти и Форнарина

Шел 1514 год. Тридцатилетний Рафаэль прибыл на виллу Фарнезина и приступил к росписям ее главной галереи. Счастливый Агостино выделил живописцу прекрасные апартаменты с видом на просторный, ухоженный сад. Как-то под вечер, намаявшись за день на лесах, Рафаэль, чтобы размяться и отдохнуть, спустился к реке. Прогуливаясь по берегу Тибра, он неожиданно встретил девушку, которая покорила его, как говорят в таких случаях, с первого взгляда. Покорила своей ангельской чистотой, скромностью и грацией. Не девушка - богиня!
Пылкий Рафаэль стал умолять прекрасную незнакомку согласиться быть его моделью, на что девушка, потупясь сказала, что не может дать ответа без согласия отца и жениха. Жениха! Рафаэль был почти в отчаянии - юное создание не свободно. Но не в правилах Рафаэля было отступать. У него в кармане лежало дорогое золотое ожерелье, предназначавшееся любовнице - куртизанке Андрез. Не раздумывая, художник протянул ожерелье девушке. Как и следовало ожидать, она отвергла этот неуместный подарок. Тогда Рафаэль, не растерявшись, предложил: если она не может позволить себе просто так принять от него сей скромный дар, тогда пусть купит его.. скажем, за десять поцелуев. Сделка не только состоялась, но и оказалась для Рафаэля куда более «выгодной», чем он ожидал. Все произошло совсем как в сказках про принцев и прекрасных пастушек, и даже сверх того. Принцем в нашей истории был живописец-гений, а роль пастушки выполняла 17-летняя дочь простого пекаря Маргарита Лути. Пастухом же оказался ее жених Томмазо Чинелли. На следующий день распалившийся художник пришел к папаше Лути за разрешением рисовать его дочь. Тот поначалу был непреклонен, но увесистый кошелек с дукатами, в конце концов, сломил его сопротивление. И он не только дал свое согласие, но и пообещал взять на себя переговоры с женихом Маргариты. Так дочка пекаря стала натурщицей и любовницей великого итальянского живописца, за что ему дополнительно пришлось уплатить отцу 30 тысяч золотых дукатов. Рафаэль обожал свою юную форнарину, как он про себя называл ее («форнарина» - значит булочница). Он без устали писал с нее полотно за полотном, создавая образы святых, не тронутых пороком дев, и в первую очередь образ девы Марии. В предместьях Рима он снял для своей возлюбленной виллу, щедро оплачивая все расходы, включая слуг, садовников и экипажи, он осыпал ее драгоценностями, разодел в дорогие наряды, превратив простую дочь пекаря в блистательную принцессу. Этот роман отнимал у Рафаэля уйму времени и жизненных сил. Ненасытная Маргарита, в буквальном смысле, изматывала его, доводила до изнеможения, постоянно оставаясь при этом неудовлетворенной/ Агостино Чиги предложил Рафаэлю перевезти свою возлюбленную в Фарнезин. Он выделил для нее несколько роскошно убранных комнат рядом с апартаментами художника. Именно тогда пишет с нее Рафаэль свое бессмертное творение - «Сикстинскую мадонну».
Юное создание с ангельским личиком имело порочную натуру. Этой простой булочнице было мало и ласк молодого художника, и его щедрости. Все это время она не переставала тайно видеться со своим бывшим женихом Томмазо. А Рафаэль, не ведавший о неверности своей подруги, почти сгорал в ее объятиях. Врачи, к которым он вынужден был обратиться, констатировали резкое истощение всего организма. Но вместо того, чтобы прописать ему укрепляющие средства, сделали кровопускание, что еще более усугубило тяжелое состояние художника. Рафаэль скончался в самом расцвете лет - в день его смерти, 6 апреля 1520 года, ему исполнилось 37. Несмотря на вполне приличное состояние, оставленное Рафаэлем, Маргарита не изменила образ жизни. Не прекращая связи с Агостино Чили, она стала едва ли не самой дорогой куртизанкой Рима.

Микеланджело Буонарроти и Виттория Колонна

Пламенной музой Микеланджело стала Виттория Колонна, родившаяся в одной из самых могущественных семей Италии. Она была помолвлена с неаполитанцем Ферраре Франческо д’Авалос, маркизом Пескарским, когда жениху и невесте было по четыре года. В девятнадцать их повенчали - свадьба, состоявшаяся в Искии, была очень пышной. Медовый месяц оказался кратким, ибо маркизу, как военачальнику, служившему императору Священной Римской империи Максимилиану, пришлось тотчас же отправиться на войну. За шестнадцать лет своего замужества Виттория редко видела мужа. В 1512 году он был ранен в битве за Равенну. Виттория выходила его, вернув к жизни, но он опять уехал к войскам и через тринадцать лет пал в битве под Павией, в Ломбардии. Виттория провела долгие годы в одиночестве, усердно изучая греческий и латинский языки, и стала одной из самых ученых женщин в Италии. После гибели мужа она хотела постричься в монахини, но папа Клемент запретил ей это. Последние десять лет она помогала бедным, вкладывала много средств в строительство женских монастырей, давая возможность стать монахинями многим и многим девушкам, лишенным приданого, а значит, и надежды на замужество. Стихотворения Виттории были значительным событием тех лет.

При встрече с Витторией Колонной Микеланджело был очень удивлен. По рассказам «о печалях и лишениях маркизы, о ее святости, он ожидал увидеть пожилую матрону в черном одеянии, со следами пережитой трагедии на лице. А сейчас он смотрел в яркие и глубокие зеленые глаза самой красивой женщины, какую он когда-либо встречал. У нее был нежный румянец на щеках, полные, приятно раскрывшиеся в разговоре губы, вся она словно бы дышала юной увлеченностью и любовью к жизни. Несмотря на сдержанную царственность манер, в ней не чувствовалось высокомерия… Отвести от маркизы глаз Микеланджело не мог. Ее красота была как полуденное солнце, которое и наполняло сад светом, и в то же время слепило.
Голос у Виттории Колонны был звучный, грудной.
- Я приветствую нас, Микеланджело Буонарроти, как старого друга, ибо ваши работы беседуют со мною вот уже много лет, - сказала она.
- Значит, мои работы куда более счастливы, чем я сам, маркиза
Всю эту ночь перед Микеланджело сияло лицо Виттории Колонны. На следующий день он посвятил ей строки своих стихов:

О, как постигнуть меру красоты,

Когда ты очарован красотою!

Она ль так совершенна? Иль порою

В тебе самом живут ее черты?

Прошло две недели, прежде чем он дождался приглашения. За это время в сознании Микеланджело скульптурная красота Виттории - формы ее тела, ее сильное, но нежное лицо каким-то образом слились с мраморным изваянием Ночи в часовне Медичи.

В то время как в Италии царила борьба между религиозными партиями, Виттория и Микеланджело несли свет своими путями: он - через искусство, расписывая капеллы и соборы, она - через религию, создав кружок вольнодумцев, которые стремились реформировать церковь извне. Как приверженцам новых идей им угрожала опасность от Джованни Пьетро Караффы - религиозного фанатика, прилагавшего все усилия к тому, чтобы ввести в Италии инквизицию и истребить всех еретиков, вольнодумцев, инакомыслящих, но ни Виттория Колонна, ни Микеланджело Буонарроти не изменили своих взглядов.
Расписывая Сикстинскую капеллу, в образе Девы Марии Микеланджело слил, сплавил образ собственной матери и Виттории Колонны.

Когда Микеланджело работал над фреской «Страшный Суд», над Витторией нависла опасность изгнания. Влиятельнейшая и одареннейшая женщина Рима, поэтесса, стихи которой ценил великий Ариосто, святая женщина, почитаемая самим папой, близкий друг императора Карла Пятого, принадлежавшая по крови к богатейшему роду Колонна и к роду д’Авалос по браку, она была теперь под угрозой изгнания: этого добивался кардинал Караффа.

Вечером Микеланджело пришел проститься с нею. Виттория сказала, что едет в Витербло в монастырь Святой Катерины. Это была их последняя встреча, и предстоящее расставание очень опечалило Мастера.

Сюзанна Валадон

Сюзанну, родившуюся от неизвестного отца и белошвейки из Бессин-сюр-Гартамп, в Лимузене, мать привезла в Париж, когда ей не было еще пяти лет. Жили они, с трудом сводя концы с концами, на то, что мать зарабатывала уборкой квартир. После недолгого пребывания в какой-то религиозной школе девочка в одиннадцать лет поступила в швейную мастерскую. Потом она работала нянькой, прогуливая ребятишек в Тюильрийском саду, была подавальщицей в рабочем бистро, торговала овощами на Батиньольском рынке. Ее очень привлекал цирк, и когда ей было пятнадцать лет, она поступила на службу в любительский цирк Молье и стала там акробаткой, но через несколько месяцев, исполняя очередной номер, сорвалась и упала на арену. На этом ее цирковая карьера окончилась. С тех пор прошло пять лет.
У Мари-Клементины Валадон была изящная фигурка, красивое, пикантное лицо. С детства увлекалась рисованием - она рисовала всюду, даже на стенах домов, на тротуарах, пользуясь куском угля, мелом, огрызком карандаша, - она мечтала проникнуть в среду художников. Ее мать к тому времени открыла прачечную в тупике Гельма, и Мари-Клементина, хотя и не очень охотно, помогала ей - разносила белье художникам, среди которых был Пюви де Шаванн, живший на площади Пигаль, обративший на нее внимание. Так определилась ее судьба: она решила стать натурщицей.
Мари-Клементина позировала Пюви в его мастерской в Нейи: музы и эфебы «Священной рощи», на которую написал пародию Лотрек, - это Мари-Клементина, изображенная в самых разных позах. У каждого персонажа этой картины есть черты юной натурщицы.
Позже Валадон снова позировала не только Пюви, но и Зандоменеги, и Ренуару, который изобразил ее в «Танце в Буживале» и в «Танце в городе» (оба панно относятся к 1883 году). В конце 1883 года, в декабре, Валадон родила мальчика, которого назвала Морисом. Отец Мориса не пожелал объявиться. Валадон, оправившись от родов, вместе с матерью и малышом переехала на улицу Турлак, в дом номер 7, что находился на углу улицы Коленкур. Через восемь лет мальчика усыновил испанец Мигель Утрилло-и-Молинс. Мари-Клементина в дальнейшем переменила свое имя на Сюзанну.
Их квартира помещалась на втором этаже, на той же площадке, где жил Зандоменеги. Зандоменеги порекомендовал молодую натурщицу, жившую с ним в одном доме, Лотреку.
В Валадон Лотрек нашел подходящую модель. Тем более подходящую, что молодая женщина отнюдь не была недотрогой. Личная жизнь Мари - так называли ее в мастерских - была довольно бурной. Вряд ли кто-нибудь на Монмартре смог бы сказать, кто отец Мориса. Может быть, это был цыганский певец Буасси, пьяница, выступавший в кабаре «Ша-Нуар» и «Лапен Ажиль» на улице Соль, или же изысканный испанец Мигель Утрилло, настолько влюбленный в Монмартр, что даже жил в «Мулен-де-ла-Галетт», или, наконец, Пюви де Шаванн, жена которого, урожденная княжна Кантакузин, тихонько шпионила за натурщицами своего знаменитого мужа. Мари нравилась любовь.
Она занимала в ее жизни большое место. Вид Лотрека, его уродливая внешность, его страстная натура не отпугнули ее, а скорее наоборот - привлекли. Она стала любовницей Лотрека.
Оба они, казалось, были созданы друг для друга. И эта плебейка и потомок графов де Тулуз были абсолютно свободны от каких-либо предрассудков. И он и она трезво смотрели на действительность. Пользуясь любым случаем, чтобы поучиться у художников их ремеслу, Валадон ценила талант Лотрека, его острый глаз психолога, трезвость его взглядов, его неумение писать «красиво», его зачастую бичующие карандаш и кисть.
Лотрек написал два портрета Мари в саду папаши Фореста. Он не польстил ей. Ренуар, который постоянно прибегал к услугам этой привлекательной натурщицы, в то же время, что и Лотрек, работал над ее поясным портретом в картине «Коса» и с нежностью и наслаждением выписывал ее большие голубые глаза, изящный изгиб бровей, чувственный пухлый рот, густые темные волосы, разделенные пробором, ее пышную высокую грудь. В портретах Лотрека у Мари резкие, жесткие черты лица, такие, какими они станут, когда она утратит прелесть своих двадцати лет. У нее не по возрасту печальное лицо, сжатые губы, мрачный, устремленный в пространство отсутствующий взгляд. Острый подбородок и вся ее поза - нервная, напряженная - свидетельствуют, несмотря на узкие плечи, на тонкую, непропорционально длинную шею, о силе воли, скорее мужской, чем женской.
Недоверчивая, ревниво оберегающая свою личную жизнь, Мари вводила в заблуждение любопытных, рассказывая о себе всякие небылицы, но никому ни словом не обмолвилась о том, что сама она тоже рисует. И Лотрек не знал, что в 1883 году Мари нарисовала пастельный автопортрет, в котором она тоже не пощадила себя.
Случайно, конечно же, совершенно случайно, на глаза Лотреку попались рисунки Валадон. Хитрая девица сама никогда не решилась бы показать их ему. Лотрек был поражен: каждый, увидев эти работы, приписал бы их какому-нибудь мэтру, настолько чувствовалась в них энергичная мужская рука. Шутки ради он повесил несколько рисунков Валадон в своей мастерской. Они приводили в замешательство гостей Лотрека. «Чьи это рисунки?» И вот однажды скульптор Бартоломе заявил, что Валадон обязательно должна показать свои работы Дега. «Вы наша», - заявил ей Дега - комплимент исключительной ценности в устах этого женоненавистника.
Ее смелые уверенные наброски восхитили Эдгара Дега, и, освоив под его руководством технику мягкого лака, она стала писать в интенсивной красочной гамме, напоминающей работы фовистов.
Сюзанну Валадон и ее сына Мориса Утрилло называют последними наследниками импрессионизма. Однако в ее живописи в большей степени проявился своеобразный экспрессионизм или, по определению критиков, «психологический реализм». Световые эффекты сознательно подчинены смелым цветовым комбинациям. Четко акцентированные контуры обрисовывают предметы и разделяют поверхности, а упрощенные сильные, даже мощные пластические формы говорят о близости манеры художницы школе Понт-Авена. Эта близость проявляется и в ее натюрмортах, в которых, по мнению критиков, наблюдается «триумф скрытой жизни». В них нередко присутствует ориентальная декоративность, усиленная введением восточных элементов, что подтверждается и картиной «Ваза с цветами и восточным ковром».
Над натюрмортами с цветами Сюзанна Валадон чаще всего работала с 1929 по 1931 год.

Открытые миру
5 июля 1946 года публике впервые был предъявлен купальник-бикини. «Вряд ли стоит тратить время на разговоры о так называемом бикини, поскольку невозможно представить, что девушка, соблюдающая такт и приличия, позволит себе появиться в таком купальнике на людях», - утверждал когда-то популярный женский журнал Modern Girl…

Конечно, эту вещицу изобрел мужчина, и, разумеется, этот мужчина был французом. Его звали Луи Реар, и он работал инженером на заводе «Рено», а в свободное время экспериментировал в искусстве кройки и шитья. Свое мини-изобретение Реар назвал в честь кораллового атолла, затерянного в Тихом океане, пострадавшего от испытаний водородной бомбы США. Взрыв «от Реара» был более мирным, хотя шума наделал предостаточно

Луи, собственно, изобретателем не был. Он просто внес коррективы в более раннюю модель «самого маленького в мире купальника», придуманную Жаком Хаймом, названную «Атом» и впервые показанную в Канне всего тремя неделями раньше.

Некоторые модницы обзавелись новинкой, но она так и пылилась в шкафах, ведь вход на многие пляжи в ней был заказан. В Италии, Испании и Португалии бикини запретили, нарушительниц препровождали прямиком в полицейский участок. В штыки восприняли бикини и в США. Несмотря на то что в 1943 году правительство Соединенных Штатов в целях экономии потребовало от производителей уменьшить на 10 процентов количество ткани, идущей на пошив женских купальников. Ренар, выгадавший на каждом своем шедевре по меньшей мере полтора метра ткани, заслуживал награды от американского правительства, а оно вместо этого практически запретило своим гражданкам даже смотреть в сторону неприличной одежды.

Так продолжалось десять лет, пока на экраны не вышел фильм Роже Вадима «И Бог создал женщину» с Брижит Бардо в главной роли. Пуритане подпортили афишу фильма надписью «…а дьявол создал Бардо», но барьеры рухнули. Никакая полиция уже не могла остановить модниц, заполонивших пляжи Сан-Тропе и итальянской Ривьеры. А после того как в 1963 году на экраны США вышел фильм Beach Party, где в одной из сцен лихо выплясывали красотки в бикини, пал последний бастион моралистов.

Кинематографисты радовали все новыми и новыми картинами, где исполнительницы главных ролей являлись миру в соблазнительных намеках на купальник. Так, Урсула Андрес в белоснежном бикини в роли подружки Джеймса Бонда («Доктор Но», 1962) немедленно стала объектом для подражания у представительниц слабой половины человечества и объектом вожделения у сильной. Рэкел Уэлч в фильме «Миллион лет до нашей эры», снятом в 1966 году, изображая «древнюю женщину», дефилировала по джунглям в меховом подобии бикини. А Джейн Фонда, наряженная в ярко-красный бикини, лихо стреляла по монстрам из лазерной пушки в фантастическом кинокомиксе «Барбарелла» (1967).

Французское национальное изобретение и по сей день с успехом шествует по миру. Тренды летнего сезона-2012 - по-прежнему максимальная открытость. Так, в коллекциях Paloma девушкам предлагается примерить микроскопические трусики, а бюстгальтеры оставить классические. Всегда элегантная Chanel в дополнение к изящным маленьким открытым трусикам предлагает лиф «бандо» с одной завязкой или вовсе без оной. А коллекция Crystal Jin предлагает «минимум минимора» и сверху, и снизу, вдобавок еще телесного оттенка. Эффект разорвавшейся бомбы гарантирован.

Марина Пикассо: «Мой дед был гением зла»

В Канне, в центре искусства Мальмезон, открылась выставка «Пикассо и обнаженная натура». Здесь собраны более 120 работ - картины, рисунки, скульптуры, керамика. Большинство из них предоставила 62-летняя Марина Пикассо - внучка художника.

Ее бабушка - первая жена Пикассо, русская балерина Ольга Хохлова, выступавшая в дягилевских «Русских сезонах». Накануне вернисажа Марина Пикассо дала эксклюзивное интервью «Культуре».

культура: Выставка Пикассо - всегда событие. Тем паче - на такую пикантную тему…

Пикассо: Нельзя сказать, что эта тема главенствовала в творчестве моего деда, но эротизму во всех его проявлениях он придавал исключительное значение. Дед повторял, что секс и искусство для него - одно и то же.

культура: Как мэтр относился к женщинам? Они были его музами или, как утверждают биографы, сексуальными игрушками, дававшими необходимый творческий импульс?

Пикассо: С появлением очередной возлюбленной начинался новый период в его творчестве. Пикассо не только подавлял, но я бы даже сказала, «пожирал» одну за другой своих жен и спутниц. В этом отношении деда можно считать настоящим монстром.

культура: Тем не менее Пикассо считают величайшим художником минувшего века.

Пикассо: Так оно и есть. Не говоря уже о том, что цены на все его произведения постоянно растут (самая дорогая работа Пикассо «Обнаженная, зеленые листья и бюст» ушла с молотка в 2010 году за 106,5 миллиона долларов. - «Культура»). Но надо делать различие между творцом и человеком. Он был, разумеется, гением, но гением зла.

культура: Вместе с тем, наверное, гордитесь тем, что Вы - Пикассо?

Пикассо: Эта фамилия - тяжелая ноша, но с годами привыкаешь. Проблема в том, что ты не выглядишь самостоятельной личностью. Я же никогда не хотела, чтобы во мне видели только внучку Пикассо.

культура: Как складывались Ваши отношения с дедом?

Пикассо: Он не испытывал ко мне ни малейшей симпатии. В его жизни не оставалось места ни для детей, ни для внуков. Мы для него словно не существовали.

культура: «У меня такое впечатление, что дед не умер, - заявили Вы однажды, - но будь он жив сегодня, я бы с удовольствием дала ему бой».

Пикассо: Гений деда носил разрушительный характер по отношению к близким. Он нас унижал, заставлял детей звать его «мэтром». Среди картин Пикассо нет ни одной, на которой были бы изображены я или мой брат Паблито. Зато он охотно рисовал домработниц и животных.

культура: Вы посвятили ему книгу «Дедушка», которая вышла и в России. Речь в ней - о несчастиях, выпавших на долю Ольги Хохловой, ее сына и внуков.

Пикассо: Дед был миллионером, и все вокруг думали, что мы купаемся в роскоши. А мы жили буквально в нищете. У моего отца никогда не было денег. Он служил шофером Пикассо и получал жалкие гроши. Дед разрушал его личность. Отец сильно пил и умер от рака. Не вынес унижения и мой брат, который покончил с собой. У меня даже не было денег, чтобы его похоронить. Все это, конечно, не могло не повлиять и на мою судьбу.

культура: Про свою жену, Вашу бабушку, он сказал: «Она слишком много от меня хотела. Это был наихудший период в моей жизни». Вы так и не простили деда?

Пикассо: Со дня его смерти миновало сорок лет. Я сказала себе, что прошлое есть прошлое. Сейчас уже успокоилась, но по-прежнему не могу простить деду преждевременную смерть отца, исковерканную жизнь бабушки и трагедию брата.

культура: Какие у Вас остались воспоминания об Ольге?

Пикассо: Ее я любила больше всех на свете. Выйдя замуж за деда, она всем пожертвовала - балетом и семьей, которая осталась на родине. Пикассо же прямо при ней водил домой любовниц. Ольга умерла от рака в полном одиночестве.

культура: «Моя смерть, - повторял Пикассо, - станет кораблекрушением, которое повлечет за собой многие жертвы».

Пикассо: Он считал - после него хоть потоп. Дед предвидел баталии за колоссальное наследство. Список его жертв - помимо родных - был длинным. Повесилась Мари-Терез Вальтер, с которой он прожил несколько лет. Застрелилась Жаклин Пикассо, его вторая жена. Только мне удалось избежать этого проклятия.

культура: Вы унаследовали какие-то черты своего деда?

Пикассо: Наверное, очень сильный характер.

культура: А черты бабушки?

Пикассо: Она была единственной из родных, кто меня по-настоящему любил. От нее я унаследовала любовь к детям. Думаю, чувство прекрасного у меня тоже от Ольги.

культура: Как Вы распорядились полученным наследством?

Пикассо: Долгие годы хранила картины в сейфах. Потом расставила полотна вдоль стен - оборотной стороной. Мне было больно смотреть на них.

культура: Однако теперь Вы участвуете в выставках деда.

Пикассо: В конце концов, мне удалось отделить великого художника от человека. Я готова устроить выставку работ Пикассо в России. Ее можно было бы посвятить памяти Ольги Хохловой. Она это заслужила.

культура: На днях Вы продали на аукционе две картины Пикассо за пять миллионов евро и передали эту сумму благотворительным детским фондам.

Пикассо: Мы с братом так много вынесли, когда были маленькими… Поэтому вижу свой долг в том, чтобы помогать несчастным детям. Я начала с Вьетнама, где в 1990-х построила деревню для сирот, детскую больницу и другие структуры. Тогда же усыновила трех вьетнамских детей. У меня еще свои сын и дочь. Все пятеро носят фамилию Пикассо. У детей разные профессии, но художников среди них не оказалось.

культура: Не хотите ли поучаствовать в деятельности российского фонда «Подари жизнь», которым руководит известная актриса Чулпан Хаматова?

Пикассо: Мне ничего не известно об этом фонде, но я бы с удовольствием установила с ним контакт. Пусть мне напишут.

культура: Поддерживаете ли Вы связь с другими потомками Пикассо?

Пикассо: Мы росли порознь. Они никогда не протягивали руку помощи ни мне, ни моему брату. Клод, сын Пикассо и Франсуазы Жило, попытался привлечь меня к работе «Администрации Пикассо». Но я отказалась. Не вижу смысла быть каким-то придатком великого мастера.

Дега и женщины: любовь или ненависть
Сто пятьдесят работ Эдгара Дега, на которых запечатлена обнаженная женская натура, впервые собраны вместе в парижском Музее Орсе.

На выставке «Дега и обнаженная натура» представлены картины, пастели, рисунки, монотипии и скульптуры, созданные на протяжении полувека. «Как ни странно, до сих пор этой стороне творчества Дега не было посвящено ни одной большой выставки, - сказала „Культуре“ ее комиссар Ксавье Ре. - Но именно эта тема помогает нам понять эволюцию художника от классической традиции к современной живописи начала ХХ века».

Однако даже нынешняя экспозиция не дает ответа на вопрос, который искусствоведы обсуждали все минувшее столетие: «Любил ли Дега женщин?» Это по-прежнему остается загадкой. Дело в том, что в молодые годы художник подцепил в борделе сифилис, который в те годы был настоящим бичом богемы. «Дурная» болезнь так шокировала его, что он, выздоровев, стал относиться к прекрасному полу с отвращением.

Возможно, именно поэтому Дега никогда не связывал себя узами брака, и если верить его переписке и свидетельствам современников, любовных романов у него почти не было. До конца жизни с ним оставалась только его домоправительница Зое. Поэтому некоторые биографы усматривают в его поведении признаки нетрадиционной сексуальной ориентации. Как бы там ни было, Дега с маниакальной настойчивостью рисовал женщин, которые принимают ванну, вытирают тело, сушат волосы, причесываются, одеваются.

По всей видимости, большинство его моделей были проститутками. Да и сам художник, судя по названиям его работ, не делал из этого тайны: «Комната в борделе», «В ожидании клиента», «Сцена в доме терпимости», «Серьезный клиент», «Биде», «Изнасилование» и т. д. Нет, он не восхищался женским телом, но разглядывал парижских гетер то с сочувствием, то с иронией, то с осуждением.

Над работами Дега, описывающими трудовые будни жриц любви, иронизировал Пабло Пикассо в своих графических листах, которые называл: «Дега платит и уходит. Шлюхи не делают ему подарков», «Пока путаны отдыхают, Дега мечтает».

«Я слишком часто смотрел на них, как на животных», - однажды признался с присущим ему цинизмом Дега. Обнаженная натура не раз служила лишь декоративным элементом в его композициях. Обычно он рисовал обнаженные модели со спины и крайне редко - их лица. Но что бы ни изображал Дега - обитательниц борделей, дам полусвета, балерин, прачек, скачки, театры, кабаре, кафешантаны, - он хранил верность завету Доминика Энгра, которого считал своим духовным отцом. «Молодой человек, - наставлял он молодого Дега, - рисуйте линии - с натуры и по памяти, и вы станете хорошим художником «.

В отличие от своих подельников - импрессионистов Эдгар Дега предпочитал творить не на пленэре, а в мастерской. По его словам, он любил видеть пейзаж только из окна поезда.

«Я хочу наблюдать за происходящим через замочную скважину», - любил повторять мэтр, излечившись от сифилиса. Неслучайно директор Музея Орсе Ги Кожеваль называет его вуайеристом. Впрочем, это не помешало Дега стать, по словам самого Ренуара, «самым революционным художником новой живописи».

10 шедевров, которые необходимо увидеть в Лувре

Быть в Париже и не заглянуть в Лувр - просто преступление. Это вам любой турист скажет. Но если вы заранее не подготовились, то рискуете затеряться среди толпы людей с камерами, планшетами и смартфонами и упустить то самое главное, ради чего весь мир стремится в крупнейший парижский музей.

Лувр огромен и прекрасен. Насладиться всеми его экспонатами даже за один день не получится - их более 300 000. Чтобы не получить эстетический шок от перенасыщения прекрасным, приходится делать выбор.

Итак, зачем же идти в Лувр? В первую очередь, конечно же, за «Джокондой».

«Мона Лиза» Леонардо да Винчи

«Джоконда» кисти Леонардо да Винчи - главный экспонат Лувра. Все указатели музея ведут именно к этой картине. Огромное количество людей ежедневно приходит в Лувр, чтобы своими глазами взглянуть на завораживающую улыбку «Моны Лизы». Нигде, кроме Лувра, увидеть ее нельзя. Из-за плохого состояния картины, руководство музея объявило, что больше не будет отдавать ее на выставки.

«Мона Лиза», возможно, не была бы так популярна и всемирно известна, если бы в 1911 году ее не похитил работник Лувра. Картину нашли только спустя 2 года, когда вор пытался ее продать в Италии. Все это время, пока шло следствие, «Мона Лиза» не сходила с обложек газет и журналов всего мира, став объектом копирования и поклонения.

Сегодня «Мона Лиза» спрятана за пуленепробиваемым стеклом, толпу туристов сдерживают заграждения. Интерес к одному из самых известных и загадочных произведений живописи в мире не угасает.

Венера Милосская

Вторая звезда Лувра - статуя богини любви Афродиты из белого мрамора. Знаменитый античный идеал красоты, созданный за 120 лет до н. э. Рост богини - 164 см, пропорции - 866 993.

По одной из версий, руки богини были утрачены в момент конфликта между французами, которые хотели отвезти ее в свою страну, и турками - владельцами острова, где она была обнаружена. Эксперты уверяют, что руки статуи были отбиты задолго до ее обнаружения. Однако местные жители островов Эгейского моря верят в другую красивую легенду.

Один знаменитый скульптор искал модель для создания статуи богини Венеры. До него дошел слух о женщине необычайной красоты с острова Милос. Художник помчался туда, отыскал красавицу и без памяти влюбился в нее. Получив согласие, он принялся за работу. В день, когда шедевр был почти готов, не в силах больше сдерживать страсть, скульптор и модель бросились в объятия друг к другу. Девушка так сильно прижимала к груди скульптора, что тот задохнулся и умер. А скульптура так и осталась без обеих рук.

«Плот «Медузы» Теодор Жерико

Сегодня картина Теодора Жерико является одной из жемчужин музея. Хотя после смерти художника в 1824 году представители Лувра не готовы были заплатить за нее достойную сумму, и картину приобрел на аукционе близкий друг художника.

При жизни автора полотно вызывало возмущение и негодование: как посмел художник использовать столь большой формат не для принятого в те времена героического или религиозного сюжета, а для изображения реального события.

В основе сюжета картины лежит происшествие, случившееся 2 июля 1816 года у берегов Сенегала. Фрегат «Медуза» потерпел крушение, и 140 человек попытались спастись на плоту. Лишь 15 из них остались в живых и спустя 12 дней были подобраны бригом «Аргус». Подробности плавания выживших - убийства, людоедство - потрясли общество и обернулись скандалом.

Жерико соединил в одной картине надежду и отчаяние, живых и мертвых. Прежде чем изобразить последних, художник делал многочисленные этюды умирающих в больницах и трупов казненных. «Плот „Медузы“» стал последним из законченных произведений Жерико.

Ника Самофракийская

Еще одна гордость музея - мраморная скульптура богини победы. Исследователи считают, что неизвестный скульптор создал Нику во II веке до н. э в знак греческих морских побед.

У скульптуры отсутствуют голова и руки, а правое крыло является реконструкцией, гипсовой копией левого крыла. Неоднократно пытались восстановить и руки статуи, но безуспешно - все они портили шедевр. Статуя теряла ощущение полета и стремительности, неудержимого стремления вперед.

Первоначально Ника стояла на отвесной скале над морем, а ее пьедестал изображал нос боевого корабля. Сегодня статуя расположилась на втором этаже Лувра на лестнице Дару галереи Денон и видна издалека.

«Коронация Наполеона» Жак Луи Давид

Ценители искусства едут в Лувр, чтобы вживую увидеть монументальные картины французского художника Жака Луи Давида «Клятва Горациев», «Смерть Марата» и грандиозное полотно, запечатлевшее коронацию Наполеона.

Полное название картины - «Посвящение императора Наполеона I и коронование императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 года». Давид выбрал момент, когда Наполеон коронует Жозефину, а папа Пий VII дает ему свое благословение.

Картина была создана по заказу самого Наполеона I, который хотел, чтобы на ней все выглядело лучше, чем было на самом деле. Поэтому он попросил Давида изобразить в самом центре картины свою мать, которой не было на коронации, себя сделать чуть выше, а Жозефину - чуть моложе.

«Амур и Психея» Антонио Канова

Существует две версии скульптуры. В Лувре хранится первая версия, подаренная музею в 1800 году мужем сестры Наполеона Иоахимом Мюратом. Вторая, более поздняя версия, находится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Ее подарил музею князь Юсупов, который приобрел шедевр в Риме в 1796 году.

Скульптура изображает бога Купидона в момент пробуждения Психеи от его поцелуя. В каталоге Лувра скульптурная группа названа «Психея, разбуженная поцелуем Амура». На создание шедевра итальянского скульптора Антонио Канова вдохновили древнегреческие мифы о боге любви Амуре и Психее, которую греки считали олицетворением человеческой души.

Этот шедевр воплощения чувственности в мраморе несомненно стоит оценить вживую.

«Большая одалиска» Жана Энгра

Энгр писал «Большую одалиску» для сестры Наполеона Каролины Мюрат. Но картина так и не была принята заказчицей.

Сегодня она является одним из ценнейших экспонатов Лувра, несмотря на очевидные анатомические погрешности. У одалиски три лишних позвонка, правая рука неправдоподобно длинная, а левая нога вывернута под невозможным углом. Когда картина появилась в салоне в 1819 году, один из критиков писал, что в «Одалиске» нет «ни костей, ни мускулов, ни крови, ни жизни, ни рельефа».

Энгр всегда без колебаний и сожалений утрировал черты своих моделей, чтобы подчеркнуть выразительность и художественную ценность картины. И сегодня это никого не смущает. «Большая одалиска» считается самым известным и значительным произведением мастера.

«Рабы» Микеланджело

В числе самых ценных экспонатов Лувра две скульптуры Микеланджело: знаменитые «Восставший раб» и «Умирающий раб». Они были созданы в период с 1513 по 1519 г. для надгробия папы Юлия II, но так и не вошли в окончательный вариант гробницы.

По задумке скульптора, всего статуй должно было быть шесть. Но работу над четырьмя из них

Микеланджело не закончил. Сегодня они находятся в Галерее Академии во Флоренции.

Две законченные луврские статуи - это противопоставление сильного юноши, пытающегося разорвать путы, другому юноше, бессильно повисающему в них. Побежденные, связанные, умирающие люди у Микеланджело, тем не менее, как всегда удивительно прекрасны и сильны.

Статуя сидящего Рамзеса II

Лувр обладает одной из богатейших в мире коллекций египетских древностей. Шедевр древнеегипетской культуры, который нужно непременно увидеть своими глазами - это статуя знаменитого фараона Рамзеза II.

Оказавшись в зале египетских древностей, не пропустите также статую сидящего писца с удивительно живым выражением лица.

«Кружевница» Яна Вермеера

Картины Вермеера интересны тем, что в них исследователи находят доказательства того, что великие художники, начиная с эпохи Возрождения, пользовались оптикой для написания своих реалистичных картин. В частности при создании «Кружевницы» Вермеер, предположительно, использовал камеру-обскуру. На картине можно увидеть много оптических эффектов, применяемых в фотографии, например: размытый передний план.

В Лувре также можно посмотреть картину Вермеера «Астроном». На ней изображен друг и посмертный распорядитель художника Антони ван Левенгук, ученый и микробиолог, уникальный мастер, создававший собственные микроскопы и линзы. По всей видимости, он и снабжал Вермеера оптикой, с помощью которой художник писал свои шедевры.

Бегство в рай

В мадридском музее Тиссена-Борнемиса открылась выставка «полинезийских» работ Поля Гогена.

В октябре одна из крупнейших галерей мира - музей Тиссена-Борнемиса - отмечает 20-летие. К собственному юбилею музей подготовил выставку - «Гоген и путешествие в экзотику».

В экспозиции представлено 111 полотен (масло, графика, акварели, рисунки, эстампы): 33 работы самого Гогена, остальное - произведения его не менее знаменитых последователей. Устроители выставки попытались показать гогеновское творчество как толчок к развитию примитивизма и экспрессионизма в европейском искусстве ХХ века: французский фовизм, немецкий экспрессионизм, русский абстракционизм питались идеями Гогена. В живописи наблюдался настоящий бум полинезийских, африканских и прочих экзотических мотивов. Картины, созданные Полем Гогеном в Полинезии, на Таити, - начало эпохи художников-экспериментаторов, таких как Эмиль Нольде, Анри Матисс, Василий Кандинский, Пауль Клее и Аугуст Маке. Все они также представлены в экспозиции.

Побег художника на Таити в поисках рая - собственно, и есть тема выставки. Помимо законченных картин, представлены эскизы, выдержки из дневников, фотографии, старая кинохроника, книга о Таити, которую Гоген - по собственному же признанию - написал для того, чтобы было проще понимать его живопись.

По словам Паломы Аларко - куратора выставки и шефа коллекции современной живописи музея Тиссена-Борнемиса, специально для мадридского показа были привезены полотна Гогена и его последователей из крупнейших музеев мира - таких как музей Фонда Бейелер (Швейцария, Базель), Венская галерея Альбертина, Музей изобразительных искусств Будапешта, Национальная галерея искусств Вашингтона. ГМИИ имени Пушкина предоставил работу Гогена - «Матамое. (Смерть. Пейзаж с павлинами)», относящуюся к первому периоду жизни художника на Таити. Из Метрополитен-музея прибыли «Две таитянки», а из Музея Фолькванг (Германия, Эссен) - «Девушка с веером». Фонд Эмиля Нольде предоставил шесть акварелей художника-экспрессиониста из серии, созданной им в 1913 - 1914 годах, после поездки в Южное полушарие в составе медицинско-демографической экспедиции. Из Национального центра искусств и культуры имени Жоржа Помпиду привезены четыре «тунисские» картины Василия Кандинского, написанные им во время путешествий по Северной Африке.

Мать Поля Гогена, как известно, была из Перу, и до семи лет мальчик прожил в Лиме. Экзотическая природа, памятники цивилизации инков, национальный колорит наложили отпечаток на все его мировоззрение. Собственно, эти образы не отпускали его до самой смерти. В погоне за детскими мечтами он и стремился все время куда-то вдаль - это были отчаянные попытки поиска другой, «настоящей» жизни. В итоге в 1891 году художник сбежал от цивилизации, которую считал «болезнью», во Французскую Полинезию, на Таити, где наконец сбылась его мечта «слиться с природой». Там, в потерянном земном раю, Гоген за один только 1892 год напишет 80 полотен, составляющих сегодня золотой фонд коллекций ведущих музеев мира. В 1893 году Гоген возвращается во Францию, где пробудет два года, а в 1895-м - из-за болезни и отсутствия средств - навсегда уезжает в Океанию. Художник берет в жены молодую таитянку и вдохновенно работает до самой смерти в 1903-м. Это были самые тяжелые его годы (Гоген заболел проказой и сифилисом, жил в бедности, страдал от депрессии), но вместе с тем и самые счастливые - именно тогда он создал свои лучшие полотна.

Ангелы в задумчивости

В Дрездене отмечают пятисотый день рождения всемирно известной Сикстинской мадонны. Той самой, что десять лет провела в советских запасниках и, выставленная перед отправкой домой в 1955 году в ГМИИ, оставила неизгладимый след в душах граждан СССР.
До конца августа в Галерее старых мастеров в Цвингере работает выставка, приуроченная к юбилею самой красивой женщины на свете.

Чтобы заполучить этот шедевр Рафаэля, Августу III пришлось два года вести переговоры с Ватиканом и выложить за полотно сумму, в десять раз превосходящую ту, на которую изначально рассчитывал. Когда в 1754-м Madonna Sistina прибыла в Дрезден, король, по словам летописцев, был в таком восторге, что собственноручно отодвинул от стены трон и воскликнул: «Дорогу великому Рафаэлю».

Дело в том что в Италии, где работ Рафаэля, Леонардо и Микеланджело немало, ценности «скромного» алтарного образа из монастырской церкви в Пьяченце никто толком не понимал. А в Дрездене вокруг нее немедленно возник культ. Картине поклонялись - почти как иконе. Все, кто ее видел, не могли забыть необыкновенное выражение лица Мадонны, ее неземной взгляд, чудесного ребенка на руках. Сидящие внизу картины ангелочки (их умненькие личики вызвали у искусствоведов такую трактовку: «Ангелы в задумчивости ожидают начала мессы») стали любимыми натурщиками всех заезжих художников.

Когда наступил век фотографии, «Сикстинская Мадонна» перекочевала в виде оттисков в жилища обычных людей. Из объекта высокого искусства картина превратилась в кусочек красоты, который можно было купить недорого и в неплохом качестве: печатная продукция Саксонии - как раньше, так и сейчас - котировалась во всем мире.

Злобный XX век позволил себе над культом этой Мадонны посмеяться: карикатуристы сочувствовали женщине, которой приходится столько лет стоять и «терпеть» поклонение «черни». Правда, после возвращения шедевра из Советского Союза шутки про «Систину» были отброшены в сторону, и снова начался культ, особенно когда после объединения Германии в Дрезден хлынули толпы заокеанских туристов. Но растиражированные на зонтиках и туалетной бумаге ангелочки так и не смогли вернуть к себе серьезного отношения, впрочем, как и их «коллеги» из Ватикана, но что поделаешь: поп-культура, она на то и поп-культура, чтобы массы радовались искусству хоть в какой-нибудь форме. Между тем выставка настраивает на мысли о более высоком, чем зеленые мужские ботинки с узором из желтых ангелочков (экземпляр представлен в самой последней комнате экспозиции). Кураторам удалось договориться с итальянцами о выставке в Дрездене другого шедевра Рафаэля - «Донны Велаты» из Палатинской галереи во Флоренции. Обеих женщин Рафаэль писал примерно в одно время, и обе слыли римскими красавицами, но никогда в написанном виде дамы не висели рядом и не переживали неприятного момента сравнения. Нужно было ждать 500 лет, чтобы встреча состоялась.

Что такое «попса»?

Толчком к написанию этой статьи стал просмотр какого-то ток-шоу, где по традиции «бились» две противоборствующие команды - «за» попсу и «против» нее. Противники попсы (к которым подсознательно относил себя и я) на поверку оказались несостоятельными спорщиками, они допускали иногда настолько грубые промашки, что это автоматически добавляло очки оппонентам.

Основной бедой большинства споров является то, что они разгораются и затихают, так и не прояснив главного - о чем, собственно, спорим? Так обстоят дела и со спорами о попсе. Вся беда в том, что это не четкий научный термин, поэтому и определяют его, кто во что горазд. Попробую и я взяться за это неблагодарное занятие.

Начнем с того, что в СССР термин «попса» появился довольно поздно (по моим наблюдениям - где-то в середине 1980-х). До его появления мишенью критики со стороны, как филармонистов, так и бардов с рокерами была так называемая «советская эстрада». Приставка «советская» здесь очень важна, ибо под эстрадой понимали именно официально разрешенное искусство для увеселения советского народа. Каждая «каста» не любила эстраду по-своему. Барды и рокеры считали ее чересчур приглаженной, конформистской по отношению к власти, творчески несвободной, зависящей от множества официальных «можно» и «нельзя». Филармонистов же раздражала, в первую очередь, профессиональная поверхностность, зависимость от веяний моды.

Мне кажется, что понятие «попса» начало выкристаллизовываться в то время, когда набрало силу неофициальное музыкальное искусство. В среде молодежных групп начало происходить сначала малозаметное, а затем все большее расхождение между песнями «для ног» и песнями «для головы и души», музыкой для чистого развлечения и музыкой, где слушателю посылался определенный «мэсседж» - послание. То есть, по сути дела, «попса» изначально обозначала исключительно развлекательную музыку для молодежи 1980-х, как ранее эстрада и ВИА - для молодежи 1970-х. Сначала новый термин получил широкое распространение в субкультурной рок-среде, после чего выплеснулся в повседневную народную речь и оброс дополнительными смыслами (о чем мы поговорим ниже).
В самом слове «Pop» (от англ. - popular - «популярный») нет ничего крамольного. Однако стоит отметить, что оно стало широко употребляться только с возникновением на Западе развитых шоу-технологий и СМИ. Это пригодится нам в дальнейшем.

Как я уже писал, термин «попса» чрезвычайно размыт и сильно субъективен. Сначала его употребляли по отношению к развлекательной и «бездумной» музыке, но при таком определении тотчас возникает уйма вопросов. Начиная от глобальных - что значит РАЗВЛЕКАТЕЛЬНАЯ и БЕЗДУМНАЯ, и заканчивая частными - можно ли «обозвать», к примеру, уважаемых BEATLES попсой? С таким же успехом попсой можно «обозвать» большую часть народного фольклора и т. д. и т. п. В результате в сфере «непопсы» останется разве только авангардное, экспериментальное и прочее сложное для понимания (или же никем не востребованное) искусство.

В общем, определение «Попса - это просто популярная музыка, которую слушает большинство» - самое слабое. Ведь популярная музыка - это не жанр и не категория, это просто констатация свершившегося факта. Сюда могут попасть и однодневки, и по-настоящему гениальные произведения. BEATLES, Моцарт, ABBA, Высоцкий, Утесов, Паваротти, песни «Землянка», «Шумел камыш», «Мурка», «Нас не догонят», романс из «Юноны и Авось» - неужели все это вещи одного уровня? Тем более, как определить количество «большинства»? Это сколько человек? Какой-нибудь китайский аналог «ЛАСКОВОГО МАЯ» может по охвату населения заткнуть за пояс того же Стинга. И самое главное - будет ли эта песня или группа так же популярна спустя хотя бы лет десять? А если ее не помнят через год - о каком большинстве и о какой популярности может идти речь? В общем, популярность - это совершенно не показатель «попсовости», как бы не хотели навязать нам это мнение сами «попсовики», для которых критерий массового охвата - единственная цель работы. Может тогда…

«Попса - это музыка для развлечения (танцев)».
Вернемся к вопросу: что значит развлечение? Если под этим подразумевать музыку, которая служит фоном, то выходит, что и Бетховен может быть попсой. А если поставить знак равенства между попсой и танцевальной музыкой, то попсовыми можно окрестить и вальс, и танго. К тому же, экспериментальная электронная танцевальная музыка 1990-х годов довольно любопытна в творческом отношении, и оголтело отнести ее к попсе было бы несправедливо. Тогда получается, что…

«Попса - это примитивная некачественная непрофессиональная музыка и песни».
Некачественная музыка - это конечно плохо, но, опять-таки, что понимать под «качеством» и «примитивностью»? Три аккорда? Так на них написано бесчисленное множество и замечательных, и бездарных песен. Аранжировка? Тогда Окуджава с его гитаркой не соперник даже группе МИРАЖ. Осмысленность текстов? Тогда «Рамамба Хару Мамбуру» или «Tutti-Frutti» в сто раз попсовее песен «Дым сигарет с ментолом…» или «Ты - морячка, я - моряк…». Профессионализм текстов? Тогда тексты ЛЮБЭ написаны профессиональнее, чем тексты многих песен Виктора Цоя. Голос? Так всем понятно, что Басков ноты берет лучше, чем Высоцкий. Душевность исполнения? Так и Шевчук, и Алла Борисовна поют, выкладываясь полностью. И кто здесь попса? Тут мы плавно переходим к следующему определению…

«Попса - это вторичная музыка…»
А вот это уже, как говорится, «теплее». Попса действительно по самой своей сути не способна на новаторство и творческий риск. Потому что…

«Попса - это, скорее, не музыка как вид искреннего и оригинального искусства, а музыкальный ПРОДУКТ, созданный ради денег и славы, ИСКЛЮЧИТЕЛЬНО коммерческая музыка…»
«Горячо»! Только спешить не надо, а то хитрые «апологеты» попсы тотчас язвительно предложат вам продать последнюю рубашку и петь свои песни на безлюдном пустыре.

А все дело в приоритетах. Популярность (а за ней обычно следуют и деньги) - желание вполне разумное. Найти своего слушателя, иметь финансовую возможность продолжать и совершенствовать своё творчество - это то, о чем осознанно или неосознанно мечтает любой творец. Но настоящему творцу эта популярность никогда не доставит удовольствия, если ради нее он принесет в жертву творчество.

К тому же, основное качество попсы - это стремление к «быстрым» деньгам, стремление окупиться побыстрее и САМЫМ ЛЕГКИМ способом. Попса - это своеобразный рынок для бедных, это китайский ширпотреб, это дешевая водка с яркой этикеткой, это туфли, сделанные «под фирму», но разваливающиеся за один сезон, это «Gallina Blanca» для тех, кто не в состоянии приготовить суп на настоящем курином бульоне. Производители попсы не стремятся создать шедевр. Ведь создание шедевра невозможно без творческих поисков и экспериментов. А любой непросчитанный коммерчески эксперимент - дело рисковое и, главное, ненадежное. Вот и ворует попса уже обкатанные «первопроходцами» идеи, упрощает, приземляет их, лишает глубины. В итоге на свет производится жвачка «на лицо - клубничная, резиновая - внутри». А так как вкус жвачки быстро исчезает, то попс-конвейер должен работать с потрясающей скоростью. Вот наши продюсеры и действуют в двух направлениях: либо пекут «звезд» сами, либо ищут уже готовых «самородков», обтесывают их под нужный формат и пускают на конвейер.

И пусть большинство подобных «продуктов» не обладает глубиной, искренностью или утонченностью. Плевать! Зато попса доступна, как доступна проститутка (пускай эмоционально обедненное, зато легкое удовольствие), а следовательно и вечна, как проституция.

При этом попсе чужда стихийность творческого процесса, ибо стихийность не управляема и, соответственно, коммерчески не стабильна. Поэтому попса как ЯВЛЕНИЕ могла возникнуть только одновременно с шоу-индустрией, своеобразной фабрикой, ПРОФЕССИОНАЛЬНО формирующей и удовлетворяющей культурные запросы усредненного массового ПОТРЕБИТЕЛЯ.

Так что блатные песни, написанные в местах заключения, даже если они творчески несостоятельны, автоматически к попсе отнести нельзя. Как и народный фольклор. Конечно, он так же, легко усваивается широкими массами, прост в мелодике и выборе тем. Как и попса, фольклор - искусство ПРИКЛАДНОЕ, т. е. используемое для конкретных целей и общечеловеческих нужд. Но, так называемая, «низовая культура» рождалась стихийно, поэтому она натуральна, а не искусственна. А то, что фольклор выкристаллизовывался веками, не могло не сказаться и на его творческой полноценности и отточенности. Ну и, естественно, народное искусство никогда изначально не ставило своей целью коммерческую прибыль, поэтому попсой считаться не может.

В итоге, я сформулировал для себя следующее определение попсы:

ПОПСА - это музыкальный ПРОДУКТ МАССОВОГО ПОТРЕБЛЕНИЯ, ПРОИЗВОДИМЫЙ СФЕРОЙ ШОУ-БИЗНЕСА, в котором коммерческое начало безоговорочно доминирует над творческим (а не сосуществует с ним).

Для поп-индустрии быстрое достижение славы и денег - первоочередная и главная задача. Из нее уже вытекает характерная для попсы творческая примитивность, заурядность, быстрая «усваиваемость», дешевая развлекательность, беспринципность и вторичность, подмена индивидуальности и харизмы творца искусственно созданным шоу-индустрией имиджем «звезды», легкая взаимозаменяемость.

Попса не связана никакими этическими или эстетическими критериями, если есть возможность получить быструю прибыль без особого риска. Говоря шире, чем на большие уступки идет творец ради быстрой славы и денег, тем более он «попсовый». Заметьте, «попсовость» и «бездарность» - понятия не адекватные, а просто часто сосуществующие.

про невежество и мракобесие
Модель развития, основанная на удовлетворении нормальных потребностей на заработанные людьми деньги, исчерпала себя. У людей не было и не предвиделось ни роста наличных денег, ни роста потребностей. Бизнес мог расти только с ростом населения, которое тоже как назло прекратило рост в развитых странах.

Достоевский в «Подростке» пророчил. Наестся человек и спросит: а что же дальше? Смысл ему жизни подавай. Или иные какие цели.

Но в реальности спросил не человек. Его опередили. Опередил глобальный бизнес. Он первый спросил «Что дальше?» и первый нашёл ответ.

Капитализм не может существовать без экспансии. Глобальному бизнесу нужны новые и новые рынки сбыта. И эти рынки были найдены. Они были найдены не за морями (там уже было к тому времени нечего ловить), а В ДУШАХ ЛЮДЕЙ.

Капитализм начал уже не удовлетворять, а создавать всё новые, и новые потребности. И триумфально их удовлетворять. Так, операторами сотовой связи создана потребность непрерывно болтать по телефону, фармацевтическими корпорациями - потребность постоянно глотать таблетки, фабрикантами одежды - менять её чуть не каждый день и уж во всяком случае - каждый сезон.

Можно также создавать новые опасности - и защищать от них с помощью соответствующих товаров. Защищают от всего: от перхоти, от микробов в унитазе, от излучения сотового телефона. Как маркетолог могу сказать, что на российском рынке лучше всего идёт модель «бегство от опасности».

На первый план вышел маркетинг. Что такое маркетинг? В сущности, это учение о том, как впендюрить ненужное. То есть как сделать так, чтобы ненужное показалось нужным и его купили. Почему маркетинга не было раньше, в ХIХ, положим, веке? Да потому, что нужды в нём не было. Тогда производились нужные товары и удовлетворялись реальные потребности. А когда нужно стало выдумывать потребности ложные - вот тогда и понадобился маркетинг. Такова же роль тотальной рекламы.

Маркетологи испытывают профессиональную гордость: мы не удовлетворяем потребности - мы их создаём. Это в самом деле так.

Для того чтобы люди покупали что попало, разумные доводы отменили. Поскольку речь идёт о навязанных и ложных потребностях - рационально обсуждать их опасно. Очень легко может оказаться, что они - ложные, а то, о чём, говорят, не существует в природе и вообще не может существовать в силу законов приоды. Навязывание потребностей происходит строго на эмоциональном уровне. Реклама апеллирует к эмоциям - это более низкий пласт психики, чем разум. Ниже эмоций - только инстинкты. Сегодня реклама всё больше апеллирует прямо к ним.

Для того, чтобы процесс шёл бодрее, необходимо устранить препятствие в виде рационального сознания, привычек критического мышления и научных знаний, распространённых в массах. Очень хорошо, что эти привычки и знания стали расшатываться ещё на предыдущем этапе. Всё это мешает глобальной экспансии капитализма! Это мешает продавать горы ненужных и пустых вещей.

Вообще, включать критическое и рациональное мышление сегодня - не требуется. Это не модно, не современно, не trendy. С.Г. Кара-Мурза постоянно говорит о манипуляции сознанием (собственно, одноимённая книжка и принесла ему известность). Это не совсем так. Глобальный капитализм замахивается на задачу более амбициозную, чем манипуляция сознанием. Манипуляция сознанием - это всё-таки точечное жульничество, разовая подтасовка. А сейчас речь идёт о глобальном формировании идеального потребителя, полностью лишённого рационального сознания и научных знаний о мире. Известный философ Александр Зиновьев верно сказал, что идеальный потребитель - это что-то вроде трубы, в которую с одного конца закачиваются товары, а из другого они со свистом вылетают на свалку.

Кто такой идеальный потребитель? Это абсолютно невежественный, жизнерадостный придурок, живущий элементарными эмоциями и жаждой новизны. Можно сказать, не придурок, а деликатнее - шестилетний ребёнок. Но если в тридцать лет у тебя психика шестилетнего - ты всё рано придурок, как ни деликатничай. У него гладкая, не обезображенная лишними мыслями физиономия, обритая бритвой «жилет», белозубая улыбка, обработанная соответствующей зубной пастой. Он бодр, позитивен, динамичен и всегда готов. Потреблять. Что именно? Что скажут - то и будет. На то он и идеальный потребитель. Он не будет ныть: «А не что мне новый айфон, когда я старый-то не освоил? И вообще мне это не надо». Ему должно быть надо - всё. Схватив новую игрушку, он должен немедленно бросать прежнюю.

Он должен постоянно перекусывать, испытывая «райское наслаждение» и при этом героически бороться с лишним весом. И при этом не замечать идиотизма своего поведения. Он должен постоянно болтать по телефону, и при этом исступлённо экономить на услугах сотовой связи. Он должен (это уже скорее - она) непрерывно защищать своих близких от микробов, что вообще-то совершенно не требуется и даже вредно. И главное, он должен верить - верить всему, что ему скажут, не требуя доказательств.

Вообще, самый феномен рационального доказательства, который когда-то был большим достижением античной цивилизации и с тех пор неразрывен с мыслящим человечеством, на глазах угасает и грозит исчезнуть. Люди уже не испытывают в нём потребности.

СМИ - ВИРТУАЛЬНЫЙ «ОСТРОВ ДУРАКОВ»

Для воспитания позитивного гедониста - идеального потребителя, который непрерывно радует себя покупками, обжирается и при этом активно худеет, не замечая нелепости своего поведения, необходима повседневная целенаправленная работа по оболваниванию масс.
Главнейшую роль в этом деле играет телевидение как наиболее потребляемое СМИ, но этим дело не ограничивается.
Потребление не сказать «духовного», но скажем: «виртуального» продукта должно тоже непрестанно радовать или, во всяком случае, не огорчать затруднительностью, непонятностью, сложностью. Всё должно быть радостно и позитивно. Любая информация о чём угодно должна низводить всё до уровня элементарной жвачки. Например, любые великие люди должны представать как объект кухонных пересудов, как такие же простые и глуповатые, как сами зрители, и даже не сами зрители, а как те идеальные потребители, которых из зрителей планируется вырастить.
Ни о чём потребитель не должен сказать: «Этого я не понимаю» или «В этом я не разбираюсь». Это было бы огорчительно и не позитивно.

Когда-то М. Горький писал, что есть два типа подхода к созданию литературы и прессы для народа. Буржуазный подход - это стараться опустить тексты до уровня читателя, а второй подход, советский, - поднять читателя до уровня литературы. Советские писатели и журналисты, - считал Горький, - должны поднимать читателя до уровня понимания настоящей литературы и вообще серьёзных текстов. Современные СМИ не опускаются до наличного уровня читателя - они активно тянут этого читателя вниз.

Всё шире распространяются книжки-картинки, но не для трёхлетних, как это было всегда, а для взрослых. Например, удачное издание этого типа - последний период новейшей истории СССР и России в картинках от телеведущего Парфенова.

В сущности, современные СМИ - это виртуальный Остров Дураков, блистательно описанный Н. Носовым в «Незнайке на Луне». Мне кажется, что в этой сатире автор поднимается до свифтовской высоты. Речь в этом замечательном тексте идёт, кто забыл, вот о чём. На некий остров свозят бездомных бродяг. Там их непрерывно развлекают, показывают детективы и мультики, катают на каруселях и др. аттракционах. После некоторого времени пребывания там, надышавшись отравленным воздухом этого острова, нормальные коротышки превращаются в баранов, которых стригут, получая доход от продажи шерсти.

Наши СМИ исправно поставляют заказчикам баранов для стрижки.

Заказчики в узком смысле - это рекламодатели, а заказчики в широком смысле - это глобальный бизнес, для которого необходимы достаточные контингенты потребителей. Как советская пресса имела целью коммунистическое воспитание трудящихся, точно так сегодняшние СМИ имеют целью воспитание идеальных потребителей. Только совершенно оболваненные граждане способны считать целью жизни непрерывную смену телефонов или непрерывную трату денег на радующие глаз пустяки. А раз это так - граждан нужно привести в надлежащий вид, т. е. оболванивать.

Оболванивание начинается со школы, с детских журналов с комиксами, которые купить можно везде, в то время как более разумные журналы распространяются только по подписке и нигде не рекламируются. Я сама с удивлением узнала, что издаются газеты и журналы нашего детства «Пионерская правда», «Пионер». Но они нигде не проявляют себя, школьники о них не знают, это что-то вроде подпольной газеты «Искра». Этих изданий (качество которых тоже не идеально, но вполне сносно) нет ни в школьных библиотеках, ни в киосках, их вообще нет в обиходе. В результате большинство детей читают только фэнтези, что готовит их к восприятию гламурной прессы, дамских и детективных романов и т. п.

Результатом такой целенаправленной политики является невозможность и немыслимость никакой серьёзной дискуссии в СМИ, вообще никакого серьёзного обсуждения чего бы то ни было. Даже если бы кто-то такое обсуждение и затеял, оно бы просто не было никем понято и поддержано. Американские специалисты установили, что нормальный взрослый американец-телезритель не способен воспринимать и отслеживать последовательное развёртывание какой-либо темы долее трёх минут; дальше он теряет нить разговора и отвлекается. Относительно нашей аудитории данных нет. Сделаем лестное для нашего патриотического чувства предположение, что наши в два раза умней. Тогда они могут слушать не три минуты, а, например, шесть. Ну и что? О каком серьёзном обсуждении может вообще идти речь?

Характерно, что даже люди с формально высоким уровнем образования (т.е. имеющие дипломы) не ощущают необходимости в рациональных доказательствах какого бы то ни было утверждения. Им не требуются ни факты, ни логика, достаточно шаманских выкриков, вроде получившего в последнее время широкое хождение универсального способа аргументации: «Это так!»

На своих занятиях с продавцами прямых продаж (практически все с высшим образованием, полученным ещё в советское время - учителя, инженеры, экономисты, врачи) я многократно убеждалась: людям не нужна аргументация. Она только занимает время и попусту утяжеляет выступление. Аргументированное выступление воспринимается как нудное. «Вы скажите, как оно есть, и дело с концом». Гораздо лучше всяких аргументов воспринимается то, что Руссо называл «эмоциональными выкриками» и приписывал доисторическим дикарям.

Привычка созерцать любимых телеведущих формирует представление (возможно, неосознанное): главное не что говорится, а главное - кто говорит. Если говорит человек уважаемый, любимый, симпатичный - всё принимается за истину, «пипл схавает». Люди испытывают потребность видеть «говорящую голову» на телеэкране, восприятие даже простого текста в печатном виде очень трудно. Недаром многие мои слушатели охотно приобретают видеозаписи моих выступлений, хотя гораздо проще (с точки зрения традиционной) их прочитать.

ЧЕМУ УЧАТ В ШКОЛЕ?

В простоте своей министр Фурсенко проболтался: цель образование - воспитание культурного потребителя. И современная школа - средняя и высшая - постепенно подтягивается к данной задаче. Не сразу, но подтягивается.

Чему сейчас учат? Как себя вести в социуме, как вписаться в коллектив, как сделать видеопрезентацию или написать CV. А физика с химией - это нудьга, совок, прошлый век.
Не так давно на шоссе Энтузиастов висел билборд, изображающий симпатичную «молекулу серебра», содержащуюся уж не помню в чём - кажется, в -дезодоранте-антиперспиранте. Идиотизм этой рекламы среди трудящихся моей компании заметила только одна пожилая женщина - инженер-химик по дореволюционной профессии. Потом билборд сняли.

Знать, в смысле держать в голове, - учат нас - ничего не надо. Всё можно посмотреть в Яндексе. Это очень продуктивная точка зрения. Если человек ничего не знает, то ему можно впарить всё. А пустая голова очень хороша для закачивания в неё подробностей тарифных планов или свойств разных сортов туалетной бумаги.

В этом деле достигнуты огромные успехи. Мне иногда приходится беседовать с молодыми людьми, поступающими к нам на работу. Они прилично держатся, опрятно выглядят, имеют некоторые навыки селф-промоушена и при этом являются совершенными дикарями: не имеют представления ни об истории, ни о географии, ни о базовых законах природы. Так, у нас работала учительница истории по образованию, не знающая, кто такие большевики.

Чего голову-то забивать? Знать надо совершенно другое. Как-то раз я прошла в интернете тест на знание разных модных штучек, свойственных, по мнению устроителей, образу жизни среднего класса. Тест я позорно провалила, ответ пришёл такой: даже странно, что у вас есть компьютер и интернетом, чтобы пройти этот тест.

Вот именно на формирование такого рода знатоков и рассчитаны современные учебные заведения и современные образовательные технологии.

Мракобесие и невежество - это последнее прибежище современного капитализма. Это не просто некий дефект современного общества - это его важнейший компонент. Без этого современный рынок существовать не может.

Логичный вопрос: кто же в таком случае будет создавать новые товары для «впарки» идеальным потребителям? И кто будет вести человеческое стадо, кто будет пастухами? Очевидно - идеальные потребители для этой цели не годятся. В современных США сегодня эту роль играют выходцы из стран третьего мира, из бывшего СССР. Что будет дальше - трудно сказать. Современный капитализм, вообще современная западная цивилизация не смотрит вперёд, ей главное - сегодняшняя экспансия. И она достигается посредством тотальной дебилизации населения. Потому что это - сегодня главный ресурс.

Серьезно про юмор. Психология смеха и шуток.

Я правда думаю, что смеяться - это то, что я люблю больше всего. Это лечит множество болезней. Возможно, это самое важное в человеке. Одри Хепберн.

Юмор и смех - вещи несерьезные, а это серьезная статья про юмор:)

Когда и зачем нужны смех и юмор, как они помогают стать счастливее? Что такое юмор, как он возникает и что нам дает?..
Юмор и смех - это очень эффективные, не имеющие побочных эффектов, средства борьбы со стрессом, один из основных компонентов счастья, гармонии и успеха.
Считать юмор чем-то несерьезным - вот это и впрямь несерьезно.
Исследователи доказали, что юмористический концерт, например, способен заметно понижать уровень тревожности и депрессии. Ученые исследователи Мартин и Лефкур разработали Шкалу копинг-юмора, измеряющую роль юмора в преодолении стрессовых ситуаций и выяснили, что юмор смягчает стресс, делая его менее угрожающим и вредоносным. Тестируемых, набравших по ней большое количество баллов, тяжелый фильм огорчал в меньшей степени. Удалось также показать, что у таких людей кровяное давление в ответ на погружение руки в холодную воду повышалось слабо. Другие исследователи изучали влияние жизненных событий на положительные и отрицательные эмоции. Они установили, что у людей, которые много смеялись, не наблюдалось умножения отрицательных эмоций, а у мужчин стрессы способствовали усилению положительных эмоций.
Серьезно-научное определение юмора: это позитивное душевное состояние, которое возникает, когда кто-либо говорит или делает что-то нелепое, неожиданное или абсурдное, или складываются подобным образом события, которые мы наблюдаем, и возникает смех. Находя что-либо забавным, человек ощущает особого рода радость, вот почему данная способность важна для счастья. Среднестатистически юмор отмечается примерно 18 раз в день.
В рамках многих исследований выявлена отчетливая взаимосвязь между юмором и счастьем: счастливые люди больше смеются и обладают лучшим чувством юмора.

Что дает нам юмор? Его плюсы, проверенные и доказанные.

1. Экстраверты и сангвиники смеются больше всех остальных, потому что причины для юмора чаще всего появляются при социальном взаимодействии, хотя не обязательно. Рассмеяться можно и читая анекдот, другое дело, что смеяться над ним вдвоем, в компании - намного интереснее.

Юмор способствует тесным отношениям, установлению и укреплению социальных контактов. Общий смех объединяет людей и снимает напряженность между ними, поскольку благодаря ему сообща переживаются положительные эмоции и разряжаются отрицательные. Противоречия устраняются, будучи представленными в комическом свете, и потому оказываются источником не конфликта, а забавы.

Юмор повышает в глазах молодых людей привлекательность друг друга. Исследователи показали, что самокритичный юмор предполагаемого выступавшего делал его обаятельней в глазах зрителей. Ученые обнаружили причину этого: подобный юмор «освещает темную сторону» привлекательных индивидов, которые иначе кажутся лишенными недостатков. Комическое позволяет совместно переживать сильные эмоции, притом положительные, а это - мощный способ укрепления социальных связей. Поэтому если один человек веселит всех, усилится и сплоченность всей группы. Единственное «но» - комизм должен быть уместен!

Благодаря юмору (например, рассказыванию анекдотов) люди начинают испытывать большую симпатию к собеседнику, так себя ведущему, и обе стороны начинают симпатизировать друг другу. Поэтому неудивительно, что одно из правил дружбы - желательность шуток. Однако когда речь идет о браке, ситуация иная: если мужья прибегают к юмору при разрешении стрессовых ситуаций в жизни их жен, сохранить брак сложнее, так как это может быть расценено как уход от проблемы, не желание ее замечать и что-либо делать для ее решения.

2. Когда обезьяна рассмеялась, увидев себя в зеркале, родился человек. Станислав Ежи Лец.

Юмор и смех в полном смысле, как мы его понимаем, отмечается только у людей. Впрочем как и слезы. Что общего у смеха и слез - немного погодя. У кошек и собак, например, можно наблюдать игривость, когда они играют, развивая и оттачивая свои навыки ловкости и силу. Но естественно юмором это назвать сложно. У человекообразных обезьян, которые общались с людьми и обучались языку жестов, наблюдается нечто, похожее на юмор. Улыбками являются беззвучное выражение, показ зубов, гримасы, а смехом - расслабленное выражение, открытый рот, так называемая игривость. Последнее сопровождается частым прерывистым дыханием, что позднее, очевидно, эволюционировало в смех человека.

Что касается человека, когда он начинает смеяться и понимать юмор?.. Улыбаться дети начинают очень рано, в первые недели жизни: когда видят лицо или слышат голос матери, а также когда их щекочут. К четвертому месяцу они уже смеются в ответ на щекотку или какую-либо тактильную стимуляцию, игру в «ку-ку» (в прятки). К концу первого года жизни они реагируют таким образом в ответ на нелепые события, например, когда мать пьет из детской посуды. По-видимому, подобные несоответствия вызывают смех уже в столь раннем возрасте, но лишь в том случае, когда ситуация безопасна и подаются игровые сигналы.

Начали издалека, ходили вокруг да около и добрались до сути. В чем еще польза юмора, кроме налаживания социальных контактов - он делает ситуацию безопасной. Смех и юмор признак отсутствия опасности, признание своей силы, осознание способности справиться с текущей ситуацией.

Мы смеемся, когда события, обстановка не имеют угрожающий характер, и также верно, что когда мы смеемся, ситуация перестает быть такой опасной, неразрешимой.

3. «Я верю, что могущество смеха и слез сможет стать противоядием от ненависти и страха…» Чарли Чаплин.

Смех сквозь слезы, слезы сквозь смех. Можно научиться улыбаться на заказ, можно даже смеяться, когда «потребуется». Настоящий смех от искусственного отличается тем, что человек смеется всем телом, у него пропадает скованность, все органы участвуют в смехе, его трясет всем телом. Если вы заметили, то же самое наблюдается во время слез, плача, который не сдерживается. Отсюда вытекает еще один важный плюс смеха - он снимает накопившееся в теле напряжение. Когда человек сталкивается с опасностью, он готовится, условно говоря, к борьбе. Но иногда люди переходят черту разумного, они живут в состоянии постоянного стресса или готовности к борьбе. Поскольку угрожающая ситуация по большей части существует в голове и не происходит разрядки напряжения в виде самой борьбы, основной ее части - «боя», то такая напряженность и постоянная готовность изматывают, истощают физически и психически. Хронический стресс, как известно, не дает возможности восстановить силы организма и эмоциональное равновесие.

Стресс появляется в голове - чувствуя или прогнозируя опасность, человек начинает прокручивать в голове различные угрожающие ситуации и исходы событий, тело немедленно откликается на мысли и напрягается. Оно затвердевает, теряет гибкость, и в конце концов застывает в таком положении, уже в свою очередь не давая человеку расслабиться, поневоле возвращая его на круги тревожащих мыслей. Смех и слезы - это как ливневый дождь в душный летний полдень - они разрывают панцирь скованности, снимают напряжение, возвращают свободу, дают возможность перевести дух, «освежиться, обновиться».

После всего выше сказанного выражение «смейтесь на здоровье'' приобретает самый буквальный смысл. Хотя естественный смех не учитывает сей фактор, иначе польза смеха сходит на нет.

Настоящий смех - это смех всем телом, когда трясется все тело, пусть до колик в животе. Кстати, такой смех сжигает большое количество килокалорий, и является естественной и поэтому легкой зарядкой. Он способен укреплять мышцы живота, спины и ног. Минута смеха, правильнее хохота, равносильна пятнадцати минутам катания на велосипеде.

4. Во все времена были в почете шуты, комики, клоуны, паяцы и другие комедианты. Они обладали и обладают удивительным талантом показать спорные, болезненные моменты жизни со смешинкой. А, как известно, признаваясь самому себе в своих слабостях, человек становится сильнее.

Ранее шутовской юмор был связан с различиями в статусе и прочими источниками напряженности в обществе, помогал ослаблять напряжение. Теперь в шутках также часто присутствуют этнические, гендерные, ''неприличные" темы, и даже цвет волос.

Шуточные сражения, когда собеседники обмениваются репликами-шутками, не дают конфликту уйти вглубь, разрастись вширь и в то же время снимают напряжение, «выпускают пар» безобидным для всех образом.

5. Кстати, жить со смехом можно научиться, в истории достаточно примеров тому. Многие комики, например, Чарли Чаплин, Джим Керри и другие пережили не самое счастливое детство и молодость, и смех для них стал панацеей от многих бед. Это здоровая реакция психики, когда умение смеяться и смешить становится своего рода компенсацией и нейтрализацией пережитой напряженности.

И последнее, самый здоровый, безобидный, естественный и даже «эгоистичный» смех - это смех над собой.

Люди, которые высмеивают других, не могут признаться себе, что этими качествами обладают сами, поэтому начинают «бороться» с ними в окружающих.

По сути, всегда, когда человек видит комичное в какой-то ситуации, то это так или иначе связано с самим человеком, имеет к нему пусть косвенное отношение.

Например, «бородатый» анекдот, или, точнее, смешная ситуация (см. рис. справа).

Почему он вызывает улыбку - потому что практически каждый человек хотя бы раз в жизни находился в ситуации, когда хотел вспомнить конкретное название и какое-то время не мог этого сделать, и в итоге возникали разные смешные импровизации, «лошадиные фамилии».

Научиться смеяться, и в том числе над собой - только по-доброму, конечно же, с любовью и понимаем - это еще один шаг к своему счастью.

9 самых дурацких предметов искусства проданные за бешеные деньги

Натура художника, как известно, тонка и непредсказуема. Представляем вам 9 самых дурацких произведений художников, которые трудно назвать предметами искусства, но они были проданы просто за космические деньги. Самое интересное, что такого рода «искусство» находит своего покупателя. Если вам интересно, сколько может стоить дерьмо художника, тогда ищите ответ далее в статье.

Дерьмо художника

В мае 1961 года Мандзони собрал собственные фекалии в 90 пронумерованных консервных баночек, в каждой из которых содержалось по 30 граммов, написал на них «100%-е натуральное дерьмо художника» на итальянском, английском, французском и немецком и продал их по цене, равной цене золота той же массы. Текущая цена равна примерно 30 500 евро. 23 мая 2007 года один из экземпляров был продан за 124 000 евро на аукционе «Сотбис».

Мандзони утверждал, что своим проектом он привлекает внимание к доверчивости покупателей произведений искусства. «Всем этим миланским буржуазным свиньям нравится только дерьмо» - сказал художник.

Не существующее искусство, проданное за 10 000 долларов

«Музей невидимого искусства» это организация, которая производит и продает искусство, которое существует только в воображении художника. Работники этого музея предпочитают называть его, «невидимым.» В 2011 году женщина заплатила 10,000 за одно такое произведение искусства под названием «Свежий воздух».Это идеально подходит для большой пустой стены в офисе, не так ли? Если вы думаете, что у вас дома дурацкие картины, подумайте над этим.

Писающий Иисус (Piss Christ) проданный за 15 000 долларов

«Писающий Христос» художника Андреса Серрано - это пластиковое распятие помещенное в стакан мочи самого Серрано. Эта экспозиция была победителем конкурса современного искусства в номинации «Награда в изобразительном искусстве», который был организован в рамках Национального фонда искусств, агентства правительства Соединенных Штатов, который предлагает поддержку и финансирование художественных проектов. Что вызвало скандал, когда она была выставлена в 1989 году, люди были возмущены тем, что Серрано получил 15,000 за работу, плюс 5000 в 1986 году от налогоплательщиков, которые фактически финансируют Национальный фонд Искусства. Серрано угрожали смертью и писали ему гневные письма, в итоге его лишили грантов. Позже «произведение искусства» подвергалось атакам, с целью уничтожения.

«Красное зеркало», продано за 750 000 долларов

Немецкий художник Герхард Рихтер считается самым продаваемым из живущих художников. В октябре 2012 года, Абстрактный аукцион Рихтера установил аукционный рекорд цены для картины живого художника в 34 млн. долларов (1 120 522 000 руб.). Рекорд бsk побит в мае 2013 года, когда его произведение 1968 года Domplatz, Mailand (Соборная площадь, Милан) продана за 37,1 млн. долларов (1 222 687 000 руб) в Нью-Йорке. Но то, что привлекло наше внимание - работа под названием «Зеркало», которая была продана за 750 000 долларов. Хотя мы признаем ценность других работ Герхарда Рихтера, трудно понять значение этой, не так ли? Это просто красная краска с небольшим градиентом на зеркале.

Мусор Нью-Йорка в кубе, проданный за 50 долларов каждый

Мусор одного человека является скульптурой для другого. Любой человек может купить сувенир в Нью-Йорке, но с 2001 года вы можете стать владельцем еще одного важного артефакта города - его мусора. Художник Джастин Жиньяк начал продавать нью-йоркский мусор после того как его сотрудники стали принижать важность дизайна упаковки. Жиньяк решил показать им, как хороший дизайн упаковки может быть убедителен в принятии решения о покупке. Кубики изначально продавались за 10, но Жиньяк поднял цену до 25, когда люди начали воспринимать контейнеры в качестве сувениров из Нью-Йорка. Когда он поднял цену до 50 -. 100, люди стали смотреть на квадратные сундучки с мусором как на искусство. Жиньяк также подготовил ряд дорогих специальных изданий кубов, которые включают в себя мусора оставшийся после инаугурации Обамы и мусор со дня открытия стадионе Янки. Выброшеyный хлам на разных событиях, получает вторую жизнь в этих фирменных кубах.

Картина под названием «Onement Vi», продана за 43,8 млн. долларов

Эта картина абстрактного художника из Нью-Йорка Барнетта Ньюмана продана за рекордные 43,8 млн. на аукционе Сотбис в 2013 году. «Onement Vi» размером 2,6 м х 3 м была написана в 1953 году. Монументальное полотно «Onement VI» относится к картинам- молниям Барнетта Ньюмана: на ней голубая вертикальная полоса «прорезает» темно-синий фон. Это последний из шести работ созданных художником, для его Onement серии. Четыре картины написанные маслом в настоящее время принадлежат музеям. Мы не говорим, что это плохая живопись, но 43 млн. для синего холста это много.

«Моя кровать». Кровать художницы «украшенная» грязным постельным бельем с выделениями и грязным нижним бельем художницы с менструальными пятнами продана за 150 000 долларов

«Моя кровать» является работой британской художницы Трейси Эмин. Впервые создана в 1998 году, она была выставлена в Tate Gallery в 1999 году как одна из работ премии Тернера. Произведение завоевало большое внимание СМИ, простыни кровати были «украшены» выделениями, а на полу был мусор из продуктов жизнедеятельности художницы в её комнате (например, презервативы, трусики с менструальными пятнами, предметы быта, тапочки и т. д). Эмин утверждает, что так выглядела её кровать после того как она провела несколько дней не вставая с ней в период суицидальной депрессии вызванной трудности в отношениях. «Моя кровать» (My Bed) была куплена Чарльзом Саатчи за 150 000 долларов. Саатчи установил кровать в специальном помещении в собственном доме.

Статуя Венера Милосская изготовленная из дерьма была продана за 45 000 долларов

Чжу Чэн, один из самых известных и талантливых скульпторов Китая, помог девятерым его студентам-художникам создать копию Венеры Милосской из экскрементов. Как вы можете видеть на фотографии, Венера Милосская из экскрементов заключена в прозрачную коробку, чтобы защитить её и чтобы оградить посетителей от запаха экспоната художественного музея в городе Чжэнчжоу, Китай. Но самое невероятное, что эта «дерьмовая» статуя Венеры Милосской была куплена швейцарским коллекционером за ошеломляющие 300 000 юаней (45 113, примерно 1 486 768 руб.). Люди тратят деньги на дерьмо.

Фотография «Rhein II» (Рейн II), продана за 4,3 млн. долларов

«Rhein II» фотография, сделанная немецким фотохудожником Андреасом Гурски в 1999 году. В 2011 году снимок был продан на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 4,3 миллиона долларов (141 713 080 000 руб.), что делает её самой дорогой когда-либо проданной фотографией. Аукцион не объясняет, почему такая, казалось бы, простая, и даже скучная картина была продана за такую высокую цену.

10 самых дорогих и необычных консервов

Трюфели и эскарго, скорпионы и черви, мясо кобры и крокодила и другие удивительные деликатесы длительного хранения
Когда на восточное побережье США обрушился мощный ураган «Сэнди», одним из самых покупаемых товаров стали консервы, которые покупатели буквально сметали с полок магазинов. Не секрет, что консервированные продукты ценятся благодаря своему свойству храниться в течение долгого времени. Но справедливости ради стоит отметить, что востребованы они не только во время чрезвычайных ситуаций и катаклизмов. Уже на протяжении двухсот с лишним лет, с момента их изобретения в 1809 году французом Николя Аппером, консервированные продукты популярны в разных уголках земного шара. В СССР консервная промышленность вырабатывала около 600 наименований продукции. А сегодня в продаже можно обнаружить не только доступную на цене тушенку или зеленый горошек, но также как очень дорогие, так и крайне необычные консервы. Перед вами 10 консервов, которые удивят как своей ценой, так и необычным вкусом.

Черная осетровая икра
Цена: 9375 рублей (за 125 г.)

Черная икра - один из самых элитных деликатесов, а также самый дорогой консервированный продукт в мире. Европейцы готовы платить за килограмм «пищи царей» до 5000, а в России стоимость 125-граммовой банки достигает 10 000 рублей. Из-за столь высокой цены черная икра недоступна подавляющему большинству россиян, и это при том, что Россия является одной из немногих стран, входящих в число экспортеров премиального продукта. Высокая цена товара в первую очередь обусловлена тем, что год от года сокращается численность осетровых в Каспийском море. Кстати, именно из-за этого в 2003 году в России была официально запрещена промышленная добыча черной икры. Сегодня в стране работают заводы по искусственному разведению осетров, которые являются главными «поставщиками» элитного продукта. Именно на них добывают икру, которую разрешено продавать легально.

Моллюски Abalone
Цена: 119,5

Абалон - название съедобного морского моллюска, обитающего преимущественно в прибрежных водах Калифорнии, Мексики и Японии. Раковина абалона на форме напоминает человеческое ухо, из-за чего этот вид моллюсков нередко так и называют. Его мясо считается деликатесом, который употребляют в пищу как в сыром, так и в консервированном виде. Правда, полакомиться этим морепродуктом - удовольствие не из дешевых - даже несмотря на то, что сегодня моллюсков абалон не только добывают естественным путем, но и выращивают искусственно. Производством консервированных моллюсков абалон занимается компания Calmex. Дегустация деликатесного продукта обойдется покупателю в 119,5, за которые он получит три цельных моллюска общим весом чуть меньше 500 г. Кстати, помимо того, что мясо абалона употребляется в пищу, из его раковин также делают украшения.

Китайские черные трюфели
Цена: 64

Если в разговоре на гастрономические темы речь заходит о трюфелях, то первая ассоциации у многих бывает связана с шоколадными конфетами. И только настоящие гурманы думают о деликатесных грибах, стоимость которых в неурожайные годы может соперничать с ценой на золото. В мире существует несколько видов трюфелей. Наиболее доступным по цене считается черный китайский трюфель, но не стоит думать, что речь идет о подделке. Более низкая стоимость китайских трюфелей по сравнению с европейскими обусловлена тем, что в Китае из-за обильного роста удается собирать хороший урожай этих элитных грибов. Китайские трюфели экспортируются в Европу, а также идут на изготовление консервов. Свежие трюфели поступают в продажу редко, и найти их проще в консервированном виде. Перед «закатыванием» в банки трюфели очищают и, чтобы не испортить их вкус, добавляют к ним лишь трюфельный сок и соль.

Фуа-гра
Цена: 49,99

Словосочетание «жирная печень» звучит не очень аппетитно, но именно так с французского языка переводится название знаменитого на весь мир деликатеса foie gras. Главными производителями, а по совместительству и основными потребителями этого элитного продукта являются французы. Правда, вовсе не они, а египтяне первыми придумали откармливать гусей и уток с целью получения неестественно большой и жирной печени животного, из которой затем и получают деликатес. Внешне фуа-гра напоминает паштет, но отличается от него способом приготовления, нежным сливочным вкусом и консистенцией. В продаже фуа-гра чаще всего можно встретить в консервированном виде: «entire» - целым куском и «bloc» - в виде фарша с отдельными кусочками печени. Подавать деликатес следует непременно холодным. Продукт принято нарезать ломтиками ножом без зубчиков и класть на чуть подогретый хлеб.

Эскарго
Цена: 60

Одним из любимых лакомств во Франции является эскарго. За красивым названием скрывается блюдо из виноградных улиток, которых некоторые французы предпочитают собирать после дождя прямо в собственных садах. Употреблять улиток в пищу начали еще в античные времена. В Средние века их ели во время постов, а сегодня этот изысканный деликатес подают к столу по праздникам и во время званных обедов. Самому приготовить эскарго довольно сложно: мясо улитки нужно достать из раковины, фаршировать зеленью и чесночным маслом, а затем заложить обратно. Что же касается консервированных эскарго, то их обычно заливают пряным бульоном, который может быть как совершенно простым (вода, соль и специи), так и включать некоторые растительные добавки. Перед употреблением консервированных эскарго бульон следует слить, а улиток промыть под проточной водой.

Каштаны
Цена: 28

Осень в Европе считается сезоном каштанов. Именно в этот период собирают их урожай, а города наполняются ароматным запахом этого лакомства, которое готовят в жаровнях прямо на улицах. Пожалуй, больше других каштаны ценят французы, и не только за их вкус, но и за любовную историю возникновения. По легенде, Юпитер был очарован нимфой Неей, но та не ответила ему взаимностью и превратилась в красивое дерево с резными листьями и вкусными плодами. В России каштаны стали употреблять в пищу при Екатерине II, но после революции упоминания о продукте исчезли даже со страниц кулинарных книг. Возможно, именно поэтому сегодня на улицах российских городов не жарят каштаны. Но зато их можно приобрести в консервированном виде. Каштаны закатывают в банки как в собственном соку, так и в сладком сиропе и даже в бренди. Кроме этого, в продаже можно найти и консервированное каштановое пюре.

Жареные скорпионы
Цена: 5,99

У европейцев одно только упоминание скорпионов обычно вызывает страх и чувство брезгливости. А вот в Азии, наоборот, не прочь полакомиться ими и даже относят к разряду деликатесов. В Китае скорпионов готовят на пару и подают на тонкой лепешке с соусом и овощами, а также делают из них шашлыки, обжариваемые в кипящем масле с листьями лайма и острым перцем чили. А не так давно в продаже появились и консервированные скорпионы. В банке насекомые находятся уже в обжаренном виде и полностью готовы к употреблению. Кстати, именно под воздействием тепловой обработки разрушается яд, после чего скорпиона можно есть совершенно безбоязненно. Вкус насекомого нередко сравнивают со вкусом креветки, правда, с чуть горьковатым привкусом. В Азии считается, что скорпионы обладают лечебными свойствами, а в Европе их нередко покупают в качестве экзотической закуски к пиву.

Бамбуковые черви
Цена: 3,49

До середины 1980-х годов насекомых в Таиланде использовали в пищу в основном в качестве специй. Но после массового нашествия саранчи отчаявшиеся фермеры начали ловить ее, жарить и есть. Постепенно насекомые в Таиланде стали превращаться в своего рода деликатес, и сегодня одним из самых популярных среди них считаются бамбуковые черви. Тайцы называют их «рот дуан экспресс» из-за размера и относительно высокой скорости передвижения. В действительности же это не черви, а личинки травяной моли, которые рождаются и живут внутри бамбуковых стволов. Сегодня их добывают не только срезая растения, но и разводя на фермах. Бамбуковых червей жарят в масле, а затем расфасовывают в пакеты, как чипсы, или упаковывают в консервные банки. Благодаря хрусту, издаваемому при их поедании, бамбуковых червей сравнивают с попкорном, но каким-либо специфическим вкусом они не обладают.

Мясо крокодила в соусе карри
Цена: 10,99

Консервированным тушеным мясом, в быту именуемым просто тушенка, сегодня никого не удивить. Другое дело - консервированное мясо крокодила, появившееся на полках продуктовых магазинов. Справедливости ради стоит отметить, что мясо аллигаторов начали употреблять в пищу не вчера. Во многих ресторанах Сингапура обжаренные в масле кусочки рептилии считаются хитом меню. В Австралии пирог с крокодильим мясом - одно из блюд праздничного стола, а в США из аллигатора готовят суп. Не остались в стороне и жители Таиланда, которые не только угощают мясом крокодила в соусе карри приехавших в страну туристов, но и консервируют продукт, экспортируя его. Рептилий выращивают на специальных фермах, причем несъедобные части водоплавающих идут на производство кожаных изделий. Консервированное мясо крокодила уже готово к употреблению, а есть его советуют с жасминовым рисом.

Мясо кобры
Цена: 14,5

Ни для кого не секрет, что мясо змей употребляют в пищу. Во Франции вплоть до XVII века оно было весьма популярно благодаря своему, как считалось, благотворному влиянию на здоровье и внешний вид. Так, писательница мадам де Севинье даже советовала своей дочери один месяц в году сидеть на «гадючьей диете». Но если на столах европейцев и американцев змеиное мясо так и не прижилось, то в Азии и Африке, наоборот, змея стала одной из «королев» меню. Практически все змеи, в том числе и ядовитые (естественно, после удаления ядовитых желез и специальной обработки), съедобны и пригодны к употреблению. Причем одним из главных змеиных деликатесов является мясо кобры: из него готовят множество свежих блюд, а также консервируют. За пределами Азии именно консервированное мясо кобры можно найти на полках магазинов этнических продуктов и продегустировать.